Una revolución trunca Cloud Atlas , transposición de la novela homónima publicada en 2004 por David Mitchell, es una de las películas más ambiciosas de todos los tiempos. No sólo es larga (casi tres horas) y costosa (más de 100 millones de dólares, sin el aporte de ningún gran estudio) sino también desmedida y grandilocuente en su apuesta por narrar y -de alguna manera- interconectar seis historias ambientadas en diferentes épocas y lugares, desde un barco esclavista en 1849 hasta un futuro totalitario y posapocalíptico con trabajadores modificados genéticamente en la "nueva" Seúl, pasando por las vicisitudes de un compositor musical británico en los años 30, de una periodista combativa de San Francisco que investiga maniobras en plantas nucleares en los 70 o de un editor literario que es internado en un centro psiquiátrico en la actualidad. "Todo está conectado", asegura el eslogan del film y sus tres directores-los hermanos Wachowski (la trilogía Matrix y Meteoro ) y el alemán Tom Tykwer ( Corre Lola, corre y Agente internacional )- llevan al extremo esa premisa haciendo que cada una de las estrellas contratadas (Tom Hanks, Susan Sarandon, Halle Berry, Hugh Grant, Hugo Weaving y Jim Broadbent, entre varios otros) interpreten a cinco o seis personajes cada uno, incluso cambiando de edad, de sexo o de color de piel. Lo que por momentos puede verse como proeza también puede analizarse como desatino o incluso como capricho artístico. Los maquillajes -por momentos ridículos- a los que son sometidos los intérpretes son sólo el despropósito superficial de una película que dilapida pasajes de genuina inspiración con diálogos y parrafadas en off sobre filosofía new age recargada y subrayada hasta extremos casi intolerables. Una pena porque tanto los Wachowski como Tykwer son buenos e imaginativos narradores, capaces de transportar al espectador a situaciones que pueden intrigar y fascinar. Más allá de lo fallido del resultado final, Cloud Atlas merece una reivindicación, aunque más no sea parcial. Estamos ante una película bastante más audaz, sincera y visceral que la inmensa mayoría de las obras made in Hollywood (incluso más que otras que resultan mejores o más redondas en la comparación). Por eso no es justo burlarse del film (aunque, desde una perspectiva más cínica hay sobrados motivos para hacerlo). Incluso el exagerado adjetivo de película "revolucionaria" con que intenta venderla la distribuidora local podría ser admitido dadas las dimensiones, alcances y riesgos asumidos. Sólo que esta vez la revolución quedó a mitad de camino, más en el intento que en la práctica.
Gambeteando a la muerte Una película basada en la historia real de la supervivencia de los distintos integrantes de una familia de turistas tras un tsunami tiene marcadas a fuego dos premisas esenciales: impactar y conmover. El joven prodigio J. A. Bayona logró -luego del suceso obtenido con esa sólida carta de presentación que fue El orfanato- el mayor éxito de la historia del cine español (aunque por historia, ambientación y actores tenga bastante poco de “ibérica”). Yo lo consigue con una producción impecable, irreprochable desde lo técnico / tecnológico (la utilización de CGI no tiene nada que envidiarle a cualquier blockbuster hollywoodense), que gana cuando el realizador confía en el poderío de su narración (incluso casi sin apelar a diálogos durante muchos minutos), pero que pierde y mucho en su segunda mitad, cuando -luego del “espectáculo” del tsunami- cede a varias de las convenciones del drama HCM (hondo-contenido-humano) con ese canto a la vida, a aferrarse a los instintos más primarios y viscerales para sobreponerse a la peor de las tragedias en el más exótico y desolador de los contextos para gambetear así a la impiadosa marca de la muerte. Aún en sus peores momentos -con sus trucos de guión-, Bayona no cae tan bajo como para que Lo imposible remita el “telefilm de la semana”. Es dueño - quedó dicho- de un sentido cinematográfico envidiable y, por suerte, de una dosis de pudor que le permite obviar esos golpes bajos lacrimógenos que estaban servidos en bandeja. Y tiene, también, como aliados invalorables a dos actores de indudable categoría (Naomi Watts en mayor medida que Ewan McGregor), bien acompañados por los tres niños que aquí también son ejes importantes del relato. Para aquellos que disfruten del cine catástrofe, de la “épica” humana a gran escala (no hay aquí espacio para sutilezas ni demasiados matices), Lo imposible es un más que digno exponente y, en ese sentido, merece ser visto en pantalla gigante. Con todo el esplendor y la potencia de un director en plena expansión (artística y comercial) como J.A. Bayona.
Entre los muros Los dos largometrajes de Celina Murga tenían una fuerte impronta documentalista y una gran empatía con los personajes, en su mayoría jóvenes, adolescentes y niños. Ahora, la talentosa directora de Ana y los otros y Una semana solos incursiona de lleno en el documental, pero -más allá de la inevitable veta observacional del trabajo- lo estructura cual relato de ficción. En el cine contemporáneo, se sabe, las fronteras entre lo puramente ficcional y lo estrictamente documental se van evaporando, son cada vez más imprecisas, difusas y, en definitiva, menos importantes. Escuela Normal tiene algún dejo autobiográfico (Murga es de Paraná y estudió en ese mismo colegio), pero está construida como la narración de un año lectivo en la secundaria de ese inmenso establecimiento que también tiene alumnos de jardín, de primaria y, por la noche, del ámbito universitario. En algunos momentos, remite casi inevitablemente a films recientes sobre el tema como Entre los muros, El estudiante o Ser y tener, pero aquí el eje no está puesto en los conflictos interraciales, las traiciones cruzadas o los dilemas de los docentes sino en la dinámica cotidiana, las pequeñas observaciones, la interacción tan caótica como fascinante de ese entramado social. La película -construida tanto con vertiginosos planos-secuencia con cámara en mano por los interminables pasillos como con largos planos fijos en las aulas- regala una multiplicidad de viñetas (los debates en medio de las clases de Educación Cívica, Francés, Literatura o Historia, las tareas de mantenimiento, la organización burocrático-administrativa, los códigos de (in)disciplina, los actos con bandas musicales, las experiencias en radios y biblotecas, la música, la política y los romances) que nos permiten acercarnos a ese mundo con reglas propias. Murga encuentra en la jefa de preceptoras (una mujer todorreno que se ocupa de mil y un detalles) a un personajes que resulta central en la "trama", mientras que ubica a la campaña electoral / votación / escrutinio del centro de estudiante como elemento de "suspenso". Además, consigue en la coda final (con las veteranas egresadas que se siguen reuniendo varias décadas más tarde) un desenlace acorde con el sentido (humanista, de pertenencia, de tradición) con el que quiere dotar al film. Mientras esperamos su próximo largometraje de ficción, La tercera orilla, actualmente en pleno rodaje, resulta un placer reencontrarnos con el cine siempre estimulante e inteligente de Celina Murga.
El camino del antihéroe La mano de John Lasseter ya se está notando de manera contundente en la producción animada de Disney, cada vez más alejada del clasicismo y la tradición que solían ser su marca de fábrica. De hecho, este film del gran Rich Moore (director de episodios clave de Futurama y Los Simpsons) tiene algo de Toy Story (la reivindicación de los antihéroes, de los personajes “desechados”), aunque también bastante de un simpático ejercicio nostálgico para esos melancólicos precoces que son los geeks (hay homenajes varios a la era Arcade ochentista del Pac-Man, Centipede, Space Invaders y Donkey Kong). Ralph (la voz del gran John C. Reilly en la versión original subtitulada), un gigantón que se ha desempeñado como el “obediente” villano del videogame Fix-it Felix Jr. durante 30 años, está en plena crisis de identidad, harto de su lugar marginal, de ser siempre relegado, despreciado, humillado, de existir sólo como contraparte para el lucimiento del heroico y eficaz reparador Felix (Jack McBrayer). Así, este tipo buenazo y torpe decide cambiar de juego tratando de modificar su destino, de aprender cómo ser el bueno del videojuego (y de la película). Pero -aunque contará con la inestimable ayuda de la paciente Vanellope von Schweetz (Sarah Silverman)- su proceso de transformación no será una tarea nada fácil. Si bien por momentos el vértigo (típico de videojuego) puede abrumar un poco a un sector del público no tan habituado a la adrenalina gamer, el trabajo de animación (en 3D) es prodigioso y -aunque la inmensa mayoría de copias serán dobladas- bien vale el esfuerzo detectivesco de encontrar la versión subtitulada (así la proyectamos en la avant-premiere de OtrosCines.com) para disfrutar de las voces de talentos como el apuntado Reilly o la rígida sargenta que interpreta Jane Lynch. Quizás le falte algo del lirismo de los mejores trabajos de Pixar (no llega a los extremos experimentales de WALL-E), pero Ralph el demoledor es un producto de primer nivel: entretenido, bello, divertido ¿Se puede pedir más para un estreno familiar en pleno enero?
Cierre a toda orquesta Con su notable versión (reinterpretación) del Fausto de Goethe, el ruso Alexander Sokurov cierra de la mejor manera su denominada Tetralogía del poder que iniciara en 1999 con Moloch (sobre Hitler) y continuara con Taurus (sobre Lenin) y con El sol (sobre Hirohito). Mi sensación personal era que el cine de Sokurov -siempre valioso, virtuoso, fascinante, riguroso, solemne y ambicioso- estaba dando algunas señales de reiteración e incluso de agotamiento. Con Fausto, siempre fiel a esa apuntada esencia de su arte, consigue una película mayúscula, poderosa, que mantiene el esplendor visual (es extraordinario el trabajo en digital del director de fotografía francés Bruno Delbonnel tanto en los planos fijos con imágenes anamórficas como en los planos-secuencia), pero le suma una dramaturgia, un sentido del movimiento, del tiempo y del espacio que supera con holgura los resultados de los tres films anteriores. Decir que cada plano de Sokurov es una obra de arte en sí misma es -a esta altura de su trayectoria- casi un lugar común. Pero lo ciertos es que hay pocos cineastas vivos con la capacidad de darle a cada imagen un peso y una significación como lo hace el creador de El arca rusa y Madre e hijo. Aquí, trabajando en alemán y con un gran despliegue de producción en locaciones de la República Checa, Sokurov construye la tragedia, el descenso a los infiernos de Fausto (Johannes Zeiler), ese hombre inteligente y enamorado que termina firmando un pacto de sangre con el manipulador Mefistófeles (Andon Adasinsky) con tal de satisfacer sus deseos. Cuesta un poco ingresar en la propuesta (exigente, ardua por momentos) de Sokurov, pero cuando el espectador lo hace (como le ocurre al propio protagonista) es imposible salir. Uno queda sumergido, atrapado por la telaraña cinematográfica tejida por un inmenso artista, que está a la altura de un predecesor de la talla de Murnau, quien también se atrevió con el texto de Goethe. Bienvenido, entonces, este regreso a lo grande de Sokurov, merecido ganador del León de Oro en la Mostra de Venecia 2011 por este trabajo. Uno de los últimos estrenos del año. Y uno de los mejores.
Volver a empezar Tanto se discutió primero sobre la posible incursión de Guillermo del Toro en estas nuevas (viejas) aventuras en la Tierra Media, de la controvertida decisión de hacer tres películas (y no dos como estaba previsto en un principio) a partir de la bastante breve creación literaria de J.R.R. Tolkien y luego de cuestiones técnicas (los "famosos" 48 cuadros por segundo de la versión HFR 3D con que Peter Jackson la concibió para mejorar la experiencia visual) que el análisis de los valores, limitaciones o hallazgos artísticos de El Hobbit quedó en un segundo, tercero o cuarto plano. Llegó, por lo tanto, la hora de hablar de cine. Lo primero que hay que decir es que esta primera entrega de la nueva trilogía es un buen producto concebido con profesionalismo por un sólido narrador, que mantiene no sólo el espíritu y la espectacularidad sino incluso múltiples aspectos estéticos y dramáticos de El señor de los anillos . Así, al trabajar con el mismo director de fotografía (Andrew Lesnie), el mismo músico (Howard Shore) y al apelar a múltiples guiños para los fans, a la repetición de personajes y hasta a situaciones que no estaban en el libro original, Jackson explota, subraya y potencia la idea de El Hobbit como precuela. La idea de que Un viaje inesperado sea algo así como el comienzo del comienzo (el inicio de una travesía que proseguirá en los dos films siguientes y de una trilogía que a la vez funcione como prolegómeno de la que ya se ha visto) resulta un arma de doble filo: por un lado, por supuesto, es un reaseguro para aquellos que disfrutaron de la transposición que Jackson hizo de El señor de los anillos ; pero al mismo tiempo corre el riesgo de abrumar, de reiterarse, de ofrecer más (o menos) de lo mismo. Más allá de que en El Hobbit cambian varios de los protagonistas -Bilbo (Martin Freeman) y Gandalf (Ian McKellen) emprenden el viaje del título junto con una docena de enanos- y de que aquí hay mayor espacio para el humor absurdo, la propuesta es, en esencia, bastante similar a la de El señor de los anillos . Y no sólo eso: hay varias escenas (cómicas, dramáticas, de persecuciones o de batalla) en las que se nota esa hinchazón que Jackson tuvo que hacer para llegar a las casi nueve horas que durarán los tres films. De todas maneras, cabe aclarar, los agregados -como un concilio en el que aparecen varios "viejos" personajes de El señor de los anillos - funcionan bien y sirven para hacer el mencionado link entre ambas sagas. También es muy atractiva la secuencia en que Bilbo se enfrenta a un ahora mucho más expresivo Gollum (otro brillante trabajo de Andrew Serkis y una nueva demostración de los avances en la tecnología de captura de movimiento) con la aparición del tan mentado anillo que es uno de los ejes de El señor? Más allá de que El Hobbit no fluye como su antecesora (la escena inicial del encuentro de los enanos se hace demasiado larga, al igual que varios momentos de la caminata), hay que reconocerle a Jackson la creatividad y maestría con que concibe varios pasajes de acción (como la lucha contra gigantes de piedra). Son esos momentos los que justifican una película que -aun cuando no es del todo convincente- deja con ganas de más. Lo mejor de El Hobbit , por suerte, aún está por venir.
El cuento del tío Sebastián Oviedo (Luciano Cáceres) es un arquitecto porteño en plena crisis -su novia, a quien nunca vemos pero sí escuchamos por teléfono (la voz de Gloria Carrá) le ha pedido tomarse un tiempo sin él- que, fruto del azar, terminará en medio de un pueblo aislado y gris. Allí, se topará de inmediato con una niña que resulta ser nada menos que su sobrina (el padre, o sea su hermano, se ha suicidado tras perder la posesión de una posada apostando en un juego de cartas). Nuestro antihéroe deberá lidiar entonces con las necesidades de la preadolescente (Camila Fiardi Mazza) y también con la amenaza de una suerte de capomafia local (Carlos Belloso), que es quien se ha quedado con el título del hotel. Por esos extraños caminos transita esta ópera prima de Dieguillo Fernández, una propuesta que pendula entre un arranque ligado al thriller fantástico y un desarrollo más cercano el drama familiar, para finalmente coquetear con el western (duelo de cuchilleros incluído). El realizador es bastante virtuoso en la puesta de escena (aunque parece demasiado "enamorado" de los planos-detalle y de los ojos de Cáceres) y consigue algunos climas bastante interesantes y perturbadores. Sin embargo, el film no alcanza la fluidez, la concisión y la potencia necesarias debido a las múltiples derivaciones de la trama (no siempre del todo justificadas) y a ciertos desniveles en la dirección de actores (Cáceres y Mazza lucen bastante inexpresivos, mientras que Belloso está desbocado). El buen aprovechamiento de las locaciones, la solidez técnica de la producción y los apuntados atributos (en términos estéticos y narrativos) de Dieguillo Fernández hacen de Uno -aun con sus desniveles e incoherencias- un film atendible. Habrá que esperar sus próximos trabajos para que el talento que evidentemente posee se consoliden a partir de un guión y un elenco de mayor solidez.
De paseo a la muerte El director John Hillcoat y el músico Nick Cave -también responsable del guión- se reunieron por cuarta vez para concretar esta película de gangsters con estructura de western ambientada en la Virginia de 1931 sobre tres hermanos que se dedican a fabricar y contrabandear alcohol en medio de la Gran Depresión. Más allá de su indudable impronta estadounidense (reconstruye la historia real de los hermanos y míticos contrabandistas Bondurant), Los ilegales es obra de un dúo australiano que ya había trabajado junto en Ghosts… of the Civil Dead, The Proposition (editada en la Argentina de forma directa en DVD como Propuesta de muerte) y la apocalíptica La carretera (lograda transposición del libro de Cormac McCarthy): Hillcoat y Cave, quien además se encargó de la notable banda de sonido (las selección de temas también es notable). Este thriller de mafiosos contra policías (que por momentos son más crueles que los propios gangsters), y viceversa, tiene como protagonistas a los Bondurant (Tom Hardy, Shia LaBeouf y Jason Clarke), mientras que Guy Pearce es el despiadado “defensor” de la ley (y el verdadero malo de la película, casi al borde del estereotipo). Con una narración intensa y cuidada -aunque no siempre fluida- que incluye un par de subtramas románticas (Jessica Chastain, notable como siempre, se atreve incluso a un audaz desnudo), Los ilegales es una buena propuesta, aunque algo convencional para los estándares de la Competencia Oficial del Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial. Hillcoat y Cave tienen aquí ambiciones no menores (el film “juega” en el mismo terreno que épicas como El enemigo público, Bonnie & Clyde, De paseo a la muerte o incluso El padrino), pero se queda a mitad de camino. De todas maneras, aunque el “envase” (gracias al excelso DF francés Benoît Delhomme) por momentos resulta más vistoso que su contenido, se trata de un film más que atendible (y para disfrutar en pantalla grande).
Actriz, cantante de jazz, periodista, empresaria, conductora, productora y directora de televisión o, como ella se definía, “una luchadora”, Paloma Efrón -mucho más conocida como Blackie- fue una mujer incansable y talentosa, pionera en muchos de los rubros en los que incursionó. Hija de inmigrantes judíos afincados en las colonias de Entre Ríos (padre de Bielorrusia, madre de Rumania) y con cuatro hermanos, Paloma se fascinó desde pequeña por la música negra. Gracias a un concurso radial que ganó le quedó el apodo de Blackie, que la acompañaría hasta su muerte en 1977, a los 64 años. El director utiliza como eje del relato una larga (falsa) entrevista a la protagonista (la voz aguardentosa en off de Dora Baret), en la que va recorriendo su carrera en el mundo del espectáculo y la cultura (que incluyó desde trabajar en el Maipo con la compañía de Pepe Arias hasta escribir en grandes medios, pasando por descubrir a figurar como Tato Bores o Susana Rinaldi), así como algunos aspectos de su vida (sus años en los Estados Unidos, su matrimonio signado por la bohemia). Todo eso acompañado, claro, por imágenes de archivo (impecable investigación) y testimonios a cámara de gente que la conoció, la admiró o la estudió: Hinde Pomeraniec, Carlos Ulanovsky, Sergio Pujol, Ricardo Horvath, Dina Rot, José Martínez Suárez, Marta Tedeschi, Tito Bajnoff, Luis Pedro Toni, Fanny Mandelbaum y Pepe Cibrián, entre otros. El film es bastante convencional en su estructura, pero al mismo tiempo cuidado y riguroso. Para el resto, está la vida llena grandes momentos, de jugosas anécdotas, de hitos profesionales de una mujer única y fascinante.
La película sigue el proceso creativo del Ballet 40/90, conformado por veteranas y entusiastas artistas no profesionales, desde que arrancan los ensayos y hasta la noche de estreno en el teatro Empire. La compañía es liderada por la multifacética e incansable coreógrafa de 87 años del título (que se encarga de los más mínimos detalles), protagonista y motor del relato. Una película menor con una estructura que remite a decenas de otros documentales sobre la génesis y armado de un espectáculo artístico, pero bastante simpática y entretenida.