Este tercer largometraje del cotizado director colombiano Andrés Baiz (Satanás, La cara oculta) reconstruye la historia de Juan Roa Sierra, sindicado como el asesino del caudillo Jorge Eliecer Gaitán -quien tenía seguro destino de presidente- en 1948 y que desembocó en el masivo y sangriento levantamiento popular conocido como Bogotazo y en una espiral de violencia que continúa hasta hoy. Coproducida con la compañía argentina Patagonik y con el aporte de notables artistas de nuestro país (el director de fotografía Guillermo Nieto, el editor Alejandro Carrillo Penovi, el músico Iván Wyszogrod e intérpretes como Arturo Goetz), Roa es una ambicioso aunque superficial y esquemático fresco histórico que va desde lo íntimo (la gris existencia de este hombre de familia dominado por la falta de oportunidades) hasta lo sociopolítico (con una oscura y compleja trama de intereses y confabulaciones). Una película que -más allá de sus desniveles, obviedades y subrayados- se animó con uno de los sucesos más controvertidos y determinantes de la historia colombiana del siglo XX y allí reside su principal valor.
Dos a entenderse Shun Li (la muy convincente Tao Zhao, vista en varias películas de Jia Zhang-ke) es una inmigrante china que trabaja en una fábrica textil en las afueras de Roma. Su sueño es conseguir que su hijo de ocho años llegue a Italia, pero antes debe saldar una importante deuda con su jefe (ligado a la mafia de su país). Al poco tiempo, es enviada a Chioggia, una pequeña comunidad situada en una de las islas de la laguna veneciana (lejos del glamour turístico) para encargarse de un bar que es punto de encuentro de los lugareños. Entre ellos, está Bepi (Rade Sherbedgia), un veterano pescador de la ex Yugoslavia al que sus amigos apodan El Poeta. Entre ellos se irá intensificando una relación que tiene bastante más de solidaridad que de romanticismo. Ni las barreras sociales, ni las idiomáticas, ni las de costumbres, ni las de edades (ella es treintañera; él, sexagenario) podrán contra ese humanismo que el director reivindica y exalta. Pero, claro, allí aparecerán en toda su dimensión los prejuicios y la xenofobia (con su carga de violencia), dos características tan ligadas al italiano medio de la actualidad. Andrea Segre viene del documental y se ha especializado desde siempre en dos cuestiones: la vida de los inmigrantes y la zona del Veneto. Son precisamente estas dos vertientes las que aborda y combina en su primer largometraje de ficción, multipremiado en la Mostra de Venecia. Se trata de un film hecho con gran solvencia, sensibilidad y nobleza, pero que al mismo tiempo encuentra sus límites en una exposición casi “de manual” de los postulados básicos de esa corrección política de los artistas progres europeos que intentan de alguna forma lavar las culpas por el proceder de sus compatriotas con este tipo de películas que cuestionan las miserias sociales. De todas formas, y más allá de que por momentos se adivina los siguientes pasos que Segre va a dar, la historia se sostiene por la simpleza franca con que el director narra esta fábula y, sobre todo, por la credibilidad de las interpretaciones, empezando por la de Tao Zhao, eje y motor de esta poderosa épica personal.
El cuento del tío Con películas como J.S.A: Zona de riesgo, Thirst y la trilogía sobre la venganza compuesta por Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy: cinco días para vengarse y Sympathy for Lady Vengeance, Park Chan-wook se consolidó como el director coreano de mayor proyección internacional dentro de la vertiente de cine de género. Hollywood no tardó en echarle el ojo. Y por partida doble: una remake de Oldboy que filmó Spike Lee y un proyecto para él en suelo estadounidense: Lazos perversos. Colores saturados, dirección de arte preciosista, virtuosos encuadres y movimientos de cámara, y -ya en términos de la historia- fuertes dosis de erotismo, perversiones, baños de sangre, engaños y seducción. Bienvenidos, entonces, al universo de Park Chan-wook, aquí con un thriller psicológico que tiene al Alfred Hitchcock de La sombra de una duda como principal referente, a partir de un guión escrito por el conocido actor Wentworth Miller. Tras la muerte en un accidente automovilístico de su padre (Dermot Mulroney), un prestigioso y multimillonario arquitecto, India Stoker (interpretada por Mia “Alicia en el País de las Maravillas” Wasikowska) ingresa a sus 18 años en una suerte de encierro del que su inestable y alcohólica madre Evie (Nicole “Botox” Kidman) no puede sacarla. Pero, de manera imprevista, llega a la mansión de Connecticut el tío Charlie (Matthew Goode), un galán que en principio aparece como bon-vivant y trotamundos. Las apariencias, dice con razón el viejo dicho, engañan. Y cómo. Lo que sigue (tranquilos: no voy a desvelar ningún secreto) es un triángulo con manipulaciones varias y cruzadas para una película extrema, embriagadora, perturbadora, llena de escenas notables… y de las otras (sí, obvias y grasas, de esas que dan vergüenza ajena, como la de la “seducción” cuando tocan el piano a cuatro manos). No estamos -claro está- ante una obra maestra, pero sí ante una clase sobre técnica cinematográfica a cargo de un verdadero genio en el terreno de la elaboración estética. Mi recomendación: véanla en cine o no la vean. Una copia en baja resolución y en pantalla pequeña es derrochar casi toda la posibilidad de disfrute.
Batallas entre humanos y robots, realidad virtual, viajes en el tiempo, sofisticada tecnología, historia futurista de corte apocalíptico, planetas colonizados, poderes que controlan y someten al individuo, memorias que son borradas e implantadas... En Oblivion: El tiempo del olvido conviven casi todos los grandes tópicos de la ciencia ficción y las referencias, por lo tanto, son inevitables y evidentes: desde 2001, odisea del espacio hasta Alien , pasando por THX 1138 , la animada WALL-E y un film menos conocido como En la Luna. Joseph Kosinski -que venía de realizar otra superproducción dentro del género como Tron: El legado - coescribió y dirigió esta película protagonizada y narrada en off por un Tom Cruise que interpreta al comandante Jack Harper, responsable del mantenimiento de unos drones programados para combatir a los aliens (aquí denominados carroñeros) que pretenden aniquilar a (lo que queda de) la humanidad. La película transcurre en 2074, seis décadas después de una guerra contra los invasores extraterrestres que ha devastado a la Tierra luego de múltiples explosiones atómicas. De hecho, los pocos sobrevivientes se han trasladado hacia Titán, una de las lunas de Saturno. Durante la primera mitad de la película (bastante minimalista y, por lo tanto, a contramano de la tendencia a la acumulación y al estímulo constante de la inmensa mayoría de la oferta hollywoodense) hay sólo tres personajes en pantalla: Harper, su asistente/amante Vika (Andrea Riseborough) y Sally (Melissa Leo), quien vigila y supervisa todo desde el control central. Sin embargo, durante la segunda mitad del relato, la película cambia por completo de tono, registro y estilo. Aparecen en escena un grupo de rebeldes liderados por Morgan Freeman y Nikolaj Coster-Waldau, una misteriosa y bella mujer (Olga Kurylenko) y el relato se torna mucho más recargado con abundantes diálogos, una subtrama romántica y una vuelta de tuerca con "mensaje" (y moraleja) que resulta demasiado subrayada. En esa segunda hora, por supuesto, surgen unas cuantas escenas de acción (incluidas persecuciones aéreas a toda velocidad por estrechos cañones) que le imprimen a la narración un mayor vértigo. La música electrónica también acompaña ese vuelco tornándose cada vez más permanente y grandilocuente. Si bien no todos los elementos conviven con armonía (la película es un poco "esquizofrénica", como si tuviera una doble personalidad que la hace pendular todo el tiempo entre el drama psicológico "serio" y el cine de entretenimiento "ligero"), Kosinski regala unas cuantas escenas que, tanto desde la puesta en escena como desde el inteligente uso de los efectos visuales, resultan muy sofisticadas y atrapantes. Extraña propuesta de ciencia ficción (casi todas las imágenes, por ejemplo, son diurnas) con un discurso entre místico y new-age, Oblivion es un film anómalo en más de un sentido. De todas maneras, en una industria con tanta producción en serie, se trata de un mérito, más que de un defecto.
Gran éxito de público en España (el personaje ya había sido objeto de dos cortometrajes premiados y de una serie de cómics), esta película sobre un ex obrero de la construcción devenido arqueólogo que lucha para evitar que los tesoros de los Incas caigan en las manos equivocados es una acumulación de fórmulas, estereotipos y parodias/homenajes/"préstamos" del cine hollywoodense (hasta se usan canciones del grupo juvenil One Direction). Tenemos al patético antihéroe (torpe y gordito), a la chica linda (un robo de Lara Croft), una historia a-la-Indiana Jones, malvados de manual, un perro fiel y otros personajes "simpáticos" (el loro mudo). El acabado técnico y la animación 3D son correctas, pero nada espectaculares. Se trata de un intento por competir con el cine norteamericano en su mismo terreno. La apuesta comercial puede haber resultado en un pleno. En el aspecto artístico, es menos de lo mismo. En el mejor de los casos, una derrota digna.
Con películas como El maquinista y Transsiberian, y sus aportes a múltiples series como The Wire, Fringe, El imperio del contrabando o The Killing, Brad Anderson demostró que es un profesional con todas las letras, un artesano de esos que suelen llevar a buen puerto (o al menos naufragan con cierta dignidad) dentro del cine de género. Su habilidad, su pulso, su tempo se alcanzan a percibir también en este thriller sobre un asesino serial “especializado” en adolescentes rubias e inocentes. El punto de vista es el de una operadora del servicio de emergencias 911 (una “afeada”, si eso es posible, Halle Berry) que intenta salvar una vida luego de haber cometido un error que le ha costado demasiado caro a otra víctima. El problema no es, por lo tanto, la factura (correcta, sin grandes hallazgos) sino la precariedad en el trabajo de la psicología de los personajes (¡ay, los traumas del killer!) y, sobre todo, el grado de sadismo que terminan por transformar a esta experiencia en algo casi intolerable. En la comparación, engendros como 8 milímetros, de Joel Schumacher, resultan casi comedias musicales. Salvo espectadores masoquistas, mejor abstenerse.
De solemnidades, sadismos y copias El propio Víctor Laplace es (otra vez) un Perón estereotipado e idealizado, muy lejano del hombre de carne y hueso “contradictorio” que el autor pretendió mostrar (así lo indicó, al menos, en las “Notas del director” del catálogo del Festival de Mar del Plata, donde la película tuvo su premiere en la Competencia Iberoamericana). El Perón de Laplace (el que moldea en su triple faceta de actor, coguionista y director) es un sabio, un profeta, un líder siempre autoconciente de las implicancias de su accionar que dispara frases célebres, históricas, punzantes a través de múltiples y obvios recursos (la voz en off, la escritura de una carta, la charla con seguidores), mientras a su alrededor pululan los traidores, los ineptos y los ambiciosos del poder. Impecable desde lo técnico (participó un verdadero dream-team del cine argentino), esta reconstrucción del exilio del líder tras los bombardeos de 1955 y hasta su regreso al poder resulta elemental, solemne y, sobre todo, aburrida.
El joven director uruguayo Fede Álvarez concreta con esta película el "sueño del pibe". Tras un cortometraje de cinco minutos y 300 dólares de costo, Ataque de pánico! , subido a YouTube en 2009 y visto por más de siete millones de personas, Sam Raimi lo convocó para filmar la remake de The Evil Dead , su clásico de culto de 1981. Con Raimi ahora como productor y con un guión firmado por él y su colaborador Rodo Sayagues (se sabe que la cotizada Diablo Cody participó en el proyecto, pero no figura en los créditos), Álvarez consigue una ópera prima satisfactoria en todos los terrenos, ya que funciona como "homenaje" al film original (está plagada de guiños y referencias que los fans sabrán captar), pero también como un exponente del cine de terror sádico que las nuevas generaciones -aquellas que jamás vieron la trilogía inicial de Raimi- podrán disfrutar (y sufrir, claro) en toda su dimensión. Con algunas innovaciones, licencias y cambios (sobre todo en la primera mitad) respecto de la película de Raimi, Posesión infernal mantiene el esquema de cinco jóvenes en una cabaña en medio del bosque sometidos a las fuerzas diabólicas que ellos mismos "despiertan" sin saberlo a partir de conjuros e invocaciones que figuran en las páginas del Libro de los Muertos. Hay una chica adicta a las drogas duras (Jane Levy), que intenta zafar de sus efectos, pero pronto se convertirá en una amenaza a-lo-Linda Blair en El exorcista . Y también aparecen su hermano David (Shiloh Fernandez), un muchacho que ha estado demasiado ausente y, por lo tanto, dominado por la culpa, y tres personajes más (Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci y Elizabeth Blackmore) que los acompañan en el viaje. La violencia (que arranca con cuchillos, sigue con disparos de clavos y termina con escopetas, sierras eléctricas y explosiones) es extrema y Álvarez la convierte en un festival gore con desmembramientos y abundantes explosiones de vísceras, sangre y otros fluidos. Lo hace con una infrecuente solvencia tanto en la puesta en escena (la película está muy bien filmada) como con una sabia y criteriosa utilización de los efectos visuales. No será una película revolucionaria -no lo pretende y se sabe deudora de un clásico y de las fórmulas básicas del género-, pero entretiene y asusta. Misión cumplida, entonces, para este uruguayo treintañero que sale más que airosos de su debut en las grandes ligas hollywoodenses.
Otra carrera contra el tiempo... El "concepto" de la película está resumido incluso desde el afiche: un ladrón (Nicolas Cage) tiene 12 horas para conseguir los 10 millones de dólares de rescate para salvar a su hija secuestrada por un desquiciado ex compañero suyo no muy contento con el resultado de un golpe que dieron juntos. Con esa premisa, el guión de David Guggenheim (Protegiendo al enemigo) apuesta al thriller vertiginoso y con espíritu de clase B, con un esquema muy similar al de Celular (2004), pero allí donde el film de David R. Ellis funcionaba a la perfección con su apuesta por el humor absurdo en medio de una típica carrera contra el tiempo, aquí el director Simon West (El mecánico, Los indestructibles 2) se queda siempre a mitad de camino. O sea, ni un simpático delirio, ni un exponente de género demasiado sólido. Para colmo, esta vez Nicolas Cage ni siquiera entrega su acostumbrado festival de tics y excesos. Es más, el antagonista, Josh Lucas, le gana por varios cuerpos en la carrera de sobreactuación. Así, la película no encuentra nunca su tono. No se la puede tomar en serio porque las justificaciones de la trama y los conflictos de los personajes no resisten el menor análisis. Tampoco se la puede disfrutar en plan de placer culpógeno porque el film nunca adquiere una veta lúdica ni se juega por el absurdo. El resultado es un híbrido mediocre, un subproducto decididamente menor. Ni chicha ni limonada.
Un viaje de ida (y vuelta) Los documentales familiares y, más precisamente, aquellos que bucean en las raíces ancestrales (sobre todo, de los in/emigrantes que abandonaron sus países en busca de una nueva vida) son de los más transitados y, por lo tanto, de los que mayores riesgos tienen de caer en las “fórmulas”. En este sentido, Hernán Belón (que ya había incursionado en este universo con la querible Sofía cumple 100 años y también en la ficción con la más que atendible El campo) aplica un esquema bastante clásico y logra sortear buena parte de los lugares comunes previsibles. Aunque no todos los recursos son igual de eficaces (la voz en off por momentos luce calculada y artificial, la música -que no es nada mala, al contrario- está utilizada de manera algo efectista y hay puestas de cámara demasiado “ficcionales”), Belón ratifica que es un sólido narrador y, así, el espectador sigue de cerca y con interés el derrotero personal de Grace Spinelli, una atractiva mujer de origen libanés que -cual detective- investiga (y desvela) la historia de su bisabuelo Mohammed, un hombre que -luego de haber formado una familia en la Argentina- regresó a su país natal y armó una nueva vida allí hasta morir a los casi 100 años. La primera parte describe la dinámica de la familia local de Grace (un entorno dominado por las mujeres y, también, por lo que no se dice respecto de un pasado para ellas bastante doloroso por el abandono) y, en la segunda, se narra el viaje que ella hace hasta el pueblo de Mohammed en la aún convulsionada (por la guerra civil) zona de El Líbano. El film está bien construido y alcanza varios momentos de genuina intensidad (en otros, se notan demasiado los “hilos” que sostienen el armado narrativo). De todas maneras, se trata de otro dignísimo trabajo de ese director prolífico y multifacético como Hernán Belón.