Creer o reventar Tras su multipremiada Alicia en el país, Esteban Larraín reconstruye aquí el caso real de un chico de 14 años (huérfano, iletrado) que en 1983 aseguró que podía ver y conectarse con la Virgen María (y, claro, hacer más de un milagro por su intermedio). Con sus estigmas a cuestas y su discurso demagógico y carismático cada vez más desarrollado, el muchacho, Miguel Angel, se convirtió en una celebridad pública y llamó la atención no sólo de miles de fieles ávidos de revelaciones que lo siguieron hasta el poblado de Peñablanca, cerca de Valparaíso, sino también de los medios de comunicación, de las autoridades militares en el poder y, claro, de las eclesiásticas. El film -que tiene un punto de vista algo confuso- está narrado desde la perspectiva del chico (interpretado por el debutante Sebastián Ayala), de la del padre Ruiz Tagle (Patricio Contreras), un jesuita que carga una larga crisis de fe enviado por la Iglesia al lugar para investigar el caso; y del párroco local, el cura Alcázar (Luis Alarcón), que de alguna manera lo protege, lo supervisa y lo manipula. Larraín apuesta por un relato coral (que no permite profundizar demasiado en la psicología de los protagonistas) en el que también aparecen un comunista (Luis Dubo) que vende merchandising de la Virgen, una mujer absolutamente convencida de los milagros en cuestión (Catalina Saavedra) y su escéptico marido (Roberto Farias), un fotógrafo que de alguna manera también queda inmerso en ese contradictorio contexto. El film tiene algunas lúcidas observaciones sobre el súbito ascenso a la fama (y, claro, sobre cómo “bajar es lo peor”), como si Miguel Angel se tratara de una estrella de rock efímera. También es interesante la veta documentalista (el director proviene de ese universo) para describir la urgencia y la descontención (y desorientación) de una sociedad reprimida y a la vez indignada en medio de la dictadura pinochetista, cuando las primeras protestas ya empezaban a aparecer. Pero el tema central, por supuesto, es el de la fe y sus múltiples ramificaciones (desde la sugestión hasta el fanatismo). La película contrapone -a veces de manera un poco obvia- la inocencia original del muchacho con sus desplantes, caprichos y actitudes despóticas una vez que es ungido en nuevo profeta. El film también expone -con algunos excesos melodramáticos subrayados para colmo por la música- la volatilidad y la crueldad de un entramado social siempre advenedizo y maleable. Aunque, como dice el dicho popular, “el que mucho abarca poco aprieta” (el despertar sexual es otro de los subtemas), La pasión de Michelangelo tiene unos cuantos momentos destacados y apuntes valiosos. No será una de esas joyitas que nos ha regalado el reciente cine chileno, pero es una propuesta bastante atendible.
Pixar sigue siendo una fiesta... Con 14 largometrajes y varios cortos en su haber, Pixar tiene la pesada "carga" de haber concretado varias obras maestras. La factoría de John Lasseter y compañía ha fijado la vara tan alta con la saga de Toy Story, Los Increíbles, Ratatouille o WALL-E, por nombrar algunas, que cuando regala "apenas" una muy buena película como esta segunda entrega de Monsters (técnicamente una precuela), sentimos una pequeña decepción. Pero no seamos injustos: en otro contexto, en otras manos, un film con la alegría, el humor, la belleza y elegancia visual, y esos mil y un detalles por segundo que ofrecen estas nuevas desventuras de Mike y Sulley generaría un entusiasmo casi eufórico. Despejemos entonces las exigencias desmedidas para con cada nuevo estreno de Pixar y dejémonos llevar por una comedia a puro slapstick y simpatía concebida para el disfrute más puro y genuino. Ya conocimos en 2001 al hilarante y expansivo monstruo verde, enano y de un solo ojo, Mike Wazowski (Billy Crystal) y a su ladero, el grandote púrpura -y campeón entre los "asustadores"- James P. “Sulley” Sullivan (John Goodman). Ahora, es el turno de descubrir su pasado universitario, aunque primero hay un prólogo infantil de Mike (con aparatos en los dientes y todos los síndromes del freak) visitando la Fábrica de Sustos y jurándose que ese será su lugar en el mundo en el futuro. Luego, sí, llegará su ingreso a la Monsters University y, más precisamente, a la muy estricta y difícil Facultad de Sustos, donde el obsesivo y temoroso Mike conocerá al presumido y arrogante Sully. Los comienzos no serán fáciles para estos personajes de personalidades opuestas, que además sufrirán los abusos de la despiadada rectora vampírica Hardscrabble (la siempre genial Helen Mirren). Si esto les suena muy "Harry Potter", lo que sigue (una delirante competencia en equipos tipo Olimpíadas en la que ambos antihéroes participarán dentro del patético equipo del campus Oozma Kappa) también remite a la franquicia del joven mago de Hogwarts (y al subgénero "de college"). Aquí entra en debate el por qué Pixar ha entrado también en el juego de las sagas y las referencias a otros productos de la cultura popular, cuando antes sorprendía con historias 100% originales. Esto no significa que Monsters University sea una película sin ideas ni capacidad de sorpresa. Al contrario: fluye con una liviandad y soltura tales que sus 102 minutos se me pasaron volando (y con un corto previo que comentaré aquí mismo). Dan Scanlon, veterano artista de storyboards de Pixar, construye una comedia que es una locomotora, una montaña rusa llena de acción (el 3D está bien aprovechado pero no agrega demasiado), gags físicos y diálogos ingeniosos. Atributos que no alcanzan para elevarla a la categoría de joya, pero sí para ubicarla como un seguro (y merecido) éxito destinado al consumo familiar masivo. Para redondear este comentario, dos recomendaciones: si no van con niños, busquen las salas que por la noche dan la película subtitulada (yo ví la versión original y las voces son gloriosas). Y lleguen a tiempo para ver Azu-lado (The Blue Umbrella), corto sobre la historia de amor entre... ¡dos paraguas! en medio de una lluvia. Con coreografías propias del musical y una animación hiperrealista, se trata de una suerte de homenaje a Los paraguas de Cherburgo que resulta otra pequeña gema visual y narrativa de Pixar en envase pequeño. Una sana costumbre.
Esta nueva película del director de La celebración mantiene ese espíritu provocador y esa mirada inquietante que ya es marca de fábrica de buena parte del cine danés de los últimos años. Es que el ladero de Lars Von Trier en aquellos tiempos del movimiento Dogma 95 se arriesga aquí con uno de los temas más difíciles que el público pueda enfrentar: la pedofilia. O, al menos, la presunción de que se está frente a un caso de abuso infantil. Lucas (un extraordinario Mads Mikkelsen, ganador del premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2012 por este trabajo) es un docente que debe trabajar de manera temporal como asistente en un jardín de infantes. Se trata de un hombre bastante solitario, pero muy querido en la pequeña comunidad en la que habita. Se ha divorciado hace poco, tiene un hijo adolescente que lo idolatra, y su única afición que sale un poco de lo común es participar en temporadas de caza. Las otras docentes y hasta los niños se rinden ante el atractivo y la discreta seducción de un Lucas que hasta empieza un noviazgo que parece hacerle muy bien. Hasta que? su mundo se derrumba por completo. Una pequeña rubia y encantadora niña de su sala se siente traicionada por el protagonista y asegura que él se ha propasado. No es difícil entender por qué los responsables de la escuela, la familia de la chica y el pueblo en general le creerá a la "víctima" e iniciarán una cruzada tipo efecto bola de nieve contra el "victimario". Ese es el planteo inicial de La ca cería , una película que pone al espectador en un lugar muy difícil (empatizar con el desdichado antihéroe, indignarse con la denunciante por su "pequeña mentira" y, al mismo tiempo, mantener siempre un manto de duda respecto de si efectivamente existió algún tipo de inconducta por parte del maestro), mientras aborda temas recurrentes en la filmografía de Vinterberg como la histeria colectiva, la degradación de la familia, la hipocresía social en tiempos de corrección política y un largo etcétera. El film está construido con una tensión casi insoportable (juega con la idea del hombre común hitchcockiano enfrentado a circunstancias extraordinarias que él no provocó) y con un tono de absoluta gravedad. Vinterberg es un experto en construir climas agobiantes, pero también en tomar al espectador de rehén. Así, la historia resulta atrapante (se siguen en vilo las desventuras y movimientos desesperados de Lucas hasta el final), pero también un ejercicio de manipulación emocional y hasta de sadismo hacia el espectador. Así de contradictoria es la película. Tómela o déjela..
Todo lo que podía salir mal... salió peor Hay que decirlo: Justin Zackham es un genio. Pero no un genio del cine sino del engaño. Luego de ver El gran casamiento -que escribió y dirigió- uno no puede entender cómo logró convencer a tantas figuras (Robert De Niro, Katherine Heigl, Diane Keaton, Amanda Seyfried, Topher Grace, Susan Sarandon y Robin Williams y siguen las firmas) para que protagonizaran semejante desastre, firme candidato a peor película del año. Zackham no tenía grandes antecedentes: apenas un film como director Going Greek (2001), que salió sin pena ni gloria directo a video; y un guión exitoso (el del melodrama aleccionador Antes de partir). Por lo tanto, su “mérito” (el de seducir a tantos astros jóvenes, adultos y veteranos) es todavía mayor. Imagino el arrepentimiento de un De Niro, una Keaton o una Sarandon al ver el resultado final de esta ¿comedia? ambientada -claro- en el marco o como motivo de una fiesta de casamiento. No sólo el film -inspirado en la comedia franco-suiza Mon frère se marie- es obvio, torpe, aburrido (sí, no hay un solo gag que funcione) sino que para colmo resulta bastante racista, misógino y homofóbico. Los intérpretes están todos pésimos (lo de Heigl es para poner en una clase de cómo no actuar), recitando las líneas de diálogo con piloto automático, sin convicción, sin creer jamás en lo que están diciendo y mucho menos sintiendo. Hace tiempo que no veía una comedia tan hueca, desganada, sin alma, incapaz de fluir o de resultar creíble al menos unos instantes. Como en toda estructura coral, hay aquí varias subtramas que se van mechando (tirando) en la narración, pero ninguna de ellas resulta mínimamente divertida o provocativa (ay, las escenas “picarescas” entre el virgen Topher Grace y su no-amante latina). Lo más triste (porque los tres tienen mucho cine sobre sus espaldas) es el “triángulo” entre Diane Keaton, ex esposa de Robert De Niro que llega para la fiesta, y ese hombre que ahora está en pareja con Susan Sarandon. Intentar explicar los “enredos” de sus tres personajes es una tarea imposible porque las reacciones de cada uno de ellos están concebidas sin la más mínima lógica, apelando al mayor de los caprichos. Y, sí, hay muchos chistes obvios sobre el Viagra... Pero si hablamos de caprichos, peor aún es la decisión de casting de elegir al inglés Ben Barnes para encarnar a un… ¡colombiano! Y uno podría seguir enumerando los desatinos, que aquí sobran y ponen en jaque a la capacidad de asombro del espectador. En definitiva, un claro ejemplo de esos films en los que todo lo que podía salir mal, salió peor.
Una aventura de altura Tal como viene ocurriendo con la mayoría de las sagas basadas en cómics cuando entran en una zona de agotamiento (o cuando ya no pueden pagarle a los que las hacen), Hollywood apela al viejo truco del reboot para “rebobinar” y “reiniciar” una franquicia con renovados aires (y otros artistas, claro). Pasó hace poco -con buenos resultados- con El Hombre Araña y, aunque esta práctica a muchos les moleste, también funciona en el caso de Superman. Así como en 2006 se intentó retomar este clásico personaje de DC Comics de la mano de Bryan Singer con Superman regresa, ahora es otro cotizado director como Zack Snyder -a partir de una idea original y con producción de Christopher Nolan- quien trata de “revivir” a la saga. Y, aún con los reparos que puedan hacérsele, la operación de reciclaje fue exitosa. ¿Es efectivamente El Hombre de Acero una película sorprendente y renovadora dentro del género de superhéroes? Para nada. Sin embargo, sí resulta un formidable espectáculo visual en el sentido en el que hoy se conciben los tanques de entretenimiento masivo, con set-pieces que aprovechan todas las posibilidades de esta era de esplendor de las CGI y la estereoscopía. Y lo hace sin renunciar a la mitología del personaje, su iconografía y su universo. Un film que, en ese sentido, es clásico y moderno a la vez. Uno podría decir que El Hombre de Acero arranca como Thor (con Russell Crowe en lugar de Anthony Hopkins) y termina con una larga secuencia de “rompan todo” como Transformers 3: El lado oscuro de la Luna (también hay un intento extraterrestre por apropiarse de las condiciones nuestro planeta). En el medio, claro, está el nacimiento de Superman (Kal-El en Kryptón, Clark Kent en la Tierra), su llegada a los Estados Unidos, su transformación en adulto (ya interpretado por Henry Cavill), la vida con sus padres postizos (Kevin Costner y Diane Lane), la aparición de la periodista Lois Lane (Amy Adams) y el enfrentamiento con unos militares golpistas de Kryptón liderados por el General Zod (Michael Shannon) por el control del Códice, una suerte de chip genético destinado a asegurar la supervivencia de su especie. Nada demasiado revolucionario, como podrán interpretar, pero en la línea de la historieta original. Snyder (El amanecer de los muertos, 300, Watchmen: Los Vigilantes, Sucker Punch: Mundo surreal) se muestra cómodo dosificando los distintos niveles de una producción de esta índole, que debe necesariamente matizar situaciones “intimistas” con otras de grandes ambiciones (la explosión en una plataforma petrolera, un tornado, etc.). En este sentido, son notables las escenas de batalla cuerpo a cuerpo en las que el espectador “siente” la fuerza de los golpes y sus efectos en esos pesados físicos de acero (en la línea de los Transformers o Hulk). A nivel actoral, Cavill más que de acero parece de… madera. De todas maneras, poco importa. Lo suyo -además del aporte estético (vean si no cuando pela su torso desnudo)- pasa por la inexpresividad de un extraterrestre que es todo un freak e intenta asimilarse a la vida en la Tierra. Crowe parecía ser el nuevo Marlon Brando (por la breve participación en el film dirigido por Richard Donner en 1978), pero luego reaparece en un puñado de escenas como para darle más desarrollo a su trabajo. Una avejentada Lane y Costner, con su acostumbrada nobleza, se suman en dignos papeles secundarios, mientras que Shannon -en las antípodas de sus trabajos en el cine independiente- regala una gran máscara como el malvado de turno. Eso es, ni más ni menos, lo que en líneas generales entrega la eficaz El Hombre de Acero. Si no da para la euforia, al menos genera en varios pasajes una sensación de entusiasmo. En el muchas veces previsible universo de los blockbusters actuales, no se trata de un mérito menor.
Pura (des)ilusión... El francés Louis Leterrier comenzó su carrera con buen pie (o buena mano) al dirigir las dos primeras entregas de la saga El transportador. Luego vino un film construido para el lucimiento de Jet Li (Danny the Dog) y dos incursiones en el mainstream (Hulk y Furia de titanes). Ahora, le llegó el turno de sumergirse en un subgénero bastante de moda en los últimos tiempos como el de los magos (El gran truco, El ilusionista y siguen las firmas). El resultado -sin ser del todo frustrante- no deja demasiado espacio para el entusiasmo (aunque sus productores sí deben estar bastante conformes con el resultado comercial tras su reciente buen arranque en el mercado norteamericano). En esta historia concebida por Ed Solomon, Boaz Yakin y Edward Ricourt tenemos a cuatro magos que se unen para conformar un grupo (The Four Horseman se hacen llamar) capaces de robar un banco desde… ¡el escenario de un teatro-casino de Las Vegas y a la vista del público! En efecto, J. Daniel Atlas (Jesse Eisenberg), un arrogante experto con las cartas (¿un émulo de René Lavand?); Merritt McKinney (Woody Harrelson), un mentalista algo cruel que se especializa en hipnosis; Henley Reeves (Isla Fisher), especializada en escapismo; y Jack Wilder (Dave Franco), un “virtuoso” ladrón (desde carterista hasta abridor de cajas fuertes) irán (tele)transportándose y dando golpes cada vez más audaces y sorprendentes. El film -que parece inspirarse en los shows de David Copperfield- tiene toques a-lo-Robin Hood y entrega un festival de sofisticados efectos visuales. Pero la acumulación de vueltas de tuerca (¿creías que todo era así? Ahora vas a ver…), de CGI y de bromas termina por abrumar y desconcertar más que por fascinar. La película pretende ser graciosa, canchera e ingeniosa, pero se torna un ejercicio de manipulación por parte de sus realizadores hacia un espectador que, indefenso, queda a merced de los sucesivos golpes de efecto y los no pocos caprichos de una narración con múltiples agujeros en su construcción. Hay, por supuesto, un inevitable juego de gato y ratón, con el agente del FBI Dylan Rhodes (Mark Ruffalo) y la oficial de Interpol Alma Dray (la francesa Melanie Laurent) tratando de seguirle los pasos a los cuatro maestros del engaño y dos grandes actores en papeles muy menores para sus carreras: Michael Caine (el financista de los shows) y Morgan Freeman (experto en “desenmascarar” los trucos de los ilusionistas). Dos decepciones más para una película que no irrita, pero que tampoco estuvo tocada por la varita mágica.
Luego del éxito de Sexto sentido (1999) y, en menor medida, de El protegido (2000) y Señales (2002), el director M. Night Shyamalan entró en una pendiente creativa y comercial de la que no ha podido recuperarse. En este sentido, sin llegar a ser una película del todo satisfactoria ni lograda, Después de la Tierra al menos tiene mayores méritos y hallazgos que las flojísimas La dama del agua, El fin de los tiempos y El último maestro del aire . En este "encargo" (si bien Shyamalan figura como coguionista, se trata de un film al servicio de Will Smith, autor de la idea original, productor en asociación con su esposa, Jada, y protagonista en compañía de su hijo Jaden), el realizador de origen indio construye durante la primera mitad una más que aceptable historia de ciencia ficción apocalíptica sustentada en una conflictiva relación padre-hijo. Los problemas surgen cuando la película dobla la curva y aparecen en masa todos aquellos elementos que han arruinado el indudable talento visual y formal que el Shyamalan cineasta posee. Las obvias alegorías y simbolismos (las referencias a Moby Dick , la aparición del águila protectora, la recurrencia a los postulados aleccionadores de la cienciología, el discurso ecologista y un largo etcétera) conspiran contra una resolución cuyo tono está bastante alejado del inquietante planteo inicial. El film arranca con imágenes de la devastación de la Tierra. Los humanos han sido evacuados hacia otro planeta, Nova Prime, donde sobreviven luchando a toda hora contra otros habitantes (unos monstruos llamados Ursas). En ese contexto, el joven cadete Kitai Raige (Jaden Smith) reprueba a sus 14 años el examen para convertirse en comando para enojo y frustración de su muy estricto padre, Cypher (Will Smith), un mítico jefe militar que está a punto de retirarse. Entre ambos hay una enorme distancia, amplificada por el trauma generado por la muerte de Senshi (Zoe Isabella Kravitz), la hermana/hija mayor, de la que ambos se sienten culpables. Una fallida misión que ambos compartirán los devolverá a nuestro planeta (convertido en una acumulación de amenazas tóxicas e irrupciones violentas) y se convertirá en el ámbito para una posible reconciliación y redención. Aunque la sensación que deja el film es un poco frustrante (sobre todo porque tenía todo para no serlo), hay un despliegue visual con grandes efectos generados por computadora y unos cuantos pasajes en los que reaparece la mejor vertiente narrativa de Shyamalan. Es una lástima que, otra vez, su faceta de predicador le haya ganado a su costado de gran artista..
Esta tercera y según aseguraron sus creadores última entrega de la exitosa saga de humor negrísimo arranca con un violento motín en una cárcel ubicada cerca de Bangkok, que permite la fuga del desquiciado Chow (Ken Jeong), quien tendrá un papel protagónico en el film; y sigue con una escena en la que un muy feliz Alan (Zach Galifianakis) lleva en un trailer una jirafa que acaba de comprar. A los pocos segundos, la cabeza del animal rodará por el asfalto tras chocar contra un puente, lo que desatará además un accidente en cadena en la autopista? Así de delirante, exagerado y ridículo es este tercer film de la "deforme" franquicia que ha conseguido decenas de millones de fans en todo el mundo a fuerza de un absoluto desprejuicio. Que su promedio de eficacia de gag por minuto está por debajo de las dos primeras partes, que se percibe cierto desgaste, que se la nota un poco más desganada y con "piloto automático"? Puede ser, pero así y todo sigue siendo una bienvenida anomalía en el universo de las comedias hollywoodenses y una más que digna despedida para estos patéticos y a la vez queribles personajes que ya se han ganado su lugar en la historia del género. La "trama" es (algo) así: Chow se ha quedado con unos lingotes de oro. El mafioso Marshall (John Goodman) secuestra a Doug (Justin Bartha) y les da un plazo de tres días a Alan, Stu (Ed Helms) y Phil (Bradley Cooper) para que encuentren al psicópata asiático y recuperen el botín. ¿Dónde terminarán nuestros antihéroes en la segunda mitad del film? Allí donde todo empezó: en los hoteles de lujo y los tugurios de Las Vegas, capital de los contrastes y los excesos. Y habrá tiempo incluso para una historia de amor entre Alan y Cassie (la gran Melissa McCarthy). Aun con algunas escenas de "relleno", de esas que no lucen tan inspiradas como en los films previos, con un poco más de apuro y menos de timing cómico, ¿Qué pasó ayer? Parte III está lejos de ser la decepción que tantos críticos estadounidenses anunciaban. Con sus altibajos, se sigue disfrutando. Y a este cuarteto de amigos ya empezamos a extrañarlos? P.D.: Conviene no abandonar la sala raudamente una vez que arrancan los créditos finales. Hay una larga y delirante escena (quizá la más delirante de todas) que justifica quedarse en la butaca unos minutos más.
Menos de lo mismo Esta incursión de los hermanos Weinstein en el lucrativo mercado de la animación para toda la familia es bastante decepcionante. Aclaro que no es ningún desastre (el acabado técnico es impecable, aunque con un 3D poco convincente), pero más allá del profesionalismo de los animadores a la hora de concebir cada uno de los movimientos o del buen gusto en el uso de la paleta de colores, hay muy poco para destacar a la hora del guión. La historia es un reciclaje de producciones previas del tipo Monstruos vs. Aliens y el protagonista parece un clon de Buzz Lightyear (con bastante menos onda, claro). El humor es poco convincente, la historia (unos héroes extraterrestres llamados Scorch y Gary Supernova luchando contra el cruel Shanker, un general de la Tierra que los engaña, secuestra a uno de ellos y quiere aprovecharse de su proverbial inteligencia) es poco estimulante, mientras que los guiños para adultos “cinéfilos” -como las alusiones a los clásicos de ciencia ficción de los años ’50 como Llegaron de otro mundo, de Jack Arnold- tampoco son gran cosa. El resultado, por lo tanto, no funciona del todo bien ni para niños ni para adultos. Esperemos que, al menos, en alguna función nocturna en salas digitales se pueda ver la versión subtitulada para escuchar las voces originales de Brendan Fraser, Rob Corddry, Sarah Jessica Parker, Jessica Alba, William Shatner (el malvado), Ricky Gervais, Jonathan Morgan Heit, Sofia Vergara, Jane Lynch, Craig Robinson, Steve Zahn, George Lopez y Chris Parnell. Nada menos. Mucha estrella, poca gracia.
Este documental rescata la experiencia pionera del canal comunitario del título, que transmitió durante toda la década de los ’90 desde el barrio de Caballito. El propio Deus fue parte durante un par de años de ese proyecto singular y autogestivo (combatido por el establishment mediático y el poder político), y aquí oficia de investigador para reconstruir aquella iniciativa de resistencia y comunicación alternativa hecha por los propios vecinos. El trabajo con el archivo (precarias imágenes en VHS) es interesante, pero la película peca de oportunista cuando dedica muchos minutos al proceso de aprobación de la Ley de Medios para vincular el espíritu de TV Utopía con el de la nueva política oficial.