Buenos Aires luce imponente e impactante en las múltiples tomas aéreas que se aprecian en varios pasajes de Séptimo . Pero la ciudad y, sobre todo, el viejo edificio de la calle Brasil donde transcurre casi toda la primera mitad del relato, también son un infierno para el protagonista, encerrado dentro de esas paredes a la espera de alguna novedad sobre el paradero de sus dos hijos, misteriosamente desaparecidos tras un inocente juego familiar. Ese padre al borde de un ataque de nervios es Sebastián, un abogado recientemente divorciado de la española Delia (Belén Rueda) y ligado a casos extremos como los que Ricardo Darín ya interpretara en Carancho, El secreto de sus ojos y la reciente Tesis sobre un homicidio . Y Darín es, por supuesto, la gran carta de triunfo (al menos en el terreno comercial) que tiene este correcto y bastante eficaz thriller psicológico coescrito y dirigido por el catalán Patxi Amezcua. Aún a riesgo de convertirse en figurita repetida (es el segundo policial del año que protagoniza), Darín resulta siempre convincente en este papel de héroe hitchcockiano (un hombre común en circunstancias extraordinarias). La película trabaja en las escenas iniciales la posibilidad de que Sebastián -que durante esas escasas y tensas horas en las que transcurre el relato tiene una decisiva audiencia de un caso de corrupción con fuertes connotaciones económicas y políticas- esté siendo manipulado con el secuestro de sus hijos, pero no conviene adelantar nada más sobre la evolución y derivaciones de la trama. Lo que sigue es un típico juego de gato y ratón, con varias vueltas de tuerca (más o menos) inesperadas, que Amezcua maneja con profesionalismo, pero sin demasiado virtuosismo ni capacidad de sorpresa (hay un buen uso de la cámara en mano para sostener el nervio y la tensión). Más allá de su impecable factura técnica, Séptimo repite buena parte de la fórmula padre-dispuesto-a-todo-por-salvar-a-hijos (una niña de 7 años y un chico de 9) que el cine ha trabajado en numerosas oportunidades. Y la experiencia se parece bastante a la de apreciar un episodio doble de cualquier serie televisiva (y no estamos hablando de gemas como Breaking Bad ). De todas formas, la apuntada presencia de Darín -favorito del público desde hace ya varios años- y el fuerte lanzamiento (213 copias en todo el país) deberían ser argumentos suficientes como para que ese romance no se interrumpa justo ahora.
Una historia que merecía ser contada (mejor) Nadie duda de lo importancia (artística y social) que el Grupo de Teatro Catalinas Sur ha tenido para el barrio en particular y la ciudad en general. Lo sé de primera mano porque estudié en la escuela primaria Carlos Della Penna que está en el corazón de esa zona humilde, pero orgullosa de su espíritu comunitario. Por eso, a 50 años de la fundación de ese barrio “peatonal” (no hay calles) y a tres décadas de la creación del ya mítico grupo de teatro liderado por el uruguayo Adhemar Bianchi, la versión para cine de Venimos de muy lejos surgía como un doble homenaje ideal. Pero, más allá del ánimo lúdico y celebratorio, no es demasiado lo que se puede rescatar de este film de Ricky Piterbarg. Concebido como un patchwork visual y estilístico, como una mixtura (acumulación) de géneros y elementos, Venimos de muy lejos resulta una experiencia algo caótica y confusa, aunque también encuentra algunos aislados pasajes de sensibilidad y emoción, cuando entre la avalancha de imágenes el director pudo registrar y transmitir lo más genuino y vital del barrio, los artistas y su gente. Entre el documental y la ficción, entre el cine y el teatro, entre el realismo y el artificio, entre el registro urgente y la puesta en escena calculada, entre la tragicomedia casi grotesca y el musical desbocado, entre el ensayo y el making of, Venimos de muy lejos apuesta -al igual que la obra homónima que le dio origen- a recuperar las historias de vida de los primeros inmigrantes (sobre todo italianos) que llegaron a los conventillos de la zona para ahondar luego en las diferencias generacionales (abuelos, padres, hijos) y los inevitables cambios propios del paso del tiempo. Piterbarg propone constantes cambios de estilos y registros (hay hasta inserts editados de forma vertiginosa a manera de clips) y, si la película carece de unidad, cohesión y punto de vista (la idea parece ser la de un retrato coral y colectivo, con el barrio y la compañía como protagonistas), tampoco ayuda la presencia de la voz en off del siempre engolado y solemne Víctor Hugo Morales. Así, aunque a nivel estrictamente cinematográfico la propuesta tiene sus carencias, Venimos de muy lejos queda, al menos, como un registro de un lugar, un tiempo y su gente. Tratándose de una experiencia sociocultural tan valiosa, no se trata de un mérito menor.
Esta película ya la vi (y hace poco), pero igual me gusta Rey Midas del cine apocalíptico (o, como me gusta definir, del “rompan todo”), el alemán Roland Emmerich regresa con un film con todos los vicios de sus trabajos (patrioteros, elementales), pero al mismo tiempo bastante divertido y entretenido. Estamos ante un producto básico y eficaz, que en otro contexto funcionaría sin demasiadas contraindicaciones, pero el lector deberá estar advertido que la propuesta se parece mucho (demasiado) a la de Ataque a la Casa Blanca (Olympus Has Fallen), film de Antoine Fuqua con Gerard Butler que se estrenó en los cines argentinos hace cuatro meses. El de Emmerich, de todas maneras, es bastante mejor. No es la primera vez que el cine norteamericano nos regala dos películas “calcadas” (si hasta se hicieron casi pegados dos films sobre Truman Capote o dos sobre Alfred Hitchcock…), pero llama la atención las similitudes entre aquel film y este guión de James Vanderbilt, responsable de esa joya que es Zodíaco y de la nueva saga de El Hombre Araña, entre varios otros aportes. El “nuevo” Butler es aquí Channing Tatum (probándose como héroe de acción a-la-Bruce Willis en Duro de matar con resultados irregulares), un veterano de la guerra de Afganistán divorciado y padre de Emily (Joey King), una conflictuada preadolescente a la que vive decepcionando, que intenta -sin suerte- ingresar al Servicio Secreto. Pero justo cuando lleva a su hija a la Casa Blanca se desata el ataque del título pergeñado ya no por norcoreanos como en el film de Fuqua sino por sectores de la ultraderecha política, grupos paramilitares, hackers y lobbystas de la industria armamentista. Y, entonces, el John Cale de Tatum deberá defender al presidente (Jamie Foxx en plan Obama) y redimirse a los ojos de su hija. ¿Sutilezas? ¿Profundidad psicológica? No le pidan nada de eso al creador de Día de la Independencia, Godzilla, El día después de mañana y 2012, pero el relato de acción (con unos malos malísimos que ponen en riesgo la paz mundial con una amenaza nuclear) funciona razonablemente bien (léase nervio, tensión y humor básico). Si les molestan las banderas estadounidenses flameando, si los discursos de ocasión les generan urticaria, ahórrense la plata y eviten esta película. Pero, si nada de eso les complica la existencia, El ataque y su parafernalia de efectos y explosiones (150 millones de dólares de presupuesto) es un Emmerich (o sea, Hollywood) en estado puro. Tómelo o déjelo.
No es parodia... pero parece Esta remake del film homónimo de 1984 dirigido por John Milius (sobre una invasión soviética con ayuda cubana y nicaragüense) es tan mala que por momentos genera ternura, su propuesta es tan burda que resulta involuntariamente graciosa, como si fuese algo así como una parodia a-la-Capusotto de una película bélica. Ya el punto de partida de esta nueva versión es inverosímil: los norcoreanos invaden un pueblo de los Estados Unidos (como si fuera tan fácil… y encima el resto del país ni siquiera acude a su ayuda) y son dos hermanos –que ven cómo su padre es asesinado a sangre fría por un sádico militar del ejército extranjero– quienes liderarán la resistencia al mando de un grupo de inexpertos jovencitos. Los protagonistas (¡que ni siquiera se parecen entre sí!, uno es grandote y rubio y el otro bastante petiso y morocho) demostrarán su valentía en una película que parte de la paranoia social y termina exaltando el patrioterismo (banderas flameando, discursos chauvinistas). Berretada ochentista reciclada para la ocasión (hay algo del espíritu de Rocky mezclado con el cine de John Carpenter, pero a años luz de ambos referentes), Amenaza roja sería -con suerte- un directo a video si no tuviese como uno de los héroes al galán Chris “Thor” Hemsworth. Por lo demás, más allá de cierto “profesionalismo” en sus escenas de acción, esta ópera prima de Dan Bradley (veterano doble de riesgo) es absolutamente prescindible y descartable.
De la provocación al conservadurismo El Walter White que Bryan Cranston interpreta en Breaking Bad, la Brenda Blethyn de El jardín de la alegría, la Mary-Louise Parker de Weeds… y siguen las firmas. Gente común, vecinos del barrio, gente por momentos incluso bastante queribe que sortea sus dificultades financieras vendiendo drogas. Lo mismo hace David Clark (Jason Sudeikis), que trafica marihuana para el narco de Denver que encarna a pura exageración Ed Helms. Pero a ese antihéroe que es David unos marginales le roban la plata y la mercancía, y es obligado por su jefe a que ingrese marihuana (mucha, toneladas) desde México para saldar la deuda y quedarse con una buena diferencia económica. El protagonista cree que la mejor forma de hacerlo es “camuflándose” como una familia de vacaciones (los Miller del título) y, así, termina viajando al sur junto a una stripper llamada Rose (Jennifer Aniston en plan Demi Moore) y dos adolescentes: la rebelde Casey (Emma Roberts) y el virgen Kenny (Will Poulter). Lo que sigue es un bombardeo casi desesperado, una acumulación infinita de chistes pedestres y vulgares (la araña que pica los genitales de Kenny), observaciones obvias sobre el patetismo de buena parte de la clase media norteamericana (puestas, sobre todo, en el previsible y aburrido matrimonio que viaje en casa rodante interpretado por Nick Offerman y Kathryn Hahn) y muchos, demasiados estereotipos (no pasarían la prueba de ningún INADI del mundo a la hora de representar a los personajes latinos). El director de la muy superior Pelotas en juego (Dodgeball: A True Underdog Story) y los guionistas de Los rompebodas y Un loco viaje al pasado intentaron con muy poca fortuna (la efectividad entre bromas lanzadas y carcajadas logradas es bajísimo) adscribir al humor negro y zafado de la saga ¿Qué pasó ayer?, pero -más allá de algunos aislados momentos inspirados- el resultado es a todas luces fallido (y con una vuelta de tuerca final a todas luces condescendiente y conservadora). En este sentido, se termina pareciendo mucho a las últimas propuestas del decadente Adam Sandler. Como el film ya es un rotundo éxito comercial en los Estados Unidos es probable que volvamos a encontrarnos con Sudeikis y Aniston juntos en pantalla. Ojalá sea con una comedia bastante más eficaz que esta.
Golpe al corazón Valérie Donzelli es una actriz que, pese a que recién tiene 40 años, ya trabajó en más de 50 producciones (cortos y largos, cine y TV) y dirigió un puñado de títulos (antes de Declaración de vida había filmado La reine des pommes y posteriormente realizó Main dans la main). Más allá de su prolífica y diversa carrera, la consagración le llegó en la edición 2011 del Festival de Cannes, cuando estrenó en medio de una aclamación generalizada La guerre est déclarée, aquí insólitamente rebautizada Declaración de vida para su estreno comercial. Donzelli reconstruye aquí (como directora, guionista y protagonista) una etapa durísima de su propia vida: el largo proceso desde que se enamora de manera apasionada de un hombre, queda embarazada, es madre, descubre que su hijo sufre de un tumor cerebral, y empiezan un largo y tortuoso tratamiento para el niño. Y Donzelli no es la única que pone el cuerpo en pantalla. También lo hace el padre del chico (Jérémie Elkaïm, además coguionista) por lo que la intensidad, credibilidad e intimidad del proyecto están más que garantizadas. Luego de esta introducción es lógico que el lector imagine que estamos ante un lacrimógeno dramón de aires televisivos. Nada más inexacto. Sin descuidar la complejidad médica y, sobre todo, emocional de este derrotero, la película está trabajada con un sentido del humor y un desparpajo que la convierten en una muy bienvenida rareza. Donzelli “bebe” del espíritu de la nouvelle vague y sus continuadores, del cine de François Truffaut, Agnès Varda y Jacques Demy, y se permite interludios musicales, momentos de humor absurdo y situaciones extremas trabajadas con un espíritu experimental. Si no podemos hablar de una película brillante es porque Declaración de vida resulta un poco maniquea, por momentos algo torpe (los personajes se llaman… Romeo y Julieta), y -más allá de lo sentida y visceral que es- resulta a veces una suerte de ego-trip demasiado obsceno. La película, además, está concebida como una suerte de agradecimiento al sistema de salud pública de Francia (se rodó en las instalaciones del mismo hospital donde esa familia prácticamente se instaló durante meses, años) y es entonces cuando cede a su faceta más convencional. Más allá del absoluto protagonismo de Donzelli y Elkaïm, aparecen durante el relato desde grandes intérpretes como Anne Le Ny y Frédéric Pierrot (encarnan a distintos médicos que participaron de los tratamientos) hasta colegas como Riad Sattouf y Serge Bozon en pequeñas participaciones especiales.
Ossessione (todo por un sueño) Luego del éxito mundial con Gomorra (2008), aquel demoledor retrato del universo de la camorra, el talentoso director italiano Matteo Garrone regresó a Nápoles, pero esta vez con una propuesta muy distinta. Reality es una mirada ácida, crítica y contundente -pero nunca obvia y facilista- sobre la fascinación (la obsesión) que genera Grande Fratello (versión local de Gran Hermano) en el seno de una típica familia ampliada de la zona, que vive junta en un conventillo, y -más precisamente- en Luciano, un vendedor de pescado que, luego de conocer a un hombre que ha sido finalista del reality show, hace una prueba y queda preseleccionado. La ilusión devenida ansiedad por saber si en definitiva formará parte o no del popular programa televisivo empieza a carcomerlo y lo llevará a padecer situaciones extremas. Garrone combina un tono propio de la clásica comedia neorrealista con climas más propios de la fábula fantástica a-la-Fellini (pero mejor que Paolo Sorrentino) para describir el viaje interior y exterior del protagonista y cómo ese hecho va modificando su personalidad y las relaciones con su esposa, sus familiares, los vecinos y sus clientes. Quizás algo menos lograda que esas joyas que fueron L’imbalsamatore y Gomorra, Reality trabaja sobre un tema ya bastante transitado por el cine italiano de los últimos tiempos (de frivolidad e hipocresía berlusconianos) como el deslumbramiento por la fama, el éxito y las celebridades, aunque crece cuando se sumerge en las contradicciones íntimas del antihéroe, interpretado por Aniello Arena, actor aficionado que comenzó a hacer teatro en la cárcel de Volterra en la que está encerrado desde hace casi 20 años. Una verdadera revelación.
En un mercado como el de la animación infantil dominado por las producciones de Hollywood (este año con la fuerte competencia de la argentina Metegol ), el estreno de una película sudafricana resulta una bienvenida rareza. Sin embargo, el principal problema de este proyecto de 20 millones de dólares de presupuesto es que -más allá de los hermosos paisajes que recrea, de la bella paleta de colores que regala y de algunos pasajes de música autóctona- apeló a un guión bastante convencional que recicla situaciones y conflictos ya vistos en decenas de films previos, seguramente con la idea de alcanzar así una mayor proyección internacional. Ambientada en la zona de las cataratas Victoria, un espectacular salto de agua del río Zambeze en la frontera entre Zambia y Zimbabwe, Zambezia tiene como protagonista al joven y solitario halcón Kai, que ha perdido a su madre y vive bajo el obsesivo cuidado de Tendai, su sobreprotector padre (un arranque parecido al de Buscando a Nemo ). Pero, claro, el ave quiere experimentar la libertad y terminará en la inmensa ciudad del título, donde conviven decenas de especies (aquí empiezan las similitudes con Ga'Hoole: La leyenda de los guardianes ). Allí demostrará su capacidad para volar de manera poco ortodoxa y de improvisar sobre la marcha, y será reclutado para patrullar y custodiar la zona. Pero la convivencia, en principio, no es lo suyo y -ante los problemas que encuentra para adaptarse- al poco tiempo querrá regresar a su aislado hogar. Es cuando aparecen en escena algunos personajes clave, como la bella Zoe y su padre Sekhuru, un pájaro viejo y sabio que sabrá cómo aconsejarlo. Y, claro, también están los malos de la película, como la iguana Budzo, a quien deberán enfrentar sobre el final. Es una lástima que la narración sólo se sostenga en la espectacularidad de las escenas de vuelo (con la cámara acompañando el movimiento de las aves y aprovechando las posibilidades del 3D) y en algunos pasajes que tienen que ver con fiestas tradicionales y momentos musicales. Con una historia un poco más audaz, con personajes más desarrollados, con más sentido del humor y una mayor capacidad para entretener, habríamos estado frente a una verdadera sorpresa del cine africano y no a un producto apenas correcto como el que finalmente se aprecia en pantalla.
Mucha Wikipedia, poco cine Lo que menos merecía Steve Jobs era una biopic común y corriente como la de Joshua Michael Stern (el mismo de Un papá muy poderoso / Swing Vote). Al genio de la innovación tecnológica y del diseño había que hacerle una película a su medida y no un film como este -correcto y cuidado, obvio y previsible- de esos que se pueden ver de a decenas en una tarde de zapping en la TV por cable. El título de la crítica alude a la concepción del guión que Matt Whiteley: una sumatoria de hechos, conflictos y personajes que se pueden leer en Wikipedia o en cualquier sitio que informe sobre los hitos de una personalidad como Jobs. Lo peor no sólo de la propuesta del autor sino también de la dirección de Stern y de la actuación de Kutcher es que no “sentimos” la grandeza del protagonista, la “épica” de su lucha contra los ejecutivos burócratas que llevaron a Apple al borde de la quiebra, ni mucho menos el espíritu de época que un film sobre esta “revolución” debería irradiar. La película no muestra, no comparte, no piensa a un hombre y su tiempo sino que dice, explica, recita, repite. Es más un informe periodístico que un ensayo con alguna mirada o teoría propia que permita discutir o pensar (al film y al personaje). El film arranca de la peor manera (una poco atractiva escena en la que Jobs les presenta a sus empleados el iPod en 2001, y luego una serie de viñetas de la vida universitaria en 1974 donde el protagonista tiene una suerte de viaje místico, lisérgico y revelatorio, con epifanías y gurúes espirituales que le servirán de inspiración). Por suerte, la cosa mejora bastante cuando el film regresa al mundo real con el jovencísimo Jobs y su grupo de patéticos colaboradores (no falta el gordito nerd) luchando en la Stanford de los años '80 por imponer (y vender) su idea de una computadora personal. Y así comienza la escalada hasta la cima, y las sucesivas caídas, y las posteriores recuperaciones. Y las confabulaciones empresarias. Y las traiciones. Y los regresos con gloria. Todo con música estridente y algún que otro golpe de efecto. ¿Es aburrida? No. ¿Está “mal” construida? Tampoco. Pero allí donde Red Social -película de inevitable comparación porque también reconstruía los inicios de otro “mesías” tecnológico como Mark Zuckerberg- tenía un gran guionista (Aaron Sorkin), un notable director (David Fincher), tensión, humor, contradicciones y miserias personales, aquí todo resulta mucho más obvio y explícito, más chato y -claro- menos fascinante. Seguramente no será la última película sobre Jobs (ya hay decenas de libros y documentales sobre su vida). Quiero creer que el cine puede (y debe) sumergirse con mayor hondura e inteligencia en los vericuetos íntimos de alguien que supo crear varios de los productos más extraordinarios de las últimas décadas.
Crepúsculo volvé, te perdonamos Voy a empezar con una frase que el lector encontrará poco analítica, pero contundente: hacía tiempo que no me aburría tanto en una sala. No es que esperara de Harald Zwart una obra maestra del cine fantástico y de aventuras, pero el director holandés venía de hacer un producto digno y llevadero como la remake de Karate Kid. Aquí, nos “regala” un mamotreto fílmico al que le caben bien términos devastadores como “bodrio” o “bodoque”. La idea, claro, es buscar una nueva franquicia a-la-Crepúsculo con una joven protagonista de Nueva York que termina inmersa en un universo de demonios, hombres lobo, vampiros, ángeles y hadas (y con romance asegurado, por supuesto). Pero, por lo visto en esta primera entrega basada en el original literario de Cassandra Clare (son tres partes y la segunda ya está en marcha también bajo las órdenes de Zwart), el viaje -sobre todo para el espectador- será largo y tortuoso. Clary Fray (Lily Collins), una adolescente con los conflictos de… toda adolescente, descubre que su madre (Lena Headey) y, por supuesto, ella también son descendientes de los Cazadores de Sombras del título, un grupo secreto de guerreros encargado de proteger al mundo de los demonios. Y, sí, deberá sumergirse en el submundo de las tinieblas y luchar contra las fuerzas oscuras (y, de paso, enamorarse de un chico andrógino interpretado por el inexpresivo Jamie Campbell Bower). Collins -que venía de interpretar a Blancanieves en Espejito, espejito- hace lo que puede (que no es mucho) por dotar de algo de carnadura e interés a su heroína. Es que estamos ante una acumulación casi infinita (o así parece) de capas, subtramas y vueltas de tuerca, una más solemne, inverosímil, retorcida y absurda que la anterior. Hay algunos elementos visuales (CGI, vestuario, dirección de arte) que concitan un mínimo, efímero interés, pero tanto la narración como los personajes son tan chatos que esos hallazgos formales se ven rápidamente sepultados y lo que subyace en la superficie es una sensación de sopor que convierten a los ¡130 minutos! en una experiencia más agotadora que correr una maratón en pleno verano.