Postales caribeñas Como antes Nueva York, París y Tokio ya habían tenido sus películas episódicas, ahora es La Habana la que recibe su tributo cinematográfico con un conjunto de siete cortometrajes dirigidos por directores de la talla de Laurent Cantet, Benicio Del Toro, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Julio Medem, Juan Carlos Tabío y Pablo Trapero. Que el resultado iba a ser irregular, se caía de maduro desde el momento en que son historias independientes, cuyo único aspecto en común es que transcurren en la hermosa y decandente zona de La Habana Vieja (hay algunos personajes que también se repiten). Los cortos de Del Toro (El Yuma, a puro pintoresquismo y corrección política para describir el encuentro entre un joven actor estadounidense y un travesti) y de Noé (Ritual, sobre -prescisamente- un ritual que le hacen a una joven porque ha mantenido una relación lésbica) son malos, pero el de Medem (La tentación de Cecilia, sobre una cantante casada con un beisbolista que es tentada por un empresario español para emigrar y tener en Europa una carrera exitosa) es lo peor ya no sólo de este conjunto sino de todo lo que vi en el año. Una vergüenza en todos los sentidos imaginables. El mejor es Diary of a Beginner, con el gran Suleiman jugando a ser Jacques Tati, riéndose con onda de Fidel Castro y Arafat, observando sin decir una palabra pero con punzante ironía las contradicciones de la sociedad cubana. Notable. Y es muy bueno también Jam Session, de Trapero, que describe la llegada de Emir Kusturica para recibir el premio Coral a la trayectoria en el Festival de La Habana y cómo luego se van con su chofer (que resulta ser un eximio trompetista) a una jam session, donde nacerá una fuerte amistad. El corto más compacto y con menos clichés del conjunto. El cierre es con dos propuestas bastante dignas: Dulce amargo, del local Tabio, sobre una psicóloga que da consejos en un show televisivo y se gana la vida haciendo pasteles; y La fuente, de Cantet, sobre una mujer que decide organizar una ceremonia en honor a Oshun con la ayuda de sus vecinos.
Retrato de un asesino Andrew Dominik (director de las más que interesantes Chopper: retrato de un asesino y El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford) construye un film de gángsters crudo, seco y potente con un fuerte trasfondo sociopolítico y económico que no se sustenta tanto en las escenas de acción (tan escasas como sangrientas) sino en los diálogos, que remiten en su escritura al cine del Quentin Tarantino de Perros de la calle, de los hermanos Coen y al Buenos muchachos scorseseano. Brad Pitt, si bien es el eje y motor del relato en el papel de un lacónico sicario contratado por un grupo de mafiosos deseosos de revancha luego de que haber sido robados por dos ladrones de mala muerte durante una partida de póker, comparte bastante espacio con otros actores como James Gandolfini, Ray Liotta, Richard Jenkins, Scoot McNairy y Ben Mendelsohn (estos dos últimos, los verdaderos protagonistas de este film-noir). Esta transposición de la novela Cogan's Trade (1974), de George V. Higgins, a cargo del propio Dominik, está ambientada en Los Angeles durante los meses previos a la primera asunción de Obama (es decir, en plena crisis financiera) y, si bien se concentra en los problemas que tiene Jackie Cogan (Pitt) para encontrar a los dos responsables del asalto a un tugurio donde los mafiosos apostaban a las cartas, la sordidez del ambiente y la degradación económica están siempre presentes en la atmósfera del relato. Estilizada y por momentos con una estética exagerada cercana al cómic, Mátalos suavemente es, sin dudas, una buena película sobre la culpa, la compasión y la crisis del capitalismo, pero también deja la sensación de que con un poco más de corazón y menos de virtuosismo formal podría haber sido todavía mejor.
Comedia negra formoseña sobre dos amigas y compañeras de colegio (Lourdes Rodas y Renata Mussano) que hacen lo imposible para que el nuevo maestro de biología (Juan Gil Navarro), del que están obsesivamente enamoradas, se separe de la exuberante profesora de educación física, a la que odian profundamente. Más allá de ciertas situaciones que no fluyen como debieran, el film está contado con bastante rigor desde el punto de vista, la perspectiva y la lógica del universo preadolescente, no exento de elementos oscuros y consecuencias trágicas. Un más que digno exponente de un cine del interior que avanza en cantidad, diversidad y calidad.
Golpe al corazón Ex jefe de redacción de la revista La Cosa, Loreti -prolífico cultor del cine de género como escritor, guionista y realizador- narra las desventuras de un boxeador retirado (Juan Palomino), traumado por la muerte de un rival sobre el ring. En clave de thriller estilizado, comedia negra y violencia sádica con elementos gore, acumula elementos que remiten al cine de Guy Ritchie, Quentin Tarantino, Robert Rodriguez y el primer Danny Boyle, pero más allá de cierta sensación de déjà vu hay unos personajes, unos diálogos, un espíritu lúdico y un color local que le otorgan un particular encanto. Ganadora de la Competencia Argentina del Festival de Mar del Plata 2011. DIEGO BATLLE Nota: Una pena que este más que digno film -que tiene una salida con 13 copias- no se estrene en ningún completo importante de las grandes cadenas (va al Hoyts Quilmes. Showcase Haedo y Norte, y Cinemark San Miguel). Así, será muy difícil que pueda construir su público (que probablemente lo tenga) o incluso que llegue a funcionar como película de culto (tiene todo para conseguirlo).
De segundas oportunidades Esta producción belga cumple con todos y cada uno de los lugares comunes de lo que en la jerga del cine se conoce como crowd-pleaser , películas con una fuerte carga demagógica que tratan -por cualquier medio- de seducir al espectador. El problema no es esa obsesión por ganarse el favor del público -algo a lo que aspira la mayoría de los artistas- sino los recursos que se ponen en juego para esa operación. Esta película -y la distribuidora local pensó en ello a la hora de elegir el título de estreno- incursiona en los mismos territorios de comedias negras con propuestas entre absurdas y provocativas (que pueden ser resumidas en un concepto ganchero) como Chicas de calendario o -ya en versión masculina- Todo o nada...El Full Monty . Aquí el "concepto" sería el siguiente: tres mujeres septuagenarias encuentran una segunda oportunidad en sus vidas al formar un grupo que interpreta temas que van desde "Pump Up the Jam", de Technotronic, hasta clásicos de Jacques Brel. Las "chicas" vuelven a disfrutar la alegría de vivir (la protagonista sufre en la escena inicial la muerte de su represivo marido) y eso implica desde fumar un porro, excitarse con un curvilíneo bajista negro o competir en una guerra de bandas con exponentes del heavy metal. La película aborda también algunos conflictos familiares (la protagonista se decide por el hijo díscolo, por la oveja negra, que formará parte de su aventura musical, en lugar del otro, mucho más pragmático, contenido y controlador), pero en ningún momento alcanza a quebrar la superficialidad y la previsibilidad de un guión que resulta más ingenioso en su punto de partida que en su concreción.
Bastante más allá de los estereotipos No es fácil escribir o filmar una historia sobre la adolescencia (con su carga de angustia, de inseguridad, de contradicciones) que no caiga a esta altura en lugares comunes a la hora de explorar cuestiones como el bullying en la escuela secundaria, la crisis de identidad o la inevitable complejidad de la iniciación sexual. En ese sentido, esta ópera prima de Stephen Chbosky -basada en su propia novela autobiográfica, que fue comparada, con algo de exageración, con El cazador oculto , de J.D. Salinger- retoma muchos de esos temas. Puede, por lo tanto, que no sea un film "novedoso", pero esas experiencias en muchos casos extremas (coqueteo con la locura incluido) están contadas con una intensidad y una pasión que le permiten trascender sus convencionalismos y estereotipos (que los tiene). Retrato generacional sobre una tribu urbana en la Pittsburgh de 1991 que remite al lema de sexo, drogas y rock and roll, Las ventajas de ser invisible describe las desventuras de Charlie (Logan Lerman), un melancólico chico de 14 años que carga unos complicados traumas por abusos infantiles y trata de pasar lo más inadvertido posible cuando ingresa al colegio. Su salvación serán la literatura (con un profesor interpretado por Paul Rudd que lo ayuda en su formación) y un grupo liderado por dos hermanastros que están a punto de graduarse (Ezra Miller y Emma Watson), quienes lo "adoptarán" y lo acompañarán en diversos rituales iniciáticos. La película alterna escenas de gran sensibilidad aun dentro de los parámetros de la comedia romántica mainstream con otras que están al borde del ridículo y del mal gusto (como los flashbacks que reconstruyen la relación del protagonista de niño con una tía), pero aun con sus desniveles, con su dependencia de los temas musicales (Sonic Youth, Love and Rockets, Pavement, New Order y, sobre todo, The Smiths y David Bowie), la convicción de Chbosky y de sus notables intérpretes lo transforma en un más que atendible retrato de las frustraciones, heridas, códigos, alienaciones, sueños y aprendizajes de la etapa adolescente.
Uno, dos, ultraviolento Hace cuatro años, el británico McDonagh se presentó en sociedad con la aplaudida Escondidos en Brujas. Ahora, regresa a aquellos terrenos del film-noir más violento, del thriller psicológico más extremo y de la comedia negra más absurda con Sie7e psicópatas, película en la que repite protagonista (Colin Farrell), pero le suma otros actores de primera línea (Sam Rockwell, Christopher Walken, Woody Harrelson, Tom Waits) y un desfile de otras figuras en pequeñas participaciones o simples cameos (Harry Dean Stanton, Michael Stuhlbarg, Michael Pitt, Gabourey Sidibe y siguen las firmas). Ya instalado en Los Angeles, McDonagh parece seguir los senderos del cine tarantiniano con un hiperviolento, cínico y despiadado relato sobre un guionista irlandés radicado en Hollywood (Farrell), que está en plena crisis creativa y afectiva, y dos hilarantes amigos (Walken y Rockwell) que se ganan la vida secuestrando perros de gente pudiente y luego devolviéndolos a cambio de una recompensa. El problema es que en determinado momento se quedan con el caniche de un sádico mafioso (Harrelson) y el relato ingresa en una suerte de montaña rusa llena de enredos y vueltas de tuerca. McDonagh trabaja sobre estructuras virtuosas (como una de cine dentro del cine, enganchando la película que Farrell va escribiendo con la que vemos en pantalla), diálogos filosos, situaciones provocativas por lo extremo de los psicópatas del título, una puesta en escena con una violencia estilizada y guiños varios al cine de género (como los westerns de Sergio Leone). Quiere, así, sumarse al universo autoral de los Tarantino y los Coen con resultados bastante dignos, aunque también con cierta sensación de déjà vu. Igual, ya es tanto como guionista, narrador y director de actores, un talento para tener en cuenta y para seguir de cerca de aquí en más.
Son amores... Historia de amor adolescente a-la-Melody, con la hermosa y talentosa Ailín Salas (por lejos, lo mejor del film) y Camilo Cuello Vitale como protagonistas, que describe con una mirada inocente, casi naïf, el despertar sexual, el relato de iniciación y la dinámica conservadora de pueblo. El relato transita una medianía relativamente atractiva hasta que, sobre el final, la ingenuidad desaparece y sobrevienen la represión (institucional, familiar, escolar), los elementos trágicos, los golpes de efecto (golpes bajos), el subrayado y el discurso moralizador. Una pena porque en el planteo inicial había varios elementos de interés con una puesta en escena y un tono bastante atractivos.
Gran película tanto desde lo narrativo (un documental de autor de una solidez apabullante) como desde la denuncia (nunca caprichosa, demagógica ni antojadiza). El film es didáctico, sí, pero al mismo tiempo muy personal (sin narcisismo); también es complejo y abarcativo pero nunca deja de fascinar, de conmover (y, digámoslo, de indignar). El impenetrable tiene algo de detectivesco y de viaje de aventuras, pero expone en toda su dimensión cuestiones como la corrupción y la destrucción del medio ambiente sin jamás caer en los lugares comunes de la corrección política ni en la mirada indignada (Incalcaterra tiene algo de un Michael Moore pero -afortunadamente- mucho más asordinado). Lo hace, en cambio, con recursos nobles y contundentes: los del buen cine (político). En el arte el término “necesario” ha sido muchas veces mal utilizado, vaciado de sentido, pero sinceramente creo que El impenetrable es una película necesaria. Merecida ganadora del premio del público en el reciente Festival de Mar del Plata.
Caótica, pero encantadora El prólogo de este primer largometraje de Peter Ramsey está ambientado hace 300 años y nos presenta la historia (el misterio) de Jack Frost, un niño fantasma con tantos traumas como poderes sobrenaturales: puede volar, contactarse con los muertos que pululan por todas partes y hasta congelar todo lo que quiere. Ya en la actualidad, Jack Frost se unirá a varios otros personajes (desde Papá Noel hasta el Conejo de Pascuas, pasando por un enigmático y querible personaje como Sandman, hadas y gnomos) y este joven protagonista deberá vencer obstáculos externos y dificultades propias hasta definir si puede sumarse o no a los guardianes del título y, así, podrá ayudar a salvar las Pascuas y la Navidad -y la inocencia infantil- ante la cada vez más poderosa amenaza del tenebroso Pitch Black (un malvado con no pocos puntos en común con el Voldemort de la saga de Harry Potter). Lo primero que hay que decir es que el trabajo de animación en 3D es notable, que la película está llena de momentos de gran inspiración y belleza. Sin embargo, si uno escarba un poco en esa superficie de movimientos fluidos, de hermosos colores y texturas, la narración en sí se torna un poco caótica y tortuosa, sobre todo si se piensa en el consumo de los espectadores más pequeños. El guión de David Lindsay-Abaire -si bien plantea un enfrentamiento clásico entre las fuerzas del Bien y del Mal- superpone demasiados personajes y elementos de distintos mitos, leyendas, tradiciones y fiestas populares. El problema, entonces, es que por momentos queda la sensación de una acumulación antes que de una dosificación y eso provoca que el resultado final no sea del todo convincente. De todas maneras, esta producción animada de DreamWorks tiene un formidable despliegue visual y varios pasajes de creatividad y encanto. Con eso le alcanza (aunque no le sobra demasiado) para convertirse en un digno entretenimiento de animación para toda la familia.