Una mujer bajo influencia Considerado -con justicia- como uno de los directores más importantes del nuevo cine ruso, el creador de El regreso (2003) y The Banishment (2007) filmó un riguroso e impecable drama que le valió un nuevo galardón en el Festival de Cannes: el Premio Especial del Jurado de la sección Un Certain Régard en la edición 2011. La película está construida desde el punto de vista de una mujer ya bastante veterana (notable trabajo de Nadezhda Markina como la Elena del título), que lleva dos años casada con un moscovita de un origen social más pudiente que el suyo, y a quien supo cuidar durante más de una década hasta que salió de la enfermedad. La protagonista no se siente demasiado cómoda en su nuevo hogar e intenta ayudar a su patético hijo (de un matrimonio anterior), mientras su marido se niega a darle más plata y parece más interesado, en cambio, en reconstruir la relación con su cínica hija (también de una pareja previa).
Muertos de amor En medio de la avalancha incontenible de películas y series sobre zombies, se suma este film escrito y dirigido por Jonathan Levine (el mismo de 50/50) que se inscribe en ese casi siempre simpático subgénero de comedias de terror; es decir, una combinación entre humor negrísimo y estallidos de gore que tiene puntos de contacto con los inicios de Sam Raimi y de Peter Jackson, y las películas de Edgar Wright, por nombrar sólo unos pocos referentes ineludibles. Aquí, Levine -trabajando a partir de la exitosa novela de Isaac Marion- le incorpora al inevitable enfrentamiento entre soldados de la resistencia y los famélicos muertos-vivos elementos que funcionan bastante bien: por ejemplo, una intensa trama romántica (ella, la rubia Teresa Palmer, hija del líder de la resistencia que interpreta John Malkovich; él, el carilindo Nicholas Hout, un zombie que se enamora de la chica y va “volviendo” de la muerte recuperando sus atributos “humanos”). No estamos ante una película 100% original (algo imposible en un género dominado por estos días por series como The Walking Dead y con films recientes como Tierra de zombies), pero la película es bastante eficaz y divertida, con logrados toques absurdos y eróticos; y con un muy buen uso de las canciones (de Scorpions a Bob Dylan) y, sobre todo, de las locaciones (desde un aeropuerto abandonado hasta un estadio de fútbol) para dotar al relato de ese look devastado de toda historia post-apocalíptica. Entre tanto subproducto a-la-Crepúsculo y True Blood, Mi novio es un zombie -sin dejar de ser una película efímera y algo menor- resulta una propuesta entretenida y, en definitiva, refrescante.
Reconocido como uno de los mejores directores de arte del cine argentino ( La antena y El último Elvis son dos de sus notables aportes) y correalizador hace más de una década con el catalán Cesc Gay de la influyente Hotel Room , Daniel Gimelberg llega al largometraje (en solitario) con este visceral y desgarrador retrato de la angustia adolescente. El film está construido en dos tiempos opuestos que marcan dos momentos muy disímiles en la vida de un joven. Es verano y Nacho (Nahuel Viale) tiene una existencia sin demasiadas preocupaciones: trabaja, estudia, vive con sus padres y disfruta del tiempo libre con sus amigos y su hermosa novia. En la segunda vertiente del relato, han transcurrido dos años desde aquel momento casi idílico. Es invierno y nuestro antihéroe ha pasado por una experiencia límite, traumática. Ya no trabaja, vive solo y coquetea con tomar él también decisiones extremas. En Antes (una película sobre las dualidades, el antes del título y el después, la euforia y la depresión, la vida y la muerte, el amor y el dolor) el cómo es tan importante como el qué. Si bien hay una evolución dramática y un entramado psicológico, Gimelberg parece más interesado en la creación de atmósferas que tienen que ver con los distintos estados de ánimo y esa sensación de confusión y desamparo que invade a tantos jóvenes. En esa búsqueda de climas, que van de lo eufórico a lo opresivo, resultan fundamentales el aporte del talentoso director de fotografía Diego Poleri y la hermosa banda de sonido producida por Fito Páez, que incluye temas suyos, de Él Mató a un Policía Motorizado y dos temas del legendario disco Artaud , que Luis Alberto Spinetta grabó en nuevas versiones especialmente para la película. Puede que el film tenga algo de déjà vu en su exploración del universo adolescente, ciertos desniveles actorales, algunos diálogos que suenan artificiales y ciertas escenas que no alcanzan la intensidad deseada, pero Antes es una película hecha desde las entrañas, con el corazón en la mano. Esa honestidad brutal le permite disimular y trascender sus carencias y convertirse, así, en un trabajo valioso en más de un sentido.
Tras una inspirada secuencia de títulos que logra un efecto entre artesanal y vintage, Oz, el poderoso regala una introducción extraordinaria: con una "anticuada" pantalla casi cuadrada y en blanco y negro se nos presenta a Oscar Diggs (el siempre ampuloso James Franco), un mago de poca monta que trabaja en un patético circo ambulante en la Kansas de 1905. Cínico, mujeriego y ambicioso, más que ilusionista o prestidigitador resulta un verdadero farsante que se termina escapando en globo ante la ira de otros miembros de la compañía y del público. Pero el vuelo no durará mucho, ya que se topa con un tornado y, de allí, a la mismísima -y ya colorida- Tierra de Oz, fotografiada con toda la amplitud de la Panavision widescreen. Concebida como una precuela del clásico de clásicos El mago de Oz (1939) y, al mismo tiempo, como una continuación del espíritu que Disney le imprimió a la reciente y exitosa recuperación de Alicia en el País de las Maravillas , Oz, el poderoso ofrece un inobjetable despliegue visual (el director Sam Raimi hace un inteligente uso de las imágenes estereoscópicas que se disfrutarán en las salas 3D), pero esos logros iniciales se van perdiendo a medida que la historia avanza y la narración se frena, se dilata y se entorpece (hacia el final el relato recobra algo de vida, fluidez e interés). Si la película no es todo lo eficaz que podía esperarse no es por falta de personajes ni de intérpretes de primera línea. En su periplo hacia Emerald City lleno de situaciones fantásticas Oscar se topará con brujas buenas (la rubia Michelle Williams) y malas (las morochas Mila Kunis y Rachel Weisz), y contará con aliados y compañeros de aventuras varios, que van desde una muñeca de porcelana hasta un mono. Película de aventuras sobre el descubrimiento y la redención (una suerte de doble viaje interior y exterior), Oz, el poderoso perderá y mucho si se la compara con aquella inolvidable y amada gema dirigida por Victor Fleming y encabezada por Judy Garland. Como producto de consumo familiar, sin llegar a las cimas del cine contemporáneo y aun con sus apuntados desniveles, resulta un entretenimiento más que atendible.
Los actos cotidianos Luego de su presentación en la sección Album Familiar del BAFICI 2012 y en otros festivales, se estrena en un par de salas porteñas esta ópera prima de Yanco, que consigue aquí un minucioso, sensible y al mismo tiempo riguroso y respetuoso retrato de las experiencias cotidianas de dos niñas gemelas. Martina y Micaela Mendes tienen 9 años y viven en Quilmes al cuidado de su madre Norma (al papá Alejandro casi nunca se lo ve). Con una cámara siempre muy próxima a las dos protagonistas, Yanco hace fácil lo difícil: que la película fluya, que no resulte forzada, intrusiva ni artificiosa, que las chicas se desempeñen con bastante naturalidad en el día a día (aunque por momentos se les escape alguna que otra mirada al lente o parezcan estar “actuando” para el director). Yango las filma con recato mientras duermen, hacen la tarea, chatean por Internet, comen o se preparan para salir al mundo exterior. También cuando van a clases de catequesis o –aprovechando su similitud física- concurren a castings con el objetivo de convertirse en artistas. En la segunda mitad, cuando la mamá debe ir a trabajar a la remisería del padre, ellas pierden a su guía protectora y quedan solas, en una extraña combinación entre desamparo y absoluta libertad para aprender -a su manera- el proceso de supervivencia doméstica. Un interesante acercamiento al mundo infantil/femenino alejado de la explotación y construido desde la curiosidad y el respeto.
Película efímera sobre un director para el recuerdo Más allá de que su cine nunca pasa de moda, Alfred Hitchcock volvió a estar en el candelero en los últimos meses con un telefilm (The Girl) y con este largometraje concebido para la pantalla grande. Lo triste es que ninguna de las dos aproximaciones al “maestro del suspenso” estuvo mínimamente a la altura del artista ni del hombre detrás de tantos clásicos inoxidables. Si en aquella TV movie de HBO el eje fue el rodaje de Los pájaros y su obsesión enfermiza por Tippi Hedren, en esta transposición del libro Alfred Hitchcock and the Making of 'Psycho' (1990), de Stephen Rebello, el centro es la realización de Psicosis y la relación con su esposa (se habían casado en 1926), consejera, musa y socia Alma Reville (Helen Mirren). Hitchcock -antes interpretado por Toby Jones- es aquí encarnado (con una generosa, artificiosa y distractiva capa de maquillaje/máscara) por Anthony Hopkins. Estamos en 1959. Hitch viene de lograr un gran éxito con North by Northwest (Intriga internacional), pero -siendo ya un sexagenario- varios empiezan a dudar de su futuro. Mientras le ofrecen todo tipo de proyectos (incluida una película de James Bond), él se decide por adaptar un libro de terror inspirado en un caso real en el que la protagonista muere en la mitad. Se trata, claro, de Psicosis, que él llevará a extremos inimaginables en aquellos tiempos (y aun hoy), asesinando a la heroína en el primer tercio de la trama. Mientras ni los ejecutivos de la Paramount confiaban en su iniciativa (dicho sea de paso, el rodaje de Hitchcock se realizó en los verdaderos estudios de Paramount), el director -siempre porfiado, provocador y arriesgado- contrataba a Janet Leigh (Scarlett Johansson) para integrarse al clan de rubias hitchcockianas (Grace Kelly, Kim Novak y siguen las firmas). El resultado, ya se sabe, fue el film más perturbador y exitoso de su carrera. El director Sacha Gervasi (Anvil! The Story of Anvil) y el guionista John J. McLaughlin (El cisne negro) optan por lo obvio: todo está dicho, explicado y subrayado mil veces (el desprecio de él hacia los actores, la dependencia de y los celos hacia Alma, etc.). No hay aquí demasiado espacio para las contradicciones, los matices, la interpretación del propio espectador porque el paquete viene cerrado y con moñito. Si el elenco es excelente en cuanto a nombres, esa categoría actoral no alcanza a percibirse en pantalla, con múltiples personajes secundarios sin mínima sustancia (por ejemplo, la mano derecha de Hitch, Peggy Robertson, interpretada por la gran Toni Colette). Hay algunos diálogos graciosos, ciertos pasajes inspirados (no falta, por supuesto, el rodaje de la célebre escena de la ducha) y muchos lugares comunes sobre cine dentro del cine. Es un film cuidado, discreto, menor que -al revés de las películas del gran Hitchcock- olvidaremos muy pronto.
Por la puerta grande Una película sobre dos niñas huérfanas y padres adoptivos, con lúgubres cabañas en medio del bosque y presencias sobrenaturales no es precisamente algo novedoso dentro del terror. Sin embargo, de la mano del productor Guillermo Del Toro (el nuevo Val Lewton) y del coguionista y director argentino Andrés Muschietti Mamá se convierte en una película bastante superior a la media y que logra -al menos durante sus dos primeros tercios- eludir los lugares comunes y las fórmulas del género. En el prólogo vemos a un padre desesperado por las consecuencias de la crisis financiera que decide terminar con su vida y la de sus dos pequeñas hijas. Todos en la zona dan por sentado que las niñas han muerto, menos su tío Lucas (Nikolaj Coster-Waldau, visto en Game of Thrones) que intenta costear con sus magros ingresos una búsqueda que se prolonga durante cinco años. Hasta que, claro, finalmente las chicas aparecen en estado salvaje. Lucas y su novia Annabel (otro impecable trabajo de Jessica Chastain, aquí morocha como la bajista de una banda de punk-rock) quedan a cargo de Victoria (Megan Charpentier) y Lilly (Isabelle Nélisse), de 8 y 6 años respectivamente, bajo la atenta observación y las recomendaciones de un eminente psiquiatra (Daniel Kash), que investiga el singular caso. Pero las chicas no logran adaptarse a la vida hogareña. Algo las inquieta, las perturba, las condiciona, las atemoriza, las domina. Es la “mamá” del título, un personaje fantasmal cuyas apariciones Muschietti dosifica con astucia, sabiendo que en estas lides casi siempre menos es más. El trabajo del DF Antonio Riestra y la utilización sin regodeos de los efectos visuales también resultan muy criteriosos, al menos hasta la media hora final, cuando el director se ve tentado (u obligado) a “poner toda la carne en el asador” y la resolución se torna demasiado explícita y obvia. Un párrafo aparte para Chastain, una actriz versátil y todoterreno que sabe dar lo que le pide cada guión. Aquí jamás “sobra” la película, nunca se pone por encima de un género considerado “menor” y resulta siempre funcional a la trama. Entender el cine como lo hace ella no es tarea sencilla. Para las grandes actrices no hay papeles menores. Y el cierre, por supuesto, es para Muschietti, a quien conocimos allá por 1999 con Nostalgia en la mesa 8, corto sobre una huelga de futbolistas en los años ’40 que integró Historias Breves 3. El argentino consigue con Mamá una más que auspiciosa carta de presentación que le augura un gran futuro en Hollywood (ya le ofrecieron varios proyectos importantes y la “inevitable” secuela de este film). En su ópera prima, demuestra una narración fluida, elegante, y una preocupación por desarrollar la psicología de los personajes y adentrarse en la dinámica infantil (y el punto de vista femenino) infrecuentes dentro del género de terror. Le costó mucho llegar al largometraje, pero lo hizo por la puerta grande. Ya es tiempo de cosechar todo aquello que sembró.
Un film excelente con destino de clásico T he Master , como todas las películas de Paul Thomas Anderson, permanece en la memoria mucho tiempo después de que se encienden las luces de la sala. Podrá gustar más o menos, pero el cine del director de Boogie Nights: Noches de placer , Magnolia y Petróleo sangriento está hecho para perdurar y trascender. En una industria como la de Hollywood, que realiza tantos productos efímeros, la existencia de un autor tan estimulante, audaz, provocativo y, si se quiere, hasta megalómano resulta una bienvenida anomalía. No es The Master una película fácil, pero es una gran película. Concebido a contramano de la demagogia y la superficialidad que dominan al cine contemporáneo (no es fácil empatizar con sus protagonistas), este film propone un implacable y demoledor ensayo sobre la manipulación psicológica, la dependencia emocional y las más profundas miserias humanas. El protagonista es Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un tosco marino dominado por el alcoholismo, la obsesión sexual, la desesperación, el dolor y la angustia existencial que, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, profundiza su derrumbe hasta que cae en manos de Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), el Maestro del título (personaje inspirado en L. Ron Hubbard, fundador de la controvertida Iglesia de la Cienciología) y opuesto complementario de aquella alma en pena: un líder brillante, seductor y carismático de esos capaces de encandilar y someter a sus seguidores. El film -ambientado en los años 50, esa época de posguerra en la que se cimentó el sueño americano- se centra en la relación de dependencia, de atracción mutua entre estos hombres tan disímiles (en todo sentido) entre sí. Freddie encuentra cobijo y protección, casi una familia adoptiva, mientras que Dodd tiene el cobayo ideal para desplegar sus técnicas experimentales, desarrollar sus investigaciones y aplicar su doctrina. La película puede resultar un poco árida por momentos, algo caótica en otros (el director prescinde de una evolución dramática tradicional), pero nunca deja de fascinar y atrapar. Es que The Master tiene tres pilares para sostenerse en las alturas: la inteligencia como guionista y el virtuosismo como narrador de Anderson y las descomunales actuaciones, pletóricas de matices (del intimismo a la grandilocuencia), de la dupla Joaquin Phoenix-Philip Seymour Hoffman, muy bien acompañada por una Amy Adams (Peggy, la esposa de Dodd) que en pocas escenas y desde las sombras se convierte en un personaje decisivo. Trágica y cómica, bella, amarga y desgarradora a la vez, The Master constituye una experiencia que exige (y merece) una activa participación del espectador. Paul Thomas Anderson entrega una película inasible, fragmentaria, pero con unos cuantos pasajes en los que aflora el gran cine (como el interrogatorio resuelto a puro primer plano), esos momentos sublimes que lo convierten en un film con destino de clásico.
En el camino Dos primos treintañeros (sólidos trabajos de esos "emblemas" actorales del "nuevo" Nuevo Cine Argentino que son Esteban Lamothe y Esteban Bigliardi), decididamente opuestos entre sí, se reencuentran después de bastante tiempo para viajar desde Buenos Aires, donde ambos están radicados, a la ciudad de General Villegas a la que alude el título, para asistir el funeral de un abuelo junto al resto de la familia. En el camino de ida ya se vislumbran las diferencias y tensiones entre ambos (el primero, un suerte de yuppie bastante contenido que está a punto de casarse; el segundo, un músico bohemio, impulsivo y bastante degradado), pero también la ternura que asoma detrás de esas máscaras, esas armaduras tan propias de ciertas conductas masculinas (a la antigua). Ambos se ven movilizados por las experiencias e, inevitablemente, surgen dudas y replanteos existenciales. La película -que va de lo íntimo a lo familiar y luego a la dinámica de pueblo en una narración que transcurre durante tres días- está sobriamente construida, pero sólo por momentos aflora la emoción que los protagonistas tratan de ocultar y el director -de notable carrera como cortometrajista- intenta encontrar. Ciertos problemas de guión y una puesta que en algunos pasajes luce como demasiado pensada (atada) conspiran contra la fluidez de algunas escenas. En otras, en cambio, sí surgen esos momentos de sensibilidad e intensidad que transmiten esa verdad que hace del cine una experiencia única. Un film de esos que -más allá de sus pequeños problemas- crecen con el tiempo en la memoria. Una ópera prima muy recomendable.
Esta ópera prima del joven director entrerriano Maximiliano Schonfeld -premiada en la Competencia Internacional del último Bafici y en los festivales de Hamburgo y Praga- narra la historia de los integrantes de una familia que vive en una pequeña aldea de alemanes del Volga, una comunidad ubicada en su provincia natal que conserva intactas las tradiciones ancestrales y hasta el dialecto Wolgadeutsche. Los protagonistas están a punto de abandonar el lugar, ya que su granja, dedicada principalmente a la explotación avícola, está a punto de quebrar. No hay demasiadas explicaciones, aunque un virus o el agua clorada podrían ser las causas de la debacle. Pero ése no es el eje principal del relato, sino el punto de vista de los dos hijos adolescentes: él (Lucas Schell) debe despedirse de sus amigos y, en el caso de ella (Brenda Krütli), definir también su futuro en medio de un amor "prohibido" y un embarazo. Película climática, de atmósferas melancólicas y por momentos opresivas (las imágenes de las gallinas y pollos que van muriendo), Germania ofrece en su trasfondo algunas lúcidas observaciones sobre las relaciones en el seno de esa comunidad bastante cerrada y anclada en el tiempo (será inevitable la comparación con Luz silenciosa, del mexicano Carlos Reygadas), aunque el foco está puesto en el contradictorio universo adolescente, en la represión interna de los personajes y en la sensación de pérdida (de derrota). Si bien la puesta en escena no alcanza a potenciar todas las ideas que se esbozan y el director opta tanto desde lo visual como de lo musical por un registro algo frío, solemne y distanciado, se trata de un film bello, sutil, sugerente, arriesgado y, en definitiva, valioso.