Vicios y virtudes del rockumental de tributo Luego de codirigir Buen día, día, documental dedicado a la figura de Miguel Abuelo, Sergio Cucho Costantino se ocupó -ya en solitario- de otro de los grandes mitos del rock argentino: Federico Moura. Como en aquella oportunidad, apela al patchwork estilístico y narrativo al que es tan afecto el rockumental: una colorida mixtura de imágenes de shows en vivo, testimonio a cámara de otros integrantes de Virus, de familiares y amigos, fotografías, grabaciones en audio de entrevistas al propio Moura, y -en uno de los aspectos menos convincentes- una suerte de ficcionalizaciones, algo así como videoclips sobre una fan del protagonista y su propia historia de amor y opresión contada a través de las canciones del artista. Los materiales de archivo (en algunos casos incluso inéditos) son impecables, aunque no siempre de buena calidad (típico problema de la falta de conservación en la Argentina) y, en ese sentido, se nota que hubo un gran trabajo de investigación y de posproducción, pero al mismo tiempo al film se le extraña un punto de vista, un hilo narrativo, una idea rectora que sirva para darle mayor fuerza y cohesión a una narración por momento algo deshilachada. Hay aspectos logrados (como la búsqueda de describir el espíritu de época de esos años ’80 -fines de la dictadura y comienzos de la primavera democrática- en La Plata) y hay otros que el director prefirió no desarrollar demasiado (como la degradación final por el SIDA que terminó con su vida en 1988). Más allá del claro sentido de documental “oficial”/de homenaje, de ser un film que no pretende ahondar en las contradicciones ni miserias del artista y sí exaltar la celebración generalizada de su genio artístico (que lo tuvo), el film alcanza ciertos picos emotivos (como el recuerdo que la familia hace de Jorge Moura, el hermano mayor secuestrado y desaparecido en 1977) e íntimos (como las declaraciones de la madre). Son verdaderos hallazgos dentro de una película siempre correcta y disfrutable.
Género Prolífico y audaz como pocos, Pécora sigue haciendo sin descanso cortos, medio y largometrajes en los que combina su pasión por el cine clásico, por la fotografía, por la literatura, por lo narrativo y por lo experimental. Aquí, se mete con el vampirismo (y el canibalismo) a partir de la historia de cuatro amigas depredadoras que conviven en una decadente mansión. Súpero 8 + blanco y negro + color + efectos que remedan la estética (y las copias gastadas) de las primeras películas mudas. Pécora juega al (y con el) cine, apelando a todas sus posibilidades estéticas (las texturas y los contrastes de las imágenes) y un relato cuyo tono y climas remedan a los de los surrealistas. Una buena decisión la de incluir en la sección Vanguardia y Género del último BAFICI los 35 minutos de Las amigas, que son, efectivamente, tanto de “vanguardia” como también de “género”.
Vanguardia Planos fijos (menos el último) de unos 10 a 15 segundos cada uno sobre una Buenos Aires vacía. Sí, edificios, casas, calles, parques, talleres, fábricas, bares y subterráneos filmados en esos raros momentos del día en que están sin gente. Si la idea del director de Martin Blaszko III puede sonar en principio demasiado “programática”, el resultado (desde lo cinematográfico, lo arquitectónico y lo sensorial) es muy interesante. Y más que eso: este mediometraje a-lo-James Benning tiene bastante de inquietante, fantasmagórico y, por qué no, apocalíptico ¡Qué absurda y contradictoria es la ciudad! ¡Y qué linda es sin gente!
Vigilar y castigar El protagonista de esta ópera prima del reconocido asistente de dirección y operador de steadycam Gustavo Triviño tiene unos cuantos puntos en común con el de la notable película uruguaya Gigante, de Adrián Biniez. Juan Benitez (Pablo Pinto) también es un "urso" bonachón, de esos que aguantan puteadas, malos tratos, abusos degradantes y miradas prejuiciosas sin apelar a la enorme fuerza que poseen (hasta que...). Mientras soporta su rutina en una fábrica textil, las horas extras como patovica en fiestas conchetas (donde también es objeto de no pocas burlas) y los constantes reclamos de sus seres queridos, sueña con juntar el dinero necesario para abrir un gimnasio propio (es un apasionado por el trabajo corporal con aparatos). En medio de la dinámica barrial del relato nuestro antihéroe es testigo de la violación de una atractiva y simpática joven que atendía un quiosco de la zona y coqueteaba con él, pero -en vez de denunciar el hecho- decide chantajear al culpable (un “villano” interpretado por Alejandro Awada). Allí arranca el costado moral del relato, que resulta bastante más polémico y discutible que su formidable primera mitad (la presentación del personaje y su universo). De todas maneras, más allá de la lógica discusión que generará en el terreno extra cinematográfico (hay algo clínico y bastante acrítico en la mirada), esta carta de presentación de Triviño lo muestra como un narrador de gran solidez y con múltiples recursos. Habrá que estar muy atento, por lo tanto, a su promisoria carrera como realizador.
Dos almas en pena (opuestas y complementarias) El director de Take Out (2004) y Prince of Broadway (2008) -ambas también vistas en el BAFICI- se vuelve un poco (sólo un poco) más mainstream y convencional con esta historia sobre Jane/Tess (Dree Hemingway, de la dinastía iniciada por Ernest e hija de Mariel), una muy atractiva veinteañera que vive en el San Fernando Valley de California y se gana la vida como actriz (generalmente porno). Ella vive con su chihuahua, con una amiga/colega drogona y con un muchacho también bastante torpe e inestable. Su vida cambia por completo cuando le compra a una anciana llamada Sadie (la octogenaria Besedka Johnson, toda una revelación porque no tenía experiencia previa en cine) un termo que en su interior tiene 10.000 dólares que pertenecían a su marido muerto. La joven -entre intrigada y culpógena- empieza a frecuentar cada vez más a la tiránica vieja y, entre desayunos y juegos de bingo, irá surgiendo entre ellas una particular relación. El film -una agridulce y absurda historia sobre los códigos femeninos y la conexión entre dos almas en pena- se sigue con interés (es divertida la mirada al negocio del porno actual y hasta hay algunas escenas de sexo bastante explícitas) y no hay nada que desentone demasiado a nivel de puesta en escena o actuaciones (todas impecables), aunque Baker se pone aquí -sobre todo al final- algo más sentimental y trascendente que en films anteriores. De todas formas, se trata de un muy buen exponente de ese cine indie americano (el de bajo presupuesto, no el de los Harvey Weinstein) que ya prácticamente no llega a las salas argentinas.
Este segundo largometraje de James DeMonaco ( El estado de la mafia ) fue otro de los fenómenos comerciales recientes del cine de terror de bajo presupuesto en el mercado de los Estados Unidos. A partir de un esquema ya bastante trillado dentro del género (una familia resiste dentro de su casa el ataque de extraños), le agrega en su planteo inicial lo que en principio aparece como un interesante componente sociopolítico: estamos en 2022 y las tasas de criminalidad, desempleo y pobreza han llegado a un mínimo histórico ¿Las causas? Todos los años, durante 12 horas, el gobierno con el apoyo casi unánime de la sociedad avala "la noche de la expiación" a la que alude el título, período en el que están permitidos todos los crímenes. En efecto, los habitantes están autorizados a robar, violar y matar para descargar toda su frustración, su furia, su resentimiento... Así, podrán ser ciudadanos ejemplares los 364 días restantes. El protagonista es James Sandin (Ethan Hawke), exitoso ejecutivo de ventas de sistemas de seguridad para hogares y ejemplar padre de una familia que vive en un barrio cerrado y que se completa con la madre/ama de casa (Lena Headley), una hija adolescente que está en pleno despertar sexual (Adelaide Kane) y un hijo menor experto en tecnología (Max Burkholder). Pero, claro, las cosas no salen como estaban previstas. Un desconocido afroamericano ingresa a la casa en plena noche y, al poco tiempo, un grupo de jóvenes racistas de clase alta llega para cazarlo. El dilema para James es acuciante: ¿sacrificar al extraño para preservar a sus seres queridos o defenderse (todos están armados hasta los dientes) hasta las últimas consecuencias? El film arranca con una inquietante mirada a la paranoia burguesa a-lo-Michael Haneke, luego deriva hacia el homenaje a La naranja mecánica (el carismático líder de los invasores parece concebido a semejanza del Alex de Malcolm McDowell), y finalmente cede a la tentación del baño de sangre con excesos sádicos que celebrarán algunos y abrumarán (decepcionarán) a otros. Más allá de la distinta sensibilidad de cada espectador, no se trata de una propuesta del todo desdeñable, pero también es cierto que deja una sensación frustrante. Muchas buenas ideas poco desarrolladas y aprovechadas.
El futuro ya llegó (otra vez) Historias Breves, el ya mítico concurso de cortometrajes organizado por el INCAA, fue fundamental en el surgimiento del denominado Nuevo Cine Argentino (NCA). Directores como Israel Adrián Caetano, Daniel Burman, Lucrecia Martel, Rodrigo Moreno y Ulises Rosell, por nombrar sólo algunos, se consagraron gracias a esta iniciativa surgida en 1995 y que -con todos sus problemas de continuidad y sus dificultades de concreción- ya va por su octava entrega. Un hecho para celebrar. No es fácil para los nueve realizadores aquí seleccionados la comparación con aquellos talentos que descollaron en los primeros años de esta iniciativa, pero el nivel general de esta edición resultó más que digno. En principio, llama la atención el excelente nivel técnico de todos los trabajos. Más allá de que estos premios permiten contar con recursos que muy pocos cortometrajistas podrían conseguir de forma independiente (en muchos casos hay incluso aportes de intérpretes y directores de fotografía de notables trayectorias), el acabado formal es impecable y, por lo tanto, la visión del conjunto resulta por demás placentera. Otra característica distintiva es la predilección por el cine de género, por una narración más bien clásica y no tan ligada a la experimentación: hay varias propuestas de terror, un par de thrillers psicológicos y algo de drama y comedia negra. Hasta las miradas a cuestiones más extremas como el bullying en un colegio secundario de varones (Superficies, de Martín Aliaga) o las consecuencias de la última dictadura militar que aún hoy se siguen percibiendo (El olvido, de Fermín Rivera) fueron trabajadas apelando a la tensión y el suspenso, y no a la declamación o a la verborragia. Historias Breves 8 arranca muy bien con De cómo Hipólito Vázquez encontró magia donde no buscaba, de Matías Rubio, reivindicación de lo más genuino del fútbol en medio de un negocio cada vez más deshumanizado (en esta propuesta que mixtura casi todos los géneros posibles hay una participación especial de Víctor Hugo Morales); y casi sobre el final aparece una gema como la sangrienta Liebre 105, de los hermanos Sebastián y Federico Rotstein, que juega con los códigos y convenciones del cine de horror y hace un uso excepcional de una locación como el estacionamiento vacío de un centro comercial de madrugada. En el medio, también se destaca El conductor, film de Maximiliano Torres que describe los conflictos de un matrimonio (Sergio Boris y Celina Font) que viaja con sus hijos de vacaciones. El creciente malestar de la pareja y de los chicos en el espacio cerrado y en movimiento de un auto (el marido va manejando a toda velocidad) tiene sobre el final un inesperado elemento adicional que potencia y amplifica ese clima ya de por sí perturbador. Por su parte, la vistosa Vida nueva, de Lucas Santa Ana, retrata con un dejo de melancolía el amor a diferentes edades (abuelos, padres, hijos) en el ámbito de un viejo edificio (con algo del de Séptimo) y en el contexto de una noche de Navidad, cuando todos los sentimientos se exacerban. El ramal, de Mena Duarte; y El Desafío, de Andrés Arduin, comparten una apuesta bastante más oscura e intrigante: son dignos exponentes del thriller (psicológico-erótico el primero; con elementos fantásticos el segundo) que demuestran que -más allá de los inevitables desniveles- hay una gran destreza y un indudable oficio en todos los jóvenes realizadores elegidos para esta nueva edición de Historias Breves.
Huele a espíritu preadolescente Esta crítica me generará -no tengo dudas- muchos detractores (y van…, je). Es que Caídos del mapa es una saga literaria amada por padres e hijos desde hace casi dos décadas. Es lo más parecido -y no hay nada peyorativo en esta afirmación- que el mercado editorial local ha construido en la línea de franquicias juveniles como la de Harry Potter. Ya van 10 novelas (la 11ª está en camino) y el fenómeno sigue creciendo cual bola de nieve. Su paso al cine, por lo tanto, era casi inevitable. Y muy esperado. Quería que me gustara. Hice muchos esfuerzos. Le puse “onda”, pero salí del microcine de su distribuidora (que la exhibió en una poco estimulante copia en DVD, imagino la furia de sus realizadores y técnicos al enterarse de esta noticia) con cierta decepción. Creo -intuyo- que la película va a funcionar razonablemente bien, que la transposición a cargo de la propia María Inés Falconi sintoniza con los chicos de estos tiempos, aunque sus principales valores son… extra cinematográficos. Pero aquí estamos hablando de películas y no esbozando análisis sociológicos. Y, aún reconociendo su digna factura y la elección de un interesante elenco de chicos acompañado por reconocidos intérpretes adultos en personajes secundarios, Caídos del mapa casi nunca consigue la fluidez, la credibilidad, los climas necesarios como para convertirse en una buena película de aventuras preadolescentes, en un entretenimiento del todo estimulante. Luego de una descripción (con bastante trazo grueso y no pocos clichés) de cada uno de los protagonistas (compañeros de clase del séptimo grado de una escuela primaria) seguiremos a los cuatro chicos (Federico, Paula, Graciela y Fabián) que deciden “hacerse la rata” para evitar a la insufrible maestra de Geografía (a.k.a La Foca) y terminan en el abandonado y sórdido subsuelo del colegio. Allí deberían comenzar los eventos más audaces y fascinantes, pero la película nunca supera una medianía bastante anodina. Hay un romance latente entre el líder del grupo, Federico, y la encantadora Graciela (ese amor-odio calcado de la relación entre Ron y Hermione en la citada Harry Potter) y está la malvada de turno (Miriam, la olfa, traga, buchona, resentida). Y también hay una larga escena en la que los muchachos deben trepar un muro con unos guardapolvos atados a modo de soga. Es un momento clave del film y está mal construido, traicionando el verosímil más básico de la narración cinematográfica. Es probable (me cuentan que los chicos que la vieron en los preestrenos salieron fascinados) que ningún espectador juvenil repare en esos u otros “detalles” formales y que la fascinación de apreciar a sus personajes favoritos saltando del papel a la pantalla, más la identificación de ver y escuchar a otros chicos hablando en su “idioma” y viviendo sus mismos problemas, alcance para que estemos en presencia de un éxito comercial. Si así es -y entonces vendrán nuevas películas de esta saga-, habrá que subir un peldaño para que el disfrute sea completo (para todas las edades) y el resultado final, más convincente.
¡Vivan las antípodas! La nueva película de Paul Feig (director de la notable Damas en guerra) es una típica cop-buddy movie, pero con protagonistas femeninas (y espíritu feminista). El film adscribe a todos los clichés del subgénero pareja-despareja (dos detectives opuestas entre sí que primero se odian y, claro, terminarán siendo compinches); y, si bien podían esperarse mayor cantidad de pasajes inspirados y de carcajadas, el resultado es bastante entretenido y disfrutable. La elección de las dos protagonistas es el mayor acierto del film: Sandra Bullock es Sarah Ashburn, una solitaria agente del FBI tan obsesiva y eficaz como arrogante e insufrible (odiada por sus colegas). Su jefe (el mexicano Demian Bichir) la envía a Boston para una misión que podría darle su anhelado ascenso: desbaratar una organización de narcotraficantes. El mismo caso está siendo investigado por Shannon Mullins (Melissa McCarthy), una ruda policía de la ciudad no menos eficaz, pero apelando siempre a métodos bastante más brutales. McCarthy, que ya había descollado con Feig en Damas en guerra, da rienda suelta a su proverbial capacidad para el humor físico (con más hallazgos que en la reciente Ladrona de identidades) y demuestra -como bien sostuvo Marina Yuszczuk en esta columna- que es una de las grandes comediantes de estos tiempos. Si bien no siempre alcanza una química perfecta (alternan grandes momentos con varios otros poco trascendentes), la dupla McCarthy-Bullock es el gran atractivo, el gancho comercial y la principal justificación de esta comedia de acción y enredos. Con un guión más aceitado, con un mayor desparpajo (Feig lo tiene, pero aquí parece demasiado contenido), con algunos lugares comunes menos, Chicas armadas y peligrosas podría haber sido una muy buena comedia. Se quedó a mitad de camino, es cierto, pero igual vale la pena.
Triste comedia sin audacia En 2010, Son como niños recaudó 162 millones de dólares sólo en los Estados Unidos con su fórmula del reencuentro de un grupo de viejos compañeros de colegio que deciden pasar juntos (con sus disfuncionales familias) un fin de semana largo fuera de la ciudad. La inevitable secuela tardó sólo tres años en llegar y el resultado es aún peor que aquel ya muy pobre film original. Otra vez con Dennis Dugan como director (es el cineasta preferido de Adam Sandler, con quien supo hacer películas bastante más que dignas como Un papá genial y No te metas con Zohan ), esta segunda entrega reúne a populares comediantes, como el apuntado Sandler, Chris Rock y Kevin James, para una nueva acumulación de bromas de mal gusto, lugares comunes, escatología, machismo y misoginia. Uno de los mayores desafíos de ver Son como niños 2 consiste en encontrar un gag inspirado, algún mínimo logro cinematográfico. Quien esto escribe no lo halló durante la larga hora y media de desventuras. Todo parece haber sido concebido con el mayor de los descuidos, con la más absoluta impunidad. Pero -y ése es el problema- no se trata de improvisación ni falta de recursos. Aquí se invirtieron 80 millones de dólares y participaron técnicos de reconocida trayectoria en la industria de Hollywood. Sin embargo, todo lo que podía salir mal resultó aún peor. La idea de adultos comportándose como niños (de allí el título) no tiene por qué derivar en algo tan primitivo y superficial. Pero estos personajes, que se quejan todo el tiempo de sus matrimonios (penoso el lugar estereotipado y prejuicioso que les dan a las esposas que interpretan Salma Hayek, Maya Rudolph y Maria Bello) y de sus hijos, que quieren "fiesta" para liberarse, se quedan luego en la promesa del descontrol para una película que termina siendo torpe, banal y hasta concesiva. Nadie pide que una comedia sobre cuarentones en plan adolescente sea profunda o apele al ensayo sociológico, pero sí que tenga un mínimo de audacia y desenfado, que divierta y entretenga. Esta propuesta, en cambio, sólo tiene que ver con flatulencias, eructos y testosterona. Y eso es (casi) todo. Lo preocupante es que con esos rudimentarios elementos Son como niños 2 recaudó más de 130 millones de dólares en los cines norteamericanos. No sería extraño, entonces, que se hiciera una tercera parte. Los productores (el propio Sandler es el principal) apelan a la máxima que impera en el negocio: el público siempre tiene la razón? ¿Siempre?