Viaje al interior de la política En su tercer largometraje, el siempre talentoso y provocativo director de Zéro défaut y Versailles describe con bastantes más hallazgos que problemas la actividad cotidiana de un ministro de transportes francés (el gran Olivier Gourmet) y las relaciones con el resto del gabinete y con sus subalternos (desde sus asesores hasta su chofer personal). Thriller psicológico que combina la tensión de un Michael Mann con el retrato moral y humanista de los hermanos Dardenne (ellos mismos productores de este film y seguramente impuslores de su actor-fetiche como protagonista), El ministro tiene como punto de inflexión un trágico accidente vial. El debate, entonces, pasa por si privatizar o mantener bajo la órbita pública el mantenimiento de la red de transporte. El funcionario -opuesto al traspaso a manos privadas- deberá tejer una compleja madeja de alianzas hacia el exterior y el interior de su círculo para sostener su posición (y sostenerse en el cargo). Si bien no todas las secuencias de este film son igualmente eficaces (hay algunas realmente notables), se trata de una descarnada, minuciosa, impiadosa y apasionante mirada al estrés, la presión, la adrenalina, las contradicciones y la "locura" de la política y, sobre todo, de la gestión (desde lidiar con los medios de comunicación hasta con los recortes presupuestos y las reivindicaciones sindicales), de ese "ejercicio del Estado" al que alude el título. Se lucen también en papeles secundarios Michel Blanc, Zabou Breitman y Laurent Stocker. Así, aunque no es un guionista y director joven (tiene múltiples aportes a la TV), Schoeller se consolida de forma definitiva como uno de los autores franceses a seguir muy de cerca.
Con Eastwood, sin Eastwood Fui a ver esta ópera prima de Robert Lorenz con la expectativa de que fuese una película “de” Eastwood sin el gran Clint detrás de cámara. Al fin de cuentas, Lorenz fue su asistente, director de segunda unidad y/o productor en más de 20 películas. Sin embargo, este guión del debutante Randy Brown -que sí tiene a Eastwood como protagonista- está más cerca de los lugares comunes del telefilm de la semana que de la nobleza del realizador de Los imperdonables. ¿Por qué, entonces, la calificación de 6 puntos? Porque este es un claro ejemplo de cómo unos inmensos actores (sí, desde Clint hasta Amy Adams, pasando por el siempre genial John Goodman y hasta el carilindo Justin Timberlake están impecables) pueden sobreponerse, trascender, hacerse cargo y de alguna manera levantar y salvar a una película que en cuanto a historia y a puesta en escena es más que limitada. Clint -como los vinos, con cada año que pasa es mejor actor, aunque ya la edad (82) le pesa en el rostro y en el cuerpo- compone aquí un personaje que es una suerte de mezcla entre el de Million Dollar Baby (el veterano experto en un deporte) y el gruñón, intolerante e individualista de Gran Torino. Su Gus Lobel es un viejo descubridor de talentos para el equipo de béisbol de los Atlanta Braves. En un deporte cada vez más dominado por las estadística (algo que ya explicó en detalle la muy superior El juego de la fortuna), Gus no sabe usar una computadora y sigue viendo los numéros en los diarios (de papel, claro). Al protagonista le quedan apenas tres meses de contrato y, para colmo de males, su vista empieza a fallar. Su misión es viajar a un pueblito de Carolina del Norte para decidir si los Braves tienen que fichar o no en el draft a un bateador gordito y engreído. A su rescate y en su ayuda va su hija (Adams), una exitosa abogada a la que él abandonó de niña (la mandó a vivir con un tío y se olvidó del asunto), tras la muerte de su esposa. Entre reproches, cuentas pendientes, reconciliaciones y subtramas románticas (Mickey se rendirá ante los encantos de Johnny, el joven scout de los Boston Red Sox que encarna Timberlake), Curvas de la vida toca fibras, apela a una estética de comercial y abunda en hirientes musicalizaciones que Clint como director (aquí es también productor) jamás hubiese permitido. Así, más allá de algunas simpáticas observaciones sobre el mundo del deporte profesional y ciertas irrupciones de bienvenido humor, estamos más cerca del culebrón que del clasicismo eastwoodiano. Por suerte, quedó dicho, allí están los protagonistas (y los increíbles secundarios) para hacer de este film menor una experiencia tolerable.
Sorín vuelve al Sur Tras la melancólica y fallida La ventana y la interesante incursión en un oscuro thriller psicológico con El gato desaparece , Carlos Sorín regresa con Días de pesca al universo, al tono, al estilo y a los lugares que más conoce, que más le gustan y que mejor le sientan. Algunos podrán argumentar -con cierta razón- que Sorín repite aquí algunas búsquedas de El perro y, sobre todo, de Historias mínimas , pero Días de pesca está muy lejos del cálculo o del mero reciclaje: tiene atributo y logros concretos que le permiten alcanzar vuelo propio. El protagonista de esta tragicomedia es Marco (Alejandro Awada), un viajante de comercio cincuentón que llega a Puerto Deseado con el objetivo de reencontrarse con su hija, Ana (Victoria Almeida), a la que no ve desde hace muchos años, conocer a su nieto y, de paso, para probar suerte en la caza de tiburones. Las cosas no son fáciles para este ex alcohólico del que poco sabremos, pero mucho intuiremos. Sorín prefiere no contar demasiado, pero la sonrisa (mueca triste), la mirada melancólica y el rostro curtido de Marco son suficientes como para comprender que ese hombre carga con una vida de problemas. En su largo viaje de enredos y (des)encuentros, Marco se irá topando con los típicos y entrañables personajes secundarios que son la marca de autor de Sorín: un entrenador de boxeo y su pupila que llegan para pelear contra una contrincante boliviana, unos delirantes turistas colombianos o el veterano instructor de esos "días de pesca" a los que alude el título. Todos "interpretados", con esa inocencia y empatía inimitables, por no-actores que hacen de sí mismos. En este sentido, es notable cómo Sorín y Awada (un actor de enorme generosidad y humildad) logran conectar con esos intérpretes no profesionales sin que se noten las costuras, sin que las inevitables diferencias de formación y, claro, de técnica frente a cámara conspiren contra la credibilidad y el resultado final. Si bien la película no alcanza la intensidad deseada a la hora de trabajar la relación padre-hija y por momentos la música suena demasiado épica para un relato minimalista, el relato jamás pierde el interés. Sorín -un hábil narrador, un artista pudoroso y un observador inteligente- aprovecha junto con su talentoso fotógrafo Julián Apezteguía los despojados paisajes del Sur como contexto perfecto para la desolación interior del protagonista, pero nunca cae en el regodeo pintoresquista. El corazón del cine del director de La película del rey no está en la geografía, ni siquiera en las palabras, sino en los rostros de sus criaturas, en esos gestos que tratan de esconder o al menos de contener unos sentimientos que el espectador termina por adivinar y compartir.
Terror a bordo Vi esta película instantes después de enterarme de la muerte de Leonardo Favio. Todavía impactado y consternado por la noticia, me dispuse a ver lo que creía podía ser una comedia de enredos leve y rendidora. A los pocos minutos (segundos diría) me di cuenta de que esa presunción era completamente errónea. Así, me pasé toda la proyección preguntándome qué hacía allí, padeciendo uno de los peores subproductos del año cuando acaba de morir uno de los directores más importantes de la historia del cine argentino. Este film de Ezequiel Crupnicoff (Erreway: cuatro caminos) tiene el extraño “mérito” de que nada funcione, de que ningún chiste resulte mínimamente inspirado. Los “conflictos”, los diálogos, las actuaciones… todo es tan pobre, tan elemental, que cae a un subsuelo artístico que uno ya creía superado por el cine argentino. Una pena, sobre todo, por la presencia de un elenco pletórico de figuras reconocidas (Luciano Castro, Gabriel Goity, Paula Morales, Miguel Ángel Rodríguez, Pompeyo Audivert, Luisa Kuliok, Nacho Gadano, Agustina Córdova, Vanesa Weinberg y Germán Kraus). Si el punto de partida ya es un cliché (un escritor en pleno bloqueo creativo luego de ser abandonado por su mujer es presionado por su editor para entregar su nueva novela y se embarca en un lujoso crucero rumbo a Europa para buscar inspiración en las historias que allí sucedan), lo que sigue es todavía peor: una acumulación de subtramas románticas y policiales a bordo del transatlántico (hay algo de infomercial allí) y un poco de regodeo turístico en las ciudades en las que van parando y bajando. Si el guión es torpe y la factura técnica correcta pero bastante convencional, ni qué hablar de las pinceladas homofóbicas (¡ay, el retrato de la pareja gay!) que recuerdan a lo peor de la factoría de Argentina Sono Film.
Y vivieron felices por siempre... Tras la función de prensa matutina en el Village Recoleta -que compartimos como en entregas anteriores con adolescentes que integran el club de fans local de la saga-, twitteaba sobre las sensaciones tan opuestas que puede generar una serie de películas como esta: para esos chicos que estaban unas filas adelante se había cerrado una etapa fundamental de sus vidas; para un crítico como yo, que vio estoicamente en cine los cinco episodios de la franquicia, es apenas una anécdota, una etapa más de una larga carrera profesional pletórica de sagas que pasarán al olvido (o casi). No quiero sonar cínico, canchero, superado frente a una propuesta que hasta mi hija de 9 años me pide ver (y que lleva recaudados 2.500 millones de dólares en todo el mundo). Los problemas, limitaciones y conservadurismos varios de la saga Crepúsculo los conocemos de memoria quienes tenemos una mirada -digamos- desapasionada o distante del fenómeno. Tampoco tiene demasiado sentido comparar entre tal o cual entrega (me sigo quedando con Eclipse, de David Slade, y con la primera parte de la entrega final también dirigida por Bill Condon), pero aquí estamos: para ofrecer unas pinceladas de esta última película e intentar, esbozar una (re)lectura a modo de balance. Más allá de que con el correr de la saga las historias se tornaron más sexuales y sangrientas (aquí abundan las deapitaciones) respecto de su mojigato arranque, Amanecer - Parte 2 apela como nunca a una perimida estética publicitaria (de esa bien grasa y sin un uso irónico) y tiene una de las peores musicalizaciones de la historia del cine. No es que uno pretenda que luego de cinco films la cosa se vuela sofisticada e intelectual, pero en el terreno estético y narrativo Condon retrocede un par de casilleros. Claro que esas carencias se ven compensadas -para los fans, por supuesto- con el inevitable pico de intensidad que todo cierre de una saga como esta genera. Y, más allá de la batalla final con los malvados Volturis y del happy ending tranquilizador, el desenlace seguramente convencerá y emocionará a los fans. En este sentido, está bien pensada la secuencia de créditos de cierre en la que todos los actores de la saga se van presentando cual despedida de una compañía de teatro que agradece la fidelidad de su público. Contar de qué va esta quinta película no tiene mucho sentido (los que siguen la saga ya lo saben y los que no, difícilmente se sumen ahora), pero tenemos a Bella (Kristen Stewart) ya convertida en vampira -y con una fuerza inusitada- y en madre de una niña que crece a toda velocidad. Precisamente, la pequeña Renesme se ubica en el centro de la escena, ya que los Volturi quieren matarla (según ellos, podría ser una amenaza para el futuro de la especie), mientras que los Cullen liderados por Edward (Robert Pattinson), sus amigos de todo el mundo y, sí, los lobos comandados por Jacob (Taylor Lautner) se unen para defenderla. Hay un par de escenas de sexo (también publicitarias), la apuntada batalla, un armado de familia no tradicional (de a cuatro) y una coda que sirve de resumen de las cinco entregas. Nada demasiado sorprendente, aunque nada demasiado indignante (¡salvo las horribles baladas omnipresentes!). Con esa medianía calculada que fue -con sus pequeños altibajos- la constante de la saga. Si de cine no hubo mucho, la explicación de semejante suceso literario y en imágenes habrá que buscarlo por otro lado: por el boom de lo vampírico, por las nuevas formas del sexo adolescente (sobre todo femenino), por la astucia de los capos del marketing que supieron cómo enganchar durante 606 minutos a tantos niños, adolescentes y jóvenes de todos los rincones del planeta. Un misterio cultural y sociológico que yo no estoy en condiciones de entender ni mucho menos de explicar.
Los olvidados El brasileño Landes -formado en los Estados Unidos- rodó en Colombia con aportes españoles y argentinos la historia real de Porfirio Ramírez Aldana, un hombre que en silla de ruedas y con dos granadas escondidas dentro de su pañal para adultos secuestró un avión para exigirle al Estado que le pagara la varias veces prometida indemnización por la bala perdida de un policía que se incrustó en su espalda y lo dejó hemiplégico. Pero Landes llega justo hasta el momento en quie se desata el hecho policial (hay un muy logrado epílogo musical al respecto) porque lo que al director de Cocalero le interesa es describir la vida rutinaria, angustiante, pletórica de insatisfacciones y dificultades de Porfirio junto a una mujer y a su hijo adolescente en un barrio popular. La narración se nutre, se contagia de la sequedad, la aridez de ese universo gris (por momentos patético) de su protagonista y eso hace algo ríspida la visión, pero precisamente en el rigor, en la falta de concesiones y de demagogia está el principal mérito de este más que interesante film colombiano.
Un vampiro suelto en Manhattan Pocas películas como Cosmópolis han generado opiniones tan encontradas, tan radicalmente opuestas: desde el calificativo de obra maestra hasta críticas indignadas, todo vale para enfrentarse a este nuevo desafío que propone David Cronenberg. Fiel a su costumbre, el director de La mosca y Una historia violenta se arriesga una vez más en su carrera; en este caso, con una transposición casi "literal" (al menos en el terreno de los diálogos) de la no menos audaz novela escrita en 2003 por Don DeLillo. El resultado de semejante procedimiento (algo así como "incrustar" una dinámica literaria en una estructura cinematográfica) puede resultar en primera instancia algo desconcertante y hasta abrumar a quienes le huyan al imperio de la palabra en pantalla, pero si el espectador consigue vencer esos prejuicios y le presta a Cosmópolis la debida -necesaria- atención, la experiencia puede ser fascinante. Cronenberg -quien ya venía de hacer una película "hablada" en Un método peligroso - no le teme a la claustrofobia (buena parte del film transcurre dentro de un auto) ni a lo teatral (la secuencia final de 22 minutos es prácticamente un corto independiente que bien podría ser montado como una obra sobre tablas). Y, a pesar de todo eso (o por todo eso), Cosmópolis no deja de ser cine puro a partir de una puesta en escena muy pensada y sostenida por un minucioso trabajo visual. El protagonista casi absoluto del film es Eric Packer (Robert Pattinson), quien no ha llegado aún a los 30 años y ya es multimillonario gracias a sus habilidades para manejarse en el mundo de las finanzas. Este muchacho seductor vive rodeado de guardaespaldas, de asesores, de secretarias y de amantes (jóvenes y maduras). Sin embargo, aun con el poder del dinero (y con el que tiene sobre otras personas), Eric es un alma en pena, un cúmulo de frustraciones e insatisfacciones. Este vampiro de Wall Street funciona como símbolo de la crisis del capitalismo salvaje y Cronenberg -más allá de las cuestiones alegóricas y de ciertas búsquedas abstractas y conceptuales que aquí se priorizan- no ahorra referencias directas a un mundo en llamas, dotando así al contexto (y al film todo) de un tono apocalíptico, terminal. Solemne y cómica, perversa y lánguida, erótica y lúgubre a la vez, Cosmópolis resulta un verdadero tour-de-force para Pattinson. A pesar de su escasa expresividad (que Cronenberg "aprovecha" y hasta potencia), el astro de la saga Crepúsculo alcanza a transmitir esa sensación de hartazgo y vulnerabilidad de su criatura. Más allá de los breves y en algunos casos sustanciosos aportes de grandes intérpretes en pequeños papeles (Paul Giamatti, Juliette Binoche, Sarah Gadon, Samantha Morton, Mathieu Amalric y Jay Baruchel), es Pattinson quien ocupa casi todo el tiempo la pantalla dentro de su limusina, que es también su oficina y su nave rumbo al? ¿naufragio? final.
Las reglas del juego Esta transposición de la novela de Guy de Maupassant sobre el ascenso social de un joven en la París de 1890 parece rodada con el manual del cine de qualité (léase elenco de grandes figuras, espíritu tragicómico, toques perversos, ciertas ideas obvias sobre el cinismo, la doble moral y la hipocresía de la época, fotografía vistosa, música ampulosa que enfatiza cada situación y un cuidado diseño de producción con recreación de época en estudios). Nada es demasiado molesto, pero -al mismo tiempo- nada resulta particularmente creativo o provocador. Estamos, por lo tanto, en el universo de la medianía, de lo previsible, de lo esperable. Y eso en cine, se sabe, es poco menos que un pecado mortal. Un insulso Robert Pattinson (está mejor, creo, en la saga Crepúsculo, cuya última entrega se conocerá la semana que viene, y ni que hablar en otro estreno de este jueves como Cosmópolis) interpreta a Georges Duroy, un ex soldado que vuelve del frente en Africa y está casi en la ruina, con un precario empleo de cajero ferroviario. Pero, claro, es joven, apuesto y decidido. Y con eso basta para empezar la escalada en una París bastante libertina y exultante. Gracias a los auspicios de otro ex militar, comenzará a frecuentar los ámbitos distinguidos de la aristocracia local y, a partir de entonces, a seducir (manipular) a influyentes mujeres (esposas). Así, irán mejorando sus ingresos, su poder y hasta su posición política (escribe para un poderoso diario). El Don Juan de Pattinson tendrá romances con la joven Christina Ricci y la veterana Kristin Scott Thomas, se casará con la dominante Uma Thurman (bellísima, como siempre) e irá eludiendo peligros, trampas y confabulaciones varias hasta convertirse él mismo en un habilidoso conocedor de las reglas del juego (incluidas humillaciones de todo tipo), que utilizará para beneficio personal. En definitiva, un film sobre la ambición y el poder que resulta tan discreto como menor.
Una vengadora canadiense suelta en Jujuy Periodista, escritor y director, Santiago Amigorena -un argentino radicado en Francia desde 1973- escribió los guiones de más de 30 películas y en 2006 rodó su ópera prima, Unos días en septiembre, con Juliette Binoche, John Turturro, Sara Forestier y Nick Nolte. Cinco años más tarde, regresó detrás de cámara con Otros silencios, un melodrama con elementos de policial que arranca en la gélida (nevada) Toronto y termina en los tórridos desiertos jujeños. Quien realiza ese viaje desde Canadá hasta la Argentina es Mary (Marie-Josée Croze, vista en Las invasiones bárbaras y La escafandra y la mariposa), una oficial de policía felizmente casada y madre de un encantador niño (al menos eso vemos en el algo elemental prólogo del film). A los pocos minutos, cuando padre e hijo se van a un partido de la NBA, son interceptados en la calle y acribillados por dos hombres que viajan en una camioneta. Con una mínima investigación -y unos cuantos excesos violentos- descubre que el asesino es un joven argentino (Ignacio Rogers), ligado a una poderosa red de narcotráfico que ella había ayudado a desbaratar. Allí es cuando arranca la película: ella viaja a nuestro país y termina en el norte persiguiendo al culpable. Más allá de su origen argentino, la mirada de Amigorena resulta siempre paternalista, obvia, pletórica de clichés (ay, la escena en que ella coimea a un oficial de frontera tirándole los billetes de dólares sobre el escritorio). La película –si bien no indigna y tiene una sólida factura apoyada, sobre todo, en el talentoso DF Lucio Bonelli- jamás levanta vuelo y transita sobre carriles básicos del film sobre una extranjera en territorio inhóspito, un típico relato de pérdida, desesperación y venganza ojo-por-ojo. Lo de Marie-Josée Croze está bastante lejos de sus mejores trabajos. Lo suyo es un tour-de-force emocional que sobrelleva con profesionalismo, pero sin posibilidades de grandes lucimientos con un guión que la enfrenta a situaciones extremas, pero la limita con resoluciones maniqueas y esperables.
La sangre brota Veterano guionista de producciones mexicanas, norteamericanas y argentinas, y con alguna experiencia previa en la dirección de cortos, Martín Salinas desembarca en el largometraje con una tragicomedia bien negra y de estructura coral ambientada en una remota hostería perdida en el medio de la selva del Iguazú. Es que hasta ese paraje misionero llega una pareja (Valeria Bertuccelli y un Juan Minujín que desaparece de escena a los pocos minutos) con un botín de 100.000 dólares y un cadáver en el baúl. Los lugareños (Martín Piroyansky y Luis Ziembrowski) y otros visitantes que irán arribando (como Germán de Silva o Emme) se sumarán a esta acumulación de enredos -de humor, pero también con múltiples accidentes y traiciones cruzadas- en el que la tentación y la codicia derivarán de manera inevitable en un estallido de sangre. Ni un hombre más recuerda por momentos a otra creación de Salinas (la adrenalínica Nicotina) y dialoga con la negrura del cine de Danny Boyle, de Guy Ritchie o el delirio de Muerte en un funeral, pero la narración -irregular, por momentos algo desbocada y caótica- no termina de convencer del todo. El aporte del muy buen elenco, la imagen del notable DF Marcelo Iaccarino y algunos momentos inspirados desde el guión y la puesta en escena compensan en parte los desniveles de un film algo fallido, pero así y todo bastante atendible.