A la vejez, humor El cine norteamericano, parece, ha decidido tomarse la vejez (o, mejor, la madurez) con humor. Sin ir más lejos, hoy coinciden tres estrenos en los que sus protagonistas (Arnold Schwarzenegger y Billy Crystal, en el caso de las otras dos novedades) se burlan de sus propias dificultades, sobre todo de las físicas. En este reino de la autoparodia, Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin se llevan todos los lauros con una comedia que no sólo no le tiene miedo al ridículo sino que hace de la sátira sobre los problemas de la edad su bandera y emblema. Ellos son los tres tipos duros a los que alude el título local, gángsters de poca monta que -por distintos vericuetos de la trama que es mejor no adelantar- están ya bastante jugados, sin demasiado que perder. Después de mucho tiempo (el Val de Pacino acaba de salir de la cárcel luego de purgar una pena de 28 años), los tres amigos se reencuentran y pronto volverán a las andadas. Claro que no sin inconvenientes: entrarán en una farmacia para robar medicamentos para sus múltiples achaques y deberán apelar a pastillas vigorizantes cuando visiten a unas atractivas prostitutas. Por supuesto, tratándose de una historia ambientado en el submundo de la mafia hay amenazas, riesgos y tiros, pero ni al guionista Noah Haidle ni al director Fisher Stevens parecen importarle demasiado las escenas de acción (la catarata de enredos remite a películas como Después de hora , de Martin Scorsese). Tampoco hay aquí demasiado vuelo a la hora de las escenas más dramáticas, ya que resulta bastante superficial, torpe y sentimental la forma en que los realizadores plantean las relaciones entre padres e hijas. Por lo tanto, el placer queda limitado aquí a disfrutar del histrionismo de los dos protagonistas (Arkin está poco tiempo en pantalla). En este sentido, tanto Pacino como Walken (se) divierten con situaciones muchas veces extremas, absurdas, tan inverosímiles como simpáticas a la vez. Lejos de los personajes "importantes", de las películas prestigiosas que han hecho muchas veces en sus largas carreras, aquí Pacino y Walken deben apelar al humor simple y efectivo para redondear una comedia liviana y en varios pasajes bastante eficaz. Los buenos actores, los verdaderamente generosos, son aquellos que logran sortear con dignidad y hasta lucirse en pequeñas, previsibles y efímeras películas como Tres tipos duros .
Típica comedia de enredos familiares, esta película se centra en las desventuras de un matrimonio maduro (Billy Crystal y Bette Midler) bastante remiso a ocuparse de asuntos ajenos, que viaja para hacerse cargo por unos días del cuidado de sus nietos a pedido de su hija (Marisa Tomei), quien planea aprovechar una escapada romántica con su marido. Todo está servido, por lo tanto, para ¿disfrutar? de los padecimientos del dúo protagónico (él, un fóbico que acaba de perder su empleo como locutor deportivo; ella, una mujer de carácter fuerte, pero dominada por la corrección política), mientras los niños hacen de las suyas y esperan lo peor de estos viejos sin demasiada onda. Pero -claro- estamos en el imperio del crowd-pleaser hollywoodense y, entonces, habrá tiempo para la redención, la reconciliación y la reivindicación de los personajes en una historia que se va tornando cada vez más obvia, elemental y con un mensaje positivo debidamente subrayado. Un film a pura fórmula que quizás no llegue a irritar (aunque está al borde), pero que no ofrece nada nuevo. Menos de lo mismo. DIEGO BATLLE
El regreso de los viejitos piolas El multifacético realizador coreano de I Saw the Devil, A Tale of Two Sisters, A Bittersweet Life y The Good, the Bad, the Weird debutó en Hollywood para dirigir el esperado regreso –a los 65 años- de Arnold Schwarzenegger. Se trata de un simpatico thriller en el que el ex gobernador de California interpreta a un policía de un tranquilo pueblo de Arizona perdido en el medio de la nada. Luego de haber trabajado y vivido en Los Angeles, Ray disfruta de la tranquilidad del lugar junto a sus patéticos colaboradores y dóciles vecinos. Pero hasta allí llegará el jefe de un cartel recientemente fugado de la cárcel (el español Eduardo Noriega, floja elección de casting como un malvado old-fashioned), quien intentará cruzar la frontera y huir a México. El film tiene mucho de western (spaghetti incluso), unos cuantos bienvenidos toques de humor (aunque cansa un poco la autoparodia del viejo Arnold) y una segunda mitad que es bastante más interesante que el arranque (el escape de Noriega y la persecución del FBI liderada por el personaje de Forest Withaker. Las escenas de acción están bien filmadas y Kim logra disimular las carencias físicas de Arnold a pura edición y trabajo de los dobles de riesgo. Y eso es todo. No es ninguna maravilla, por cierto, pero cumple. Y se disfruta bastante. DIEGO BATLLE
Imitando a Nemo Tres años después del film original Las aventuras de Sammy -que sumó en la Argentina la nada despreciable cifra de 230.000 espectadores- llega esta secuela que resulta demasiado parecida a Buscando a Nemo. En este caso, claro, con tortugas marinas en lugar de peces. Sammy y Ray son atrapados por traficantes de especies marinas que los venden a un excéntrico millonario dueño de un espectacular acuario de Dubai. De allí tratarán de escaparse con la ayuda de peces, langostas, caballitos de mar, pingüinos y -también- con la de los jovencitos Ricky y Ella, que llegan para ayudarlos (aquí no es un adulto que trata de rescatar a un pequeño sino de manera inversa). La animación es correcta (con un uso un poco efectista e invasivo del 3D) y vistosa (llena de colores, claro), pero se trata de una inversión de mucho tiempo, dinero y esfuerzo puesta al servicio de imitar al cine norteamericano (Pixar en este caso). Me encanta la posibilidad de ver cine de animación no hollywoodense, pero justamente cuando esas propuestas salen del molde, de la receta, de la fórmula, cuando intentan narrar una historia propia con alcance universal (¿conseguirá Metegol, de Juan José Campanella, algo así?). Aquí, en cambio, el resultado es exactamente el opuesto. O sea, menos de lo mismo.
En Hollywood también se equivocan (y cómo) Si hay algo que Hollywood suele garantizar es la solidez de sus producciones. Sus películas podrán luego gustar mucho, poco o nada, pero hay un estándar mínimo (generalmente bastante alto) que hace que una comedia, un thriller o un drama, por más convencionales que puedan ser sus propuestas, aseguren cierto piso del que -ya nos acostumbramos a creer- es imposible bajar. Pero, de vez en cuando, se cuelan en medio del sistema de grandes estudios films como Fuerza antigángster en los que todo aquello que podía salir mal, resulta peor. Y no estamos hablando de un proyecto experimental con gente joven que se salió de cauce. Se trata de una producción de la poderosa Warner Bros. -para colmo emblema del cine clásico de gángsters- con un generoso presupuesto de 75 millones de dólares dirigida por Ruben Fleischer (responsable de una pequeña joya como Tierra de zombies) y con un elenco pletórico de grandes figuras: desde el ya mítico Sean Penn hasta estrellas del momento como Ryan Gosling y Emma Stone, pasando por intérpretes de enorme experiencia como Nick Nolte, Josh Brolin o Robert Patrick ¿Cómo pudo salir tan mal? Es la inevitable pregunta de difícil respuesta. Mucho se habló y escribió sobre cómo el film fue remontado y cortado una y otra vez (incluía una escena con una matanza de espectadores en una sala de cine que fue eliminada tras la masacre en la proyección de la última Batman de Nolan en Colorado), pero queda claro que los problemas de la película exceden por mucho esas cuestiones. Simplemente, estamos ante un mal guión, mal filmado, mal editado y mal actuado. Así de contundente. Este film-noir ambientado en Los Angeles de 1949 reconstruye con sus lógicas licencias el ascenso, apogeo y caída de Mickey Cohen (Penn), un mafioso judío -cuando la mafia era eminentemente italiana- que tuvo la ciudad a sus pies apelando a sus contactos (generosas coimas incluidas) con la policía y los jueces, y a una violencia extrema que ejerció para dominar negocios tan rentables como el tráfico de drogas, la prostitución y las apuestas ilegales. Y el título se refiere a un comando de élite (encubierto, parapolicial) liderado por el sargento John O’Mara (Brolin) e integrado también por un puñado de especialistas en diversos rubros (Gosling, Patrick, Giovanni Ribisi, Anthony Mackie, Michael Peña). Hay, claro, un intento por darle una sensación o espíritu de época, y un triángulo amoroso con la bella Emma Stone como vértice (amante a la vez de Cohen y del detective/galán que interpreta Gosling). No es difícil adivinar que los ejecutivos de Warner Bros. quisieron edificar un sucedáneo de -por nombrar algunos títulos bastante recordados- Los intocables, Los Angeles: al desnudo, La Dalia negra, Bugsy, Barrio Chino, Scarface y Buenos muchachos. El problema es que lo hicieron sobre unos cimientos de cartón. Si algún fan de Raymond Chandler, Dashiell Hammett, James Hadley Chase, Jim Thompson, Elmore Leonard, James. M. Cain o James Ellroy llega a escuchar los diálogos (por llamarlos de alguna manera) que declaman los actores sentirá que le duelen los oídos y querrá volver de inmediato a cualquiera de sus libros; si algún cinéfilo experto en películas de género se topa con las torpes escenas de acción construidas con cámara en mano (y presentadas con profusión de imágenes en cámara lenta) sentirá que le duelen los ojos. Y así podría continuar con el resto de los “atributos” (carencias) del film. Hay, es cierto, un gran despliegue de recursos y no poco talento delante y detrás de cámara (el DF es, por ejemplo, el australiano Dion Beebe, que iluminó desde Chicago hasta Colateral), pero la mayoría de las secuencias son ridículas (como cuando el equipo entra a la casa de Cohen para poner un micrófono). Estamos, en definitiva, ante un vistoso envoltorio que no contiene casi nada. O, peor, que nos ofrece un regalito que no querríamos darle ni al peor de nuestros enemigos.
Crimen en el mundo judicial Un thriller psicológico protagonizado por Ricardo Darín y ambientado en el mundillo judicial, con la investigación de un asesinato en el centro de la escena y una trama amorosa que lo rodea remitirá de forma inevitable a El secreto de sus ojos . Hay, por supuesto, diferencias sustanciales, pero está claro que el cine argentino busca aquí repetir (al menos en parte) el fenómeno de aquella exitosa y premiada película de Juan José Campanella. Más allá de las inevitables comparaciones, esta transposición de la celebrada novela de Diego Paszkowski tiene su propio tono (bastante oscuro, por cierto), un punto de vista concentrado en el personaje de Darín y una virtuosa puesta en escena que remite en muchos aspectos al cine de Brian De Palma (y, por ende, al de su admirado Alfred Hitchcock). Roberto Bermúdez (Darín) es un abogado cincuentón de extensa y reconocida trayectoria, aunque ya se ha alejado del ejercicio de la profesión para dedicarse a la docencia y a escribir libros. Cínico y solitario, este hombre divorciado, sin muchos escrúpulos y (demasiado) afecto al whisky, que vive obsesionado con el crimen perfecto, comienza a dar un seminario de posgrado en la Facultad de Derecho, al que asiste Gonzalo (Alberto Ammann), un joven recién regresado a la Argentina que es hijo de Felipe Ruiz Cordera (Arturo Puig), un juez y viejo amigo del protagonista. El reencuentro entre dos personalidades soberbias y altaneras como las de Bermúdez y Gonzalo, amable al comienzo, se va tornando cada vez más tenso, sobre todo cuando una muchacha aparece brutalmente asesinada en el playón externo de la facultad y cuando entra en escena la joven y atractiva Laura (Calu Rivero), hermana de la víctima. El profesor empieza a convencerse de que Gonzalo podría ser el culpable y comenzará a investigar el caso como si se tratara de un desafío personal que le propone su alumno (hay algo de juego de gato y ratón y de cazador-cazado en la estructura). Tras un planteo inicial bastante auspicioso, una vez que se conoce el conflicto (el crimen) y la intriga a resolver (quién puede ser el asesino), empiezan los problemas: por momentos a la película le cuesta avanzar, hay varias escenas que no alcanzan la tensión necesaria y no es fácil identificarse con el derrotero del protagonista (menos aún con los personajes secundarios que son observados desde la perspectiva de Bermúdez). En sus mejores pasajes, Tesis sobre un homicidio recuerda a un buen capítulo de alguna serie estadounidense (no hay nada despectivo en esta afirmación, al contrario) o a un caso salido de la mente de Agatha Christie. En los peores momentos, cuando los bellos planos-secuencia de Goldfrid fotografiados por Rodrigo Pulpeiro o los punzantes diálogos del guionista Patricio Vega (quien ya había trabajado con el director en Música en espera ) no logran "rescatarla", la película queda anclada en escenas algo torpes, demasiadas subrayadas o -como la de Calu Rivero en el baño- que traicionan el riguroso punto de vista apuntado. Darín está sobrio, sólido y creíble como siempre; el español Ammann (la revelación de Celda 211 ) también cumple con dignidad con su papel, mientras que una contenida Rivero no tiene demasiados momentos para su lucimiento personal. La película es prolija, cuidada, pero extraña la intensidad, la ambigüedad, los matices y las sorpresas de las grandes películas de suspenso. Es un producto digno, noble y poco más. El espectador decidirá si eso es suficiente o no
Una inquietante fábula moral En los últimos tiempos -sobre todo desde la profunda crisis que afectó a bancos y consultoras-, Hollywood ha incursionado con bastante frecuencia y con no pocos hallazgos en el thriller financiero. Este debut en el largometraje de ficción de Nicholas Jarecki es un entretenido y cuestionador retrato sobre la codicia y el cinismo imperantes en el mundo de los grandes negocios de Manhattan, pero al mismo tiempo deja la sensación de haberse quedado a mitad de camino, que por todos sus logros en el planteo inicial el resultado final podría haber sido aún más profundo y provocador. El protagonista del film es Robert Miller (Richard Gere, en uno de los mejores trabajos de su carrera), un "dios" de las finanzas que -en una de las primeras escenas- celebra sus 60 años rodeado de su amplia familia. Pero a los pocos minutos veremos que no todo lo que reluce (y Gere y su personaje relucen en pantalla) es oro. Robert ha fraguado los números (léase decenas de millones de dólares) de su corporación para poder venderla antes de irse a la quiebra, le miente a su hija y eficaz discípula en la empresa (Brit Marling), engaña a su esposa (Susan Sarandon) con una joven artista plástica francesa (Laetitia Casta) y terminará envuelto en un caso policial que será mejor no revelar. La película es bastante minuciosa, inteligente y creíble a la hora de describir con unos cuantos detalles de color los secretos, mentiras y tentaciones que surgen a toda hora en las altas esferas del poder económico, pero justo cuando el film empieza a ganar en esas contradicciones y matices que enriquecen todo relato cede a la tentación de ponerse un poco demagógico, de subrayar el cinismo (que alcanza también a detectives y jueces) y la hipocresía de una clase alta que intenta salvar sus pecados y tapar su culpa con, por ejemplo, millonarias galas de caridad. Para ser un guionista y realizador de muy escasa experiencia, el trabajo de Jarecki -hijo de reconocidos financistas y filántropos- resulta más que valioso tanto en la dirección de actores (tuvo un elenco de lujo) como en el terreno narrativo y visual (contó con la colaboración de un notable fotógrafo como el francés Yorick Le Saux). Se le podrá pedir mayor profundidad en la construcción psicológica de los personajes y un desenlace un poco menos obvio, pero aun con sus carencias, Mentiras mortales es una fábula moral que seduce
Tom Cruise, el vengador anónimo Para quienes pasamos bastante tiempo en redes sociales y estamos al tanto de lo que opinan muchos colegas influyentes del exterior, es cada vez más evidente cómo se va generando una suerte de consenso (ya sea positivo o negativo) respecto de una película. A Jack Reacher le tocaron casi todas opiniones en contra. Y muy duras. Con esa “mochila” a cuestas -léase pocas expectativas- fui a ver este film escrito y dirigido por Christopher McQuarrie, y me llevé una muy grata sorpresa. No digo que Jack Reacher sea una obra maestra, pero es un más que digno thriller de espíritu setentista concebido con nervio y tensión, con muy simpáticas dosis de humor, con una fuerte tensión erótica, con un protagónico enigmático y cautivante, y hasta con un par de secundarios notables: nada menos que Werner Herzog y Robert Duvall. Cuando en Jack Reacher empiezan a aparecer ex soldados y amantes de las armas pensé lo peor. Nada de eso. No hay aquí, por suerte, discursos patrioteros ni exaltación de ningún tipo. Estamos ante la historia de un “vengador anónimo” seco e implacable (una mezcla entre Charles Bronson y el Jason Bourne de Matt Damon) como el que interpreta Tom Cruise, una tensa relación padre-hija entre un fiscal (el gran Richard Jenkins) y una bella abogada (Rosamund Pike) y, claro, un caso policial que arranca con un asesinato masivo en un lugar público y que luego tendrá alcances impensados y ramificaciones propias de una confabulación a gran escala. No pocos fans del personaje original literario creado por Lee Child (que suma 17 novelas hasta la fecha) se han quejado de ciertas traiciones por parte de esta primera transposición a la pantalla grande (basada en la novena entrega de la serie), pero lo cierto es que McQuarrie (guionista de la recordada Los sospechosos de siempre) y el ya cincuentón Cruise hacen un buen trabajo en las escenas físicas, en las persecuciones automovilísticas y -aunque no superen la media- incluso en los pasajes dramáticos con diálogos que muchas veces resultan afortunadamente más filosos de los esperado. No pasará a la historia, es cierto, pero este Jack Reacher cinematográfico no defrauda. A pesar de tantos palos recibidos (en y fuera de pantalla) merece una oportunidad.
Ang Lee, un tigre haciendo películas La de Una aventura de extraordinaria es el tipo de historias que más suelo odiar. Todo lo que en cine suene a espiritualidad, a “poesía”, a corrección política, a exotismo y pintoresquismo, a discurso aleccionador dominado por moralejas bienpensantes, alegorías, simbolismos y metáforas me genera una irritación particular. Entiendo que a muchos espectadores les guste y hasta se conmuevan, pero para mí cuando el mensaje está por delante (o por encima) del relato puramente audiovisual se enciende un alerta roja. Por suerte, el frente de esta transposición del best seller de 2001 escrito por David Magee (uno de esos libros que jamás me tentaría en los anaqueles de una librería) aparece Ang Lee, un director talentoso y versátil (recuerden que hizo desde El banquete de boda y Comer, beber, amar hasta Sensatez y sentimientos, La tormenta de hielo, Cabalgando con el diablo, El tigre y el dragón y Secreto en la montaña) que hasta en sus films menos redondos (Hulk, Crimen y lujuria, Bienvenido a Woodstock) siempre consigue momentos de gran cine. Aquí, describe -pendulando siempre entre dos tiempos narrativos- la historia de un adolescente de 16 años, cuyo padre posee un zoológico en la India. Cuando el negocio quiebra, la familia se embarca hacia Canadá con algunos animales valiosos a bordo. Pero el barco naufraga y el bueno de Pi quedará en un boto en medio del Océano Pacífico durante 227 días y con la única compañía de… ¡un tigre de Bengala! Si esa premisa con algo de Moby Dick puede resultar entre audaz, provocativa y absurda (por qué no ridícula), Ang Lee la transforma durante buena parte en una narración cautivante, por momentos fascinante, con un muy virtuoso y al mismo tiempo delicado uso del 3D y de las imágenes CGI (que hay muchas). Una mención especial merece el DF chileno Claudio Miranda (Tron: el legado, El curioso caso de Benjamin Button y la inminente Oblivion), quien desde hace un tiempo ya juega en las ligas mayores y lo hace con un sello propio. Si la película sale a flote (uy, yo también caí en la metáfora fácil) de este tour-de-force emocional y cinematográfico es, precisamente, porque estamos ante un director que prioriza la fuerza de la imagen por sobre la palabra (de hecho, cuando en la actualidad un Pi ya adulto que interpreta Irrfan Khan le cuenta la historia a un escritor canadiense encarnado por Rafe Spall la película se torna un poco recargada y subrayada). El guión juega todo el tiempo con la duda del espectador: ¿Lo que vimos es real o una invención, pura fantasía? Al fin de cuentas, no importa demasiado. Ang Lee hace que esas dos horas de “verdad” o de “manipulación” valgan la pena. No creo que estemos ante una película extraordinaria (tiene zonas no del todo convincentes), pero queda claro que tampoco se trata de una aventura ordinaria. Contra todos los (mis) prejuicios, vale la pena.
Vigilar y castigar Drew Goddard (habitual colaborador de los exitosos J.J. Abrams y Joss Whedon) debutó en la dirección con este film de (y sobre el) terror. Es que su ópera prima es una película construida sobre los clisés del género para luego reciclarlos, reelaborarlos, arrasarlos y finalmente ponerlos nuevamente en discusión. Para algunos, este mecanismo podrá tener algo de presuntuoso y snob (los iniciados en la materia que son tan inteligentes como para desarmar y luego "reinventar" el cine de horror), pero lo cierto es que -en la mayor parte de su propuesta- esta ópera prima funciona en el "simple" terreno del entretenimiento (en este caso, atrapar y asustar al espectador) como en la variante autorreflexiva que sus realizadores proponen y que tiene como modelo insoslayable a la saga Scream , de Wes Craven. El guión coescrito a cuatro manos por Goddard (responsable de Cloverfield: Monstruo ) y Whedon ( Buffy, la cazavampiros y The Avengers: Los Vengadores ) arranca como una típica película de jóvenes en plena urgencia hormonal. Son cinco los muchachos (tres varones y dos mujeres) los que se encaminan en camioneta a la cabaña del título perdida en un bosque en el medio de la nada. Sin embargo, más allá de los estereotípicos personajes -el macho (Chris "Thor" Hemsworth), el sensible (Fran Kranz), el antihéroe nerd (Jesse Williams), la seductora (Anna Hutchison) y la virgen (Kristen Connolly)- a los pocos minutos descubriremos que en verdad están siendo vigilados y manipulados por dos técnicos (Richard Jenkins y Bradley Whitford) de una sofisticada y poderosa corporación que juega con sus destinos (aquí hay algo de Battle Royale mezclado con The Truman Show ). Lo que sigue es un festival de excesos propios del cine gore con zombies, monstruos y referencias a los primeros films de Sam Raimi y Peter Jackson. Clásica y moderna, sólida y ambiciosa a la vez, la película -sin ser la obra maestra que muchos cinéfilos se empeñan en sostener- regala unas cuantas escenas inspiradas y no pocas sorpresas. En el cine de terror contemporáneo -sustentado en fórmulas básicas y demasiado afecto al sadismo gratuito- no resultan méritos menores.