El campeonato de Fórmula 1 de 1976 tuvo un final "de película". No conviene dar detalles sobre su desenlace por si algún espectador ajeno al automovilismo desconoce aquella historia, pero lo cierto es que la rivalidad entre dos personalidades y estilos opuestos (el pragmático y obsesivo piloto austríaco Niki Lauda contra el arrojado e impulsivo británico James Hunt) y el épico final que se produjo "pedían" una reconstrucción en todo su esplendor para la pantalla grande. Casi cuatro décadas después de aquellas hazañas deportivas, el director estadounidense Ron Howard y el autor inglés Peter Morgan, que venían de trabajar juntos en Frost/Nixon (otro duelo apasionante), concibieron una historia sin demasiadas sutilezas, pero con una estructura muy eficaz para una propuesta visual y narrativa de enorme espectacularidad. Tanto para el realizador de Apolo 13 y Una mente brillante como para el guionista de La reina no hay buenos ni malos. Los dos rivales son, a su manera, héroes y demonios. Cada uno tiene sus métodos, sus prioridades, sus habilidades, pero también sus debilidades, esas miserias y fantasmas personales que pueden traicionar incluso al más profesional y experimentado de los deportistas. La película contrapone esos dos puntos de vista siempre antagónicos en medio de una reconstrucción de época (el espíritu setentista se percibe dentro y fuera de las pistas) con ingenio y respeto, pero sin solemnidades ni reverencias. En un rincón tenemos a Hunt (Chris Hemsworth, todavía más seductor que en su papel de Thor), un bon-vivant, mujeriego, arrogante, que coquetea siempre con los excesos y con mucho más talento natural que predisposición al trabajo. En el otro, a un Lauda (Daniel Brühl) obsesivo, metódico, pragmático y austero. Entre el arrojo casi inconsciente de uno y el tesón del otro para reponerse en tiempo récord de un accidente que lo había dejado fuera de varias carreras se arma un enfrentamiento pletórico de tensión y suspenso. Más allá de ciertos estereotipos a la hora de moldear la psicología de los personajes y de algunos subrayados innecesarios, Rush cumple con lo que promete: hay excelentes escenas de carreras (los expertos seguramente encontrarán algunos errores y "licencias históricas") con pequeñas cámaras instaladas en los lugares más insólitos y la ayuda inestimable de las imágenes generadas por computadora, dos personajes irresistibles y un final de antología. A ajustarse, entonces, los cinturones y dejarse llevar por la velocidad, el vértigo. y el disfrute.
En qué baile me metí... Sobre el director: Nació en Buenos Aires, en 1978. Dirigió La prisionera (2006, con Fermín Villanueva) y Castro (ganadora de la Competencia Argentina en el BAFICI 2009). Como montajista trabajó con Mariano Llinás, Albertina Carri y Juan Villegas, entre otros. En este nuevo trabajo del director de Castro conviven -no siempre con armonía- varias películas: es un film sobre la danza (y las compañías de danza); sobre el cine (con un equipo de rodaje que está haciendo un documental sobre ballet contemporáneo y “vanguardista”); y, finalmente, sobre el amor entre personajes que vienen bastante golpeados por la vida. El problema principal de El loro y el cisne es que las escenas de danza (y sobre la trastienda de bailarines y coreógrafos) no son particularmente inspiradas y, por lo tanto -sobre todo durante la primera mitad- resultan demasiado largas. El protagonista, Loro, un sonidista abandonado por su novia (que se va llevando progresivamente cosas de la casa que compartían), es poco atractivo; y el humor con que se aborda el mundillo del cine (con las imposiciones de los productores extranjeros) tampoco resulta particularmente ingenioso. Sin embargo, en la segunda parte aparece en escena Luciana, bailarina de una de los troupes de danza-teatro retratadas en el documental en que Loro participa, y la película adquiere una dimensión humana, una intensidad emocional y un humor negro y absurdo que mejoran bastante la cosa. Entre ellos hay una creciente atracción, pero tampoco pasa demasiado. Hasta que, después de unos meses, ella vuelve embarazada. Ambos deberán enfrentarse a sus nuevas realidades y tomar decisiones de vida que venían postergando. Como siempre, Moguillansky hace gala de un indudable virtuosismo y de una gran libertad formal (se permite, por ejemplo, insertar una escena dentro de otra). Hay momentos, atisbos, irrupciones de gran cine dentro de una película algo caótica, derivativa, mutante, que tarda mucho en encontrar un eje que pueda sostener el relato. Cuando lo hace -quizás un poco tarde y con una trama algo convencional de comedia romántica (el chico que sale corriendo a encontrar a la chica)- la película nos sumerge en ese universo de sensaciones íntimas de gente que sale de su encierro interior en busca del amor. (Esta reseña fue publicada durante la cobertura del BAFICI 2013)
Los astros de acción sean unidos... Para quienes crecieron (crecimos) viendo el cine de acción de los años ’80, disfrutar a Sly y Arnold como protagonistas de un mismo film era algo que se venía aguardando desde hacía mucho tiempo. Ocurrió recién ahora, cuando Stallone ya tiene 67 y Schwarzenegger, 66. Y, aunque no estamos ante ninguna genialidad, la espera valió la pena. Escape imposible es un film menor, con algo del absurdo (el ridículo) de la clase B, pero incluso con sus evidentes limitaciones resulta un producto muy disfrutable. Al sueco Mikael Håfström (1408, El rito) le encargaron dirigir “una de fuga de prisiones” y lo hizo con dignidad porque logra minimizar las carencias expresivas de ambos y potenciar el espíritu (auto)paródico que a esta altura los dos inevitablemente profesan. Para mi gusto, incluso, debió exagerarse aún más el tono a-la-Los indestructibles, pero aunque el film se pretende “serio” en la superficie (intenta sostener una “lógica”), internamente es una apuesta lúdica, sin apostar por un verosímil que sea… verosímil. Stallone es Ray Breslin, un ex abogado que se ha especializado en… escapar de las cárceles. Tan experto es que ha escrito un best seller al respecto y lo contratan para que entre como preso y, al fugarse, detecte los agujeros de sus sistemas de seguridad. Pero, claro, al mago de las huidas lo engañan y termina en un centro de detención de última generación financiado por oscuras corporaciones y manejado con absoluto sadismo por el personaje de Jim Caviezel. Allí, mientras es sometido a todo tipo de vejámenes y humillaciones, conoce a Emil Rottmayer (Schwarzenegger) y juntos intentarán hacer honor al título de la película. La película está concebida sobre todo para el lucimiento de Sly (le tocan los mejores one-liners: “Pegás como un vegetariano”, por ejemplo), pero Arnold -que se ríe (y nos hace reir) hablando alemán- se las ingenia para sacar a flote a un personaje que tiene su nobleza. No voy a adelantar ningún detalle de la trama ni de los planes de fuga para no atentar contra el pleno disfrute del film. Si el lector piensa en Escape imposible como una película en la línea del cine de acción “intelectual” de los Christopher Nolan o los David Fincher está muy equivocado. Aquí todo es básico, un poco torpe si se quiere, pero simpático y eficaz. Los viejitos piolas son la gran atracción de esta propuesta y, para mi gusto, devuelven con creces el valor de la entrada. Lo demás… lo demás es pirotecnia, puro humo, relleno ¡Larga vida, entonces, a Sly & Arnold!
Relájate y goza Reconocidos actores de cine y TV, Nat Faxon y Jim Rash se consagraron en la industria cuando ganaron (con Alexander Payne) el Oscar al mejor guión por Los descendientes. Pero si algo les faltaba para convertirse en figuras de verdadero peso en Hollywood era demostrar que también podían dirigir. Con su ópera prima, Un camino hacia mí, han llenado ese casillero. Anótenlos. En serio… Lo que podía haber sido una (otra) historia coming-of-age veraniega sobre un adolescente parco, traumado y tímido se convierte en manos de esta dupla y de sus brillantes actores (ellos dos incluidos) en una tragicomedia agridulce de una belleza, fluidez, frescura y sensibilidad que el cine independiente norteamericano no conseguía desde… Adventureland. El antihéroe del film es Duncan (Liam James), un chico de 14 años que vive con su madre divorciada (extraordinaria, como siempre, Toni Colette) y sale de vacaciones con ella, con su hermana mayor y con su nefasto padrastro (un Steve Carell impecable en un papel monstruoso al que no se puede más que odiar). Con semejante hombre manipulándolos a él y a su mamá, y con un padre ausente, no tardará en encontrar en un extraño tan entrañable como torpe y divertido la figura masculina que andaba necesitando. Me detengo aquí: el “padre sustituto” es una de las creaciones cómicas (con tanto de humor como de emoción) más logradas del año y llega gentileza de ese gran actor -subvalorado- que es Sam Rockwell. Su Owen, el irresistible manager de un parque acuático en el que Duncan trabajará (se refugiará) sin que su madre lo sepa, es un personaje al que -al contrario del de Carell- no se puede más que amar, al igual que a sus compañeros del lugar (Maya Rudolph y los propios Faxon y Rash). La película, por supuesto, tiene una subtrama romántica (hay una chica algo mayor y bastante más avispada que despertará el interés de nuestro muchachito), personajes secundarios queribles (la delirante Allison Janney) y despreciables (el de Amanda Peet), pero lo interesante aquí es ir apreciando cómo los directores arman el rompecabezas de gags, diálogos filosos, observaciones incisivas, irrupciones romántico-erótico-sexuales, humor negro y un profundo humanismo con una elegancia y soltura que no abundan. Es cierto, como decían algunos colegas, que por momentos al film se le notan algunas costuras, le afloran ciertos lugares comunes, se transforma en una película de guión(istas), pero Faxon y Rash jamás pierden el rumbo. No todos los momentos son igual de brillantes, profundos e inteligentes (ninguna película sostiene la excelencia durante hora y media o más), pero aún cuando se pueda descubrir algún pasaje no del todo logrado, uno siempre quiere saber qué les pasará a cada una de las criaturas aquí retratadas. Un camino hacia mí regala un universo construido con mucha onda, concebido con esa maestría que no es ostentosa (hacen fácil lo difícil). Uno de esos films a los que hay que abrirse, dejar los prejuicios de lado y, sí, relajarse, divertirse y conmoverse. Puro disfrute.
Hace algo más de tres años, Matthew Vaughn sorprendió gratamente con Kick-Ass, comedia sobre un típico adolescente no demasiado popular en el colegio secundario y fanático de los cómics que decidía convertirse en el superhéroe del título, pese a no tener poderes especiales. Lamentablemente, todo lo que surgía como irreverente, simpático y fluido en aquel film original ahora suena forzado y esquemático en esta secuela escrita y dirigida por Jeff Wadlow. El problema no es que aquí todo sea caricaturesco y estereotipado (a fin de cuentas, se trata de reproducir la estética y el estilo de la historieta), ni siquiera la fuerte dosis de misoginia o las poco logradas irrupciones de humor escatológico que se acumulan. Lo que hace de Kick-Ass 2 una experiencia menos disfrutable que la anterior es su guión elemental, unas coreografías de luchas cuerpo a cuerpo no demasiado lucidas y un permanente uso "ingenioso" de la voz en off para contrastar a pura ironía con las imágenes (recurso que termina por abrumar). El film arranca con Mindy (una Chloë Grace Moretz que ahora sí tiene su merecido protagónico) disparándole al pecho de Dave (Aaron Taylor-Johnson). Su cuerpo cae, pero en la siguiente toma vemos que él estaba protegido por un chaleco antibala. Ella saca entonces un arma de un tamaño mucho mayor y vuelve a apretar el gatillo. Así es esta segunda entrega: más grande, más ruidosa, más ampulosa... pero menos lograda. Mindy ha convertido a su Hit-Girl en una verdadera superheroína a fuerza de un duro entrenamiento. Dave, en cambio, ha intentado volver a ser un chico normal en la escuela, pero la valentía de su Kick-Ass en el film previo ha inspirado a una serie de nerds y freaks que han fundado la Justice Forever, una liga de patéticos sub-Avengers liderada por un coronel (un irreconocible Jim Carrey). Y también reaparece, claro, Chris (Christopher Mintz-Plasse), que se ha autoproclamado el villano The Motherfucker, para emprender su venganza contra Kick-Ass y Hit Girl por lo que le hicieron a su padre. Lo que queda para la larga segunda mitad es un mero enfrentamiento entre las fuerzas del Bien y del Mal resuelto con el manual básico de la comedia adolescente y el cine con espíritu de cómic. Puede que a los fans de la saga (que los hay y en buena cantidad) les alcance con esta acumulación de lugares comunes para pasar un buen momento. El resto, mejor abstenerse.
El director israelí Eitan Tzur, de amplia experiencia televisiva (fue uno de los responsables de la versión original de la serie En terapia ), debutó en el cine con un thriller psicológico que aborda en primera instancia un tema bastante remanido (la infidelidad en el matrimonio), pero que pronto deriva hacia aspectos bastante más inquietantes. El film arranca con Ilan Ben Natan (Yossi Pollak), un reconocido profesor de astrofísica de 58 años, dando clase sobre las características de las estrellas en la Universidad de Haifa. El protagonista está casado con la bellísima Naomi (Melanie Peres), una ilustradora de libros tres décadas más joven que él. Cuando ella empieza a regresar cada vez más tarde al hogar, su marido empieza a sospechar. Un día, la sigue y descubre que tiene un amante, al que terminará asesinando y enterrando. Todo eso transcurre en los primeros minutos del film, ya que en verdad la película dedica casi toda su narración a indagar en los efectos de aquel crimen. Si bien siempre está latente la intriga respecto de si el protagonista será descubierto o no (su esposa, en medio de un estado depresivo, empieza a sospechar y, para colmo, su mejor amigo es policía), La infiel termina por convertirse en un implacable ensayo sobre la culpa y la mentira. Y, en este terreno, adquiere cada vez mayor incidencia el personaje (secundario pero vital) de la madre posesiva y manipuladora de Ilan (la veterana y mítica actriz de teatro Orna Porat). Así, lo que en principio parecía un mero reciclaje del típico triángulo amoroso resulta en definitiva una mirada punzante y despiadada sobre los aspectos más enfermizos y destructivos de una relación de pareja. Una más que digna ópera prima de una cinematografía poco conocida en la Argentina, como la israelí.
El horror, según pasan los tiempos Veterano artesano de la industria (sobre todo en Venezuela y Argentina), Juan Dickinson dirigió una película que vincula -de manera poco convincente- los horrores del pasado (la represión durante la última dictadura militar) con los presente (la trata de personas). Lo mejor del film (más allá de las buenas intenciones que guiaron a todo el proyecto) tiene que ver con la actuación del protagonista Luis Machín, que interpreta a Pocho, un conductor cincuentón de micros de larga distancia que cubre las rutas del norte del país. En sus distintos viajes (generalmente acompañado por otro chofer llamado Olivo que encarna Manuel Vicente) este hombre tímido, solitario, obsesivo y metódico conoce a Clarita (Celeste Gerez), una atractiva moza de un parador. Cuando la joven desaparece ante la indiferencia generalizada, Pocho sale de su encierro interior y empieza a buscarla en pueblos chicos con infiernos grandes. En su travesía no tardará en descubrir que casi todo el mundo está ligado de una u otra forma a actividades ilícitas. El film maneja durante la primera mitad un medio tono acertado que le permite describir la psicología del personaje principal, el contexto en el que se desarrolla la historia y el conflicto central. Sin embargo, esa solidez se derrumba en la segunda parte, cuando Dickinson intenta imprimirle tensión y acción a la trama, mientras amplifica de manera muy obvia y subrayada los paralelismos entre los represores de ayer y los abusadores de hoy. Una pena porque Destino anunciado luce prolija, tiene buenos intérpretes y merecía un desenlace más convincente.
Encuentros cercanos de todo tipo Recuerdo haber leído, cuando este film se estrenó en los Estados Unidos a principios de año, que los críticos norteamericanos se burlaban bastante de su resultado y hasta cuestionaban que no se hubieran organizado funciones previas para prensa. No sé a qué se debió, si fue porque ni los propios productores y distribuidores le tenían confianza, pero lo cierto es que este tercer largometraje del guionista y director Scott Stewart no está nada mal. Con un modestísimo presupuesto de 3,5 millones de dólares, Los elegidos narra una historia, sí, bastante convencional que combina drama familiar con invasión alienígena, pero que está dignamente concebida y construida. Las referencias también son un poco obvias (Encuentros cercanos del tercer tipo, Poltergeist, Los pájaros y, sobre todo, Actividad paranormal), pero así y todo hay buenos momentos de tensión y sustos. El punto de partida es el de… “siempre”: una familia tipo de clase media en decadencia (hay múltiples citas a la crisis financiera/laboral) compuesta por mamá (Keri Russell), papá (Josh Hamilton), hijo de 13 años en pleno despertar sexual (Dakota Goyo, el chico de Gigantes de acero) e hijo de 6 (Kadan Rockett) ven cómo la casa primero y luego hasta sus propios cuerpos se llenan de elementos extraños: la invasión a la intimidad del hogar y de sus interiores ha comenzado. Desesperados, visitarán a un experto en extraterrestres (el gran J.K. Simmons) para desembocar, claro, en el gran enfrentamiento final con no pocas vueltas de tuerca. La narración es bastante eficaz, las actuaciones son más que aceptables y el uso de los efectos visuales y los golpes de efecto resultan sobrios y atinados. No estamos, quedó dicho, ante ninguna maravilla del género, pero tampoco frente al despropósito que tantos condenaron. Vale la pena despojarse de los prejuicios y darle una oportunidad.
La era del vacío (en el imperio del consumismo) Quién mejor que Sofia Coppola para una película sobre adolescentes fascinados por la vida de las celebrities, sobre la grandes marcas de la moda, sobre la cultura web, sobre los realities televisivos, sobre la vida nocturna y la música y Facebook y Twitter y Hollywood... Sobre todo eso (y más) se trata Adoro la fama, film premeditadamente superficial, pero no por eso menos inteligente, provocador e inquietante. Basada en hechos reales que se conocieron a partir de un artículo publicado en 2010 en la revista Vanity Fair, esta nueva película de la directora de Las vírgenes suicidas y María Antonieta, la reina adolescente (ambas también estrenadas como esta en el Festival de Cannes) describe las experiencias de unos amigos de un colegio del Valle de San Fernando que entre 2008 y 2009 se dedicaron a invadir y robar varias mansiones de estrellas. La hija de Francis Ford Coppola (coproductor del film) combina imágenes de los sitios de Internet especializados en la intimidad de ricos y famosos (Paris Hilton, Orlando Bloom, Kirsten Dunst, Megan Fox y Lindsay Lohan son algunos de los que aparecen o son mencionados en pantalla) con reconstrucciones de los saqueos que los protagonistas hacen dentro de las casas (llegaron a robar tres millones de dólares entre dinero, joyas, relojes, pinturas, ropa y autos). En este sentido, la película parece por momentos un gran comercial de artículos de lujo que haría las delicias de los consumistas. Pero, por suerte, es bastante más que eso... Aún sin elaborar una trama convencional (como siempre apunta a describir momentos, climas, emociones y sensaciones), la realizadora de Perdidos en Tokio y Somewhere: En un rincón del corazón alcanza a construir -sin proponérselo- una suerte de retrato generacional y sobre la cultura popular que “dialoga” con la reciente Spring Breakers (ver columna de Marina Yuszczuk) o con la filmografía del Larry Clark de Kids. La película arranca por el final (sabemos que los chicos serán detenidos por la policía y confesarán sus delitos) y va y viene en el tiempo. Conoceremos su dinámica en la escuela secundaria, algo de la familiar (por allí aparece la gran Leslie Mann), pero sobre todo nos sumergiremos en sus obsesiones y su metodología. Entre los jóvenes intérpretes de estos ladrones cholulos aparece nada menos que Emma Watson (sí, la Hermione de la saga de Harry Potter, que ya viene demostrando su categoría y ductilidad en varios films "serios"). Para algunos el film resultó -en la línea de cuestionamientos previos al estilo de la directora- demasiado frío y superficial. Hay algo de regodeo exhibicionista en la película, pero no comparto la desvalorización: estamos precisamente ante una mirada a lo efímero, epidérmico y banal de la sociedad contemporánea. Lejos de la pretensión del sesudo ensayo sociológico, del juicio severo y horrorizado o del psicologismo barato, Coppola Jr. regala una mirada fascinada y fascinante -con imágenes bellas y una gran banda sonora que incluye a Kanye West y Frank Ocean- sobre la era del vacío, la angustia, la descontención y el espíritu adolescente.
Regreso con (un poquito de) gloria Tras la más que digna Pitch Black (2000) y la olvidable La batalla de Riddick (2004), David Twohy construye un reboot básico y eficaz, un regreso a las fuentes que no llama demasiado la atención, pero que tampoco defrauda: estamos ante un film de ciencia ficción apocalíptico (transcurre en un planeta desolado) donde unos malos persiguen y un antihéroe (el ex convicto Riddick) resiste a puro golpe e ingenio (también hay unos cuantos animales amenazantes dando vueltas). En efecto, luego de sus aventuras como Toretto en la saga de Rápido y furioso que lo convirtieron en estrella muy taquillera, Vin Diesel vuelve como protagonista y coproductor. No vamos a comparar ambas franquicias (esta es decididamente menor) ni vamos a castigarlo por su escasísima expresividad. La acción y la trama están concebidas para explotar sus atributos físicos y minimizar sus carencias actorales. Como contraparte aparecen intérpretes tan malos como él (desde el español Jordi Mollà hasta el gigantón Dave Bautista) por lo que el pelado Vin no queda demasiado en evidencia. Saber las limitaciones y explotar los recursos (bastante modestos en este caso) son también méritos en el cine (sobre todo en el clase B). Así, con poco, el duro Riddick de Diesel sale airoso en esta tercera entrega.