Superhéroes Para Todos Esta segunda entrega de la saga de Thor es una película tironeada entre fuerzas muchas veces contrapuestas: debía ser una historia de superhéroes de cómic que no defraude a los fans más leales al espíritu freak de Marvel y, al mismo tiempo, apostar a un registro sencillo y llevadero para el menos exigente consumo familiar; ser creíble (y seria) en el planteo general de su trama, pero evitar la solemnidad a fuerza de golpes de comedia y romanticismo. Esa tensión se percibe y, aunque el conjunto no resulte tan fluido, sólido y convincente como en las Iron Man y, sobre todo, en la notable The Avengers, Un mundo oscuro regala suficientes momentos de disfrute como para que las sonrisas superen con holgura a las decepciones. Aunque lo suyo es correcto (profesional, digamos), podía esperarse algo más de Alan "Game of Thrones" Taylor. Se dice -y a los rumores que corren en Hollywood hay que creerles bastante- que tuvo mucha presión de los productores (Marvel/Disney) para no "desarreglar" nada y que hasta recibió ayuda directa en el set de... sí, Joss Whedon, quien reescribió y hasta filmó algunas escenas. Luego de un prólogo que nos cuenta una historia prehistórica sobre una energía poderosísima (el Aether) y un malo malísimo llamado Malekith (Christopher Eccleston) sabremos que Loki (Tom Hiddleston, lo mejor por lejos de toda la película con sus brillantes one-liners) está preso, que Thor resuelve a puros martillazos una serie de guerras civiles en los Nueve Reinos, que su padre Odin (Anthony Hopkins) tiene todo planeado para que el héroe carilindo sea el nuevo Rey de Asgard, pero que él prefiere -claro- a su amor en la Tierra, la científica Jane Foster (Natalie Portman). Pero justo cuando está investigando unas extrañas anomalías gravitacionales, Jane desencadena la energía del Aether hasta entonces oculta y ella misma se "contagia" de esa fuente de poder. Lo que sigue es una larga serie de peripecias, vueltas de tuerca (no siempre bien delineadas) y cambios de tono, que incluyen muchos momentos de humor (Loki y, en menor medida, los personajes de Kat Dennings y Stellan Skarsgard funcionan como comic-relief) y enfrentamientos a puro CGI en 3D que justifiquen el pago extra de la entrada (nada que no se haya visto últimamente, aunque la última set-piece tiene su encanto). La decisión de sacar buena parte de la acción de Asgard y otros planetas para trasladarla a la Londres actual también le da al film un look más contemporáneo y relajado. Más allá de los análisis y hasta de los reparos que puedan hacérsele por sus evidentes desniveles, Thor 2 funciona con esa idea de darle un poco a cada segmento de público: unos besos para los románticos, unos monstruos para los freaks, unas bromas para los chicos (el chiste del Capitán América, por ejemplo), unos planos del escultural torso desnudo del galán rubio Chris Hemsworth para las adolescentes y así... No esperen, por lo tanto, un film arriesgado sino más bien uno en el que se nota bastante el cálculo. Así y todo -y allí reside el mérito de esta receta de múltiples ingredientes- el resultado es más que digno. Nota 1: Vi la película dos veces: la primera, en la función de prensa, en la versión original subtitulada. Luego, unos días más tarde, en una avant-premiere doblada. Fue como apreciar dos películas completamente distintas. Si no tienen que ir con niños, no duden en escuchar las voces reales de los intérpretes. Nota 2: Como siempre, Marvel nos regala sorpresas importantes en los créditos finales. Aquí hay una escena que tiene que ver con el futuro de la(s) saga(s) en la mitad de los títulos de cierre y ¡otra! cuando los mismos terminan. Vale la pena hacer el esfuerzo de soportar los no pocos minutos y miles de nombres de técnicos que participaron en el film para disfrutar ese segundo (o tercer) final.
Con cinco largometrajes en los últimos seis años, Alejandro Montiel se ha convertido en uno de los directores más prolíficos del cine argentino. Luego de Las hermanas L , 8 semanas , Chapadmalal y Extraños en la noche , el aquí también guionista sorprende con una combinación entre el thriller psicológico y el drama familiar que -si bien no resulta del todo convincente- tiene bastantes más hallazgos que carencias. El protagonista absoluto y héroe trágico del film -que arranca como una reversión de La ventana indiscreta , de Alfred Hitchcock, luego apuesta por el noir seco, duro y opresivo con algunos elementos de western y se termina vinculando con Un oso rojo , de Israel Adrián Caetano- es Marcial (digna caracterización de Joaquín Furriel), un joven solitario y lacónico que ingresa a trabajar como sereno nocturno en un decadente depósito de elementos de limpieza ubicado en una sórdida zona del conurbano bonaerense. Desde lo alto de la fábrica semiabandonada observa a diario los excesos y abusos de un grupo de marginales, pero también a otros vecinos que van llamando su atención. A los pocos minutos del relato descubriremos que Marcial es, en verdad, un asesino a sueldo, pero en uno de sus encargos descubre a un personaje del que se quedará prendado: un hombre postrado y con demencia senil (Alejandro Urdapilleta) al que empezará a cuidar y que se transformará en una suerte de padre sustituto. Con él y con su nueva pareja, Miriam (Maricel Álvarez), madre soltera de una niña llamada Ma-lena, conformarán una suerte de familia con un presente feliz, pero con muchas mentiras de por medio y cuentas pendientes que la amenazan. Hasta aquí el planteo inicial de Un paraíso para los malditos , una película de impecable factura técnica (los aportes de la fotografía, del sonido y de la dirección de arte ayudan a construir climas muy logrados), pero que en su segunda mitad se vuelve más convencional y con un desenlace algo abrupto. De todas maneras, en su película más madura y arriesgada, Montiel demuestra una mayor confianza en el poder evocador de su cine. En la primera parte del film casi no hay diálogos. Le alcanza con el rostro de Furriel y con una certeras y lúcidas observaciones para sumergirnos en el universo íntimo de un hombre casi sin vida al que le llegará -casi sin proponérselo- una segunda oportunidad. Y, con una identidad sustituta, hará todo lo posible por aprovecharla al máximo.
Desierto verde es uno de los primeros documentales que expone en toda su dimensión los múltiples riesgos de la utilización de agroquímicos para mejorar el rinde del suelo. Rodada en varias provincias de la Argentina, pero también en China, Hong Kong, Francia, la India, Canadá y los Estados Unidos, esta investigación contó con la participación de una veintena de expertos mundiales en el tema, quienes advierten no sólo sobre la deforestación, la desertificación y la contaminación de los suelos producto de un monocultivo como la soja (ya ocupa más del 50 por ciento de la superficie sembrada de nuestro país), sino también sobre la especulación de los operadores en la Bolsa de Chicago y, peor aún, sobre los problemas sanitarios que en algunos casos se genera en la población. En efecto, el director de las exitosas películas Río arriba y Tierra adentro registró íntegramente el juicio a productores que se realizó en Córdoba por el envenenamiento con pesticidas de decenas de personas (que en muchos casos luego murieron de cáncer) en la localidad del Barrio Ituzaingó Anexo, a raíz de las constantes fumigaciones aéreas en los campos lindantes. La acción pública de las madres de las víctimas -encabezadas por Sofía Gatica- resulta el aspecto más conmovedor (pero no el único) de este film que muestra la contracara, los daños colaterales de un progreso necesario, sí, pero que a veces se lleva por delante todas las barreras éticas y morales. La película -correcta en lo formal, didáctica en su objetivo, ágil en su narración y, por supuesto, muy cuestionadora desde un discurso ecologista y humanista- va de lo macro (cómo funciona el mercado a nivel mundial con China como principal importador de soja y otros alimentos) a lo íntimo sin caer en la declamación discursiva, sino aportando datos y testimonios. De la Orden entrevistó a muchos expertos en el tema (los franceses Gilles-Eric Seralini y Marie-Monique Robin, la india Vandana Shiva, el canadiense Pat Mooney, el estadounidense Frederick Kaufman y hasta Ricardo Lorenzetti, presidente de la Corte Suprema), pero también dio lugar a otras miradas en defensa de la agroindustria, como la del poderoso empresario Gustavo Grobocopatel o Gino Moretto, titular del Centro de Corredores de Cereales de Rosario. De la Orden nunca esconde su posición crítica, pero en el disenso, en la multiplicidad de voces, en el intercambio de ideas y puntos de vista sobre los logros y los excesos de la agricultura moderna surge una discusión que hoy se impone como necesaria y urgente.
Lluvia de hamburguesas fue hace cuatro años no sólo un inmenso éxito comercial, sino también una gran sorpresa artística (tanto a nivel de inventiva visual como de irreverencia narrativa). La secuela, por lo tanto, era inevitable en una industria como la de Hollywood -y más aún en el negocio de la animación-, siempre proclive a explotar sagas que funcionan bien en ambos terrenos. Ya sin Phil Lord ni Chris Miller en la dirección (optaron por incursionar en la ficción con Comando especial y regresar luego a la animación con la inminente Lego: La gran aventura ), esta segunda entrega encuentra a dos realizadores sin tanto renombre (Cody Cameron y Kris Pearn), aunque con un resultado final más que digno. Este nuevo film arranca exactamente donde había terminado el anterior. Luego de la devastadora tormenta de alimentos que arrasó la isla Swallow Falls, llega al lugar el famoso inventor Chester V con la excusa de que la corporación de su propiedad está encargada de limpiar el lugar. El veterano científico quiere, en verdad, quedarse con el Súper Duplicador de Comida Dinámico Mutante Diatómico que el joven y entusiasta protagonista, Flint Lockwood, creó en la primera entrega. Chester -el malvado de turno- engaña a Flint convocándolo para trabajar en un laboratorio que reúne a las mentes más brillantes del planeta. Flint, prototípico antihéroe lleno de inocencia y buenas intenciones, cree haber tocado el cielo con las manos, pero -claro- la decepción será dura cuando empiece a descubrir la trama oculta pergeñada por su hasta entonces ídolo. En la segunda parte (de esta segunda parte), Flint y sus amigos deberán regresar a la isla para asegurarse de que Chester no se haga del Súper Duplicador de Comida, pero allí tendrán que enfrentarse también con unas hambrientas y exóticas criaturas. La película decae un poco en la mitad final, aunque las referencias al género de zombis y mutantes o a films como Jurassic Park, sumados a los graciosos monstruos (mezclas de comida con animales) y a una estética -entre colorida y lisérgica- que por momentos remite al clásico Submarino Amarillo terminan compensando cierta sensación de fatiga que puede generar la acumulación de desventuras y el vértigo en el que ingresan los múltiples personajes. En definitiva, y aun cuando no alcanza los picos creativos de la película original, estamos ante una secuela que no desentona. Y eso, en un mercado que muchas veces trabaja sus productos en serie, no es un logro menor.
Matar para vivir Richard “The Iceman” Kuklinski fue uno de los asesinos a sueldo más “prolíficos” y sanguinarios de la mafia estadounidense. Durante 20 años (desde mediados de la década del ’60 hasta mediados de los ’80) mató a unas 200 personas, desde pequeños estafadores o deudores hasta varios gangsters de primera línea. Si bien su vida ya había inspirado libros y documentales, el director israelí Ariel Vromen concretó una ficción sobre este hombre de familia polaca (interpretado por el gran Michael Shannon) capaz de liquidar a sangre fría, de la manera más brutal, y, a la vez, de ser un marido y padre modelo. De hecho, su esposa, sus dos hijas y varios de sus amigos y vecinos no sabían nada de su “doble vida” cuando confesó sus aberrantes crímenes. El film, por supuesto, genera inmediatas comparaciones con Buenos muchachos, Los Soprano y, sobre todo, con los primeros trabajos de James Gray (Cuestión de sangre, La traición, Los dueños de la noche), pero Vromen le imprime un sello propio que lo distingue de los Coppola o los Scorsese, aunque tampoco lo lleva a brillar. Estamos ante un thriller correcto -por momentos algo abrumador porque acumula situaciones, pero no siempre logra crecer en intensidad- sostenido por un Shannon que -gracias al cine de Jeff Nichols (Shotgun Stories, Atormentado/Take Shelter y Mud- dejó de ser un eterno secundario para convertirse en una máscara tan desoladora como conmovedora cuando deja aflorar esos brotes de ira o amor. Por él, por la recuperada Winona, por los buenos aportes en papeles secundarios (algunos casi cameos) de figuras como Ray Liotta (el jefe de Kuklinski), Chris Evans, David Schwimmer, James Franco y Stephen Dorff; y por la solvencia formal de Vroman, The Iceman resulta una más que digna alternativa.
El no tan discreto encanto de la cursilería No está mal Cuestión de tiempo, pero con todos los materiales, todas las ideas y todo el talento que se pusieron en juego pudo ser mejor. Mucho mejor. Hay que reconocerle a Richard Curtis que no se anda con chiquitas. Su cine -y sobre todo este film- es abierta, orgullosamente cursi, grasa, naïf. Tiene tanto de humor y romance como de bajada de línea propia de la autoayuda. Regala grandes momentos, observaciones punzantes, personajes irresistibles, excelentes one-liners, pero también nos somete a excesos lacrimógenos, pasajes edulcorados y diálogos que hieren los oídos. Todo eso (y más) en dos horas que se disfrutan tanto como se padecen. Así de contradictoria (¿esquizofrénica?) es la propuesta. Celebrado y prolífico guionista (Cuatro bodas y un funeral, la saga de Bridget Jones y Un lugar llamado Notting Hill fueron sus éxitos más resonantes) y ocasional director (Realmente amor, Los piratas del rock), Curtis apela aquí a ciertos elementos de fórmula reciclados de Hechizo del tiempo (Groundhog Day) y Como si fuera la primera vez (50 First Dates) para narrar una gran historia de amor con elementos fantásticos (el viaje en el tiempo, la posibilidad del protagonista de volver al pasado para remediar errores). El otro esquema que Curtis repite es el de una estadounidense enganchada con el inglesito (como Julia Roberts con Hugh Grant en la mencionada Un lugar llamado Notting Hill). En este caso, Tim Lake (el pelirrojo Domhnall Gleeson, hijo de Brendan), un típico freak, loser, torpe y timorato muchacho de pueblo de 21 años, aprovecha la capacidad de viajar en el tiempo que ha heredado de su padre (el gran Bill Nighy) para conquistar tras varios intentos a la hermosa e insegura Mary (Rachel McAdams). Lo que sigue es (en los mejores momentos) una historia de enredos amorosos y de tragicómicas relaciones en el seno de una familia disfuncional (con buenos secundarios como un patético tío interpretado por Richard Cordery). Pero también se siente con el correr del relato un efecto acumulación, una creciente tendencia al subrayado que generan irritación y derrumban buena parte del encanto y la fluidez conseguida con elementos nobles en otros pasajes. La película suma capas y capas, se vuelve cada vez más obvia y recargada (la importancia de tener hijos y esas cosas), y nos ametralla con una decena de finales. Así, lo que pudo ser un gran exponente de comedia romántica termina siendo una propuesta demasiado irregular que deja un sabor agridulce. Igual, si se dejan los prejuicios y el cinismo de lado, vale la pena arriesgarse a hacer un viajecito con ella.
Sobredosis de sexo, religión y muerte En su nueva película, el realizador de Hoteles vuelve a asumir un riesgo no menor, ahora con una película con mucha sangre, sexo, perversión, religión, esoterismo y rituales. Aldo Paparella consigue buenos climas (hay algo de fantástico y gótico en la propuesta) apoyado en un gran trabajo de fotografía y en una notable dirección de arte. Pero el resultado final no es del todo convincente porque la película luce bastante desarticulada, redundante, derivativa, sin generar tensión, suspenso o una fascinación que vaya más allá de la acumulación de elementos visuales (desde pinturas hasta tatuajes), situaciones perturbadoras, capas narrativas y referencias cinéfilas. Tampoco luce como demasiado acertada la elección del chileno Gonzalo Valenzuela en el papel de un atractivo y manipulador predicador y líder de una secta espiritista devenido depredador sexual y asesino serial. Mejor fue la decisión de escoger a Antonella Costa como una stripper/prostituta que se convierte en la amante y compañera de aventuras del protagonista. La película está plagada de escenas sexuales (una rareza en el cine argentino), pero entre una veta policial que nunca funciona y unos cuantos diálogos que suenan hirientes, Olvídame dilapida buena parte de sus hallazgos estéticos para que, en definitiva, su título se convierta casi en una intimación al espectador.
Pesadilla en lo profundo de la noche Alcides Chiesa y Carlos Eduardo Martínez trabajaron durante mucho tiempo recopilando materiales de archivo de la última dictadura en los canales de televisión. Pero esa investigación fue sólo el punto de partida, ya que con la reapertura de los juicios a los represores el proyecto derivó hacia otros terrenos: los testimonios de los sobrevivientes de los centros clandestinos de detención. El film (que supera las dos horas) está estructurado en segmentos: un campo de concentración, consignas o canciones entonadas por los organismos de derechos humanos, imágenes de la época (los dictadores dando discursos, la represión en las calles, etc) y luego un largo testimonio de alguien que vivió desde dentro el horror. El resultado es impecable, salvo por un uso recurrente, ampuloso (y para mi gusto innecesario) de la música. Los directores viajaron por todo el país (se recuperan historias de la ex ESMA, el Vesubio o el Hospital Posadas, pero también de La Perla en Córdoba o de La Escuelita en Neuquén) y seleccionaron los casos más emblemáticos y desgarradores. El film está auspiciado por (y realizado en homenaje a) organizaciones como Madres y Abuelas de Plaza de Mayo y cierra con las declaraciones de Jorge Julio López durante el juicio a Miguel Etchecolatz y otros asesinos en La Plata, poco antes de convertirse en un desaparecido más (y, para peor, en Democracia). Una experiencia dura, sí, pero conmovedora y necesaria.
En su quinto largometraje, la directora de El cielito y La cámara oscura se arriesga con un tema complejo como el abuso infantil dentro del ámbito familiar y, apelando a la sensibilidad y al recato que la caracterizan, sale airosa de semejante desafío. Pero los valores de María y el Araña exceden el mero marco de la corrección política a la hora de visibilizar un tema mucho más extendido (y negado) de lo que parece. Lo hace a partir de una historia entrañable que expone la inocencia del amor adolescente en oposición al horror que surge en el otro extremo del relato. La protagonista del film es la María del título (una Florencia Salas que en su debut en el cine alcanza a transmitir toda la vulnerabilidad y descontención de su personaje), una chica de 13 años que vive de manera muy humilde con su abuela (Mirella Pascual) y la pareja de ésta (Luciano Suardi). Ella es una alumna aplicada (hasta le ofrecen una beca para el inminente secundario) y se gana unos pesos por la tarde vendiendo guías en el subte. Pero cuando llega la noche y regresa al hogar en el asentamiento, el pánico la invade: la presencia amenazante del hombre de la casa le hace temer lo peor. En una de sus habituales jornadas en el subte conoce a El Araña (Diego Vegezzi), un muchacho de 17 años con una situación familiar no mucho mejor, que hace malabares disfrazado de El Hombre Araña e intentará acercársele pese a la extrema timidez de ella. Superadas las resistencias iniciales, pronto él se convertirá en su ángel de la guarda en medio de un entorno tan sórdido. Una vez planteado el conflicto y delineados los personajes, al film le cuesta un poco crecer y trascender ciertos lugares comunes, pero nunca cede a las tentaciones de los golpes de efecto, de la explotación o de las manipulaciones emocionales. En ese sentido, es interesante el personaje secundario que compone la uruguaya Pascual ( Whisky ), de esos que por omisión o negación, por hacerse "la distraída", terminan avalando el maltrato a una nieta que ella, por otra parte, quiere. El rigor formal y la solidez narrativa de Menis sostenida por un muy buen equipo de técnicos ayudan a que la experiencia por momentos dura y extrema de María y el Araña que recurre a mínimos diálogos resulte atractiva desde lo visual. Una película inteligente y, sí, también necesaria.
No hay grandes reparos para hacerle a esta "nueva" Carrie. Kimberly Peirce es una directora competente que -como ya lo había demostrado en Los muchachos no lloran- tiene una particular sensibilidad para retratar los miedos y contradicciones del universo juvenil femenino; el guión recicla y actualiza algunos aspectos (el bullying escolar, la mayor presencia de la tecnología), pero no arruina la potencia original de la novela de Stephen King, y las tres actrices principales (la ascendente Chloë Grace Moretz en el papel protagónico, la gran Julianne Moore como la atribulada madre y Judy Greer como la sensible profesora de gimnasia) aportan solidez y convicción en pantalla. Sin embargo, y a pesar de que todo en el film funciona razonablemente bien, la sensación que deja esta Carrie modelo 2013 es bastante menos gratificante que la de la ya mítica transposición que en 1976 filmara Brian DePalma con Sissy Spacek y Piper Laurie. Y no es sólo porque ver otra vez la misma historia ya no produce el mismo efecto, sino porque esta vez los climas no resultan tan perturbadores y la puesta luce más calculada (demasiado encuadre virtuoso y simbolismo subrayado) y, por lo tanto, un poco menos fluida. Carrie, que no sólo surgió de la literatura, sino que también tuvo otras derivaciones en el cine, en la TV y hasta en un musical de Broadway, es una historia que combina a la perfección el subgénero de estudiantes secundarios a punto de egresar (con el despertar sexual y la intolerancia hacia el distinto) con el thriller psicológico (fuerte presencia de la telekinesis) y con algunos elementos propios del terror gótico y religioso (encarnado en el fanatismo enfermizo de la madre de la protagonista). Peirce y sus guionistas manejan con solvencia ambos terrenos (la tortuosa, posesiva relación familiar y el agresivo entramado social) y le agregan elementos que sintonizan con estos tiempos (la humillación que Carrie sufre en la secundaria, por ejemplo, ahora está amplificada por los videos que le toman en el vestuario y su posterior exposición en Internet), pero el conflicto central sigue siendo básicamente el mismo. No es la primera vez (ni será la última) que el cine de terror regresa sobre sus pasos para hacer nuevas versiones de sus mejores exponentes. No parece, en principio, una decisión demasiado audaz, sobre todo dentro de un género que ha regalado en los últimos tiempos más de una sorpresa a cargo de jóvenes directores con nuevas búsquedas y apuestas por el riesgo. En ese sentido, aun siendo un producto inobjetable, esta Carrie surge en buena medida como una remake innecesaria.