Este tercer largometraje de ficción de Verónica Chen (dirigió Vagón fumador y Agua, además del breve documental-ensayo Viaje sentimental ) es una bienvenida rareza, una propuesta que -más allá de sus imperfecciones- resulta audaz, provocativa y, en varios pasajes, fascinante. Ambientada en buena parte en un barrio chino porteño que en pantalla gigante luce todavía más pintoresco que en la realidad, Mujer conejo propone una explosiva combinación entre el thriller, el drama romántico, elementos fantásticos e irrupciones del gore más sangriento a partir de un festival de efectos visuales y secuencias de animé. Y, para completar el cóctel, tampoco falta la mirada política sobre la xenofobia y la discriminación en el seno de una sociedad que todavía no termina de aceptar del todo su ya incuestionable sesgo cosmopolita. La heroína de Chen se llama Ana (la hermosa Haien Qiu), una joven de lejano origen chino y que ni siquiera habla ese idioma. Integrada a la vida en la Argentina, ella trabaja en el área de habilitaciones del gobierno porteño, mientras va y viene con un novio médico (Luciano Cáceres). En una de sus tantas inspecciones, empieza a descubrir que esa zona de Buenos Aires no es sólo un polo gastronómico y de venta de chucherías importadas. Lo que sigue es una inquietante articulación de elementos que incluyen desde el trabajo esclavo instrumentado por la mafia china, la corrupción administrativa y oscuras investigaciones genéticas con animales que convierten a los conejos en una rabiosa plaga asesina. Aún con sus desniveles narrativos y actorales que le impiden ser un producto del todo convincente, este film anómalo y desprejuiciado (sostenido por un excelente equipo técnico que le dio un impecable acabado visual y sonoro) termina trascendiendo sus irregularidades para convertirse, en definitiva, en una valiosa mirada a la problemática de la identidad a partir de un arrasador despliegue de creatividad y delirio. Bienvenidos sean los riesgos en el muchas veces adocenado cine argentino actual.
Un realizador de prestigio como el canadiense Denis Villeneuve (su anterior trabajo, Incendies , estuvo nominado al Oscar), un elenco de lujo pletórico de figuras (Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano), un eximio director de fotografía (Roger Deakins), productores famosos como Mark Wahlberg, y un guión que combina una premisa inquietante (el secuestro de niños), un crescendo de tensión y suspenso propio del cine de género, y cuestiones de múltiples implicancias (la culpa, la venganza y la redención). Así de ambiciosos son los 153 minutos de La sospecha , película que se vincula con otros dramas adultos de Hollywood como Río místico y thrillers como Zodíaco . Lo que en principio aparece como una descripción de la sencilla existencia de la clase media urbana de Filadelfia se transforma a los pocos minutos en un verdadero calvario (para los protagonistas y también para un espectador que deberá afrontar todo tipo de situaciones extremas). Es que durante una celebración conjunta del Día de Acción de Gracias entre dos familias de amigos, las hijas menores de ambos matrimonios (Hugh Jackman y Maria Bello, por un lado; y Terrence Howard y Viola Davis, por el otro) desaparecen de la manera más inesperada y absurda. Cada uno de los padres reaccionará de muy diferentes maneras (obsesión, violencia, depresión) y -sobre todo el visceral carpintero que interpreta Jackman- apelarán a todos los recursos que estén a su alcance para desentrañar el caso. Aquí, claro, entran a jugar los dilemas morales (la justicia por mano propia, el ojo por ojo y más) y el público se verá obligado a cuestionarse cómo actuaría ante una situación semejante. En la segunda mitad adquiere un fuerte protagonismo el personaje de Loki (Jake Gyllenhaal), el joven y eficaz detective que investiga el caso en una carrera contra el tiempo complicada no sólo por las contradicciones íntimas y la dureza de los hechos que debe afrontar, sino también por las permanentes presiones de los padres. La película es de una densidad psicológica infrecuente en el Hollywood contemporáneo. El problema es que, en ese saludable intento de abarcar las múltiples facetas policiales y emotivas de la historia, termina en una maraña de situaciones y en una acumulación de vueltas de tuerca que dificultan su seguimiento. De todas formas, en un contexto superficial como el actual, se agradece este tipo de cine que busca y arriesga con no pocas dosis de inteligencia y profundidad.
La mujer de mi vida Frédéric Beigbeder es una estrella mediática en la sociedad francesa: crítico literario, exitoso escritor, animador de TV, editor periodístico y, ahora, también director a partir de una película basada en su propia novela autobiográfica El amor dura tres años. En los títulos de apertura hay una suerte de videoclip con estética publicitaria que resume el enamoramiento, esplendor, decadencia y fin de una pareja durante los tres años a los que alude el título. Luego del divorcio, Marc Marronnier (Gaspard Proust), alter-ego de Beigbeder, se convierte en un alma en pena, un loser depresivo y decadente. En medio de la crisis de angustia y soledad escribe con seudónimo un libro (sí, con el mismo título de la película) que se convertirá en best-seller y ganador de un prestigioso premio literario. Justo cuando parece encontrar al amor de su vida (la hermosa Louise Bourgoin, vista en Un suceso feliz) y todo marcha viento en popa, se hace público que él es el autor del popular libro en cuestión. Alice, claro, se siente traicionada (sobre todo porque se trata de un ensayo bastante misógino para una joven de mirada feminista) y ella lo abandona. El film arranca como una (tragi)comedia un poco obvia y superficial, de esas que parecen adscribir a todo tipo de fórmulas recicladas del cine norteamericano, pero poco a poco se va tornando cada vez más simpática e irresistible porque los personajes están bien, los intérpretes son graciosos, los conflictos sobre las relaciones de pareja (que van de lo edulcorado a lo amargo) resultan creíbles, la narración es fluida y la mirada a la sociedad francesa no es condescendiente. Si a eso se le suma la incidencia en la trama de la música del gran Michel Legrand (con aparición personal incluida), El amor dura tres años surge como una más que atractiva propuesta.
Despedida a lo grande “Estoy cansada de ser graciosa”, dice Eva -la masajista (y casi terapeuta) que interpreta Julia Louis-Dreyfus- en lo que parece ser algo así como una confesión de honestidad brutal y poco menos que el leit-motiv del film. Es que la película -que durante muchos minutos es divertida a partir de su andanada de diálogos punzantes escritos por esa consumada satirista que es Nicole Holofcener- de golpe se va volviendo más y más melancólica, tristona… y final. Final, también, porque uno no puede dejar de pensar en cada fotograma en el que aparece el gran James Gandolfini en que ya no estará más, en que se fue demasiado pronto… La guionista y directora de Confidencias / Walking and Talking (1996), Lovely and Amazing (2002), Amigos con dinero (2006) y Saber dar (2010) concibió -sin saberlo, claro- una despedida a la medida del inmenso talento (no siempre aprovechado en el cine) de quien sí descollara en la TV como Tony Soprano. Y también saca el máximo provecho de otra gran comediante de exitoso paso por la pantalla chica y de trabada carrera en la grande como Julia Louis-Dreyfus, la Elaine de Seinfeld. Para completar el trio de talentosas “MILFs” aparecen en jugosos personajes secundarios Catherine Keener y Toni Collette. Cartón lleno… Eva se la pasa yendo de casa en casa para hacer masajes a gente pudiente de Los Angeles. Son, en general, clientes bastante insufribles y en ella -que tampoco ha tenido demasiada suerte con los hombres- se acumula una creciente insatisfacción y un íntimo convencimiento (aceptación, resignación) de que nunca encontrará al hombre de su vida. Pero en una fiesta conoce a dos personas que le cambiarán la existencia: Marianne (Keener), una poetisa excéntrica y fascinante; y Albert (Gandolfini), un gordito simpático pero en apariencia algo patético que trabaja en el museo de la televisión de la ciudad. No sin resistencias, el improbable romance entre Eva y Albert avanza, pero allí aparecerá el personaje de Keener (y las hijas ya adultas de ambos) para complicarlo todo en una tragicomedia con enredos y vueltas de tuerca que Holofcener se encarga de preservar de los clichés y lugares comunes de la comedia romántica más convencional. Que en las impagables charlas de Una segunda oportunidad se hable de tetas verdaderas (y, por lo tanto, imperfectas) y del mal aliento, o que se muestre un sexo sin glamour publicitario son ejemplos de un acercamiento a la crisis de la mediana edad (y de la vida urbana de hoy en general) pletórico de nobleza y, sobre todo, de absoluta credibilidad. Más allá de la tristeza que -al menos a mí- me generó verlo a Gandolfini (¡que para colmo está tan encantador en pantalla!) y de ciertos momentos “ingeniosos” que resultan un poco forzados (y sobre escritos), Una segunda oportunidad resulta un film inteligente, sensible y, por los diferentes motivos ya expuestos, emotivo. La combinación entre una de las autoras más inteligentes del cine independiente norteamericano como Holofcener y la dupla Dreyfuss-Gandolfini hacen de esta una experiencia decididamente disfrutable.
Si el lugar común "una vida de película" puede aplicarse a una figura sin caer en el ridículo ni en la exageración, la de Diana, con su apasionante, cambiante y finalmente trágica existencia, es una de ellas. Su muerte en París, en agosto de 1997, con apenas 36 años, terminó de convertir en mito a una mujer que desde siempre ocupó los primeros planos de la agenda mediática, despertó odios y pasiones, y cambió las reglas de juego y la imagen de la realeza británica. El cine no podía dejar pasar la oportunidad de acercarse a una personalidad como la de la princesa de Gales, heroína y mártir, sufrida esposa, amante y madre, estrella y víctima de la TV y de los tabloides amarillistas, filántropa y estadista. ¿Cuántas personalidades en el mundo estuvieron tanto tiempo y tantas veces como protagonistas en ámbitos tan diversos y disímiles? Para este desafío nada sencillo se contrató al guionista Stephen Jeffreys ( El libertino ) y al director alemán Oliver Hirschbiegel ( La caída ), pero el resultado está lejos de los antecedentes de ambos; Diana -la película- sólo en muy pocos pasajes logra retratar y transmitir las múltiples facetas, contradicciones, atractivos y dimensiones de semejante personaje. El film arranca cerca del final, y luego va y viene en el tiempo para reconstruir sobre todo los dos últimos años de Diana, en especial la relación apasionada (y "prohibida") con el cirujano paquistaní Hasnat Khan (Naveen Andrews). En efecto, bastante antes de su promocionado romance con el multimillonario y playboy Dodi Al-Fayed (Cas Anvar) y después de su separación de hecho (y posterior divorcio) del príncipe Carlos, ella vivió el que para muchos fue el gran amor de su vida. La película regala algunos momentos de humor, de intensidad o simplemente curiosos (las distintas maneras en que ella o sus visitantes salían y entraban a escondidas desde y hacia el palacio de Kensington, sus encuentros nocturnos en los parques públicos), pero en buena parte de sus casi dos horas es una biopic demasiado chata y convencional, que parece haber sido concebida con el manual del subgénero de biografías cinematográficas. Diana (más allá de los esfuerzos de la siempre digna Naomi Watts) resulta en varios pasajes demasiado obvia, incluso cuando se quiere mostrar los aspectos más cuestionables (sus contactos directos y manejos manipulatorios con los paparazzi que ella misma denunciaba públicamente) o los más laudatorios (la inteligencia e ingenio que exponía en sus campañas políticas y humanitarias) de su personalidad, Hirschbiegel apela muchas veces al trazo grueso que subraya una y otra vez de manera torpe todo aquello que ya había sido expuesto en palabras e imágenes. Esa limitación en su relación con el espectador resulta el mayor pecado de un film impecable desde lo formal, pero en definitiva poco convincente en su retrato psicológico y social.
WikiLeaks para la generación Wikipedia La historia de WikiLeaks -el famoso website que desveló decenas de casos de corrupción, abusos, masacres y mentiras de gobiernos y corporaciones- es apasionante. La enigmática, contradictoria personalidad de su fundador, Julian Assange, también. Sin embargo, más allá del notable esfuerzo artístico y de producción a la hora de intentar retratar las múltiples facetas y alcances de semejante fenómeno político y mediático, El quinto poder no es una gran película y se queda bastante lejos de la intensidad e importancia de los hechos que reconstruye y de los personajes que retrata. El quinto poder va y viene en el tiempo, salta de una ciudad a otra, expone uno y otro caso (desde el vergonzoso accionar de Estados Unidos en Afganistán aniquilando civiles y periodistas, las matanzas en Kenia, los secretos de la poderosa banca suiza y así), pero no parece encontrar nunca el eje ni el tono (pendula entre la denuncia política y el drama íntimo, entre el thriller psicológico y el registro más documental, entre las internas del poder gubernamental y mediático, el romance y los celos más básicos). Bill Condon impone al relato un ritmo frenético, hiperkinético, apelando a un patchwork estético y estilístico en apariencia moderno, pero en definitva bastante grasa (ay, esas escenas oníricas en la supuesta redacción de WikiLeaks), derivativo y obvio. Las comparaciones casi inevitables son con las recientes Red Social (infinitamente superior a El quinto poder) y Jobs (tiene varios problemas similares). Ni siquiera un actor de moda como Benedict Cumberbatch puede hacer de su Assange un personaje que genere cierta fascinación, mientras que "la voz de la conciencia" está expuesta a través del personaje det Daniel Domscheit-Berg (Daniel Brühl), como un experto en informática y activista que fue hasta cirto punto el principal colaborador del despótico creador de WikiLeaks. El uso de los flashbacks, de las escenas fantásticas, de los editados sobre los medios (como la secuencia de créditos iniciales con los hitos del periodismo) son bastante torpes y banales. Es como si el film sobre WikiLeaks fuese pensado para la generación Wikipedia, esos internautas que quieren todo explicado de manera fácil y didáctica para hacer copy y paste en sus trabajos prácticos estudiantiles. Un caso como este merecía (exigía) un tratamiento más amplio, profundo e inteligente y una película más sólida y contundente.
Alberto (Néstor Guzzini), un cincuentón divorciado y padre bastante ausente, lleva a sus dos hijos (una chica de 14 años y un varón de 8) a un complejo vacacional en las termas de Arapey, cerca de Salto, con la idea de (re)componer la relación bastante distante que mantiene con ellos. Pero las cosas, claro, no salen como estaban previstas: el lugar dista mucho de ser agradable y, para colmo, la lluvia parece acompañarlos siempre (las tormentas eléctricas les impiden incluso meterse en las piscinas). Las tensiones entre los tres (sobre todo entre la adolescente Lucía y su padre) no tardan en aparecer, las diferencias y frustraciones afloran y el aburrimiento (hasta se ven obligados a conseguir una televisión que Alberto había descartado) se apodera de ellos luego de horas de visitas a lugares anodinos, y de juegos de mesa. Pero esta tragicomedia bien uruguaya no es para nada aburrida (hay algo de ese humor asordinado, con un dejo entre patético y querible a la vez, de films del mismo origen como Whisky o Gigante , y con reminiscencias del cine absurdo y nostálgico de Aki Kaurismäki), ya que en su segunda mitad Tanta agua deriva hacia una típica y lograda historia coming-of-age (de iniciación) con Lucía escapándose del lugar en plena noche para vivir una experiencia extrema en una discoteca. Un film al que quizá le sobren unos minutos y al que cuesta ingresar del todo en su primera mitad, pero que crece a medida que avanza y resulta una propuesta inteligente y valiosa, de esas que exponen con sensibilidad las diferentes lógicas de cada uno de los distintos personajes sin juzgarlos. Una más que auspiciosa ópera prima de Guevara y Jorge que -luego de un amplio recorrido por festivales de todo el mundo alcanza un limitado, pero merecido estreno local.
El mayordomo, cuarto largometraje del director Lee Daniels, se inscribe en ese grupo de películas importantes, concientizadoras, que abordan como lo hicieron El color púrpura o, más recientemente, Historias cruzadas conflictos básicos y esenciales (fundacionales) de la sociedad estadounidense que el cine de Hollywood recién en los últimos tiempos ha decidido visibilizar en toda su dimensión. En este caso, el racismo y la lucha del movimiento por los derechos civiles son los principales ejes que sostienen el relato. Ese costado políticamente correcto, por momentos casi didáctico, muchas veces subrayado, es el objetivo, pero también la principal debilidad de este nuevo film del realizador de Preciosa y The Paperboy . En efecto, se trata de una película noble y bienintencionada, construida a puro clasicismo, que intenta vincular la historia pequeña de una familia con la historia grande de los Estados Unidos, pero también surge como una "causa", un estandarte que levantaron sus casi 40 productores, la veintena de estrellas que aportaron (apoyaron) con su presencia, ya sea en papeles centrales o en simples secundarios, y hasta la inmensamente popular Oprah Winfrey (algo así como la Susana Giménez norteamericana), coprotagonista, principal impulsora pública del proyecto y responsable en buena medida del enorme éxito comercial en su país. Más allá de un prólogo ambientado en una miserable plantación de algodón en la Georgia de 1926, esta épica recorre más de tres décadas a partir de la historia de Eugene Allen (Forest Whitaker), un afroamericano que ingresó a trabajar en la Casa Blanca en 1952 y se retiró como jefe de mayordomos, luego de servir a siete presidentes (desde Eisenhower hasta Reagan, pasando por Kennedy, Johnson, Nixon, Ford y Carter) en 1986. La película pendula entre lo íntimo la relación con su esposa Gloria (Winfrey) y con su rebelde hijo Louis (David Oyelowo), militante por los derechos civiles de los negros y los grandes hitos de aquellos tiempos (desde Vietnam hasta los magnicidios de John Fitzgerald Kennedy y Martin Luther King). El resultado no siempre es logrado (hay momentos, sobre todo en los últimos minutos, donde todo tiende a resolverse con demasiada grandilocuencia y solemnidad), pero la historia nunca deja de interesar y, por momentos, de fascinar. Entre las múltiples propuestas de El mayordomo , una es descubrir a grandes intérpretes encarnando a figuras de la alta política. Por la pantalla desfilan, por ejemplo, Jane Fonda como Nancy Reagan, Alan Rickman como Ronald Reagan, Robin Wiliams como Dwight D. Eisenhower, James Marsden como JFK, John Cusack como Richard Nixon y Liev Schreiber como Lyndon Johnson. Un simpático juego cinéfilo para una película con no pocos atractivos.
Mi pasado me condena Con casi 60 años y una docena de largometrajes, Alberto Lecchi incursionó en casi todos los géneros posibles. En Sola contigo, su tercera colaboración con la española Ariadna Gil (Nueces para el amor y Una estrella y dos cafés), propone -como en su ópera prima Perdido por perdido- un drama revestido de thriller; en este caso, una mirada despiadada y descarnada a las desventuras afectivas y hasta existenciales de una mujer en un contexto dominado por chantajes y crímenes. La película -que arranca con una enigmática sesión de chat en la que se acuerda un oscuro trabajo por encargo- tiene como protagonista a María (Gil), una catalana de 45 años que trabaja en Buenos Aires en el área de recursos humanos. Pero esta ejecutiva esconde un pasado de depresión, alcoholismo y un accidente trágico que la tuvo como responsable. Así, esta mujer divorciada sufre una orden de restricción judicial que le impide acercarse a la casa de su ex marido y visitar a sus dos hijas. A partir de una serie de hechos que no conviene adelantar y apremiada por una voz a-lo-Scream que vía celular la obliga a tomar determinadas decisiones bajo amenaza de matarla en el plazo de cinco días, María inicia un descenso a los infiernos, un calvario íntimo en el que debe confrontar sus miserias y fantasmas. La película es un tour-de-force para Ariadna Gil, ya que no sólo la acción está concentrada en ella y narrada desde su punto de vista, sino que además los distintos personajes secundarios nunca alcanzan demasiado desarrollo. Ni siquiera en el caso del comisario Esteban Fuster (un desdibujado Leonardo Sbaraglia) que aparece en la segunda mitad para investigar el caso. Sola contigo resulta, en sus mejores momentos, un interesante trabajo sobre la culpa, sobre la faceta autodestructiva (con tendencia suicida incluida) que aflora en una mujer desesperada, border, dañada y dañina, y consigue en ciertos pasajes algunos climas impactantes, pero en términos de suspenso y de tensión la película nunca alcanza la solidez que una estructura de género necesita (sobre el final hay un par de vueltas de tuerca que resignfican bastante la trama). Así, los saltos temporales o la acumulación de capas complican más de lo que aportan a la comprensión y disfrute de este viaje interno y externo de una protagonista que busca recuperar a sus dos niñas (en algunos aspectos, una suerte de reverso femenino de Ricardo Darín en Séptimo). Un thriller psicológico con regusto agridulce. No está mal, pero con poco más podría haber sido mucho mejor.
Sin lugar para los débiles El abogado del crimen es una de las películas más desconcertantes, inasibles, inclasificables y discutibles de los últimos años. Para algunos colegas muy respetables (entre ellos, Manohla Dargis o Scott Foundas) es poco menos que una obra maestra. Y para muchos otros -igualmente reconocidos-, es poco menos que… un desastre. Yo pasé durante sus casi dos horas de la fascinación a la irritación, de las carcajadas a la incredulidad. Aún ahora, cuando empiezo a escribir estas líneas, no sé bien si me gustó mucho, poco… o nada. Reconociendo que es cualquier cosa menos “sólida y gratificante” (términos que utilizaron con frecuencia sus detractores), estamos ante una “anomalía” de Hollywood que merece ser analizada y debatida sin caer en el facilismo de despreciarla por lo que no pudo, no quiso o no supo ser. ¿Por qué hablo de “anomalía”? Porque estamos ante una película demasiado extrema, experimental y pretenciosa para los parámetros del cine mainstream actual (incluso para los del cine “adulto”). Porque había demasiadas estrellas involucradas (léase demasiado ego) y el resultado -por momentos ridículo, siempre provocativo- no es precisamente lo que los agentes y representantes suelen aconsejarles para consolidar sus respectivas carreras en la industria. Más allá de la presencia de Ridley Scott detrás de cámara (lo que garantizaba una estilización visual y también sus habituales regodeos), la mayor curiosidad que generaba El abogado del crimen era apreciar el primer guión original escrito por el ya octogenario, legendario y admirado Cormac McCarthy. Y el ganador del premio Pulitzer entregó cualquier cosa menos una historia sencilla y clásica. El film empieza con una audaz escena de sexo (más audaz por lo que dicen que por lo que muestran) entre el abogado corrupto del título (nunca sabremos su nombre) que interpreta Michael Fassbender y el amor de su vida (Laura, encarnada por Penélope Cruz). Tras ese romántico punto de partida, la cosa se pone cada vez más hostil, sórdida y cruel con una pátina moralista frente a las miserias del capitalismo, simbolismos varios (el guepardo persiguiendo al conejo) y una veta tragicómica que seguramente no pocos odiarán. Y empieza también el desfile de grandes estrellas en excéntricos personajes: la manipuladora y despiadada Malkina (Cameron Diaz), el ampuloso narcotraficante Reiner (Javier Bardem con otro de sus raros peinados nuevos); Westray (Brad Pitt), un cowboy experto en negocios sucios y en frases filosóficas, y muchos otros (están, claro, los latinos feos, sucios y malos). Entre estereotipos y arquetipos, caprichos y excesos, y mientras un camión de residuos sépticos transporta un inmenso cargamento de cocaína desde Colombia hasta Chicago, Scott y McCarthy se empecinan con diálogos de una ambición y complejidad que no recuerdo desde… Cosmopolis, de David Cronenberg. El abogado del crimen nos regala escenas épicas (como Cameron Diaz haciendo el amor con… un auto, en un remedo del fetichismo del Crash, extraños placeres, de -otra vez- Cronenberg), nos asesta una catarata de chivos (product placement en la jerga del negocio), nos lleva a más ciudades que todas las películas de Bond y Bourne juntas, nos compensa con algo de acción y tensión (en su tercio final), y nos ofrece imágenes de gran belleza cortesía de ese inmenso DF que es Dariusz Wolski. Si fuera un cronista de espectáculos radial, el conductor después de toda esta perorata me preguntaría: “¿Pero la recomendás o no?” Y mi respuesta más honesta debería ser: “No sé”.