Juntos para siempre Muy ligado desde hace varios años a Francia, Michael Haneke contó aquí otra vez no sólo con financiación mayoritaria de ese origen (aunque compite en los premios Oscar representando a Austria) sino también con tres leyendas galas como Jean-Louis Trintignant, Emanuelle Riva e Isabelle Huppert para una película que marca un brusco giro en su carrera, pero que al mismo tiempo mantiene la categoría, el rigor y la solvencia de sus anteriores trabajos. Con Amour, el director de La pianista, Caché-Escondido y La cinta blanca aborda cuestiones delicadas, ríspidas e inquietantes como la vejez, la degradación física y la muerte, aunque en verdad (en esencia) el tema principal es el que se alude desde el título: ese amor trascendental e incondicional que ambos se profesan incluso en las circunstancias más extremas (y teniendo los dos personalidades bastante alejadas de la perfección). Resulta conmovedor ver en pantalla los trabajos sublimes de Trintignant (mejor actor en Cannes 1969 por Z) y de Riva (quien ya había estado en ese mismo festival 53 años antes de Amour con Hiroshima mon amour) como un matrimonio cuya existencia cambia para siempre cuando ella empieza a tener los primeros síntomas de Alzheimer y luego sufre un par de ataques que la van dejando casi sin movimiento primero y sin habla después. La película empieza cuando el cadáver de ella es descubierto por la policía y los bomberos porque el eje aquí no es desentrañar el “enigma” sino exponer -con esa precisión, inteligencia y profundidad tan propias de Haneke- cómo van reaccionando uno y otro (y la hija de la pareja que interpreta Huppert en sus distintas visitas) ante la sucesión de los hechos. Estamos ante una historia muy dura, claustrofóbica (transcurre de manera casi íntegra dentro del departamento de los protagonistas), sin héroes ni mártires, con la verdad con que fluye la vida y la inevitabilidad con que termina. En manos de otro director (diría la inmensa mayoría de los realizadores en actividad), Amour sería un material inflamable, la excusa perfecta para una acumulación de golpes bajos, torpezas, psicologismo y excesos lacrimógenos. Aquí, por suerte, la sobriedad, la altura y la austeridad de Haneke -un cineasta que sabe muy bien que en el terreno de las emociones muchas veces menos es más- mantienen ese equilibrio justo que necesitan las pequeñas grandes películas. Esta es una de esas.
Israel Adrián Caetano es uno de los directores argentinos que mejor han incursionado en el cine de género(s) durante la última década con títulos como Un oso rojo o Crónica de una fuga . Por eso, la concreción de un viejo proyecto como Mala -en principio pensado para Natalia Oreiro como protagonista- generaba bastante expectativa. Sin embargo, esta historia sobre una asesina a sueldo que sólo acepta matar a hombres que abusan de las mujeres se queda a mitad de camino y deja un sabor agridulce, sobre todo viniendo de un realizador del talento, la inspiración, el profesionalismo y la formación cinéfila del creador de Pizza, birra, faso y Bolivia . El principal problema de Mala es su ambigüedad, su contradicción interna, su "esquizofrenia". Es que Caetano parece no decidirse nunca por el tono que quiere darle a su relato. Resulta demasiado serio -por momentos solemne- para ser un tributo al cine bizarro, a esa clase B que apuesta por la ironía, el desenfado y la autoparodia; pero al mismo tiempo es demasiado transgresor, extremo y un poco caótico como para redondear un exponente del thriller formalmente sólido y del todo convincente. A pesar de esa doble personalidad, Mala es una película con varias apuestas interesantes y momentos logrados que asume múltiples riesgos narrativos (y a veces trastabilla con ellos) y estéticos. Rosario (Florencia Raggi) es una mujer treintañera -una profesional fría e implacable en su rubro- que no tiene más remedio que aceptar el encargo de María (Ana Celentano), una influyente mujer que la ha salvado y que quiere vengarse de su ex marido, Rodrigo (Rafael Ferro), ahora casado y a punto de tener un hijo con Angélica (Juanita Viale). Lo que sigue es un thriller psicológico (el papel principal es interpretado por cuatro actrices distintas, que vendrían a ser algo así como proyecciones, distintas facetas o diversas imágenes que los hombres tienen de la misma persona) en el que Caetano ofrecerá una mirada bastante desencantada y no exenta de negrura ni de brotes de violencia sádica. El resultado es provocador, inquietante, por momentos seductor, pero Mala deja la sensación de que podría haber sido mucho más eficaz y convincente de lo que finalmente es. Con Caetano al mando hay pinceladas de gran cine, pero a un director de su calibre es justo exigirle más que eso.
El discurso del proletario Luego del éxito y los premios conseguidos con El discurso del rey, el inglés Tom Hopper concretó esta versión del popular musical -inspirado muy libremente en la novela de Victor Hugo de 1862- que desde mediados de los '80 cautivó a miles y miles de personas en Londres y Nueva York. El resultado es una película a la que le caben unos cuantos adjetivos en principio positivos (cuidada, prolija, vistosa, impecable, profesional), pero que no llega a ser un producto logrado (ni mucho menos entretenido). Sus 8 nominaciones a los premios Oscar, por lo tanto, lucen excesivas. Esta historia del héroe proletario Jean Valjean (Hugh Jackman) perseguido por el inspector de policía Javert (Russell Crowe) en el convulsionado período que va desde la Revolución francesa hasta el fallido alzamiento de 1832 me resultó una experiencia ardua, por momentos al borde de lo soporífero. Debo aclarar -y no es un dato menor- que no soy un fan del musical (ni en teatro ni en cine), pero creo tener la suficiente experiencia y recursos como para discernir cuándo una película de esta índole funciona, fluye, convence. Aquí, uno puede quedarse con los decorados, la fotografía, las coreografías de las escenas de masas, la grabación en vivo de los actores cantando, pero nunca con la intensidad dramática o la contundencia de su narración. Es un perfecto envoltorio para un interior hueco y artificial. Un mero ejercicio de estilo y despliegue de recursos. Y estamos hablando de un relleno con sabor a nada de ¡158! minutos. Dos horas y media que se estiraron como chicle y que -según mi sensibilidad (seguramente habrá otras muy distintas)- duraron una eternidad. Hooper es un cineasta tan correcto como superficial e insulso. OK, cuando tiene a Anne Hathaway cantando en primer plano consigue emocionar, pero creo que lo haría cualquier director cuando cuenta con una intérprete de tanto talento. Cuando, en cambio, la cosa pasa por el australiano Jackman y el neozelandés Russell la cosa se vuelve bastante tortuosa, casi exasperante. No quiero resultar en esta crítica demasiado terminante porque entiendo que el musical es un género muy particular, con no pocos adeptos que son capaces de disfrutar casi tres horas de una propuesta de estas características. A mí, esta vez, déjenme fuera de la fiesta.
Para quienes esperen de este nuevo trabajo de Steven Spielberg una típica biopic (película biográfica) con los "grandes éxitos" de un presidente clave en la historia de los Estados Unidos como Abraham Lincoln, habrá que advertirles que el guión de Tony Kushner y la puesta en escena del director de E.T. y La lista de Schindler proponen una experiencia muy diferente. Ambientada durante los últimos cuatro meses de su segundo mandato (y de su vida), Lincoln se concentra en el período que transcurrió entre enero y abril de 1865, durante el cual se aprobó la 13ª enmienda, que abolió la esclavitud (había cuatro millones de negros en esa condición), se puso fin a la Guerra Civil, que dejó 600.000 muertes tras cuatro años de enfrentamientos y terminó con el asesinato, a los 56 años, del primer presidente republicano (el inicio de una larga cadena de magnicidios en los Estados Unidos). Pero estos datos sólo sirven de contexto, ya que -por suerte- Lincoln se aleja por completo del espíritu Wikipedia para ofrecer un drama con elementos de thriller sobre la trastienda, el lado oscuro, el "barro" de la política. Es que el film expone con contundencia, sin medias tintas, cómo el lobby -y hasta la corrupción, con la compra de votos incluida- va modificando el devenir de los acontecimientos y, en este caso, de la historia. El film arranca con una cruda, sangrienta escena de guerra a-lo-Rescatando al soldado Ryan, pero luego serán las escenas de interiores (en algunos pasajes de una solemnidad casi teatral) las que dominen el relato. Spielberg contó con un dream team actoral (empezando por un imponente Daniel Day-Lewis, como el primer mandatario que se carga el peso de las decisiones aun a costa de su salud física y mental, hasta llegar a notables secundarios como el de Tommy Lee Jones, un legislador progresista que se roba la película en un puñado de apariciones) para describir las complejas y por momentos turbias negociaciones tanto en el Congreso como en el campo de batalla (un anticipado fin de la Guerra Civil podía complicar la aprobación definitiva de la trascendente enmienda que ya había pasado con éxito por el Senado). Puede que algunos pasajes resulten un poco didácticos, que la narración se resienta a veces por sus excesivos diálogos, que las escenas familiares (la conflictiva relación con su esposa o con uno de sus hijos bastante rebelde) no alcancen a exponer en toda su dimensión la tortuosa existencia de Lincoln, pero como thriller político -aun conociendo de antemano el resultado de la votación- el film nunca deja de atrapar y termina siendo en muchos pasajes apasionante: un Spielberg puro. No es difícil advertir numerosos paralelismos con la actualidad (hay algo aquí también del Aaron Sorkin de The West Wing) y, en ese sentido, resulta interesante que una historia de hace 150 años siga resonando tan fuerte, y no sólo en los Estados Unidos. Como en otra nominada al Oscar (Django sin cadenas) se aborda aquí un tema complejo como la esclavitud y el racismo y, como en otra de las candidatas al premio de la Academia (La noche más oscura), se expone cómo actividades ilícitas (la tortura en el film de Kathryn Bigelow, la compra de favores en Lincoln) se avalan desde el propio gobierno con fines que se consideran "superiores". Son todas ellas películas valiosas y polémicas, con material suficiente para el disfrute en el terreno del entretenimiento, pero también para la controversia a la hora de analizar las contradicciones entre el idealismo y el pragmatismo, entre lo óptimo y lo posible.
Esta ópera prima venía de ganar hace pocas semanas el Festival de Sundance con la historia de una niña negra de 6 años que sobrevive prácticamente sola (su padre es tan abusivo como ausente) en situación de extrema pobreza y en un contexto geográfico (una zona permanentemente inundable) muy riesgoso. Se trata de un film potente y por momentos conmovedor, aunque demasiado solemne y ampuloso (sobre todo desde la banda de sonido), que dialoga con otros títulos del nuevo cine independiente norteamericano como Ballast, Río congelado y Lazos de sangre.
Reconstrucción de un amor En julio de 1989, algunos días después de la masacre de Tian’anmen y pocos meses antes de la caída del Muro de Berlín, el fotógrafo y cineasta José Luis García viajó de casualidad (el invitado original era su hermano, militante de izquierda) a participar de un festival internacional en Corea del Norte financiado por la Unión Soviética para demostrar que el comunismo no era tan cerrado a los extranjeros como se decía. García filmó aquel viaje con su cámara Súper VHS y quedó conmovido por la historia de una joven de Corea del Sur que, desafiando al gobierno de su país, viajó al evento para desplegar un avasallante y conmovedor discurso pacifista y pro-unificación. En principio, hay que decir que las imágenes que consiguió el por entonces jovencísimo cineasta son muy logradas y elocuentes (como curiosidad: en la comitiva argentina aparecen desde Eduardo Aliverti hasta el actual ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi), así como de una calidad técnica insólitamente buena teniendo en cuenta el dispositivo utilizado y el paso del tiempo. Pero García no se quedó sólo en eso: con la ayuda de un amigo coreano, contactó a la hoy docente universitaria y viajó a Seúl para su re(encuentro). Lo que sigue es una apasionante historia de vida. La muchacha pasó tres años en la cárcel cuando regresó a su país y luego perdió un hijo. No conviene adelantar más, pero el film tiene reservadas unas cuantas sorpresas. Al revés que en Cándido López, los campos de batalla, aquí García aparece muy poco en pantalla ("utiliza" a su amigo coreano como personaje), pero -en una escena esencial, tragicómica y absurda- es "obligado" por la protagonista a ubicarse en el centro de la escena mientras sólo atina a balbucear unas frases con un vaso de whisky en la mano. El realizador logra trascender las fórmulas ya muy transitadas del documental basado en la idea del regreso a un lugar que fue importante en el pasado para ver qué es de la zona y de su gente hoy. La chica del sur es una pequeña historia de amor y dolor, un film autobiográfico, un documento político, una mirada sociológica y un ensayo sobre al fin de las utopías (ideologías) y el paso del tiempo, Con un excelente trabajo de edición y con el aporte de Jorge Goldemberg en el guión, García -ganador del Premio del Público y uno del jurado en el último BAFICI- logra durante casi todo el relato combinar con armonía los diferentes materiales, los distintos tiempos y las múltiples aristas de la historia. Sin dudas, una gran película.
Todas las películas en una Hacía más de una década que Robert Zemeckis (el mismo de Volver al futuro, La muerte le sienta bien y Forrest Gump) no hacía una película 100% con actores. Luego de Náufrago, el director y productor incursionó en animaciones computarizadas no del todo convincentes como El Expreso Polar, Beowulf, la leyenda y Los fantasmas de Scrooge. Ahora, vuelve al cine "clásico" con El vuelo, una muy curiosa, ambiciosa e interesante (sobre todo para discutir) película que contiene múltiples mini películas en su interior. Si hubiese que sintetizar el film en un concepto podríamos decir que El vuelo es la historia de un piloto adicto a las drogas y al alcohol (el siempre convincente Denzel Washington, alejado por completo de sus habituales héroes nobles) que se convierte en figura mediática al aterrizar un avión en las condiciones más adversas imaginables. Sin embargo, -para bien y para mal- es mucho más que eso. El largometraje arranca con un desnudo de la hermosa Nadine Velazquez muy poco habitual en el mojigato panorama hollywoodense. Luego, vendrá la larga secuencia con el accidente aéreo que resulta un notable exponente de cine-catástrofe. Y, a partir de alli, Zemeckis no dejará género sin abordar: desde el drama familiar (el protagonista no tiene contacto con su ex esposa y su hijo ya adolescente) hasta la comedia pura (con otro genial personaje secundario a cargo del inmenso John Goodman como el dealer y asistente de Washington o el aporte de Don Cheadle como el cínico abogado), pasando por una subtrama romántica (con otra adicta interpretada por la bella Kelly Reilly) y un desenlace a puro thriller de juicio (con un buen aporte de Melissa Leo). En el medio, notables escenas a fuerza de diálogo (como la de los tres personajes fumando en un pasillo de hospital) y un desenlace moralista y aleccionador más propio del telefilm de la semana que no le hace honor a lo provocativo de la propuesta inicial. De todas formas, más allá de que está lejos de ser una película sólida y redonda. se agradece que El vuelo tenga tantas ideas, búsquedas y riesgos. Aunque termina cediendo a ciertas fórmulas y convenciones, es un film que plantea dilemas éticos y morales con inteligencia, sin tomar al espectador de rehén ni despreciarlo. Es una historia rica en matices y contradicciones, con hallazgos y logros suficientes como para perdonarle sus excesos y sus peores momentos. Bienvenido, entonces, el regreso de Zemeckis al cine "de verdad".
Cuatro años después de haberse convertido en la primera mujer en ganar el Oscar con Vivir al límite , Kathryn Bigelow redobla la apuesta con otro crudo, estremecedor retrato de los horrores físicos y psíquicos de la guerra. En este caso, claro, ya no con la descripción de la labor cotidiana de los expertos en desactivar bombas, sino con la reconstrucción de un caso real con muchas mayores implicancias políticas: la caza de Osama ben Laden. Este nuevo film también escrito por Mark Boal arranca con los atentados de 11 de septiembre de 2001 y culmina con el asesinato del temido terrorista en Paquistán una década más tarde (operación condensada en una extraordinaria secuencia final de 35 minutos en la que Bigelow ratifica su proverbial capacidad para el cine de acción). Sin embargo, el verdadero corazón de la película no es ése sino la historia de Maya (la notable Jessica Chastain), una agente de la CIA que se dedica de manera obsesiva a buscar pistas, reunir evidencias, analizar (comparar) testimonios hasta encontrar esa aguja en el pajar que permita llegar hasta el líder de Al-Qaeda. La protagonista absoluta del relato está muy lejos de ser la típica heroína hollywoodense: se trata, sí, de una mujer tesonera y eficaz, pero también de un ser gris que resigna por completo su vida personal y trata de subsistir en un entorno mayoritariamente masculino. Y aquí entra a tallar el tema más controvertido del film: la tortura. La noche más oscura dedica muchos minutos sobre todo en la primera mitad a describir de manera bastante gráfica las crueles sesiones de vejámenes a las que son sometidos aquellos sospechosos de integrar el grupo terrorista. La película se plantea (y nos plantea) hasta qué punto son aceptables las peores de las humillaciones si se cometen con un fin "superior". Bigelow y Boal exponen el dilema moral sin sensacionalismo, sin manipular ni inducir al público, que será quien saque sus propias conclusiones. Para aquellos que piensen que se trata de un mero film patriótico que reivindica el accionar de su gobierno, bien vale indicar que en un momento los agentes de la CIA escuchan atónitos en la TV un discurso en noviembre de 2008 en el que el presidente Obama asegura: "Lo dije repetidamente, Estados Unidos no tortura". No hacen falta comentarios. Las miradas de los personajes lo dicen todo. La trama -que en determinados momentos puede resultar un poco intrincada y tortuosa salta de época y de lugar (hay escenas ambientadas en múltiples países), pero es la impecable (por lo contenida y al mismo tiempo desgarradora) actuación de Chastain la que sostiene el interés. También se lucen en decisivos personajes secundarios Jennifer Ehle (una colega de Maya) y Jason Clarke (un experto en interrogatorios). La fotografía en pantalla ancha de Greig Fraser le otorga a La noche más oscura la potencia visual que una película de estas dimensiones y ambiciones exigía. Bigelow y su equipo han concebido un contundente, quirúrgico y fascinante film sobre la venganza (que es el eje también de otro estreno de hoy, como Django sin cadenas, de Quentin Tarantino). Si esa revancha es moralmente aceptable en los términos que se plantean es algo que cada espectador deberá preguntarse y, en lo posible, tratar de responderse.
La venganza será terrible En su larga y gran película sobre la venganza, Quentin Tarantino pasa de sus historias de gangsters, de sus episodios japoneses y pde su fantasía revanchista contra los nazis para sumergirse en otro capítulo urticante de la historia: la esclavitud. Lo hace, como siempre, con su espíritu de cine clase B y de novel pulp, incursionando en los (sub)géneros menos prestigiosos para reciclarlos (¿mejorarlos?) y, por supuesto, reivindicarlos con entusiasmo. Ya no es el cine blaxploitation -aunque algo de eso también hay-, ni las artes marciales asiáticas sino el viejo (y demodé) spaghetti western con múltiples homenajes (cameo de Franco Nero incluído). La comparación con Lincoln -la película seria y políticamente correcta de Steven Spielberg que seguramente le arrebatará los principales premios Oscar- es inevitable. Los guardianes de la ética y la moral cuestionaron y cuestinarán a Tarantino por irresponsable, impune, snob y caprichoso, por meterse con el racismo desde un lugar poco serio (hay mucho de comedia -vean si no la escena del KKK- incluso en las explosiones sangrientas, casi gore, que propone). No estaré entre los detractores: Django sin cadenas es absolutamente fiel, lúcida y coherente en su propuesta y, en el terreno sobre el que se asienta (de una radicalidad absoluta), funciona porque entretiene, divierte y, por supuesto, provoca (incluso la reflexión). Menos compleja en su estructura que los primeros trabajos de Tarantino (aunque tiene unos cuantos saltos temporales y varias subtramas o historias previas se resuelven vía flashbacks), Django sin cadenas es, además de un western a-la-italiana, una road-movie a caballo, una buddie-movie con dos protagonistas opuestos entre sí que alcanzan una suerte de camaradería impensable) y, también, una historia de amor naif y casi telenovelesca. El film arranca en la Texas de 1858 y pronto tendremos al cazarrecompensas alemán Dr. King Schultz (Christoph Waltz) y al esclavo Django (Jamie Foxx) unidos en una sociedad que mezcla negocios y venganza, a la que se le agrega otro objetivo más noble como rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), esposa de Django. Así, llegarán hasta Candyland, una plantación del Mississippi profundo dominada por el sádico Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) y manejada en lo cotidiano por un negro (Samuel L. Jackson) capaz de las peores crueldades. En este sentido, Tarantino ratifica su capacidad no sólo para la escritura de diálogos sino también para la construcción de atractivos personajes secundarios con vuelo propio y para la dirección de actores en un tono muchas veces alejado del naturalismo pero así y todo creíble y funcional. Las marcas de estilo tarantinescas (como su brillante y anacrónica banda de sonido que incluye, sí, pasajes de rap o su apasionada cinefilia que se permite imitar los torpes zooms pero también apelar a su enorme virtuosismo e inventiva para la puesta en escena) vuelven a funcionar a la perfección como para que el disfrute -de quienes se sienten identificados con su sensibilidad, claro- sea completo.
Una argentina suelta en París Luego de dos dramas "rurales" como El amarillo y Gallero, Segio Mazza da un brusco giro y viajó a una gran ciudad y, más aún, fuera del país para rodar en exteriores e interiores de París las desventuras afectivas, laborales (e inmigratorias) de una joven argentina (Belén Blanco) que alquila una habitación en la casa-estudio de un fotógrafo francés recientemente divorciado (Antoine Raux), luego pierde su trabajo en una fábrica textil e intenta conseguir los papeles que tornen su situación menos apremiante. Mazza tiene un indudable talento para la puesta en escena, un buen ojo para el detalle, sensibilidad para la creación de climas (aquí bastante angustiantes) y una gran capacidad para la dirección de actores, pero el film -especialmente durante su segunda mitad- cae en unos cuantos clisés y excesos (la explosión sexual, el tema del aborto, etc). Si bien se agradece en principio la intención del director de no ser obvio y explícito en la presentación y en la resolución de los conflictos, la ambigüedad termina coqueteando demasiado con la indecisión y, así, este interesante propuesta no termina de ser del todo convincente. De todas formas, se trata de una película valiosa y muy atendible.