Puro maquillaje Hace apenas una semana se estrenó J. Edgar, en la que un Leonardo DiCaprio con gruesas capas de maquillaje interpreta al tiránico J. E. Hoover, figura clave del conservadurismo estadounidense. Es una narración fluida, llena de ideas, contrastes y matices, con el sello de un notable director como Clint Eastwood. Ahora, llega otra biopic sobre otro emblema del conservadurismo, aunque en este caso británico. Y, nuevamente, nos encontramos con el rostro de una estrella (Meryl Streep) convertido en una muy anciana y degradada Margaret Thatcher recordando sus épocas de gloria. El problema aquí no es ni el personaje en cuestión (heroína para algunos, villana para otros), ni el trabajo de Streep (uno de esos tour-de-force servidos en bandeja para que una actriz de renombre se gane unos cuantos premios). Lo que hace de La Dama de Hierro una película mediocre es una puesta en escena torpe (la directora es la misma del musical Mamma Mia!) y un guión didáctico, dominado por todo tipo de clisés de ese subgénero tan riesgoso como el de las biopics y por decisiones artísticas muy poco logradas (por no decir directamente grasas). La historia está narrada desde un presente en el que Thatcher es una viejita casi senil, desorientada, con rasgos de paranoia y esquizofrenia, matizada por algunos pasajes de lucidez. Mientras todavía se mantiene en actividad gracias a actividades protocolares o a la presentación de sus memorias, sufre todo tipo de alucinaciones; en especial, el fantasma de su ex marido (Jim Broadbent), al que sigue mandoneando con rigidez y obsesividad. Este recurso es tan recurrente y obvio que el film se acerca demasiado a los peores exponentes del viejo realismo mágico latinoamericano. A partir de ese planteo, iremos viajando al pasado para conocer sus inicios en la política (cómo una mujer de pueblo, hija de un almacenero, va escalando posiciones dentro del machista y aristocrático Partido Conservador), hasta llegar al poder. Un camino épico descripto aquí sin la más mínima fuerza ni convicción. El film también pendula entre lo público (la actividad política) y lo privado (sobre todo, la apuntada relación con su esposo y con su hija Carol), y recorre las principales batallas que emprendió durante sus tres gestiones (12 años) como (primera) Primera Ministra de Inglaterra: contra el terrorismo del IRA, contra los sindicatos para implementar un implacable plan de privatizaciones y, claro, contra la junta militar argentina en la guerra de Malvinas (la secuencia más potente de todas). Es muy probable que Meryl Streep gane el Oscar por esta actuación más efectista que eficaz. Ella y Thatcher -para bien o para mal- quedarán en la historia. Esta película, no.
Secretos de familia Con películas como La elección, Entre copas y Las confesiones del Sr. Schmidt, Alexander Payne se ha convertido en algo así como el más mainstream de los directores indies (o viceversa). Es, también, uno de los narradores que mejor pasan -muchas veces sin anestesia- de lo trágico a lo cómiico (y hasta hacen convivir situaciones extremas y opuestas en la misma escena). Por último, su cine puede caer de lo trascendente a lo banal (un gran diálogo arruinado a los pocos segundos por una ampulosa voz en off) y, casi de inmediato, recuperar el ímpetu, la gracia, la inteligencia y su poder de seducción. Por todo eso, más allá de sus desniveles, de algunos momentos que están demasiado al borde del patetismo, del sentimentalismo y del golpe bajo, Los descendientes es una buena, muy buena película. Vamos con una sinopsis (tranquilos: todo esto ocurre en los primeros minutos). George Clooney es el líder de una familia tradicional, adinerada y emblemática de la paradisíaca zona de Hawaii, cuya esposa -con la que estaba atravesando una crisis profunda de pareja- sufre un accidente motonáutico y queda en un coma irreversible. Además, nuestro antihéroe se entera de que ella le era sido infiel con un empresario inmobiliario. En medio de semejante sacudón, debe ocuparse (como nunca lo hizo antes) de sus dos conflictuadas (y conflictivas) hijas preadolescentes y de decidir si finalmente concreta o no la millonaria venta de unas tierras que podrían salvar de la ruina a más de un pariente. Película sobre las segundas oportunidades, los dilemas existenciales, las contradicciones íntimas y la posibilidad del perdón, la reconciliación y la redención, Los descendientes tiene un tono difícil de conseguir y, más aún, de sostener (ese humor negro en medio del drama lacrimógeno) y una actuación de Clooney a la medida del Oscar (es el máximo candidato a quedarse con la estatuilla). No es ninguna obra maestra y hasta se le notan ciertas costuras, cierto cálculo, pero es un film que también transmite sensibilidad, emoción, ingenio y talento. En el cine norteamericano de hoy, no es poca cosa.
Un film que apuesta a la tensión y a las figuras, pero con un guión "de manual" Esta ópera prima de Asger Leth (director con unos pocos antecedentes en el documental y en la literatura) narra la historia de un ex policía que escapa de prisión y se instala en la cornisa de un rascacielos de Manhattan -ante la curiosa mirada de miles de neoyorquinos, el despliegue de los medios de comunicación y la desesperación de las fuerzas de seguridad- para clamar por su inocencia, ya que acaba de ser condenado por un delito que -asegura- no cometió. Ese es el punto de partida que propone el guión del venezolano Pablo Fenjves, thriller con espíritu de clase B que tiene una vuelta de tuerca cada 10 minutos, diálogos más bien elementales y secundarios pocos desarrollados (da bastante pena ver a intérpretes que alguna vez brillaron con luz propia como Ed Harris, Edward Burns o Kyra Sedgwick lidiar con personajes tan unidimensionales). No hay tiempo en este policial para ellos. En cambio, sí hay generosos planos para una voluptuosa latina llamada Génesis Rodríguez (hija de José Luis "El Puma" Rodríguez), que tiene todo el tiempo del mundo para mostrar sus generosas curvas, para exponer su picardía y para insultar varias veces en español (¿ha nacido la nueva Sofía Vergara?). Leth es un director que demuestra tener oficio (una correcta puesta en escena que combina el uso de grúas y de efectos visuales), que sabe dosificar las sorpresas y plantear los giros de la trama, que sostiene el suspenso (qué mayor tensión que un hombre que está todo el tiempo a punto de lanzarse al vacío) y que encuentra en el ascendente Sam Worthington, una suerte de nuevo Russell Crowe ya visto en importantes producciones como Avatar y Terminator: la salvación , un antihéroe bastante convincente. Pero así como hace los deberes correctamente, queda claro que Leth es un buen artesano y punto. No es de esos directores que, como por ejemplo Tony Scott, son capaces de amplificar, de hacer brillar, de darle una impronta personal y trascender un guión "de manual" propio del cine clase B más transitado como el de este caso. Las limitaciones del material aquí se notan y, por lo tanto, la eficacia del thriller-en una analogía con la suerte de su protagonista- pende de un hilo. Por suerte, no se termina estrellando contra el asfalto.
El comediante lleva a la pantalla grande lo mejor de sus personajes y sus ocurrencias Esta reseña no está dirigida a los fans de Diego Capusotto. No importa lo que aquí se opine, se explique o se argumente. Ellos -más allá de una determinada calificación, del mayor o menos entusiasmo que pueda demostrar un crítico- irán de todas maneras a las salas para participar de un ritual comunitario, de una experiencia que excede por mucho el mero hecho cinematográfico. Porque hay pocos cómicos en la Argentina que encajen tan bien en la categoría de artista de culto (que no necesariamente son los más populares, pero sí los que más idolatría generan entre sus seguidores) como Capusotto. Los que seguramente estarán dudando respecto de ir o no a una sala digital 3D para encontrarse con esta película son aquellos que lo han visto de manera esporádica en sus (no menos esporádicas) temporadas televisivas. En este sentido es difícil ser tajante: Peter Capusotto y sus 3 dimensiones tiene tantos logros como desniveles y, si bien no puede hablarse de un producto sólido y redondo (características que jamás podrían tener las creaciones de Capusotto-Saborido), sí estamos ante una propuesta que por concepto y por esfuerzo de producción es bastante más que un episodio televisivo alargado. La idea de llevar al cine un producto de la TV construido con sketches o segmentos cortos no es nuevo (Hollywood ha logrado inmensos éxitos con, por ejemplo, la franquicia de Jackass ) y el riesgo de repetir personajes e ideas está siempre presente. Si bien Peter Capusotto y sus 3 dimensiones puede abrumar por momentos al segmento no tan enfervorizado del público (sobre todo porque la eficacia de la segunda mitad es menor a la de la primera), lo cierto es que Capusotto sale más que airoso de esta incursión en el lenguaje cinematográfico y, más aún, en el universo de las imágenes estereoscópicas. El film tiene como hilo conductor una suerte de documental ensayístico que no es otra cosa que una sátira sobre la "dictadura" del entretenimiento. A modo de manifiesto pseudo-anarquista (o "filo-comunista", como sostiene la voz en off), se va analizando con ejemplos "prácticos" cómo los medios, la publicidad, Internet (y las redes sociales) van moldeando un ser alienado y dócil para conformar así una sociedad anestesiada y consumista. La irascible (desquiciada) ex cantante Violencia Rivas es una suerte de narradora involuntaria del film con sus monólogos siempre extremos, mientras que también hay espacio para el lucimiento de otros consagrados personajes de Capusotto como el militante Bombita Rodríguez (la parodia a los históricos enfrentamientos internos del peronismo es uno de los grandes hallazgos), el neonazi y xenófobo Micky Vainilla, el líder del conurbano Jesús de Laferrere, y, sobre el final, la estrella de rock Pomelo. Es decir, la galería completa de grandes creaciones de Capusotto que, ahora en versión aumentada (de duración, de tamaño de pantalla y de despliegue de efectos visuales), quiere seguir riéndose de (y con) los argentinos.
Pescador de ilusiones En principio, podría decirse que esta ópera prima de la ex periodista devenida guionista y directora Alix Delaporte comparte con el cine de Robert Bresson, los hermanos Dardenne y Bruno Dumont un estilo riguroso, austero, ascético. Sin embargo, la película con el tiempo va virando hacia algo más convencional (y comercial). con un happy-end propio de las feel-good movies no exentas de cierta demagogia. Las largas y bellas tomas de El amor de Tony (ojalá la proyección digital esté a la altura del muy cuidado y elaborado trabajo visual) sirven para que el espectador se vaya sumergiendo en el universo de los dos protagonistas: Angèle es una joven y bella mujer que sale de la cárcel en libertad condicional luego de cumplir una pena por un accidente automovilístico que terminó con la vida de su marido y viaja a un pueblo de Normandía para estar cerca de su hijo de 8 años (con quien casi no tiene contacto y que ha quedado bajo la custodia de los abuelos), y Tony, un rudo y algo reprimido pescador que vive con su madre. Angèle y Tony conforman una improbable pareja (orígenes y formaciones casi opuestas), pero Delaporte y sus dos protagonistas, la hoy de moda Clotilde Hesme y Grégory Gadebois, logran que sintamos empatía, que nos identifiquemos con ellos y con sus conflictos (es interesante cómo se presenta el duro contexto socioeconómico de los pescadores). La película logra buenos climas, no cae en subrayados ni sentimentalismos, aunque -quedó dicho- la resolución es un poco obvia y consdescendiente. De todas maneras, estamos ante una más que digna primera película de una directora con un futuro enorme, especialmente luego de haber cosechado con esta pequeña producción más de 250.000 entradas en los cines franceses.
Vigilar y castigar No entiendo a la mayoría de los críticos norteamericanos (no todos; hay honrosas excepciones como Manohla Dargis, Roger Ebert y Peter Travis) que destruyó a este nueva película de Clint Eastwood porque, coincidían casi todos, sería demasiado sensible y condescendiente en su retrato de J. Edgar Hoover, quien durante casi cinco décadas (de 1924 hasta su muerte en 1972) dirigió con mano dura (muy dura) el FBI. Yo creo, en cambio, que la película no es tan positiva hacia el protagonista como se quiere creer y que en realidad lo que les molestó a tantos colegas detractores es que no fuese explícita, enfáticamente crítica hacia la carrera del despiadado y megalómano funcionario, que resisitió a fuerza de chantajes y extorsiones a ¡siete! administraciones presidenciales (Coolidge, Hoover, Roosevelt, Truman, Eisenhower, Kennedy, Johnson y Nixon). Lo que Eastwood no hace (y para mi gusto es uno de los grandes méritos del film) es juzgar a JEH. Explora tanto su vida privada (la sumisión hacia su madre, la relación homosexual nunca explicitada con su principal asistente) como su faceta pública (desde los sonados casos del asesinato de John Dillinger hasta el secuestro y muerte del bebé del famoso aviador Charles Lindbergh), pasando por sus aportes a la investigación forense, el uso científico de las huellas digitales, el archivo sistemático de los antecedentes de las personas y su obsesión por vigilar y castigar a todo aquel que cometiera algún desliz según su rígida estructura moral. Que Eastwood es un notable narrador clásico (sus películas fluyen siempre sin esfuerzo, incluso cuando aquí recurre todo el tiempo a la voz en off del propio JEH, a innumerables flashbacks y a nutridas capas de maquillajes para avejentar a los personajes) no es algo que yo vaya a descubrir aquí y ahora, pero el maestro lo logra con un género bastante riesgoso y hostil como la biopic y con un ambicioso guión de Dustin Lance Black (el mismo de Milk) que aborda desde el amor sublimado hasta la doble faceta contradictoria de represor-reprimido del protagonista. Di Caprio está muy bien en este verdadero tour-de-force actoral en el estilo de estrella clásica de Hollywood (el mismo de Titanic o El aviador), mientras que también se lucen en papeles secundarios Judi Dench como su tiránica y manipuladora madre; Naomi Watts como su fiel secretaria y, sobre todo, Armie Hammes, como Clyde Tolson, el subdirector del FBI, compañero y confidente de toda la vida de JEH. Un elenco a la medida de una película que recorre en poco más de dos horas buena parte de la historia estadounidense del siglo XX de la mano de un gran (y sabio) cineasta.
Señora de todos Suerte de historia de misterio en la línea de Agatha Christie (una mujer aparece muerta en la escena inicial y luego cada uno de los hombres que la frecuentaban podría ser el asesino), Domingo de Ramos mixtura sin demasiada suerte ni equilibrio diversos géneros, tempos narrativos, climas y estilos actorales. La narración de la película va y viene constantemente durante un lapso de pocos días (estamos en época de Semana Santa) y, a esa idea, Glusman y su coguionista Daniel López le suman múltiples flashbacks en blanco y negro (decisión estética bastante obvia). El film pendula del más absoluto naturalismo inicial (el encuentro del cadáver y el inicio de la investigación) al grotesco, al patetismo y al costumbrismo pueblerino que remiten a un cine argentino bastante demodé, con personajes secundarios (el jardinero, el vecino, las dos viejas chismosas) que poco agregan a la trama. Aunque la película gana un poco de suspenso en la parte final (cuando debe resolverse la intriga) y el director apela a una constante cámara en mano para largos planos-secuencia con la idea de darle al relato una mayor tensión, ya el interés por la suerte de los protagonistas y por el desenlace había sido dilapidado por una película bastante torpe, desprolija y desarticulada, con unas cuantas situación que caen en la más absoluta arbitrariedad. Una pena porque Cien años de perdón (1999) había sido una prometedora ópera prima de Glusman.
Elegante narración que combina lo detectivesco con la mirada nórdica sobre familias burguesas Con películas como Alien 3 , El club de la pelea , La habitación del pánico y Red Social , David Fincher se ha convertido en uno de los directores más admirados del cine norteamericano de las últimas dos décadas. Si bien ha incursionado en todo tipo de géneros y temas, el thriller de asesinos seriales (con sus ambientes sórdidos y sus variadas perversiones humanas) parece ser una de sus especialidades, ya que tanto Pecados capitales como Zodíaco se ubican entre lo más notable de su filmografía. A ese universo regresa ahora con La chica del dragón tatuado , un ambicioso, fascinante e intrincado largometraje de más de dos horas y media de duración que logra sostenerse desde lo narrativo, lo visual y lo actoral con méritos propios, pero que se verá sometido a dos inevitables comparaciones: con la primera de las tres novelas de la saga Millennium escrita por el fallecido Stieg Larsson y con Los hombres que no amaban a las mujeres , el film sueco sobre la misma historia que se conoció hace unos tres años. Que Fincher es mucho mejor director que Niels Arden Oplev no es algo que merezca demasiada discusión, aunque tampoco es cuestión de comparar con lupa ambos films para apreciar qué cambios le introdujo ahora el cotizado guionista Steven Zaillan ( La lista de Schindler ). Cabe indicar que la narración de Fincher es más elegante, estilizada, austera y algo más fría, menos cruda que la del original europeo (de todas maneras, ofrece escenas como una violación anal que están entre lo más extremo que una producción mainstream de Hollywood puede tolerar en la actualidad). En el juego de las diferencias se aprecia una clara intención por dilatar el encuentro inicial entre los dos protagonistas, por otorgarle mucho mayor peso a cada uno de los personajes secundarios y por un desenlace muy distinto. La trama combina la estructura detectivesca a lo Agatha Christie con una mirada bien nórdica sobre las miserias de las familias burguesas en el seno de pequeñas comunidades cerradas (en este caso, la de una isla y con un pasado ligado al nazismo) que remite al cine del Dogma 95 (sobre todo a La celebración ), mientras que Fincher le adosa un sello distintivo al imprimirle una estética más ligada al cine noir . De todas maneras, el mayor aporte de esta saga a la literatura primero y al cine después es el del personaje de Lisbeth Salander, que tan bien interpretaron Noomi Rapace y ahora Rooney Mara. Heroína feminista, vengadora punk, rebelde antisistema, esta hacker e investigadora veinteañera con sus tatuajes, su piercing, su palidez, sus conflictos con el Estado y su inteligencia superior resulta una de las protagonistas más potentes y arriesgadas que invadieron la pantalla grande en los últimos tiempos. A su lado, el periodista de denuncia Mikael Blomkvist (Daniel Craig), con sus problemas con la Justicia, con los grupos de poder y con las mujeres, resulta una contraparte demasiado "normal" y hasta previsible. A Fincher y al film en general se le podrán encontrar reparos (algunos manierismos y preciosismos visuales que no agregan demasiado o ciertos pasajes que abruman en la descripción de las miserias presentes y pasadas del grupo familiar al que los dos protagonistas deben investigar), pero sumergirse en el universo oscuro y perturbador de La chica del dragón tatuado es una experiencia atrapante, un desafío para los sentidos y para el intelecto que vale la pena afrontar.
El gran golpe(cito) Seamos claros y concisos: este película de Brett Ratner es un entretenimiento disfrutable, pero menor, efímero, que se sostiene sobre todo por la categoría de un elenco que está muy por encima de la creatividad del guión en cuestión. Típica película de robo "ingenioso", esta vez con algo de comedia y de "crítica" social sobre los estragos de la crisis financiera, la propuesta de Rattner (con antecedentes en las sagas de X-Men y Rush Hour) se queda a considerable distancia de otros exponentes recientes del género como El gran golpe, de Roger Donaldson; El plan perfecto, de Spike Lee; Atracción peligrosa, de Ben Affleck y siguen las firmas (no olvidemos, claro, la filmografía del gran David Mamet). Un grupo de empleados que trabaja en el mantenimiento de un megaedificio de lujo en Manhattan (tipo Trump Tower) es víctima de los fraudes comeditos por un multimillonario financista a-la-Madoff (Alan Alda). Liderados por el jefe (Ben Stiller) y un ladrón que los entrena (Eddie Murphy), los antihéroes (Michael Pepa, Matthew Broderick, Casey Affleck y compañía) se lanzan a concretar un golpe delirante: robar al ladrón en la mismísima torre, que para más detalles está custodiada hasta por el FBI. Hay alguna vueltas de tuerca medianamente sorpresivas e ingeniosas, una narración profesional (e impersonal) y unos muy buenos actores, de esos que sacan a flote (y realzan) diálogos y situaciones que en otras manos caerían en lo anodino. No sé si eso alcanza para recomendar la película, pero Stiller, Murphy y el resto la hacen al menos bastante más disfrutable.
Nido de ratas Referente tanto desde la dirección (Buenas noches, y buena suerte) como desde la actuación (Tres reyes, Michael Clayton, Syriana) del cine reciente con fuerte y crítica mirada política, George Clooney encarna en su nuevo opus como realizador a un gobernador en plena batalla para ganar la interna presidencial demócrata, aunque el verdadero protagonista del relato es el joven y ambicioso jefe de prensa (Ryan Gosling, una estrella sin techo) que compite por manejar la estrategia con el experimentado asesor del candidato (otra vez Seymour Hoffman). El responsable de la campaña del rival es el gran Paul Giamatti, mientras que esta vez Marisa Tomei no tiene demasiado espacio para demostrar su habitual talento como una incisiva periodista de The New York Times. En cambio, sí se luce Evan Rachel Wood como una seductora voluntaria veinteañera que generará más de un conflicto en el bunker del equipo de campaña. Thriller sobre las miserias, el cinismo, la doble moral, la hipocresía, los abusos, la corrupción y la mentira de la política (y también sobre su poder adictivo y sus nocivos efectos sobre las personalidades más débiles), esta transposición de la obra Farragut North, de Beau Willimon, tiene algunos aciertos (como desnudar a los "progresistas" demócratas), pero al mismo tiempo encuentra limitaciones en su corrección política (sobre todo por su tono de auto-importancia) y en una puesta en escena que por momentos tiene más de teatral y televisiva que de cinematográfica. Su tema y sus intérpretes, de todas maneras, la convierten en un trabajo más que atendible, que contó con Leonardo DiCaprio entre sus productores.