Adorable pero bastante torpe Personaje de la literatura infantil británica creado hace ya más de medio siglo por el autor Michael Bond, el oso Paddington tiene aquí su primera incursión cinematográfica (se produjeron un par de series en los años 80 y 90) con resultados que no están a la altura de esta querible criatura que en términos de popularidad (y de ventas de merchandising) poco tiene que envidiarle a, entre otros "colegas", Winnie Pooh o Yogui. El film narra el origen (absurdo) de este antihéroe en plena selva peruana, donde ya profesa su pasión por todo lo que sea inglés. Tras la muerte del tío Pastuzo, el pequeño emprenderá un viaje en barco para llegar a la estación de Paddington londinense. Inglaterra, en primera instancia, no es el paraíso que tanto había soñado, hasta que los Brown (Sally Hawkins, Hugh Bonneville, los chicos Madeleine Harris y Samuel Joslin, y la veterana Julie Walters), una familia de Notting Hill que es una caricatura del british way of life, lo adopta y lo inicia en la vida social urbana. Y allí aparece Millicent (una sobreactuada Nicole Kidman), la taxidermista de un museo (parece una versión descafeinada de la Cruella De Vil de Glenn Close en 101 dálmatas) que, con la ayuda del señor Curry (Peter Capaldi), quiere capturar al pobre osito y sumarlo a su colección. Más allá de la pericia técnica y de ciertos hallazgos visuales que remiten al cine de Wes Anderson, es bastante decepcionante descubrir a varios de los mejores intérpretes británicos del momento sometidos a una serie de enredos bastante torpes y no demasiado divertidos. Mejor verlos en Dr. Who o Downton Abbey?
La mano de Dios A los 77 años, Ridley Scott presenta una carrera oscilante, incluso desconcertante si se quiere, pero -aun en sus films más fallidos- siempre con elementos valiosos para el análisis. Tras un arranque esplendoroso con Los duelistas, Alien: El octavo pasajero y Blade Runner, rodó títulos tan disímiles como Thelma & Louise, Gladiador o Gánster americano. Ahora, tras la incomprendida El abogado del diablo, llega la épica bíblica Exodo: Dioses y Reyes, para la que contó con un generoso presupuesto de 140 millones de dólares y con Christian “Batman” Bale como un Moisés que va del susurro al grito sin escalas intermedias. La primera parte (la presentación de los personajes y del conflicto dramático) es más bien esquemática y poco interesante. Estamos en el antiguo Egipto, en el 1.300 antes de Cristo, con el emperador Seti (John Turturro) al frente de un poderoso imperio que durante 400 años viene esclavizando a los hebreos. Su hijo de sangre es Ramsés (Joel Edgerton), pero el faraón tiene predilección por Moisés, quien salvará a su “medio hermano” en pleno campo de batalla. Tras la muerte de Seti y tras conocer de primera mano el trato inhumano que reciben los esclavos en las canteras y las construcciones, Moisés se entera de su origen hebreo, es desterrado y se termina casando y armando una familia con Séfora (María Valverde). Hasta allí lo más flojo del film, con situaciones elementales y personajes secundarios demasiado unidimensionales y recortados en el montaje final (totalmente desperdiciados Sigourney Weaver, Aaron Paul y Ben Kingsley, entre otros) para una película que parece hecha para el lucimiento exclusivo de Bale. Por suerte, en la segunda mitad la cosa mejora porque Scott se dedica al cine de aventuras de proporciones bíblicas a-lo-Cecil B. DeMille en Los Diez Mandamientos: un festival de CGI con las plagas de cocodrilos en el Nilo enrojecido, langostas, moscas, granizo, tormentas perfectas (no es spoiler lo de las aguas del mar que se abren, ¿no?) y escenas de masas. Y hasta hay unas cuantas charlas de Moisés con Dios encarnado en un niño… Bastante mejor que la reciente Noé (no hacía falta demasiado), Exodo… es un discreto melodrama que luego deviene en imponente épica. En sus propias contradicciones y desniveles están las dos caras, las múltiples facetas de un director como Ridley Scott, que probablemente haya concretados hace ya mucho tiempo sus principales aportes al cine, pero que en la etapa final de su carrera no deja de ser un realizador valioso y al que vale la pena seguir.
Cruda, pero entretenida En 2011, una comedia negra sobre las desventuras de tres empleados con sus sádicos jefes se convirtió en un notable (y para muchos inesperado) éxito comercial. Lo esperado, claro, era que más temprano que tarde llegara su secuela. Ya no está Seth Gordon en la dirección, pero Sean Anders logra sostener los hallazgos de la entrega anterior e incluso potenciarlos, al menos durante la primera de las dos horas de duración. Anders fue coguionista de la reciente Tonto y retonto 2, y si bien Quiero matar a mi jefe 2 no es una exaltación tan radical de la comedia vulgar como aquella película de los hermanos Farrelly, sí resulta un exponente de la comedia hollywoodense cruda y ruda, sin demasiadas sutilezas, pero con situaciones extremas que entretienen y fluyen razonablemente bien. Tras los enredos de la película original, Nick (Jason Bateman), Kurt (Jason Sudeikis) y Dale (Charlie Day) deciden independizarse y montar un negocio propio (la venta de un sistema de ducha bastante particular). Tras una entrevista televisiva que los exalta como emprendedores, son abordados por un poderoso empresario (Christoph Waltz) y su hijo (Chris Pine) para asociarse en el emprendimiento que, por supuesto, saldrá del todo mal. Tras ese planteo inicial llegarán las vueltas de tuerca (incluso dentro del terreno policial) y en el desenlace todo se vuelve más mecánico y previsible. De todas maneras, la simpatía del trío protagónico (con sus matices, todos tienen su costado patético y querible) y el regreso de los secundarios de Jennifer Aniston (una adicta al sexo), Jamie Foxx (un hilarante gánster) y Kevin Spacey (un cínico y despiadado empresario que está en la cárcel) mantienen las cosas a flote. Sí, es un cine con algo de fórmula y bastante de caricatura, pero jamás esconde su esencia. Y funciona.
Polémica sátira del sensacionalismo Reconocido guionista (Gigantes de acero, El legado Bourne), Dan Gilroy debuta como director con una provocativa sátira al periodismo más sensacionalista que se ubica en la línea de clásicos como Network: Poder que mata o Detrás de las noticias. Y el personaje de Louis Bloom que interpreta Jake Gyllenhaal se suma a la galería de esos descomunales psicópatas que, por ejemplo, Robert De Niro construyó para Martin Scorsese en Taxi Driver o El rey de la comedia. Una película que, sin dudas, generará debates y ganará unos cuantos premios. Bloom es un ladronzuelo (en la primera secuencia trata de vender unos alambres robados) que, de casualidad, descubre que filmar las situaciones más morbosas que ocurren cada noche en la ciudad de Los Angeles (víctimas de accidentes de tránsito o de asaltos) puede ser un excelente negocio. El film -quizá demasiado cínico y en algunos aspectos un poco previsible- sigue el derrotero de Bloom desde que es un principiante bastante inocente hasta que se convierte en un manipulador sin ética ni moral. Pero, más allá de los eventos en sí (no exentos de tensión y suspenso), lo que hace de Primicia mortal una muy buena película es la exploración psicológica del protagonista (es llamativo que Hollywood apueste a un protagonista tan extremo y perverso y, en ese sentido, el trabajo de Gyllenhaal es memorable) y, sobre todo, su relación con la veterana gerenta de noticias de una cadena de televisión de bajo rating (Rene Russo en un regreso a lo grande), cuyo futuro dependerá cada vez más de las imágenes que aporta Bloom, y con un joven asistente (Riz Ahmed) en sus sórdidos recorridos nocturnos. Poderosa y audaz en su narración, inquietante en su planteo, Primicia mortal encuentra en el trabajo del director de fotografía Robert Elswit (habitual colaborador de Paul Thomas Anderson) un aliado perfecto para también desde lo estético transportar al espectador a un universo que parece irreal, pero que al mismo tiempo resulta tristemente reconocible.
Las miserias del poder Los excesos, el poder, los demonios interiores y el sexo son algunos de los temas centrales de la filmografía de Abel Ferrara. Por eso, una película inspirada en la figura de Dominique Strauss-Kahn, el otrora mandamás del FMI que hasta sonaba como presidenciable en Francia y cuya carrera se derrumbó tras las acusaciones de abusos a distintas mujeres en su contra, parecía una muy buena idea. Y Welcome to New York, con sus logros (que son unos cuantos) y sus absurdos (que en este caso no molestan demasiado) es, en el mejor de los sentidos, un Ferrara auténtico. El primer hallazgo de Ferrara es la elección de su protagonista. Gérard Depardieu, con su cuerpo degradado, su apetito devorador (por las mujeres, entre otras cosas), resulta la criatura indicada, el monstruo perfecto para que el director de El rey de Nueva York y la reciente Pasolini (presentada en la apertura del Festival de Mar del Plata) exponga la impunidad y las miserias del poder y los poderosos. De las orgías con prostitutas de lujo (y con esas perversiones que tanto le gustan a Abel que en este caso incluye un por demás imaginativo uso de champagne y helado) al ultraje de una simple camarera de origen africano en la habitación de un hotel de Manhattan, la adicción al sexo de George Devereaux es el eje, el motor de un relato que gana todavía más densidad cuando entra en escena Simone (Jacqueline Bisset), la esposa del protagonista y verdadera titiritera en bambalinas. No sólo deberá aceptar los nuevos deslices de su patético marido, sino comandar también la estrategia judicial, mientras se da cuenta cómo esa carrera que ella había digitado y construido para su cónyuge se desmorona, se escurre como arena entre los dedos. Como bien indicó Scott Foundas en su crítica para Variety, las escenas entre Devereaux y Simone alcanzan una dimensión cassaveteana… Ferrara está loco, pero su locura se agradece. Es un animal de cine y resulta mucho más lúcido e inteligente de lo que sus por momentos caóticos films podrían indicar. Aquí, prescinde de las bajadas de línea, de los diálogos aleccionadores, de los subrayados innecesarios. Le alcanza con mostrar la carnalidad, la voracidad, la inestabilidad emocional de su antihéroe para dejarnos en claro que estamos en manos de seres humanos con tantos o más defectos que virtudes. La corrupción (empezando por la moral) está en todas partes.
La otra mirada El nuevo film de Lisandro Alonso arranca con un cartel que habla de la leyenda de Xauxa, una suerte de paraíso terrenal, un lugar mitológico que muchos han buscado desde tiempos inmemoriales. Y precisamente de una búsqueda trata la que es su película más ambiciosa (en todo sentido) hasta la fecha. Ambiciosa porque tiene un nivel de producción varias veces más importante que en sus film anteriores, porque cuenta con una estrella de relieve internacional como Viggo Mortensen como protagonista (además de coproductor y músico), porque incursiona -con muchas libertades, es cierto- en el cine de época (con la ayuda del coguionista Fabián Casas), y porque por primera vez apuesta por lo narrativo sin por ello despegarse por completo de lo experimental. El director de La libertad, Los muertos, Fantasma y Liverpool (película esta última con la que mantiene más de un punto en común) se traslada otra vez al Sur y, más precisamente, a los tiempos de la Conquista del Desierto (1882) para narrar las desventuras de un militar danés cuya hija adolescente se fuga con un soldado raso, petiso y criollo. En esa tierra inhóspita, en medio de trincheras y de la guerra contra el indio, el protagonista saldrá en busca de la joven quinceañera, mientras empieza a apreciar los estragos que ha causado en la región un legendario coronel llamado Zuluaga. Si bien en el film hay un poco de todo (tiroteos, secuestros, persecuciones, torturas, cadáveres, encuentros místicos y más), Alonso nunca abandona del todo el estilo minimalista y contemplativo de sus trabajos previos. Hay, sí, elementos de género más fuertes (desde el western hasta el melodrama), pero el director no cede a la tentación de recurrir a resoluciones y golpes de efecto propios de un cine más industrial. Puede que algunos vean a Jauja como la película más "convencional" de Alonso, pero no es mi caso. Es igual (o más) audaz que su obra anterior (con el riesgo adicional de estar hablada en buena parte en danés) y con una apuesta hasta metafísica y espiritual por demás arriesgada (con diferentes dimensiones y viajes temporales). Estamos ante un Alonso más maduro y más conciente de sus búsquedas y de las herramientas a su alcance, un realizador que apuesta al cambio sin traicionarse, que se plantea nuevos desafíos manteniéndose fiel y honesto a sus convicciones. En Jauja -que se presenta en dos formatos distintos según la sala de exhibición (el 4:3 más angosto y el 16:9 más panorámico) y en la que trabajó por primera vez con el notable fotógrafo finlandés Timo Salminen, habitual colaborador de Aki Kaurismäki- hay algo del cine del portugués Miguel Gomes (sobre todo de Tabú) de -por qué no- La película del rey, de Carlos Sorín; de la filmografía del catalán Albert Serra (especialmente a la hora de apropiarse, revisitar y reescribir a su gusto la Historia, ya que lo más lógico hubiese sido que los protagonistas fuesen ingleses y no daneses), pero también esa capacidad para conseguir climas hipnóticos, oníricos y fascinantes. Un director que no busca la poesía de manera premeditada, presuntuosa ni artifical, pero cuya extraña sensibilidad hace que sus imágenes posean una carga lírica y una belleza infrecuentes en el cine contemporáneo. Hay otra mirada y es para celebrar.
Audacia narrativa Los insectos siguen fascinando a decenas de documentalistas y animadores. En este rubro, tras producciones hollywoodenses como Bichos, Hormiguitaz o Bee Movie, la historia de una abeja, llega ahora a la cartelera argentina una propuesta francesa como Minúsculos. Hélène Giraud y Thomas Szabo se basaron en una serie de cortos que ellos mismos habían concebido para televisión y consiguieron trasladar aquel éxito inicial a la pantalla grande. Con un generoso presupuesto de 20 millones de dólares y una apuesta por demás arriesgada (la película prescinde por completo de los diálogos, ya que los insectos se comunican con simples zumbidos), convocaron a más de 1.500.000 espectadores en los cines de Francia y lograron ubicarla entre los 20 precandidatas al premio Oscar al mejor largometraje animado. Todo arranca con una pareja que llega a un encantador paraje de Provence para disfrutar de un picnic bajo el sol. Pero ella está embarazada y, apenas comienzan a sacar las exquisiteces de las canastas, la joven empieza a tener fuertes contracciones. Ambos abandonan raudamente el lugar dejando una generosa oferta alimenticia para miles de bichos de toda clase. La protagonista del film es una vaquita de San Antonio que pierde a su familia y es adoptada por una colonia de hormigas negras, que pronto deberá enfrentarse (cual batalla a-la-Corazón valiente) a las despiadadas hormigas rojas por un botín que, por ejemplo, incluye una caja con terrones de azúcar. Quizás un poco menos espectacular y algo más ardua (sobre todo para los más pequeños) que las propuestas norteamericanas que se sustentan en los diálogos y los gags calculados para generar impacto, empatía, identificación con los personajes y carcajadas, Minúsculos es -vaya paradoja- un gigantesco esfuerzo de producción con una audacia narrativa que merece ser reivindicada y celebrada.
Hábil y escueto nexo hacia el clímax Esta tercera entrega de Los juegos del hambre deja una sensación contradictoria: por un lado, confirma a la saga como una de las mejores del universo literario-cinematográfico destinado sobre todo al público juvenil; por otro, se trata de un film de transición, un nexo indispensable pero no del todo decisivo hacia el cierre que llegará con Sinsajo Parte 2 en noviembre de 2015. No hay dudas de que los fans la disfrutarán tanto como las dos películas anteriores, pero un espectador "imparcial" podría sentir que en estas dos horas no hay tantos conflictos ni escenas de acción como en otros casos e incluso en comparación con las dos partes previas de esta franquicia. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) ha sido rescatada y llevada al ultrasecreto Distrito 13 por la presidenta Coin (Julianne Moore) y su asesor Plutarch Heavensbee (Philip Seymour Hoffman, en uno de sus últimos trabajos antes de su repentina muerte). Allí, luego de hacer que vea cómo el dictador Snow (Donald Sutherland) y su ejército han arrasado con el Distrito 12, del que ella es originaria, la convencen de que se convierta en el emblema, la cara de la revolución. Mezcla de modelo publicitaria, portavoz y líder guerrera, esta Juana de Arco moderna deberá convencer al resto de los distritos de que se sumen a la revuelta. El problema es que Peeta (Josh Hutcherson), su ex socio en los Juegos y su objeto del deseo, está en manos del Capitolio y al parecer con el cerebro lavado para que salga públicamente a denostar a los rebeldes. No conviene adelantar nada más de una trama que avanza hacia una confrontación bélica y que pone otra vez en el centro de la escena el tema de la manipulación de las masas con una mirada bastante satírica, aunque abandona el esquema de realityshow para concentrarse en el submundo (todo transcurre bajo tierra) del Distrito 13. Francis Lawrence y su tocaya Jennifer vuelven a demostrar su oficio para la dirección y la actuación, respectivamente, pero en ambos casos el resultado es menos estimulante que en los dos primeros films. Habrá que esperar, entonces, al desenlace para ver si, una vez alcanzado el clímax, la saga recupera aquel esplendor inicial que en esta tercera parte sólo aparece de a ratos.
Trago amargo Con su ópera prima Te creís la más linda (pero erís la más puta) -rodada con apenas 3.000 dólares y estrenada de forma artesanal hace más de cuatro años- Che Sandoval consiguió un sorprendente éxito comercial en Chile, donde el film se convirtió en un pequeño fenómeno artístico y social. En aquel retrato de las desventuras afectivas de un veinteañero aparecía como personaje secundario el ya cuarentón Cristóbal (interpretado por Sebastián Brahm, también un reconocido director), que en esta suerte de spin-off tiene un protagonismo absoluto. Auténtico perdedor (su esposa se ha ido a Barcelona, la comunicación con sus hijos es casi nula, sus negocios están en la ruina...), nuestro antihéroe perfecto tendrá una noche de excesos y desventuras a la Después de hora (la tragicomedia de enredos de Martin Scorsese). A pura cámara en mano y con ese "slang" tan propio de las calles de Santiago, Sandoval consigue un simpático y al mismo tiempo desgarrador retrato sobre el machismo, la falta de compromiso, las obsesiones, las frustraciones y la angustia del hombre contemporáneo. Como en su primer largometraje, los diálogos -incluso más que la acción- son el verdadero motor de la narración, que en este sentido tiene más puntos de conexión con el Mumblecore estadounidense (y también con la filmografía de John Cassavetes) que con los exponentes más habituales del cine latinoamericano. Cristobal resume mucho de lo peor de Chile (es neurótico, arribista, misógino, racista, culpógeno, alcohólico y hasta con ciertas actitudes psicopáticas) y, en ese sentido, por momentos Sandoval parece regodearse en la crueldad hacia su criatura, pero finalmente su apuesta por el humor negro, la credibilidad del relato y la fluidez de la narración terminan haciendo de Soy mucho mejor que vos una experiencia disfrutable.
Los amantes regulares Con una vasta carrera como cortometrajistas Marques y su colaboradora Hughes Guerreiro debutan en el largo con un film que combina -en general con buenos resultados- el ensayo político y el drama romántico juvenil. En efecto, se trata de una mirada impiadosa al Brasil de los años ’80 (y también de hoy) combinada con un relato de iniciación en el marco de la escuela secundaria. Estamos en 1984 y las imágenes de archivo (y Caminhando, la mítica canción de Geraldo Vandré) nos recordarán que en Brasil se luchaba en las calles por Diretas Já, elecciones libres para salir de una dictadura militar tenebrosa. El movimiento no consiguió su objetivo (el voto fue indirecto), pero terminaría pocos meses después con la elección de Tancredo Neves, quien murió antes de asumir por lo que la presidencia recayó en José Sarney. En ese contexto y en el ámbito de una escuela secundaria bahiana, aparece el protagonista del film, Caio (Pedro Maia), un muchacho de 16 años que vive con su madre (su padre ausente sólo les pasa dinero y lo llama ocasionalmente) y profesa sus ideas anarquistas, mientras experimenta sus primeras relaciones afectivas y cultiva sus gustos musicales. La aparición de Fernanda (Sophia Corral), una simpática chica con la que rápidamente conectará, y la posibilidad de participar en las elecciones del centro de estudiante aparecen como formas de canalizar su frustración, su descontento, su enojo, su bronca, su furia. En sus mejores momentos, Después de la lluvia remite al cine de Olivier Assayas y al Philippe Garrel de Los amantes regulares; en otros, a situaciones más alegóricas y pintoresquistas del Bernardo Bertolucci de Los soñadores y a la autóctona Tango feroz. Más allá de sus desniveles, se trata de un film inteligente, sincero y bastante provocador. Las heridas de Brasil todavía siguen sangrando.