Amigas ¿por siempre? En un cine argentino pletórico -por suerte- de guionistas y directoras con talento, Victoria Galardi surgió como una rara avis por su ductilidad y timing para el manejo de la comedia (sea romántica, dramática, intimista o coral) en sus dos primeros largometrajes: Amorosa Soledad y Cerro Bayo. No es que sea la única mujer que viene incursionando en la materia en el ámbito local (Ana Katz resulta una referencia insoslayable), pero tampoco es habitual encontrarse con una autora que domine con tanta naturalidad la puesta en escena, los diálogos y la dirección de actores. En su tercera película, Galardi trabaja con uno de esos concepto que tanto gustan a los expertos en marketing: “¿Qué harías si tu mejor amiga se enamora de tu ex?”. El principal problema que se percibe al ver Pensé que iba a haber fiesta es una suerte de tironeo entre una película que quiere y no quiere (o no se anima del todo a) ser masiva, popular, arquetípica, industrial (agréguenle los adjetivos que más le gusten en este terreno). Por un lado, Galardi escatima -incluso en la resolución- elementos, situaciones y explicaciones propios de la comedia comercial más atada a la fórmula y las convenciones. Es como si la guionista/directora necesitara sostener su “independencia” y jugar en los campos del cine “adulto”. Sin embargo, cuando el film parece concentrarse en las contradicciones entre las dos protagonistas (y en sus relaciones con los hombres) surgen los editados cliperos con música cool o la larga escena de Elena Anaya (la hermosa actriz de La piel que habito, de Pedro Almodóvar) bailando sola. Los contrastes son marcados, quizá demasiado abruptos, y la narración pierde en ese pendular parte de su solidez, su fluidez y su convicción. El planteo básico es el siguiente: Lucía (Valeria Bertuccelli) está divorciada de Ricki (Fernán Mirás), el padre de su hija adolescente Abi, desde hace ya más de tres años. Ella tiene una nueva pareja (Esteban Bigliardi) con quien está a punto de irse a pasar unos días a Uruguay, después de Navidad y antes de Año Nuevo. Lucía invita a su gran amiga Ana (Anaya), una actriz española radicada en Buenos Aires hace ocho años, para que se quede a disfrutar del verano en su casa con pileta. Al poco tiempo, Ricki llega temprano a buscar a Abi y la “onda” previa se transforma en torbellino, en apasionado romance. Hasta aquí lo que puede (y debe) contarse. Película sobre la amistad, la lealtad y la “traición” entre mujeres, sobre secretos, mentiras y culpas, Pensé que iba a haber fiesta funciona mejor cuando Galardi se sumerge en la intimidad de las dos protagonistas (se extrañan más escenas que exploren sus códigos) que cuando se abre hacia otras situaciones (la fiesta de Año Nuevo, la preocupación por el consumo de cocaína de uno de los personajes, las distintas apariciones de Esteban Lamothe como un jardinero) Aclaro: no es que el contexto, las actuaciones o las subtramas estén mal (la directora tiene la ya apuntada habilidad como para crear y sostener todos los climas), pero la tensión se diluye un poco y la estructura se siente un poco forzada. Aunque para mí ni Galardi ni esa gran intérprete que es Bertuccelli alcanzan el nivel de sus mejores trabajos, Pensé que iba a haber fiesta no deja de ser un film atractivo en su propuesta y elegante (y seductor) en su concreción (todos los rubros técnicos son impecables). Si uno le exige al film no es porque le falte (o falle) tanto, sino porque las talentosas artistas aquí reunidas están en condiciones de darnos todavía más.
Con películas como Trainspotting , Exterminio , Slumdog Millionaire o 127 horas , Danny Boyle demostró su ductilidad para manejarse con soltura dentro de los más diversos géneros hasta convertirse en un director de referencia, de esos que marcan tendencia en la "modernidad" cinematográfica y logran combinar prestigio con éxito comercial. En trance devuelve al director inglés al terreno del neo-noir de sus primeros trabajos con una historia que mixtura (y acumula) elementos propios del cine de acción, del thriller psicológico y del drama erótico. El film arranca con un robo perpetrado en pleno remate en una distinguida firma de Londres. El objetivo es un cuadro de Goya que acaba de ser vendido en 27,5 millones de libras esterlinas. El problema es que uno de los responsables del atraco (un empleado de la casa de subastas interpretado por James McAvoy) recibe un golpe en la nuca por parte de uno de sus socios (Vincent Cassel) y queda amnésico. No recordará, por lo tanto, qué hizo con la valiosa pintura. Allí entrará en escena una bella terapeuta (Rosario Dawson, en el papel de su vida) que intentará mediante la hipnosis que el protagonista recupere la memoria. Lo que sigue es un juego de muñecas rusas, una "cebolla" cinematográfica de innumerables capas, un sistema de espejos que deforman la realidad, una trama de múltiples ramificaciones con un triángulo amoroso, manipulaciones y traiciones cruzadas. Boyle fascina y abruma. Cuando uno cree haber desentrañado alguna de las tantas incógnitas y de los misterios planteados, sobrevienen nuevas vueltas de tuerca, giros inesperados, sorpresas y engaños que generan atracción, sí, para también algo de mareo y fastidio. Como compensación para semejante desafío al espectador está el descomunal despliegue visual al que nos tiene acostumbrado Boyle. Su estilización, sus virtuosos encuadres y movimientos de cámara, su edición a pura adrenalina, sus saltos temporales, y sus imágenes oníricas y surrealistas, tienen algo excesivo (pirotecnia y videoclip), pero el patchwork resulta atractivo. El director extrema su apuesta y provoca con una violencia por momentos demasiado sádica y desnudos totales (tanto femeninos como masculinos). Hay una relectura de Cuéntame tu vida , el clásico de Alfred Hitchcock, y elementos que recuerdan la complicada estructura de El origen , de Christopher Nolan. Vulgar y sofisticada a la vez, En trance es una película que nos devuelve en dosis completas y sin medias tintas lo mejor y lo peor del cine de Boyle. Tómelo o déjelo.
Crepúsculo cinematográfico A Stephenie Meyer le debemos la franquicia -literaria primero, cinematográfica después- de Crepúsculo. No puedo decir que me guste demasiado (tampoco la odio) esa saga con Kristen Stewart y Robert Pattinson, pero al lado de este engendro llamado La huésped aquellas historias de vampiros enamorados resultan -casi- como El ciudadano (bueno, no es para tanto). Andrew Niccol (quien combinó películas aceptables con otras bastante flojas como Gattaca, Simone, El señor de la guerra, El precio del mañana) cae a los subsuelos del universo hollywoodense con la dirección y -sobre todo- con el paupérrimo guión (lugares comunes, clisés, diálogos altisonantes, flojas actuaciones) de La huésped. No leí la novela original publicada en 2008 por Meyer, pero aunque fuese tan mala como esta película un autor y realizador competente podría “maquillar” un poco la cosa. Aquí todo es torpe, feo, obvio, ampuloso, solemne y grasa a más no poder. Diría que hasta bizarro, pero sin buscarlo. Tenemos una chica (la irlandesa Saoirse Ronan, talentosa actriz de Expiación: Deseo y pecado, Desde mi cielo y Hanna) cuyo cuerpo es invadido por los aliens que dominan la Tierra. Ellos le implantan un “alma”, intentan borrarle la memoria, y quieren que ella los lleve hasta el refugio de los pocos humanos “puros” que quedan en la resistencia. La protagonista queda escindida, en una doble personalidad que la tironea todo el tiempo y la llena de contradicciones. Esquizofrenia que, claro, se verá amplificada aún más cuando se enamore de dos chicos carilindos (¿les suena de algún lado?). Hay besos bajo la lluvia, apelaciones entre místicas y new-age, y hasta un diseño de producción poco atractivo dentro de los parámetros actuales de la ciencia ficción. Ni siquiera William Hurt o Diane Kruger se salvan del bochorno. Flojísima.
La intimidad de un gran artista Ignacio Masllorens se dedicó durante varios años a filmar a Martin Blaszko (Berlín, 1920 - Buenos Aires, 2011), uno de los fundadores del grupo Madí y uno de los principales exponentes de la abstracción geométrica en América Latina. Dos cortometrajes de 2008 y 2010 -que se pueden ver gratis aquí junto a Del punto a la forma (1954), único film dirigido por el propio Blaszko- precedieron a este largometraje, que cierra la trilogía y se convierte en un documento de gran valor artístico y testimonial, ya que describe el proceso creativo previo y el montaje de la que sería su última muestra, en la misma sede del MALBA que ahora recibe en su auditorio a este film. Lo que hace Masllorens es tan sencillo como impecable. Mostrar al encantador, hiperactivo, detallista y talentoso escultor ya nonagenario trabajando en su casa/taller o dando indicaciones a sus colaboradores/discípulos a la hora de pensar y subir la muestra. Son 20 planos largos fijos en los que la cámara absorbe toda esa energía apabullante de Blaszko. No hay subrayados, comentarios, referencias históricas, apuestas melancólicas (quizás, un poco, las fotos en blanco y negro de Alejandro Lipszyc que aparecen en los créditos finales) sino un registro puro y duro, pero en definitiva delicado y fascinante. La intimidad de un artista en todo su esplendor, en toda su dimensión. Nada más y nada menos que eso.
Nadie sale vivo de aquí Un muchacho santafesino de unos 20 años (Alan Daicz), que acaba de publicar una novela gráfica (es un fan del cómic), llega muy sobre la hora a Buenos Aires para presentarla en la Feria del Libro, se instala en un hotelucho y se sube al primer taxi que encuentra. Pero el conductor (interpretado por Jorge Marrale) no es el típico tachero porteño sino un hombre desesperado y resentido, dispuesto a inmolarse y a generar un caos: tiene el auto repleto de explosivos. Lo que sigue es un tour-de-force cinematográfico y emocional, ya que la película transcurrirá casi íntegramente dentro del coche y se limitará a narrar la relación que se establece entre ese veterano manipulador y el inocente chico que pasa a ser su prisionero y confidente. Decir que la película trabaja sobre el encierro y que resulta, por lo tanto, claustrofóbica es casi un lugar común. El automóvil nunca se detiene, pero en su interior el tiempo parece no pasar nunca y la tensión se vuelve insoportable ¿Volarán por los aires? Bizzio nos enfrenta a una situación extrema y nos obliga (nos somete) a ser testigos incómodos de este juego de gato y ratón, de negociaciones cruzadas y dependencia mutua. La puesta en escena no está mal (el director filmó incluso en plena Avenida 9 de Julio), pero el relato depende casi 100% de los diálogos y los mismos no siempre resultan igual de eficaces y creíbles. Una apuesta muy arriesgada y parcialmente lograda. Así y todo, una verdadera rareza y bastante valiosa.
Mentime que me gusta A los 84 años y con más de medio siglo de trayectoria, René Lavand es un mito de la magia en la Argentina. Brillante ilusionista y entrañable personaje, este hombre se hizo famoso por sus trucos con cartas concretados únicamente con su mano izquierda (la derecha la perdió en un accidente) hasta convertirse en una figura de culto, con miles y miles de fans. Como en Amateur (donde nos presentaba a un querible cinéfilo), Frenkel se acerca con curiosidad y fascinación al universo íntimo de su personaje. En este caso, a una hermosa casa de madera que Lavand posee en medio de la naturaleza verde en las afueras de Tandil. Allí, conoceremos lo que el protagonista -gran actor y entretenedor- quiere que sepamos: un bon-vivant, un filósofo de barrio, un genio de las barajas que sigue creando nuevos trucos en su "laboratorio" (el paño verde) pese a su artrosis, un marido bastante dependiente, un amigo fiel, un maestro con discípulos que lo veneran y, a veces, un cabrón refunfuñante (sobre todo cuando lo llaman a toda hora para pedirle un remise debido a un número equivocado). El director -que contó con técnicos de primera línea, empezando por los DF Guillermo Nieto y Diego Poleri- pudo acceder a un excelente material de archivo de todas las épocas (Lavand recorrió el mundo varias veces y estuvo hasta en los shows de Johnny Carson y Ed Sullivan) y hace un buen uso de esas imágenes, pero también de los sonidos de sus actuaciones que muchas veces se escuchan en off. Hay momentos en que Lavand lee textos un poco sobreescritos (con obvios espejos de fondo) y otros en que el documental resulta demasiado concesivo, "oficial". Quizás Frenkel se "enamoró" de su personaje y perdió la oportunidad de mostrar ciertas contradicciones o miserias de Lavand que hubiesen enriquecido el retrato. Pero cómo no rendirse ante el carisma, la simpatía, la seducción de este gran embaucador. René lo hizo de nuevo.
En su tercer largometraje, el director portugués Miguel Gomes construye una película que resulta un homenaje condensado a casi todos los géneros clásicos, pero que al mismo tiempo trasciende las referencias cinéfilas para "dialogar" también con la literatura, la música y la historia. Estamos ante un film de múltiples capas, derivaciones, implicancias y niveles de lectura, un verdadero "ovni" que se permite viajar al pasado en busca de las gemas del período mudo (empezando por su homónimo de Murnau, claro), pero que reniega de lo museístico para transformarse en algo definitivamente fluido y moderno. Entre el drama romántico y la comedia musical (con temas que van desde viejos éxitos pop cantados en castellano hasta covers de The Ronettes, pasando por canciones de los Ramones), entre el film de aventuras a-la- Mogambo o Hatari y el cine político sobre el colonialismo portugués en Africa, el director de La cara que mereces y Aquel querido mes de agosto va armando en blanco y negro y en pantalla casi cuadrada (4:3) una película que en verdad son dos (o tres) con un mismo personaje (Aurora) primero como una anciana en la Lisboa actual (un prólogo con reminiscencias almodovarianas) y luego con su historia juvenil de amor, de locura y de muerte ambientada cinco décadas antes en una casona rural ubicada en la ladera del Monte Tabú, en Mozambique. No pocos críticos han comparado a Tabú con Historias extraordinarias , del argentino Mariano Llinás, y más allá de los mayores o menores parecidos que puedan encontrárseles lo cierto es que ambos films comparten un amor por la literatura y el cine de aventuras a partir de un uso casi permanente de la narración en off y una búsqueda de situaciones imprevisibles, sorprendentes, absurdas (pero sin caer jamás en lo paródico), que aquí incluyen desde ridículas bandas musicales hasta cocodrilos. Y la otra referencia inevitable para muchos espectadores será la de la oscarizada El artista , aunque los estilos de sus directores no pueden ser más distintos. Fábula nostálgica plagada de elementos fantásticos (fantasmagóricos) y climas surrealistas (extraordinario el aporte visual del director de fotografía Rui Pocas), Tabú nos lleva de regreso a un mundo perdido, a un cine clásico que para muchos murió y a una época (la de las colonias europeas) que para la mayoría ya ha sido sepultada, pero que en verdad sigue marcando a la sociedad actual. Lejos del homenaje aburrido o pretencioso, Gomes demuestra que todavía se puede seguir jugando sin prejuicios con el arte y nos regala una película lúdica, esplendorosa y vital..
Desde el alma Nunca es tarde para incursionar en la dirección de cine. A los 57 años, y luego de una intensa trayectoria como actor, Gustavo Garzón escribió el guión y se puso detrás de cámara para esta cuidada, rigurosa y sentida película sobre una pareja de treintañeros que están a pocos meses de tener un bebé, pero cuya existencia se ve conmocionada cuando él se entera de que tiene una hija de 12 años y que además debe cuidarla (la madre, que de joven había tenido una efímera relación con el protagonista, está muy enferma). La película presenta a Leandro (Esteban Lamothe) como un exitoso arquitecto casado con Silvina (Ana Katz). La felicidad casi idílica por la inminente llegada de su primer hijo (que han buscado con ansias durante cuatro años) se ve complicada cuando Lucero (Mora Arenillas), una chica de clase media-baja, llega a vivir “por un tiempo” en su hogar. Pese a los esfuerzos de los adultos (sobre todo de Silvina), la hija de Leandro se siente intimidada, frustrada, triste y enojada ante la situación y, por lo tanto, su comunicación con ellos es mínima. La pareja también sufre el cimbronazo y comienzas los cuestionamientos mutuos (especialmente los de ella). La historia no sólo contrapone en el contexto las diferentes clases sociales del matrimonio y de la chica, sino que también expone las contradicciones íntimas entre el deber y el querer ser (dicotomía que también se aprecia en el estudio donde Leandro trabaja). Película sobre decisiones importantes en momentos decisivos de la vida, sobre asumir responsabilidades propias de la adultez, Por un tiempo está construida con andar seguro y buenas actuaciones. Quizás por momentos se extrañe un poco más de fluidez, humor y ligereza (hay demasiado apego a la corrección política y a abordar temas “importantes”), pero el resultado es de gran nobleza y no poca intensidad emocional, sin por eso caer en el golpe bajo ni la manipulación del espectador. Una más que aceptable ópera prima de Garzón, que evidentemente puso mucho de sí mismo en este tardío debut concretado… desde el alma.
Ultimos días de las víctimas Rodado casi íntegramente dentro de un auto (y, más aún, desde el punto de vista de quienes viajan en los asientos traseros), este primer largometraje de la joven directora chilena Dominga Sotomayor premiado en numerosos festivales (Rotterdam, Valdivia, BAFICI, IndieLisboa) es bastante más que un tour-de-force técnico o un virtuoso ejercicio de estilo que sirva como carta de presentación. Un matrimonio está a punto de divorciarse y decide hacer el último viaje (hacia el norte chileno) con sus hijos. Los chicos quieren ir a la playa y se quejan, los padres tratan de ocultar el malestar que sienten y la ansiedad por definir sus nuevos rumbos personales. Allí está concentrada la tensión, sobre esas contradicciones se crean las atmósferas de esta llamativamente madura, rigurosa y sólida ópera prima. Con estructura de road-movie (pero concentrada en vez de abierta a los paisajes), Sotomayor narra con gran sensibilidad, destreza y logrados climas melancólicos aquello que los chicos/víctimas intuyen (es poco lo que ven de lo que ocurre en la parte delantera del coche) y sienten frente a esa experiencia previa a la ya inevitable disgregación del núcleo familiar. Melancólica, amarga y, en varios pasajes, fascinante.
Es más de lo mismo... pero me gusta Nota: Esta reseña, creo (espero), está libre de spoilers, al menos no cuenta nada que no se lea en la sinopsis de cualquier sitio o se vea en el tráiler. Pero no me hago responsable si alguno se enoja por alguna mención que consideren inconveniente. Están avisados… La de Iron Man ha quedado como la saga cómica de Marvel. Por supuesto, están las escenas de acción, las desventuras del millonario Tony Stark y su superhéroe ferroso, y los malvados de turno, pero con Robert Downey Jr. al mando la cosa tiene que pasar inevitablemente por el humor. En este sentido, Iron Man 3 no defrauda y, al mismo tiempo, tiene algo de déja vu. Es que todo está concebido aquí para el histrionismo de R.D. Jr., para un ego-trip que -por suerte- deja bastante espacio para la autoparodia (porque el personaje es conciente de su megalomanía y su egocentrismo y se permite burlarse de sí mismo). Lo bueno es que con R.D. Jr. en cámara en el 99,9% de las tomas ese “más de lo mismo” que se puede apreciar aquí es un encantador despliegue de sobreactuación controlada, de sonrisas compr`doras y de canchereadas que buscan la complicidad permanente del espectador (ah, también baila mientras se va calzando la armadura). No será un talento como Joss Whedon (que también sacó provecho del carisma de R.D. Jr. en The Avengers: Los Vengadores), pero lo de director Shane Black (que venía con un solo antecedente en la realización con Entre besos y tiros y con los galardones de haber sido guionista de la franquicia Arma mortal) es aquí más que digno tanto en la escritura de la historia como en su trabajo en escenas de acción y comedia. La película arranca con un prólogo ambientado en la ciudad de Berna, Suiza, en 1999. Allí aparecen quienes serán las incorporaciones principales de esta tercera entrega: el despiadado Aldrich Killian (Guy Pearce) y la morocha Maya Hansen (Rebecca Hall), quien ya en la actualidad conformará el triángulo junto a la rubia Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y a Stark. ¿Y qué otras novedades ofrece este tercer film? Un mayor protagonismo para Paltrow (tanto en lo romántico como en lo físico), un hilarante personaje a cargo de Ben Kingsley, un niño que será el aliado perfecto para Stark, y varias buenas set-pieces, como la de la destrucción de la casa del protagonista o la de los múltiples Iron-manes. Puede que algunos elementos se repitan demasiado (las alusiones al insomnio y a las pesadillas de Stark), pero en general las poco más de dos horas del film se disfrutan moderadamente (no es cuestión aquí tampoco de entusiasmos desmedidos). Quizás mi puntaje sea un poquito exagerado, pero después de una maratón de 10 días de películas “difíciles” en el BAFICI, algo así, bien pochoclero, resultó como un bálsamo, una cura, una desintoxicación (ojo, amo el BAFICI y su propuesta, pero después de 40 films seguidos…). Para el final, el final: sí, quédense a padecer los 8 o 10 minutos de créditos de cierre con los miles de especialistas en CGI que participaron del rodaje porque después hay una simpática escena humorística con un invitado especial. Es todo lo que voy a decirles. No quiero hacerles perder el disfrute…