El director de Las patas de la mentira y El Nuremberg argentino reconstruye en este documental la historia y el trabajo del Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF), responsable de haber identificado casi 600 cadáveres enterrados como NN en fosas comunes durante la última dictadura y de haber encarado trabajos similares en varios otros países. El resultado de esta investigación es un documental de gran interés y valor testimonial, aunque con una factura bastante elemental, un sentido decididamente didáctico y una clásica estructura televisiva; es decir, sin el más mínimo vuelo "cinematográfico": el triunfo del contenido por sobre la forma. El esquema narrativo es básico y está sostenido, sobre todo, por declaraciones a cámara mechadas por imágenes de archivo del período del Proceso, del histórico juicio a las juntas militares, de los noticieros de las distintas épocas y, claro, de las múltiples actividades del EAAF. El film describe la épica de aquellos antropólogos, arqueólogos y genetistas (a veces acompañados por médicos, biólogos y odontólogos forenses) que dedicaron años y décadas de sus vidas a que esos miles de restos enterrados o apilados alcanzaran su entidad, encontraran finalmente su nombre y apellido gracias a la técnica de identificar personas con el ADN de los huesos, comparándolos con el de familiares directos. "Hemos identificado a menos del 10 por ciento de las víctimas, eso habla de la modestia que debemos tener", dicen. Pero ese "poco" que consiguieron es muchísimo para decenas de familiares de desaparecidos que pudieron armar su rompecabezas íntimo y terminar el calvario. Formado en 1984, el EAAF contó con muy distintos apoyos (desde las Abuelas de Plaza de Mayo hasta la Conadep, pasando por múltiples jueces, el movimiento ecuménico y especialistas estadounidenses como Clyde Collins Snow y Eric Stover). Precisamente, la capacitación y financiación que el gobierno norteamericano le dio al equipo fueron motivo de más de un debate interno. La película crece en intensidad emocional cuando los protagonistas cuentan anécdotas más íntimas, personales, o cuando se describe brevemente algún caso de exhumación e identificación exitosa (algo que ya se había trabajado con mayor profundidad en el documental Tierra de Avellaneda , de Daniele Incalcaterra). Así, incluso con sus limitaciones narrativas, se trata de una historia que merecía ser contada y reivindicada.
Veo gente muerta (y una película ídem) En 2010 el alemán Robert Schwentke dirigió la muy simpática RED, comedia de acción con espíritu de cómic. Apenas tres años después estrenó uno de los flops (artísticos y comerciales) más tremendos del Hollywood reciente (costó 130 millones de dólares y recaudó “centavos”). Es que casi con los mismos elementos (humor, vértigo y origen de historieta) los resultados son casi opuestos: nada funciona en esta propuesta de los guionistas de Furia de titanes que remite (y hace añorar) a Los Cazafantasmas y Hombres de Negro. Ryan Reynolds es un detective de Boston asesinado por un colega corrupto (un malvadísimo Kevin Bacon) que termina en una suerte de purgatorio dentro del R.I.P.D. (Rest in Peace Department), la de policía del más allá del título que coordina Mary-Louise Parker y donde tendrá como compañero a un viejo cowboy (un desatado Jeff Bridges). Los gags a-la-buddy-movie nunca funcionan, el 3D es distractivo y sólo quedan en pie el show a pura exageración del gran Bridges y el trabajo vía CGI para concebir gigantescos y horrendos monstruos que los protagonistas deberán cazar. Demasiado poco para una película que costó mucha plata, pero tuvo muy pocas ideas.
Opuestos complementarios El título Dos armas letales remite bastante al de Arma mortal y la asociación que buscó la distribuidora local no es antojadiza. Esta nueva película de ese sólido artesano del cine de género que es el islandés Baltasar Kormákur tiene bastante de esas buddy-movies como la que protagonizaron Mel Gibson y Danny Glover o 48 horas, pero también de los diálogos y las situaciones extremas del pulp tarantinesco, de la estilización de Tony Scott, del noir a-lo-Elmore Leonard, del desparpajo del cine clase B y, claro, del espíritu del cómic bien sangriento (está basada en la aclamada novela gráfica de 2008). Con todos esos elementos, y con la presencia de dos excelentes actores como Mark Wahlberg y Denzel Washington, podía esperarse más que un aceptable film, de esos que se disfrutan sin demasiadas exigencias, pero que nos dejan con gusto a poco, con ganas de algo más. Y no es culpa de los protagonistas. Los dos astros (sobre todo Wahlberg, que venía de trabajar con Kormákur en la superior Contrabando) son lo mejor del film porque entienden cómo combinar el humor y la acción, y jugar con las contradicciones de sus personajes opuestos (el desinhibido, algo irresponsable de MW vs. el serio, contenido y riguroso de DW). La trama es un delirio, una acumulación de confabulaciones, traiciones, vueltas de tuerca y golpes de efecto que incluyen desde millonarios robos de bancos hasta la presencia de agentes de la CIA, del FBI, de la DEA, de la inteligencia militar y de los carteles mexicanos de la droga, todos -por supuesto- persiguiendo a nuestros dos antihéroes que, a pesar de sus diferencias, no tendrán más remedio que unir fuerzas para sobrevivir. Si Wahlberg (se) divierte y Washington impone su habitual presencia en cámara, el director de Invierno caliente le dedica buenos momentos a los secundarios más delirantes (Bill Paxton y Edward James Olmos), pero por momentos diluye el disfrute de las coreográficas escenas de acción apelando a demasiados cortes de montaje. De todas formas, el uso más bien austero de efectos visuales y la apuesta al humor negro son dos características que se agradecen dentro de una película limitada, pero en definitiva bastante agradable.
Un nazi en mi mesa Wakolda es una producción de primer nivel y con una cuidada reconstrucción de época (1960) en la que intervienen compañías de varios países (Argentina, Francia, España, Noruega), realizada por una directora y escritora joven, talentosa y atractiva como Lucía Puenzo a partir de una novela propia, y sobre un tema complejo y controvertido como la presencia de los nazis en Bariloche. Todo servido, por lo tanto, para el debate cinéfilo (y también extracinematográfico) acalorado, apasionado. Esta nueva película de la realizadora de XXY y El niño pez tiene varias líneas argumentales (quizás demasiadas para sus 93 minutos) que se entrecruzan y en algunos casos se potencian entre sí: la llegada al sur de Josef Mengele (el español Alex Brendemühl) con la cobertura de una red clandestina que opera dentro de la comunidad germana; la relación que él establece con una pareja joven (Natalia Oreiro y Diego Peretti), que también arriba a la zona para reabrir una hostería familiar a orilla del lago Nahuel Huapi en la que el ex jerarca nazi decide hospedarse por seis meses; y -sobre todo- la mutua y enfermiza obsesión que se produce entre el protagonista y la hija del medio del matrimonio, Lilith, de doce años, que tiene problemas de crecimiento por haber nacido prematura. Hay más temas y subtramas: el despertar sexual preadolescente, la dinámica escolar en el colegio alemán, la fabricación de unas muñecas de porcelana (de allí e título del film), la caza de nazis por parte de agentes israelíes y, claro, los experimentos genéticos que hicieron tristemente célebre a Mengele. Más allá de la acumulación de capas (es una “cebolla” cinematográfica, un verdadero rompecabezas para armar y hay momentos en que al relato le cuesta respirar), cabe indicar que Puenzo maneja la mayoría de ellas con precisión, rigor, recato y delicadeza, apoyada en un sólido elenco que sortea con muchísimo profesionalismo el desafío del idioma (el 60 por ciento de la película está hablada en alemán y varios de ellos se aprendieron los diálogos por fonética). Wakolda tiene un arranque impecable en la presentación de los personajes y el contexto; en el medio la narración se "ameseta" un poco para recuperar su aliento en un desenlace a pura tensión y suspenso, cuando el melodrama familiar cede lugar a elementos propios del thriller. Con una narración más clásica que en sus dos films anteriores, Lucía Puenzo demuestra que puede abordar temas espinosos y provocadores sin caer en lugares comunes ni golpes bajos. Bien por ella.
El concepto de un grupo de personajes encerrado en una casona que resiste aterrorizado frente a una amenaza (ya sea humana o sobrenatural) no es precisamente novedoso dentro del género de terror. De hecho, este año varios estrenos norteamericanos abusaron de esa premisa, aunque -hay que admitirlo- con buenos resultados artísticos (La cabaña del terror, Posesión infernal, El conjuro y la inminente La noche de la expiación). Más allá de la inevitable repetición de algunas situaciones y conflictos, la fórmula también sigue dando sus frutos económicos (todos los títulos citados fueron de bajos presupuestos y notables recaudaciones) y, en ese sentido, esta película del muy joven y prolífico director Adam Wingard resulta otro más que digno exponente de ese horror sangriento que tiene como eje la paranoia de la burguesía (hay aquí un lejano parentesco con el cine de Michael Haneke). Un veterano matrimonio de muy buen pasar (él se acaba de jubilar y ella está medicada para sobrellevar diversos trastornos psicológicos) reúne a sus cuatro hijos (con sus respectivas parejas) en una casona que acaba de adquirir para celebrar los 35 años que llevan juntos. Las miserias, resentimientos y tensiones entre los hermanos de esa disfuncional familia no tardarán en aparecer. La vieja mansión está llena de ruidos, pero lo que en principio parece "otra de fenómenos paranormales" se convierte en algo bastante más terrenal. Los protagonistas son atacados (con ballestas, hachas, cuchillos) por misteriosos hombres disfrazados con cabezas de animales. La carnicería, por supuesto, será terrible (hay un espíritu gore pletórico de excesos que remite a los primeros films de Peter Jackson y Sam Raimi) y, en ese contexto, surgirá la figura de Erin, novia de uno de los muchachos. Interpretada por la desconocida actriz australiana Sharni Vinson, esta joven de armas tomar resulta la gran heroína (y principal revelación) de una película que no se destacará por su innovación, pero que constituye un sólido producto que ratifica eso de que no hace faltan muchos recursos cuando hay buenas ideas y convicción para concebir una película eficaz.
Quentin Tarantino presenta es el "gancho" vendedor de esta película de artes marciales ¿Es Tarantino productor, director y/o guionista del film? No, apenas amigo e inspirador de RZA, el verdadero impulsor del proyecto, y de Eli Roth, quien aportó en la escritura de la historia. En su debut en la realización (también es el protagonista), RZA figura clave del hip hop con su notable banda Wu-Tang Clan propone un confusa, caótica y sólo por momentos atractiva acumulación de escenas de lucha cuerpo a cuerpo. Algunas tienen su espectacularidad, sus picos creativos en materia coreográfica, pero a esta altura nada que no se haya apreciado en decenas de películas, desde El tigre y el dragón hasta para seguir con Tarantino la saga de Kill Bill . El problema, de todas maneras, no está en ese puñado de set-pieces que los fans del wuxia sabrán valorar y disfrutar sino en el armazón, la estructura que le da sostén. Es que, aun aceptando las convenciones y superficialidades de la propuesta (que tiene mucho de espíritu de cómic), la trama es poco rigurosa y no demasiado atrapante. Todo es tan caprichoso y arbitrario que ni siquiera la voz en off (también a cargo de RZA) le da sentido y coherencia. Intentar resumir este pastiche premeditadamente ridículo no es tarea sencilla: en la China del siglo XIX, dos guerreros sádicos (Byron Mann y Cung Le) traicionan y matan al emperador para luego aterrorizar y someter al pueblo aprovechando los superpoderes de un gigante con cuerpo de hierro (el popular luchador Dave Bautista). El noble hijo del guerrero asesinado (Rick Yune), con la ayuda de un mercenario inglés (un siempre excesivo Russell Crowe) y de un herrero que supo ser esclavo (el propio RZA), intentarán combatir a los nuevos tiranos. RZA se divierte (pero no siempre divierte) con un festival gore (chorros de sangre que brotan de cabezas, brazos y piernas amputadas con espadas y hachas) filmado con todos los recursos imaginables: personajes que vuelan, mucha cámara lenta, pantalla dividida y un largo etcétera. La sensación, así, va más allá de cierto déjà vu o del "homenaje" cinéfilo para convertirse en un agotador reciclaje de elementos que ya se han visto varias (demasiadas) veces.
Volver al pasado Cuesta creer que, en pleno 2013, el cine argentino nos “regale” una película como Sólo para dos. Esta coproducción con España y Venezuela rodada en un resort de la Isla Margarita por el también guionista madrileño Roberto Santiago atrasa 30, 40 años, y nos retrotrae a los peores exponentes de la picaresca de Argentina Sono Film (igual creo que esa factoría nunca cayó tan bajo). Lo que podía haber sido una comedia romántica con las fórmulas de Hollywood como modelo terminó en una latinoamericanada torpe, berreta, pintoresquista y costumbrista en la que no hay ni un instante ya no digo divertido sino mínimamente inspirado. Valentina (Martina Gusmán) y Gonzalo (Santi Millán) están casados desde hace diez años y regentean en ese balneario caribeño el hotel “para parejas” en medio de una cada vez más avanzada crisis matrimonial. Hasta allí llega, en el marco de un nuevo contingente, Mitch (Nicolás Cabré), abandonado a último momento por su flamante esposa (duraron tres días juntos). Lo que sigue es una sucesión de enredos amorosos (léase una acumulación de engaños y mentiras) que parecen improvisados. Por allí deambulan también personajes secundarios como Jairo (Antonio Garrido), un cantante de medio pelo que la va de Don Juán; o una empleada lugareña (la hermosa MariaNela Sinisterra, cuyo único objetivo en la trama parece ser mostrar sus pechos). Casi tan mala como esos conflictos sin sustancia, esa narración sin fluidez, esos diálogos gritados y esa falta de química actoral es la banda de sonido, siempre ampulosa, onmipresente y subrayada, que intenta generar en el espectador alguna sensación que no sea el tedio. Para destacar (lo único) que la película se escucha y se ve bien, pero un digno acabado técnico a esta altura no cambia en nada la valoración general. Lamento mucho que una muy buena actriz en ascenso como Martina Gusman haya quedado atrapada en semejante proyecto. Sus impecables trabajos en cine (junto a Pablo Trapero), en teatro y en TV hablan de su capacidad aquí por completo desaprovechada. Este ha sido, pues, un tropiezo del que pronto se habrá recuperado y quedará apenas como un mal recuerdo.
Menos de lo mismo Tres años después de Percy Jackson y el ladrón del rayo llega una secuela bastante peor (y eso que la primera entrega, dirigida por Chris Columbus, no era precisamente un dechado de virtudes). El protagonista, claro, es el mismo: Percy Jackson (un inexpresivo Logan Lerman) es el único hijo vivo de un Dios (Poseidón) y, por supuesto, deberá salvar nuevamente al mundo -con la ayuda de sus amigos, de su arrogante competidora Clarisse (Leven Rambin), y hasta de un hermanastro cíclope- de una fuerza todopoderosa que amenaza con arrasar con el campo Half-Blood, en el que conviven los jóvenes descendientes de los griegos. Fiel a la obsesión de Hollywood de bastardear la mitología (a esta saga hay que sumarle, por ejemplo, la más digna de Furia de titanes), hay aquí múltiples referencias y personajes surgidos de la historia antigua, pero el festival de efectos visuales no alcanza para maquillar una alarmante falta de capacidad a la hora de construir un relato de aventuras con un mínimo de tensión, suspenso, personajes empáticos y buenos toques de humor. Thor Freudenthal (Hotel para perros, El diario de un chico en apuros) parece haber filmado con el “piloto automático” siempre prendido, sin que la película logre trascender jamás una medianía demasiado anodina. Hollywood, por suerte, nos tiene acostumbrado a mucho más que eso. PD: El 3D no agrega absolutamente nada.
Alas de libertad En su ¡30ª! película, el Perro asegura “volver a las fuentes”, aunque eso sólo se percibe en los dispositivos que utiliza y en ciertas decisiones estéticas que toma: imágenes en blanco y negro con bastante grano (o pixelado) y pantalla 4:3 (casi cuadrada). Por supuesto, sigue en el Oeste del conurbano, se ocupa de los jóvenes y -como en 180 grados- el skate ocupa un lugar importante. Hasta allí las “semejanzas” que se pueden establecer. Es que P3ND3JO5 nos muestra a un Perrone siempre en mutación, probando, experimentando, intentando no encasillarse, buscando cambiar. Algo sano para cualquier artista, pero sobre todo viniendo de un director que ya ha pasado los 60 años y tiene muchas condecoraciones ganadas. Creador -en general- de películas cortas (suelen durar poco más de una hora), aquí opta por 157 minutos para concebir una narración en varios actos (episodios), con múltiples personajes (los pendejos/adolescentes del título) que apuesta como nunca a la experimentación visual y sonora, a la sensorialidad, a un cine no-narrativo. P3ND3JO5 es un musical sin diálogos (con intertítulos propios del período silente), una tragedia suburbana y, sobre todo, un trip dominado por las imágenes de skate y la permanente banda sonora (excelente combinación entre mucha cumbia electrónica con un poco de ópera y hasta algún tema de Los Violadores) concebida por el colectivo Nomenombres Wey encabezado por el productor DJ Negro Dub. Lo popular y lo “culto” conviviendo con absoluta armonía y desparpajo. En principio, debo admitir que la experiencia se me hizo un poco tortuosa y creo que no hacían faltan los 157 minutos, pero ahora que escribo (varias horas después de la proyección matinal en el BAFICI) siento que la película va creciendo. En primera instancia, Perrone parece regresar al cine “juvenil” de Gus Van Sant, pero luego el film muta hacia un homenaje a La ley de la calle, de Francis Ford Coppola (las nubes, los personajes fantasmales que se elevan y luego regresan, los policías que persiguen a los pendejos). Sobre la segunda mitad, aparecen las referencias directas a Pier Paolo Pasolini, a Carl Theodor Dreyer (Juana de Arco), y la cosa se pone un poco (sólo un poco) más convencional (léase algo más narrativa). La película está llena de ideas (algunas muy originales, otras “prestadas”), de hallazgos y también de caprichos. A esta altura de su carrera, Perrone no tiene que pedirle permiso a nadie. Puede ser “larguero”, ambicioso, desmesurado, ampuloso. Algo de eso se percibe en P3ND3JO5, pero también hay un director que se permite “jugar” a y con el cine, que se siente sin ataduras de ningún tipo. Bienvenida sea, entonces, esa libertad creativa.
Tras el inmenso éxito comercial de las dos entregas de Cars, Disney optó por evitar (al menos por el momento) una tercera película de las aventuras del Rayo McQueen y Mate para apostar, en cambio, a un desprendimiento (spinoff en la jerga comercial) de la franquicia. En efecto, este film -que ya no cuenta con el sello de Pixar- fue concebido a partir de un concepto claro y contundente: "Cars con alas". En principio, incluso, se lo pensó como un lanzamiento exclusivo para el mercado hogareño, pero los testeos fueron positivos y se optó entonces por un estreno en salas. Esta película de Klay Hall es -en todos sentidos- una hermana menor de sus predecesoras. Las referencias a los films previos son constantes y, si bien tiene un impecable trabajo de animación que aprovecha todas las posibilidades del 3D (la sensación de inmersión en las vertiginosas carreras por el aire), la idea de reciclar diseños, personajes y conflictos ya vistos empieza a ser un poco forzada y agotadora. El anithéroe de turno es Dusty, un pequeño avión que está cansado de fumigar zonas rurales y sueña con correr carreras profesionales. Las cosas no serán fáciles porque primero deberá superar sus propias fobias (está acostumbrado a volar a bajas alturas) y luego, los prejuicios ajenos (nadie lo cree capaz de competir en una extenuante y riesgosa vuelta al mundo). Como el lector podrá imaginar, aparecerán para ayudarlo sus patéticos y queribles amigos, un traumado veterano de guerra que se convertirá finalmente en su mentor (Skipper), un competidor solidario y divertido llamado El Chupacabra (mexicano, para más datos), unas atractivas y seductoras "avionetas" (Dottie y Rochelle), y -claro- un campeón poco menos que imbatible y fanfarrón (Ripslinger). Nada demasiado sorprendente en un guión a pura fórmula. La película funciona bien para niños pequeños (no es recomendable para chicos que ya hayan alcanzado los dos dígitos), mientras que los adultos extrañarán bastante las inteligentes e irónicas referencias y dobles lecturas que tantas producciones de Pixar-Disney supieron regalar. Aquí, todo es básico, aunque el festival de colores, movimientos, detalles, bromas y aventuras alcanza para satisfacer las necesidades del consumo infantil.