El enemigo interno Que este film haya ganado el Premio Especial del Jurado en Locarno, el del Público en Nantes y el máximo galardón de la Competencia Internacional del BAFICI 2012 y -peor aún- que sea aclamado por no pocos críticos de primera línea como una obra maestra a contracorriente del cine “convencional” me hace pensar en la sobredosis de esnobismo y en lo mal que está por momentos el circuito de festivales (o, en caso contrario, lo mal que puedo estar yo). La película -que me recordó a los peores trabajos de Amos Gitaï- es de una banalidad, una torpeza, un trazo grueso, con personajes tan forzados y caricaturescos, que poco menos que indigna. Sobre todo, porque se mete con temas muy pesados como el (anti)terrorismo en Israel. En este caso, Lapid describe el accionar de unos policías que, esta vez, no deben enfrentarse con fanáticos palestinos sino con un patético grupo revolucionario integrado por compatriotas. Ni el espíritu tragicómico, ni algunas osadas observaciones sobre la contradictoria sociedad israelí, ni su "moderno" y experimental sistema narrativo alcanzan a redimir a una película que no tiene prejuicios, es cierto, pero tampoco demasiado talento.
La desolación de Smaug, segunda entrega de la trilogía cinematográfica basada en el clásico literario de J.R.R. Tolkien, empieza con un chiste: un cameo del propio director, Peter Jackson, emulando a los que solía hacer en sus películas Alfred Hitchcock. Esa efímera broma cinéfila sintetiza de alguna manera los logros nada menores de esta segunda entrega, que resulta bastante más fluida, alegre, articulada y llevadera que la primera. Aun sin las escenas musicales del film inicial e incluso con la inevitable acumulación de diálogos pomposos recitados con voces graves y solemnes, La desolación de Smaug ofrece -por un lado- una mayor densidad dramática y -por otro- más y mejores escenas de acción. En este sentido, se destaca, por ejemplo, un escape de los enanos a bordo de unos barriles por un río correntoso en medio de un enfrentamiento entre elfos y orcos, que constituye una maravilla coreográfica. Este segundo episodio sigue el siempre tortuoso derrotero de los pequeños y aguerridos protagonistas en su largo viaje hasta la Montaña Sagrada (Montaña Solitaria en el libro original) custodiada por el dragón Smaug con el objetivo final de que Thorin (Richard Armitage) pueda recuperar el reino de Erebor. Como si fuese un recorrido por un parque temático, Bilbo Bolsón (Martin Freeman) y la docena de compañeros de aventuras -ocasionalmente ayudados por el mago Gandalf (Ian McKellen)- se enfrentarán con arañas gigantes en un bosque, contra los elfos (que los encarcelarán durante un tiempo) y los horrendos orcos (que también buscan las riquezas de Erebor), mientras reciben ayudas esenciales, como la del personaje del contrabandista Bardo (Luke Evans). Esta segunda película -que si bien no alcanza la jerarquía de El señor de los anillos significa una sustancial mejora respecto de Un viaje inesperado- tiene un humor menos obvio y más logrado e intenta construir cierta tensión romántica a partir del triángulo amoroso entre el guerrero Legolas (Orlando Bloom), la bella Tauriel (Evangeline Lilly) y el enano Kili (Aidan Turner). Mucho se ha discutido sobre el exceso de convertir las menos de 300 páginas del libro de Tolkien en una saga de tres películas y 9 horas en total, pero mientras Un viaje inesperado tardaba demasiado en arrancar y su duración se sentía en el cuerpo, aquí la experiencia resulta mucho más satisfactoria. A Peter Jackson, esta vez, habrá que darle la razón.
Un relato sobre la historia de la familia del director con narración en off y con el protagonista en cámara cubriría, en principio, todos los lugares comunes del documental de autor que domina el panorama local en los últimos tiempos. Sin embargo, Colombo trasciende aquí el ombliguismo y las modas para convertirse en una suerte de detective que desvela un complejo entramado de secretos, mentiras, abusos y excesos que dominó a varias generaciones de su familia. La obsesión del realizador por la historia de su abuelo (un italiano que combatió en la Segunda Guerra Mundial y se instaló luego en Santiago del Estero, donde llevó durante años una doble vida y tuvo siete hijos) lo lleva luego a bucear en los traumas de su propia madre y de varios otros integrantes de su familia. El film se mete con temas muy pesados, pero lo hace siempre con una extraña mezcla de intimidad y pudor, de contundencia y recato. El resultado es por momentos conmovedor y siempre fascinante.
Tras incursionar en la ficción con El perseguidor, Víctor Cruz -reconocido productor- regresa al documental luego de La noche de las cámara desiertas con este trabajo observacional sobre la relación entrenador-pupilo en el gimnasio El Ferroviario que el gremio La Fraternidad tiene en el subsuelo de la estación Constitución. El film arranca y termina con una pelea (relatada por el gran Walter Nelson) y, en el medio, expone la trastienda del ambiente (desde los entrenamientos hasta el pesaje previo a un combate) en un ámbito poblado por pugilistas -la mayoría de segunda o tercera línea- del sur del conurbano bonaerense. No es precisamente el primer documental sobre boxeo nacional o extranjero (de hecho, ya se había filmado allí Boxeo Constitución, de Jakob Weingartner; y el gran Frederick Wiseman hizo hace un par de años Boxing Gym), pero Cruz logra capturar pequeños grandes momentos (como la charla sobre los códigos de honor en la saga de El Padrino) con el sólido aporte del DF Diego Poleri (y la colaboración de Lucio Bonelli) y el impecable trabajo de sonido de Martín Grignaschi.
Fanatismos de ambos bandos Este joven director venezolano radicado en los Estados Unidos construyó un tenso thriller que trabaja (con elementos ficcionales pero sobre indicios surgidos de las investigaciones reales) sobre la hipótesis de un tercer atentado que debía producirse en Buenos Aires poco después de la voladura de la sede de la AMIA en 1994. El film está narrado desde los puntos de vista opuestos de Ahmed (Mohammed Al Khaldi), un fundamentalista libanés que vive de incógnito en Venezuela -donde llega a formar una familia- a la espera de instrucciones para un atentado suicida; y de David (Vando Villamil), un agente del Mossad que sigue las distintas pistas para desentrañar la compleja madeja de intereses. Concebida con indudable oficio y con un sólido acabado técnico, pero con algunos lugares comunes y estereotipos a la hora de describir el fanatismo religioso (de ambos lados), Esclavo de Dios se constituyó en una verdadera rareza dentro de la Competencia Latinoamericana del reciente Festival de Mar del Plata. Pocos días más tarde, llega el momento de su estreno comercial en una decena de salas. Una película para debatir…
Durmiendo con el enemigo Cuesta entender cómo el director de Legalmente rubia puede haber caído tan bajo. En este thriller sobre espionaje industrial no deja fórmula y estereotipo sin gastar, sobre todo a la hora de denunciar la ambición desmedida de las grandes corporaciones y la codicia (y falta de escrúpulos) de sus despiadados ejecutivos. Tras la profunda crisis de Wall Street, las cosas ya no son fáciles para los jóvenes emprendedores. Lo sabe bien Adam (Liam Hemsworth), que se queda sin trabajo y debe pagar el tratamiento médico de su padre (Richard Dreyfuss). Así, quedará en medio de dos peces gordos del negocio de los celulares (Harrison Ford y Gary Oldman) y se enamorará de una bella experta en marketing (Amber Heard), a quien perderá por sus actividades non sanctas y, obviamente, recuperará cuando muestre su faceta más sensible. Luketic ya había trabajado en 21: Blackjack la idea de jóvenes brillantes que ponen en jaque a (y también son víctimas de) los grandes holdings. Aquí se maneja siempre a fuerza de lugares comunes, con una superficialidad pasmosa y con muy poco ingenio y creatividad (la escena casi calcada de La conversación, de Francis Ford Coppola), con dos protagonistas carilindos como Hemsworth (Los juegos del hambre) y Heard (esta semana también en Machete Kills) y actores veteranos (Ford, Oldman, Dreyfuss) en papeles secundarios que sólo tienen un par de chispazos y momentos simpáticos. Demasiado poco para semejantes talentos involucrados.
Así como extendió (quizá más de lo conveniente) la inspirada saga de Mini espías , Robert Rodriguez decidió que una película sobre Machete -el ex agente federal mexicano devenido inmigrante ilegal, agente secreto, implacable asesino a sueldo e irresistible donjuán en los Estados Unidos- no era suficiente y, apenas tres años después de aquella comedia negrísima, decidió retomar al personaje interpretado por el casi septuagenario y monosilábico Danny Trejo. Si el primer film funcionaba bien -aunque con un efecto bastante efímero- con su mezcla de violencia con excesos gore (cabezas cortadas, chorros de sangre, cadáveres al por mayor), erotismo primario (mujeres voluptuosas exponiendo sus curvas y exagerando sus gestos seductores y su adoración por Machete) y cierta incorrección política (dar vuelta los estereotipos con un héroe mexicano haciendo estragos en medio del establishment estadounidense), en esta secuela la propuesta nostálgica de ese cine clase B de explotación mixturada con algo de la saga de James Bond se agota mucho antes. Tras un prólogo muy simpático (un trailer a-la- Star Wars con Machete luchando en el espacio y un look retro con efectos de copia en 35mm rayada), arranca el film con el protagonista siendo reclutado por el mismísimo presidente de los Estados Unidos (Charlie Sheen) para enfrentar a un malvado esquizofrénico (Demián Bichir), cuya personalidad escindida (mitad narco, mitad "revolucionario") lo lleva a apuntar un misil hacia Washington. En la segunda mitad -cuando la película ya naufraga en un mar de clichés y repeticiones-, aparece un segundo villano llamado Voz (Mel Gibson), un traficante de armas que utiliza sus millones para sembrar el caos en el mundo. Para completar el panorama de enemigos de Machete está Sofía Vergara ( Modern Family ) como la dueña de un burdel de armas tomar. Uno de los principales placeres de Machete Kills consiste en disfrutar de estrellas que desfilan brevemente en pantalla en delirantes personajes secundarios (algunos no llegan más que a cameos): desde Antonio Banderas hasta Cuba Gooding Jr., pasando por la ex Disney Vanessa Hudgens o la diva pop Lady Gaga. Sin embargo, con el correr de sus 107 minutos la eficacia de esta secuela se va desintegrando y, así, la acumulación de caprichos, homenajes obvios y situaciones extremas no funciona ni en plan de "placer culpable". Una pena, porque el director de El mariachi y Del crepúsculo al amanecer es un artista con indudable talento, creatividad y pasión cinéfila. Su prolífica carrera permitirá reencontrarnos pronto con sus mejores atributos.
En 1947 (con el mundo todavía en plena crisis de posguerra), el antropólogo noruego Thor Heyerdahl decidió emprender junto con otros cinco acompañantes un largo viaje a bordo de una precaria balsa de madera construida con la misma técnica usada por aborígenes peruanos varios siglos atrás con la idea de demostrar su teoría de que la Polinesia había sido poblada desde América del Sur y no desde Asia, como sostenían los científicos de la época. Lo que reconstruye, entonces, esta ambiciosa producción (una de las más caras del cine escandinavo, con casi 17 millones de dólares de presupuesto) es la travesía de 7000 kilómetros -no exenta de desafíos y complicaciones- durante 101 días por el océano Pacífico desde el puerto del Callao hasta la Polinesia. No es la primera vez que esta historia de Kon-Tiki -nombre de la balsa, en honor al dios solar de los incas- se hace pública. De hecho, el propio Heyerdahl la convirtió en un best seller literario primero, y luego en un documental ganador del premio Oscar. Pero ahora, con todos los medios del cine contemporáneo a disposición (incluidos, claro, los efectos visuales concebidos en computadora), los directores Joachim Rønning y Espen Sandberg la transformaron en un intenso drama de supervivencia (sacrificio, solidaridad y fortaleza moral) de épicas proporciones. Es que sólo uno de los seis tripulantes tenía conocimientos de navegación, mientras que el protagonista, Thor, ni siquiera sabía nadar. Y los tiburones, en esas aguas, abundan y acechan? Es cierto que la película pierde bastante en la casi inevitable comparación con la reciente Una aventura extraordinaria (Life of Pi), ya que el film de Ang Lee alcanzó mayores dimensiones líricas y espirituales, pero Kon-Tiki recupera con absoluto profesionalismo un estilo old-fashioned cercano al clasicismo hollywoodense, que hace muy eficaz y llevadera la narración. No extrañó, por lo tanto, que la Academia la nominara al Oscar al mejor largometraje extranjero. El público argentino tendrá la posibilidad de determinar si semejante reconocimiento fue o no merecido.
Hace pocos meses vi en la competencia oficial del Festival de Cannes una joyita de Hirokazu Kore-eda titulada Like Father, Like Son, donde dos matrimonios deben repensar y reconstruir sus vidas cuando se enteran de que en verdad sus hijos no son sus hijos sino que fueron intercambiados por error en la maternidad del hospital. La premisa no es nueva -algo de eso hay también en clásicos como El príncipe y el mendigo (Mark Twain) o La comedia de las equivocaciones (William Shakespeare-, pero el maestro japonés expuso en toda su dimensión psicológica las contradicciones, dudas, rechazos, enojos, frustraciones y resentimientos de quienes hasta entonces tenían una existencia determinada y, a partir de esa revelación, se ven obligados a adaptarse (o no) a una nueva realidad. El comentario social estaba presente, sí, pero en el trasfondo, nunca en primer plano ni subrayado. En El otro hijo el punto de partida es prácticamente el mismo, pero aquí la moraleja tiene alcances sociopolíticos y religiosos en función del conflicto palestino-israelí. Y allí donde surge la alegoría es donde el conflicto íntimo se resiente. De todas maneras, hay que aclarar de entrada que la directora Lorraine Lévy (Mes amis, mes amours y La première fois que j'ai eu 20 ans) maneja la cuestión con bastante elegancia y recato, sin caer en la bajada de línea, aunque también es cierto que la resolución (el tema de la aceptación del otro, del distinto) es un poco complaciente y concesiva. El error del hospital se conoce aquí al principio de la trama: Joseph, el presunto hijo judío de un matrimonio formado por un coronel israelí y una médica de origen francés, se hace la revisión médica para cumplir con su servicio militar, pero su examen de sangre no es compatible con los datos genéticos de su padre. Es, en verdad, hijo de una pareja palestina, cuyo supuesto hijo (que en verdad no es palestino sino judío) regresa luego de haber estudiado en París. Y allí arranca una larga serie de enredos y confesiones, peleas y reconciliaciones, (re)descubrimientos y nuevas relaciones. La película se sigue con interés y sin dificultad, pero también es cierto que uno puede adivinar (casi) todo lo que irá ocurriendo y esa previsibilidad, esa falta de sorpresa, termina conspirando contra el resultado final.
El apocalipsis, ahora, está encantador En su primer largometraje como directores, Rogen y Goldberg recuperan el espíritu delirante, desenfadado, provocador, lúdico y descontrolado de sus guiones para Super cool, de Greg Mottola; y Piña Express, de David Gordon Green. Comedia sobre el fin del mundo, sátira sobre los tópicos (clichés) del cine de terror religioso (diabólico), autoparodia sobre la comunidad artística de Los Angeles (con hilarantes cameos incluidos), ensayo sobre los códigos, miserias y temores (lealtades y traiciones) de la amistad masculina, Este es el fin combina el tono de sketch a-lo-Funny or Die, ciertos elementos popularizados por la factoría de Judd Apatow, la celebración del descontrol de la saga ¿Qué pasó ayer? y la irreverencia cinéfila respecto de los géneros clásicos del cuarteto británico Edgar Wright-Simon Pegg-Nick Frost-Martin Freeman. Lo primero que llama la atención de Este es el fin es que todos los personajes son actores conocidos haciendo de… ¡sí mismos! Seth Rogen recibe a su amigo (un inseguro de manual) Jay Baruchel y -luego de una buena dosis de drogas, alcohol y videojuegos- van a una fiesta organizada en su nueva casa por… James Franco. Mientras las estrellas de Hollywood (cobardes, neuróticas y narcisistas) se divierten, afuera se desata el apocalipsis. Sí, Los Angeles se convierte -literalmente- en el infierno. Entre cameos extremos (véanse, por ejemplo, los de Michael Cera o Channing Tatum), bastante humor escatológico, algo de misoginia y mucha testosterona, los seis protagonista intentarán resistir el fin del mundo atrincherados en la mansión de Franco, entre múltiples referencias al cine de terror, de ciencia ficción y, claro, a la comedia negra a pura adrenalina. Si bien ciertos aspectos sobre la adolescencia tardía, la incapacidad (o desinterés) por madurar resultan a esta altura un poco repetidos, Este es el fin trasciende el mero ejercicio de la comedia sobre “niños-grandes” al inscribirla dentro de una historia llena de adrenalina, sorpresas, enredos y delirios narrativos y visuales. Esa creatividad, esa desfachatez de la dupla Rogen-Goldberg, es la que hace de esta película una muy simpática y disfrutable experiencia, de implicancias… casi lisérgicas.