Queremos tanto a Elle... No soy demasiado afecto al cine de Sally Potter. Más bien todo lo contrario. Pero con Ginger & Rosa -sin llegar a ser una gran película- me reconcilié bastante con la directora de Orlando y La lección de tango. Claro que en esta historia sobre las desventuras de dos chicas adolescentes en la Londres de 1962 la realizadora inglesa tuvo un as en la manga, una de esas actrices que con su sola presencia son capaces de salvar, sostener o mejorar cualquier escena: Elle Fanning. Con apenas 15 años, la hermana de Dakota (otro diamante en bruto) ya había demostrado en films como Súper 8 y Somewhere que estábamos frente a algo serio. En el papel de Ginger, despliega -con acento inglés y con un personaje de más edad que ella en la vida real- un arsenal de recursos y técnicas que la convierten en una interpretación deslumbrante, perfecta (porque además de virtuosa es siempre funcional al relato). Ginger y Rosa son mejores amigas. A los 17 años, están en plena etapa de experimentación: fumar, beber, salir de noche, seducir a los hombres y hasta militar en los movimientos pacifistas. Es que el film transcurre en plena crisis de los misiles en Cuba, cima de la paranoia de la Guera Fría. Como en Los soñadores (Bernardo Bertolucci), Los amantes regulares (Philippe Garrel) o Something in the Air (Olivier Assayas), Potter quiere que el contexto socioeconómico, el "espíritu" de época, tenga mucha incidencia en los conflictos íntimos de los personajes y, en este sentido, esa imbricación resulta un poco obvia, subrayada. Pero por cada torpeza de la directora surge como generosa compensación Fanning, quien condensa todos los sentimientos y contradicciones (idealismo, frustración, curiosidad, celos, descontención) de esta aspirante a poetisa. Bien acompañada por Alice Englert como Rosa y por el sólido elenco de grandes actores que dan vida al universo adulto de la historia (el inmaduro padre de Alessandro Nivola, la inestable madre de Christina Hendricks, Timothy Spall, Oliver Platt y Annette Bening), Fanning es no sólo el principal atributo del film sino también la gran razón que justifica su visión.
El director de Tiempo muerto reúne aquí videos caseros tomados por gente común en distintos rincones del mundo (Argentina, Rusia, Estados Unidos, India, etc.) que abordan las relaciones entre padres e hijos. Tokman -un poco en la línea de Mauro Andrizzi en Iraqi Short Films- se limitó a buscar y (re)editar el material en un trabajo que revindica el espíritu auténtico (por momentos inocente y en otros visceral) de las películas familiares. Son siete grupos muy diversos entre sí no sólo en orígenes, comportamientos y formaciones sino también en sus épocas (hay un abanico de unos 20 años), pero con algo en común: en todos los casos los adultos filmaron a los niños de forma obsesiva desde el momento en que nacieron con la idea de capturar el tiempo y dejar un registro que desafiara a la traicionera memoria. Un trabajo atrapante y, por momentos, subyugante, de esos que generan múltiples interpretaciones y sensaciones según la sensibilidad de cada espectador.
Una historia mínima con unas resonancias que alcanzan a las más ancestrales y profundas tradiciones de los wichís. Una chica de 16 años de ese origen trabaja como criada en la casa de una familia de clase media en el Chaco salteño. Ese ámbito es un verdadero caos, sobre todo ante la inminencia de un cumpleaños de 15. Un hecho en apariencia insignificante (la protagonista es despojada de su larga cabellera, símbolo de belleza y de otros valores positivos para su cultura) cambia de manera profunda las relaciones y los estados de ánimo, llevando a la chica a una cada vez más severa tristeza y nostalgia por su vida comunitaria y familiar. El conflicto puede sonar algo naïf, pero la salteña Seggiaro -más allá de algunos subrayados y de ciertos desniveles actorales- jamás fuerza las cosas, no cae en maniqueismos para dividir ese universo entre buenos y malos (los "patrones" parecen tratar a la protagonista de manera amable y cordial, aunque debajo subyace cierta condescendencia y atisbos de desprecio), y maneja el relato con gran rigor, respeto y convicción.
Qué fantástica esta fiesta... Que quede claro desde el principio: no creo que El gran Gatsby sea una "gran" película, pero sí me parece una propuesta valiosa y osada, y -sobre todo- una "gran" oportunidad para el análisis por tratarse de un fim casi irresponsable (y, por lo tanto, una saludable anomalía en el Hollywood de hoy). Todo el mundo hablará de esta versión del Baz Luhrmann apelando a rimbombantes adjetivos calificativos como "extravagante", "excéntrica", "ampulosa" o "grandilocuente" y está muy bien que así sea (adhiero a esa caracterización), pero creo que el director australiano sigue siendo muy fiel a sí mismo; es decir, hace lo que se le antoja. Así, ha sido catalogado de acuerdo a la ocasión como visionario, como paradigma de la modernidad cinéfila o como simple farsante. Así como se atrevió a "traicionar" a William Shakespeare en Romeo + Julieta o a la Belle époque parisina en Moulin Rouge!, aquí construye su propia Nueva York de 1922 en plena Era del Jazz, con toda su euforia, su contrabando de alcohol, su lujuria y, claro, sus fuertes contradicciones. Los defensores de la pureza literaria, los custodios de las transposiciones canónicas pondrán el grito en el cielo (ya lo hicieron) para protestar por las libertades que se tomó el creador de Australia. Yo creo que en cada una de sus decisiones artísticas hay, sí, mucho de arbitrariedad y de capricho (también de desprejuicio), pero no creo que sea irrespetuoso con el venerado libro de F. Scott Fitzgerald (esa "intocable" Gran Novela Americana). Al contrario: por más que la musicalice con estridente y anacrónica banda sonora pletórica de beats electrónicos y hip hop, hay aquí mucho de veneración (se calcan unos cuantos diálogos y sobre el final hasta se sobreimprimen en pantalla fragmentos del libro). Qué importa compararla con las versiones de 1926 (ya perdida), de 1949, de 1974 o con el telefilm de 2000, de qué sirve poner uno al lado del otro a los Jay Gatsby de Alan Ladd y Robert Redford con el de DiCaprio. El film de Luhrmann tiene -para bien y para mal- su propia lógica, su propia estética, su propio estilo. Estamos ante un largometraje empalagoso, por momentos vulgar si se quiere, bigger than... everything. El apogeo del artificio (amplificado incluso por el uso del 3D) con bacanales, excesos y tragedias siempre elevados a la máxima exageración posible. La de El gran Gatsby es la historia de "un nuevo rico" consumido por un amor imposible (el que siente por la Daisy de Carey Mulligan) y contada desde la fascinación y el desconcierto por un testigo que proviene de otro universo (el Nick Carraway de Tobey Maguire). Y la para muchos sacrílega película de Luhrmann tiene mucho de ese "nuevo rico" y de esa mirada "foránea" (un australiano reinterpretando a su antojo la Nueva York de los '20). La película abruma un poco con sus fiestas interminables durante su primera mitad y no alcanza del todo el espesor dramático que necesita en la segunda parte, trágica y fantasmal. Es, sí, una propuesta algo hueca y superficial, pero también un objeto pop hecho con maestría y, por lo tanto, fascinante en varios aspectos. Por sus logros estéticos, pero también por su desenfado y delirio, este film al que quizás muchos encuentrarán demasiado "decorativo" resulta una bienvenida rareza.
Chris Wedge, director de la primera entrega de La Era de Hielo y Robots , se mantiene en el universo de la fantasía animada, pero esta vez cambia de registro con la historia de una adolescente de 17 años que de manera casual se convertirá en heroína en el marco del enfrentamiento entre fuerzas antagónicas que luchan por el control de un bosque. MK es una muchacha que regresa a la casa de su infancia en plena jungla para intentar un acercamiento con su padre, un científico que vive aislado del mundo (con la única compañía de un perro de tres patas) y no sólo en términos geográficos. Obsesionado por encontrar evidencias de una comunidad de pequeñas criaturas que vive de forma organizada entre los árboles, el Doctor Bomba está bastante más atento a las decenas de cámaras que ha instalado por todo el bosque que a las necesidades (y reclamos) de su hija. Cuando -frustrada por la creciente locura de su padre- está a punto de marcharse, MK se convierte -magia mediante- en una diminuta joven que será clave para la subsistencia de los bienintencionados Hombres-Hoja en su batalla por preservar la belleza y la biodiversidad de ese entorno natural ante el ataque de los Boggans que lidera el cruel Mandrake, cuyo objetivo es dominar el bosque para convertirlo en un pantano putrefacto y contaminado. Las contradicciones son aquí más que claras y, por lo tanto, no hay lugar para grises o matices. El reino secreto ofrece un claro mensaje ecologista; unos cuantos elementos de fórmula (una princesa que parece sacada de las películas de Barbie, un joven rebelde que se redimirá y se convertirá en el objeto del deseo romántico de MK, unas babosas que funcionan como bienvenidos aportes cómicos a una trama bastante oscura); y un despliegue de colores, diseños y movimientos dignos de la creatividad y del profesionalismo que el estudio Blue Sky ha demostrado en todas sus producciones (desde La Era de Hielo hasta Río) . Sin embargo, MK no alcanza a transformarse en un personaje con el carisma y la empatía de otras heroínas animadas y, así, la película se resiente en su andamiaje dramático. Más allá del virtuosismo de la animación en 3D, las escenas de batallas (los guerreros cabalgan sobre pájaros) se alargan demasiado y el espectador siente que está inmerso en una larga sesión de un simulador de vuelo. De todas maneras, entre hermosas imágenes de esos edenes naturales y con los temas de Snow Patrol y Beyoncé de fondo, El reino secreto termina cumpliendo con lo que promete. No será una de las tantas joyas que la animación estadounidense nos ha regalado en los últimos tiempos, pero sí un digno producto destinado al consumo familiar.
Tras un amplio recorrido por festivales como los de Venecia, Viena y el reciente Bafici porteño, se estrena esta ópera prima de Jazmín López que, analizada con una mirada superficial, podría ser otra película más del (ya no tan) nuevo cine argentino sobre jóvenes atribulados que no hacen más que caminar por el bosque o nadar en un lago, mientras comparten juegos de palabras, cierta angustia existencial y alguna que otra experiencia sexual. Pero, si se le presta la debida atención, si se logra ingresar en el universo íntimo de estos cinco adolescentes, la experiencia contemplativa y sensorial, se convierte en algo bastante más complejo, profundo, casi hipnótico. Hay un misterio que tarda en revelarse y tiene que ver con un hecho trágico, pero Leones deja esa intriga en segundo plano, como un "sedimento", como un aire turbio que va contaminando los climas cada vez más lúgubres y opresivos de estos muchachos que deambulan por la naturaleza sin rumbo fijo. La narración construida con largos y virtuosos planos-secuencia es muy atractiva, sobre todo por el trabajo de fotografía y cámara a cargo de Matías Mesa (habitual colaborador de Gus van Sant) en exteriores de Bariloche, de El Bolsón y -en la secuencia final- de las playas de Claromecó. Precisamente, con el Van Sant más radical de films como Gerry y con el cine de Michelangelo Antonioni y Alexander Sokurov intenta "dialogar" esta película dedicada -nada menos- que a Alejandra Pizarnik, Kurt Cobain y Alfonsina Storni. Laberíntica y esquiva (es más lo que se esconde o se sugiere que lo que se muestra), Leones es de esas propuestas que dividen aguas (irrita o fascina), pero que -más allá de las diversas sensibilidades de los espectadores- demuestran una gran inteligencia y convicción para una directora debutante. Habrá que seguirle, entonces, sus próximos pasos.
Con películas como Gummo y Trash Humpers , Harmony Korine se convirtió en uno de los directores más extremos y revulsivos del cine independiente norteamericano. Por eso, sorprendió cuando hace unos meses anunció que contaría con tres íconos adolescentes surgidos de la televisión como Selena Gomez, Vanessa Hudgens y Ashley Benson para un film sobre el spring break , esa semana de vacaciones primaverales en la que muchos jóvenes estadounidenses suelen viajar a Florida para experimentar allí todo tipo de excesos. Más allá del morbo que cierto sector del público pueda sentir ante la posibilidad de ver a las "chicas Disney", divas pop que tanto idolatran niñas y preadolescentes en todo el mundo, sometidas a situaciones bastante límite -la película es un festival de cuerpos (semi)desnudos, referencias sexuales, drogas, alcohol y mafiosos armados hasta los dientes-, lo cierto es que Korine va más allá de la explotación y de una estilización que coquetea con el porno soft y con el lenguaje del videoclip que MTV impuso en los años 80. Sin ánimos de juzgar ni de proponer un análisis sociológico (pero tampoco desde un distanciamiento irónico), Korine se aproxima con una mirada curiosa y casi documentalista durante la primera mitad del film al universo juvenil, describiendo esos códigos compartidos hasta para encarar el descontrol. En ese inicio, las protagonistas llegarán hasta a cometer un robo para conseguir los fondos necesarios para concretar su ansiado viaje a Miami. Una vez allí, en medio de esa marea de chicos musculosos, muchachas en bikini, paseos en moto y desafíos a la policía, las cuatro chicas (la cuarta es Rachel Korine, esposa del propio director) se toparán con Alien (un sobreactuado, delirante e hilarante James Franco), cantante de rap, gánster y dealer multimillonario -un émulo paródico del Tony Montana que Al Pacino interpretó en Scarface - que se verá seducido por la (aparente) inocencia de ellas tanto como ellas por su estilo de vida desaforado y lleno de riesgos. Lo que sigue es, por lo tanto, un descenso a los infiernos que -más allá de las situaciones sangrientas y perversas- nunca pierde el sentido del humor y hasta cierto espíritu lúdico que sobrevuela todo el film. Los protagonistas vivirán su fantasía, cantarán juntos y con Alien al piano el tema "Everytime", de Britney Spears, y conocerán de golpe el lado oscuro de la vida. Es muy probable que no pocos espectadores sientan que Korine es un artista irresponsable al reivindicar y hasta convertir en héroes (y heroínas) a estos adolescentes bellos, amorales, incendiarios, desbocados y peligrosos. Pero -más allá de las valoraciones- en esta oda adolescente hay dosis de irreverencia y de libertad que son infrecuentes en el cine norteamericano de hoy. Si a ello se le suman imágenes llenas de seducción y un excelente uso de las canciones y de la música incidental, Spring Breakers tiene todo para conseguir una legión de fieles seguidores y, por qué no, para convertirse con el tiempo en película de culto.
Otro duro de matar Casi siempre ridícula y por momentos disfrutable, Ataque a la Casa Blanca es un producto menor con un presupuesto mayor (70 millones de dólares). Despiadados terroristas norcoreanos con sofisticados armamentos invaden a sangre y fuego el mismísimo centro del poder estadounidense y secuestran al presidente (Aaron Eckhart). Un agente del Servicio Secreto (Gerard Butler), quien había custodiado al mandatario hasta que un accidente automovilístico terminó con la vida de la Primera Dama, tendrá la oportunidad de redimirse y de reencauzar su carrera. Por esos previsibles caminos (testosterónicos, adrenalínicos, pateaculos) transita este remedo de Duro de matar dirigido a pura violencia y efectos visuales por Antoine Fuqua, quien había hecho bastante mejor los deberes en, por ejemplo, Día de entrenamiento. Por si se quedan con las ganas, en poco tiempo más se viene una propuesta muy similar: El ataque (White House Down), de Roland Emmerich… Hay un par de secuencias de acción bien resueltas y no poca tensión, pero también una enorme cantidad de banderas norteamericanas flameando y apelaciones múltiples al patriotismo en este film que juega con la paranoia post-11/9/2001. Y tenemos a un gran elenco (Morgan Freeman, el malvadiísimo Rick Yune, Dylan McDermott, Angela Bassett, Melissa Leo, Robert Forster, Ashley Judd) que se ganan unos cuantos miles de dólares apelando al piloto automático de su enorme profesionalismo en secundarios que no pasarán a la historia. La película, está claro, tampoco.
Gritalo, gritalo... Hace tres años, la primera entrega (que debió también ser la última no sólo por la calidad de esta secuela sino incluso por su título) entregaba un aceptable producto que combinaba falso documental + comunidad rural + secta satánica + (falsos) exorcistas. Esta segunda entrega coescrita y dirigida por canadiense el canadiense Ed Gass-Donnelly -en cambio- es urbana y con una puesta en escena bien clásica. Nada cuestionable, en principio, si no fuera porque estamos ante un guión sin el más mínimo ingenio, sin capacidad de sorpresa. Anodina, previsible, atada a fórmulas y lugares comunes, esta Parte II no sólo es peor que su predecesora sino que incluso se ubica bastante por debajo de la media de un género tan transitado en Hollywood. Antes que cualquier otra, la sensación que genera su visión es la de fastidio. En esta innecesaria secuela quien regresa es Nell (esa más que digna actriz que es Ashley Bell), ahora una adolescente de 17 años que es enviada a una casa-internado para jovencitas en problemas de Nueva Orleans (no faltará el inevitable pintoresquismo de toda historia ambientada en esa ciudad con imágenes del desfile de Mardi Gras). En medio de sus urgencias hormonales, se sentirá atraída por un muchacho que trabaja en el mismo hotel al que ella ingresa como empleada de limpieza. Pero no todo será tan idílico. Ella empezará a percibir presencias y voces extrañas, amenazantes, perturbadoras... demoníacas. Imagínense ustedes el resto. O, si son valientes, vayan a verla.
Una francesa suelta en Corea Si en la reciente y oscarizada Amour, de Michael Haneke, Isabelle Huppert tiene un papel secundario, en En otro país -estrenada también en la edición 2012 del Festival de Cannes- ella es la protagonista absoluta y ya no con uno sino con tres personajes. El talentoso y muy prolífico director coreano (seis largometrajes en los últimos cinco años) retoma uno de sus habituales recursos, que es narrar diferentes historias que tienen algunas situaciones, elementos y personajes en común, como si se trataran de variaciones de una misma propuesta, distintos movimientos de una sinfonía. Huppert interpreta a tres Anas (puede ser desde una directora de cine hasta una empresaria), sendas mujeres francesas que llegan a un desolado enclave playero en Corea y mantienen relaciones fugaces (y muy cómicas) con gente del lugar: desde otro realizador hasta un guardavidas. Ligera y alegre (con un aire de improvisación que esconde una gran maestría en la puesta en escena), En otro país presenta a una Huppert descontracturada y sin perder ninguno de sus matices hablando en inglés, con tres personajes que están bastante perdidos y, al mismo tiempo, se dejan llevar por las circunstancias en un rincón del planeta que parece la contracara perfecta de la vida en París.