Leer para vivir La lista de Schindler, El pianista, The Reader, El niño con el pijama de rayas y siguen las firmas. La eterna fascinación de Hollywood por el Holocausto continúa ahora con uno de los peores exponentes: la transposición de Ladrona de libros, el best seller de Markus Zusak. Como en la novela, la historia comienza con la narración de La Muerte (la voz grave de Roger Allam) y ese recurso -horroroso- invadirá varias veces la narración. Pero ese arranque no es lo peor: posteriormente escucharemos cómo los actores hablan en un inglés germánico (otros, en cambio, lo harán con perfecto acento británico) para interpretar a personajes alemanes en pleno ascenso del nazismo y la posterior explosión de la Segunda Guerra Mundial. ¿Quieren más? Una mirada superficial, torpe y bastante edulcorada sobre el Holocausto (hay un tono casi de cuento de hadas para contraponer la inocencia infantil con el horror de los nazis) descripta desde el punto de vista de una niña analfabeta que es enviada a vivir con padres adoptivos y pronto desarrollará una fascinación por los libros, personajes sin matices ni encanto, y metáforas y referencias obvias (como la de Ana Frank). Que la narración y la ambientación de época lucen cuidadas, que las actuaciones son dignas… Puede ser, pero es demasiado poco para un film dirigido por Brian Percival, aclamado por su trabajo en la serie Downtown Abbey. La corrección política, esta vez, no alcanza ni para conseguir una mínima corrección cinematográfica.
Un cuento moral que seduce… pero no enamora David O. Russell se ha convertido sobre todo en los últimos dos años en el gran mimado de la Academia de Hollywood y de los críticos estadounidenses con una propuesta y un estilo que pueden considerarse como herederos de Martin Scorsese y Paul Thomas Anderson. Estamos, sin dudas, ante un narrador ingenioso, punzante, cool, con una gran destreza narrativa para articular las múltiples aristas de sus historias, trabajadas siempre de la mano de actores seductores e “intensos”, pero que para mi gusto no llega a concretar ese gran cine que tantos colegas norteamericanos aclaman (el film promedia ¡90/100! en Metacritic). En la misma senda que Buenos muchachos, Casino y Boogie Nights (y con ecos del clasicismo de Raoul Walsh y Preston Sturges), Escándalo americano se propone como un relato moral, una mirada descarnada sobre las relaciones peligrosas entre la mafia y la política, sobre la hipocresía, la corrupción, la impunidad y la doble moral de la sociedad estadounidense, sobre el surgimiento de los nuevos ricos, sobre la contracara de esa "tierra de oportunidades", de ascenso social, pero también de supervivencia del más apto en un mundo dominado por una creciente violencia y traiciones cruzadas. No vale la pena adelantar demasiado del argumento, que arranca en el mítico Hotel Plaza frente al Central Park neoyorquino en abril de 1978 (otro realizador de moda fascinado por los años '70), pero Escándalo americano tiene que ver con mega emprendimientos inmobiliarios en Atlantic City, operaciones encubiertas del FBI, políticos populistas en actividades non sanctas, fraudes financieros, mujeres que están siempre en segundo plano pero terminan dominando a los hombres, gangsters de poca y no tan poca monta, y hasta falsos jeques árabes. Escándalo americano es un film sobre la puesta en escena, pero no tanto sobre la puesta en escena del cine sino sobre las estrategias que montan los propios personajes en sus múltiples engaños (hay algo, lejano, de Nueve Reinas en el procedimiento). Estamos frente a una película sobre el artificio, sobre el tráfico de influencias, sobre la manipulación para ganarse la confianza y aprovecharse luego de la misma para concretar diversas estafas, sobre las falsas lealtades, las alianzas por conveniencia que todos saben -o al menos intuyen- se pueden resquebrajar en cualquier momento. Más allá del innegable talento del director de Tres reyes, El ganador y El lado luminoso de la vida hay algo demasiado cínico, caprichoso y canchero en su ambiciosa acumulación de capas, de saltos temporales, de diferentes narraciones en off, de ese universo de música disco, Duke Ellington y Paul McCartney, en sus personajes masculinos -británicos, italianos y judíos- sobreactuados y no del todo verosímiles (Amy Adams y Jennifer Lawrence están mucho mejor que Christian Bale y Bradley Cooper). El film tiene, además, bastante de ese cálculo, de esos guiños “para ganar el Oscar”: que Christian Bale haya tenido que subir 20 kilos para su personaje y así pueda mostrar su generosa panza en pantalla, que Jennifer Lawrence tenga su momento a pura pose erótica y su pasaje musical (canta Live and Let Die), y así… La película, quedó dicho, es bastante fluida, se sigue con interés, tiene unos cuantos pasajes imponentes y se sumerge con gracia en el espíritu de época setentista, pero también deja la sensación de quedarse por momento a mitad de camino entre el drama familiar, la tragicomedia de época, la denuncia económica y política, el thriller psicológico y el film-noir. Es un film con ínfulas y astucia, es cierto, pero con esos atributos no alcanza para convertirla en una obra maestra sino “apenas” en una buena (o muy buena) película.
Una pareja muy enigmática Alix (la exquisita Emmanuelle Devos) es una actriz de 43 años que está interpretando una obra de Ibsen en el puerto de Calais, en el marco de una decadente compañía de teatro independiente. Ella debe realizar un viaje relámpago a París -donde desde hace ocho años convive con su pareja en una relación que está atravesando una profunda crisis- para presentarse a un casting. Cuando se sube a un tren lo primero que ve es a un misterioso hombre inglés (Gabriel Byrne), con quien iniciará un juego de miradas cruzadas, entre huidizas y seductoras. Tras ese prólogo, seguiremos a Alix (que a los conflictos afectivos le suma una precaria situación económica) en su intimidad y luego en sus sucesivos y cada vez más carnales encuentros con aquel enigmático caballero británico, que arriba a París para participar de un? funeral. El guionista y director Jérôme Bonnell maneja la historia de estos dos extraños amantes (dos almas en pena) con sensibilidad y una bienvenida ligereza (no hay solemnidad, no se recargan las tintas, no se juzgan a los personajes, no se apela al pintoresquismo en sus recorridos por las calles de la Ciudad Luz) y, aunque no se trate de un film particularmente sorprendente, el tono, los climas y -sobre todo- las actuaciones del dúo protagónico resultan más que convincentes. Quizás el aspecto menos logrado sea la omnipresente banda sonora que abusa de unos violines que quitan (o más bien irritan) más de lo que agregan. El tiempo de los amantes podría verse como una versión más sexual y menos intelectual de la trilogía de Richard Linklater con Julie Delpie y Ethan Hawke, como una apuesta menos enfermiza pero con ciertas similitudes con el clásico Último tango en París , de Bernardo Bertolucci; y hasta con algo de la hondura psicológica del François Truffaut de La mujer de la próxima puerta . Pero, más allá de sus referencias y reminiscencias, se trata de una historia de amor con suficientes atractivos y hallazgos como para darse una vuelta por el cine.
Nuestro pasado nos condena No sé si es que se hacen muchas películas así o los distribuidores argentinos las eligen siempre, pero en los últimos meses abundaron las películas (auto)paródicas sobre veteranos (especialmente gangsters) que vuelven al ruedo y deben sobrellevar el peso de los años, del cuerpo y de los golpes de la vida. Robert De Niro es un abonado especial a esta suerte de reciclajes un poco en broma, un poco en serio y aquí se le suma otra que ha estado “casada con la mafia”: Michelle Pfeiffer (también fue parte de Scarface). Lo cierto es que De Niro y Pfeiffer son un matrimonio que viene huyendo de otros mafiosos que quieren vengarse y vive de incógnito gracias a un plan de protección de testigos del FBI que lo lleva cada pocos meses por distintas zonas de Francia, siempre con identidades falsas. Tras un período en París, les toca en suerte un pequeño pueblo de Normandía, donde pronto ellos y sus dos hijos, la seductora Belle (Dianna Agron, vista en Glee), de 17 años, y Warren (John D’Leo), de 14, conmoverán al vecindario y al colegio secundario a puros arranques de violencia. No es que a Luc Besson -productor, coguionista y director del proyecto- le falte experiencia y oficio para esta mezcla entre la comedia física y el film de gangsters, pero aunque en su mixtura de screwball y noir consigue algunos buenos pasajes, el material en líneas generales es bastante rancio, previsible, con mucho regusto a fórmula ya demasiado transitada. Desde hace mucho tiempo, De Niro viene trabajando con piloto automático “por el cheque” (viviendo de sus viejas glorias como mafioso) y, en esa línea, su Fred Blake resulta menos patético que otros personajes suyos recientes. Pfeiffer tiene pocas posibilidades de lucimiento y lo de Tommy Lee Jones (como el agente del FBI que supervisa el estado de la “familia peligrosa”) es directamente penoso, sobre todo porque él siempre ha logrado dotar de enorme dignidad a sus muy diversos trabajos. El director de Nikita, El quinto elemento y El perfecto asesino se dio el gusto de parodiar todos y cada uno de los lugares comunes, clisés, prejuicios y amores/odios que unen a las culturas estadounidense y francesa. También hay aquí algo del espíritu de Mini Espías y hasta de Los Increíbles. El saldo no es vergonzoso, es cierto, pero está lejos de sorprender o fascinar. Un divertimento menor.
Los chicos de la guerra Basada en la primera de las cuatro y muy exitosas novelas de Orson Scott Card, El juego de Ender es una solemne y no demasiado lograda apuesta de ciencia ficción sobre una sociedad militarizada que lucha por su subsistencia ante constantes amenazas extraterrestres. Cinco décadas después de salvarse de forma casi milagrosa de la extinción (una arriesgada acción individual de un guerrero detuvo un ataque que parecía letal para el planeta), los invasores se han robustecido y preparan una nueva ofensiva. El futuro de la Tierra dependerá en buena medida de las aptitudes de unos niños que son entrenados con videojuegos, simuladores y escenarios elaborados gracias a la realidad virtual. Uno de ellos, el Ender Wiggin del título, podría ser a sus 12 años “el elegido” para una estrategia que contenga y luego destruya a las fuerzas enemigas por su destreza, pero también por sus características psicológicas. Es que él ha logrado lo que su padre primero y su hermano mayor después no han conseguido: ser la joya militar elegida por el coronel Hyrum Graff (Harrison Ford), que es el supervisor/mentor del asunto. La referencia a los videogames no es antojadiza: la película es lo más parecido que hay a la experiencia de jugar a la guerra en una Wii, una Xbox o una PlayStation. Allí se condensa (y se limita) buena parte de la propuesta de este film dirigido con el manual básico por el sudafricano Gavin Hood, el mismo que llamara la atención en 2005 con Mi nombre es Tsotsi y luego ingresara de lleno al cine norteamericano con El sospechoso y X-Men orígenes - Wolverine. Si la película se ve con cierto agrado es, sobre todo, gracias a la expresividad y solvencia del pequeño Asa Butterfield, quien ya había demostrado su potencial como protagonista de La invención de Hugo Cabret, de Martin Scorsese. A su lado, los adultos (el apuntado Ford, Viola Davis o un ridículo Ben Kingsley con tatuajes maoríes) son poco más que elementos decorativos. A nivel visual, la película tiene ese despliegue de CGI, vértigo y explosiones al que nos tienen acostumbrados (y por lo tanto ya no sorprenden demasiado) los tanques hi-tech hollywoodenses. Una suerte de sub-Tron: El legado con algo menos de vuelo formal y, debe admitirse, un poco más de nobleza.
Joven y reconocido actor (en los últimos años trabajó en films como E l origen, 50/50, Batman: El caballero de la noche asciende, Looper: Asesinos del futuro y Lincoln ), Joseph Gordon-Levitt debuta como guionista y director con una provocadora y despiadada mirada a la sexualidad masculina. Es que bajo la pátina externa de comedia cínica y cool (su aspecto menos logrado), Entre sus manos esconde lo que es su verdadera esencia y su principal hallazgo: un retrato casi etnográfico sobre los jóvenes de hoy, con sus obsesiones, miedos y miserias a cuestas. El propio Gordon-Levitt interpreta a Jon Martello, un atractivo muchacho de Nueva Jersey que, si bien es todo un Don Juan (no hay chica que se le resista cuando sale de "caza" en los clubes nocturnos), se convierte en un adicto al porno en Internet. En las primeras escenas del film, el protagonista -31 años, de familia católica, con look y cuerpo de marine trabajado en horas de gimnasio- explicará todas y cada una de las ventajas de masturbarse frente a la pantalla de la laptop antes que soportar las exigencias y defectos de cada una de sus conquistas amorosas. Así planteadas las cosas, el lector (especialmente la lectora) pensará que estamos ante una película machista y misógina, pero no es así. Es que las cosas cambian por completo cuando Jon se enamora de Bárbara (notable Scarlett Johansson), una hermosa y voluptuosa joven que poco a poco empezará a mostrar su costado más dictatorial y manipulatorio, y -así- nuestro antihéroe pasará de dominador a dominado, el otrora arrogante seductor devenido en hombre sumiso, el cazador-cazado. Más allá de algunos lugares comunes y estereotipos a la hora de plantear las diferencias entre ambos (que se condensan, por ejemplo, en los opuestos gustos cinematográficos), el film funciona muy bien en su primera mitad gracias a un humor filoso e imágenes (de irónica estética publicitaria) bastante audaces para los cánones actuales de Hollywood. El problema es que en la segunda parte -cuando los roces entre Jon y Barbara y las mentiras de él ponen en crisis la relación- aparece en escena una mujer madura de pasado trágico (la siempre dúctil Julianne Moore) y allí la película entra en una zona bastante más convencional, supuestamente sensible y demasiado aleccionadora. De todas formas, Gordon-Levitt sostiene siempre el relato con inteligencia y dignidad, se muestra como un gran director de actores (se lucen Tony Danza y Glenne Headly como sus padres y Brie Larson como su hermana Monica), y termina construyendo un incisivo ensayo sobre los cambios en las formas tradicionales de la masculinidad. Otra estrella de Hollywood que demuestra que tiene un promisorio futuro también detrás de cámara.
Nacido en Afganistán hace 50 años, pero radicado en Nueva York, Jem Cohen es uno de los directores más prolíficos, diversos e interesantes del panorama internacional. Su filmografía incluye desde documentales hasta varios videoclips para la banda R.E.M., pasando por decenas de cortos (desde trabajos experimentales hasta registros dedicados a figuras musicales como Patti Smith, Fugazi, Vic Chesnutt o Elliott Smith) y elogiados largometrajes de ficción como Chain y Museum Hours. Precisamente, Museum Hours -película premiada en los festivales de Locarno y Toronto- se estrena de manera exclusiva en el MALBA (Figueroa Alcorta 3415), donde se exhibe todos los viernes de enero, a las 22; y todos los domingos, a las 18. Y nada mejor que el cine de un ámbito como el MALBA para albergar a un film cuyo punto de partida es el Museo de Historia del Arte de Viena. Los protagonistas de esta encantadora historia son Johann (Robert Sommer), un ex manager de bandas en la ruidosa escena musical que ahora se desempeña como guardia en la quietud de la sala dedicada a la obra de Pieter Brueghel el Viejo. Allí conocerá a Anne (la compositora canadiense Mary Margaret O'Hara), una mujer de unos 50 años que llega desde Montreal a Austria casi sin dinero ni idea de cómo es el país debido a una emergencia: acompañar a una amiga de la infancia que está en coma en un hospital. Museum Hours -que tiene bastante puntos de contacto con Antes del amanecer, de Richard Linklater, más allá de que sus personajes son más veteranos que los de Julie Delpy y Ethan Hawke- es una delicada película de encuentros en cafés, charlas entre dos seres frágiles y en crisis, caminatas por las hermosas calles de la ciudad nevada, viajes en el transporte público y reflexiones siempre inteligentes sobre el museismo, la historia del arte, la soledad y la madurez, Viena y el cine. Una pequeña joyita para no dejar pasar.
Un spin-off innecesario La saga de Actividad paranormal arrancó en 2007 con un inteligente uso del found-footage para un terror que apostaba más por la creación de climas y la sugestión que por el impacto. El éxito de la franquicia hizo que las películas se fueran acumulando (la quinta llegará en octubre próximo), pero no contentos con semejante bombardeo ahora Oren Peli y compañía nos someten a un spin-off con fuerte impronta latinoamericana y de muy bajo nivel. Dos amigos chicanos de 18 años acaban de terminar la secundaria y se dedican a registrar todo lo que hacen en Los Angeles con su cámara. Mientras pierden -como buenos adolescentes- el tiempo en pruebas tipo Jackass descubren de manera fortuita que en un departamento del mismo edificio se practican… rituales demoníacos. Lo que sigue es un reciclaje de ideas ya vistas en decenas de películas, que van desde posesiones diabólicas, transformaciones, baños de sangre, sótanos ominosos, atmósferas sórdidas y elementos fantásticos (es para rescatar el divertido uso que se hace de un viejo juego Simon) en el contexto de las costumbres cotidianas de familias de origen latino. El problema central, de todas formas, ni siquiera es la absoluta falta de originalidad de la propuesta sino sus tremendas flaquezas formales, su absoluta falta de rigor en el punto de vista y los múltiples caprichos sin justificación de la puesta en escena. Es lamentable que mucho público vaya a ver este subproducto bajo el “engaño” del título, que promete una nueva entrega de la saga cuando en realidad es una derivación muy menor. Se trata, de todas maneras, de un arma de doble filo: lo que empezó como una promisoria franquicia ya se parece demasiado a un abuso y da claras, contundentes señales de fatiga.
Desde la llegada de John Lasseter a la dirección creativa de Walt Disney Animation Studios, este pionero de Pixar ha logrado combinar el clasicismo que ha sido desde siempre la marca de fábrica de la productora más tradicional de Hollywood con una impronta, guiños y un look más modernos. Es paradójico que, justo en momentos en que esa compañía en muchos sentidos revolucionaria que es Pixar recibe todo tipo de cuestionamientos por cierto achatamiento de sus películas (sobre todo por apostar más a las secuelas de sus éxitos que a films originales), las mayores sorpresas provengan del ala supuestamente más conservadora del holding. Luego de la audaz y nostálgica Ralph el demoledor , Disney regresa a un terreno que le dio muy buenos resultados con Enredados y que continúa la línea histórica de sus princesas que luchan por conseguir independencia y libertad. Si en aquel film de 2010 el punto de partida fue un cuento de hadas de los hermanos Grimm, aquí la inspiración original proviene de La reina de las nieves , del danés Hans Christian Andersen. El resultado es narrativamente impecable (las casi dos horas que suman entre el también notable corto previo en homenaje al ratón Mickey y este largometraje transcurren a toda velocidad y con enorme fluidez) y visualmente prodigioso. Pocas veces la tan mentada "magia", los poderes sobrenaturales y los elementos fantásticos fueron captados y transmitidos con el despliegue de recursos y el virtuosismo formal que a cada instante aflora en Frozen . Los directores Chris Buck ( Tarzán, Reyes de las olas ) y Jennifer Lee (guionista de la mencionada Ralph el demoledor ) cuentan la historia de dos hermanas: la entusiasta e impulsiva Anna y la fóbica Elsa. En el caso de esta última, debe hacerse cargo del trono de Arendelle tras la muerte de sus padres, pero tiene pánico del alcance de sus poderes (es capaz de congelar todo con una facilidad asombrosa), ya que nunca ha podido controlarlos cuando se pone nerviosa o se enoja. La tensión entre estas dos hermanas de personalidades opuestas crece cuando deben abrir el palacio al pueblo y cuando Anna empieza a tener sus primeras experiencias amorosas. El poder de Elsa se convierte en su peor enemigo y en el sino trágico de sus súbditos, que sufren un invierno desolador e interminable. Tras un arranque típico de intrigas palaciegas con números musicales algo convencionales, en la segunda mitad llegan los múltiples momentos de comedia (que los espectadores más pequeños sabrán agradecer), sobre todo con la aparición de un reno y de un muñeco de nieve con nariz de zanahoria llamado Olaf. Pero, más allá de su logrado reciclaje de la simbología de una típica historia de amor del siglo XIX con enfrentamiento entre el Bien y el Mal, de esas que contraponen la inocencia y la codicia, lo que distingue por sobre todo a este 53º largometraje animado de Disney es su belleza deslumbrante, aquí amplificada por el uso del 3D y el trabajo esplendoroso con imágenes en pantalla ancha.
Es la historia de un amor como no hay otro igual Conocido en la Argentina gracias a Juegos de amor esquivo y Cous Cous, la gran cena, Abdellatif Kechiche consigue el mejor film de su carrera con una propuesta tan audaz y ambiciosa (dura tres horas) como fascinante y conmovedora. A partir de una novela gráfica de Julie Maroh, el director de origen tunecino narra la historia de Adèle (Adèle Exarchopoulos), una quinceañera en pleno despertar sexual. Lo que arranca como un sensible retrato de las contradicciones, inseguridades y confusiones de una adolescente que busca reafirmar su identidad, luchar contra su inestabilidad emocional con irrupciones de angustia, y sostener su autoestima en el ámbito de un colegio secundario, derivará luego hacia otras etapas -con un ingreso como auxiliar en un jardín de infantes y más tarde como maestra en una escuela primaria- con un recorrido que alcanzará seis años de su vida. De todas maneras, el eje principal de este film es la apasionada historia de amor que la protagonista mantiene con Emma (interpretada por Léa Seydoux), una artista plástica algo mayor que ella que la iniciará en el universo gay-lésbico. Mucho se han comentado las largas y explícitas escenas de sexo que la película contiene, pero no hay en ellas nada de explotación ni de regodeo voyeurista. Están narradas con la misma intensidad, cercanía y naturalidad con que se expone cada instante de la vida de estas dos chicas. La de La vida de Adèle es de esas experiencias transformadoras que son imposibles de explicar en palabras. Se podría hablar de la consagratoria actuación de Exarchopoulos (sin dudas, ha nacido una estrella), del inmenso talento de Kechiche para poner la cámara en el lugar justo, para marcar y al mismo tiempo “liberar” a sus actrices, para observar y captar cada ínfimo detalle que luego adquiere dimensiones insospechadas, para ir y volver de la comedia al drama con una facilidad asombrosa… Pero ninguno de estos conceptos alcanza para describir la verdad que el realizador de Vénus noire y sus dos intérpretes consiguen en cada fotograma. La conflictiva cotidianeidad escolar, los diversos entornos familiares, el universo de la militancia secundaria, el mundo queer, el ámbito de los intelectuales y los galeristas, las referencias literarias (Marivaux sobre todo)… Esos y muchos otros elementos conviven -con insólita armonía- durante las magistrales tres horas de este fascinante, conmovedor e inolvidable film.