Cuando me comentaron la idea de Walter Mitty, me pareció muy aburrida. Es decir, no me pareció aburrida, sino que me pareció que les iba a costar despegarse del espíritu semi-suicida de ese tipo de historias. ¿Cómo contar una historia de redescubrimiento interior sin caer en el golpe bajo? Tarea difícil. Una tarea tan difícil como la que tuvo 500 Days of Summer para contar una historia de amor de una manera diferente pero igual conmovedora y movilizante. Ellos tenían que demostrarte que toda vida puede cambiar con los estímulos adecuados, o quizás no tanto. Tenés que romper el molde, ser arriesgado, jugártela. ¿Ellos lo habrán hecho?… La increíble vida de Walter Mitty Ben Stiller, yo te banco Es la historia detrás de un ser humano hormiga, anónimo, con falta de habilidad social, trabajador incansable de la revista LIFE, devoto de su lema. Representante de los trabajadores que sostienen una estructura invisible para que los engranajes sigan girando y todo funcionando. Olvidado, relegado, poco reconocido. Ese es Walter Mitty, personaje que le cae como anillo al dedo a Ben Stiller (Director y protagonista). Un Ben Stiller que nos encanta como fracasado que recobra fuerzas, y que nos encanta ver en situaciones utópicamente límites, delirantes y asquerosamente incómodas. Imposible no hacerlo bien para “El Ben”. Es este pequeño hombre, que de vez en cuando escapa de la realidad con su imaginación, quien será responsable indirectamente de la última portada de la revista para la cual trabaja. De él depende todo, y es esa encrucijada la que lo lleva a tomar el toro por los cuernos, levantarse los pantalones, afeitarse las bolas y salir a tocarle el cul* al mundo. ¡Ah! Y además hay una mina en el medio… con un hijo… Skater… Y así es como comienza la historia de un hombre promedio, que se transforma en Simbad el valiente. La increíble vida de Walter Mitty Como cagarla en 3 sencillos pasos Es difícil hablar de esta película porque es muy antagónica por momentos. Cuando arranca, es muy delirante en el sentido de los viajes que se pega Ben Stiller con su imaginación, involucrando a su amada, a los compañeros de trabajo, y a todo el mundo que lo rodea. Ahí había una punta muy interesante. Como contar una historia que ya vi cientos de veces, pero con una perspectiva súper fantasiosa. La idea es refrescante después de haber visto tanta basura repetitiva en el cine. Por momentos llegas a decir “no puedo creer que hayan puesto esta escena en este contexto”. Es realmente motivador y te deja al taco. Ben Stiller construye muy bien el personaje y te crees mucho los escapes imaginativos que tiene. Los cambios son tan abruptos que viajas con él a ese lugar. Escapas junto a él. PERO. Peeeeeeeeeeeeeeeeeero. Y si. Siempre hay un pero. No tarda mucho en caer en el cliché y en olvidarse de la fantasía. Deja entrever el poco aguante que le hicieron a la idea y es como si el capitán hubiera gritado “VIREMOS LA NAVE QUE LE TENGO CAGAZO A LOS ICEBERGS!” Y el barco viró violentamente hacia la dirección contraria. Lejos del riesgo. ¡Lejos de la gloria y el poder de los dioses!… Perdón, me dejé llevar. Pero si, se comieron los mocos. Es muy extraño verlo tan marcadamente, porque ya tenían las cartas echadas y decidieron ir por la cómoda, el cliché, la típica historia del tipo que, sí, la zafa, y el viaje es el viaje, y la fantasía no existe mas. Y el brote de primavera, no solo lo pisó, sino que también lo desplantó. Terrible. Tuvo un destello de grandeza. En un momento pensé que me volaba el marote. Cuando parecía que todo se fusionaba, cuando no entendes qué es la realidad, y que la imaginación. Ese punto es orgásmico. Sinceramente orgásmico y súper disfrutable. Pero al toque me sacaron el dulce y dijeron “¿Sabes que no?, tengo cagazo que no se entienda”. Y ahí te explicaron la papa del asunto. Y todo cobra una linealidad austera y conservadora, tan violenta, que desagrada. La increíble vida de Walter Mitty ¡Este si tiene huevos! 500 Days of Summer. Ese si tiene huevos. Y la comparo porque son casos similares en muchos puntos, no por la temática, ni por los personajes. Sino por el planteo. Se la jugaron en contar la TIPICA historia de amor, desde otro lado, con alternancias en los tiempos, con muchas situaciones jugosas y de a poco te armaron un gran rompecabezas que pudiste disfrutar hacia el final, y te dejó toda la película enganchado, haciéndote bailar por una cantidad de matices sentimentales abrumadora. Y eso es hermoso. Que una película te haga sentir cosas (profundas y no tanto) es impagable. Ahí es cuando todo cobra sentido. A Walter Mitty le pasa algo así. Los viajes que se pega el tipo realmente te hacen despegar con él, no solo por lo inventivo de algunas situaciones, sino por como te demuestra que realmente eso para él es parte de su vida, y no puede estar sin eso. Mismo te muestra cómo la vida en paralelo a esos momentos, sigue, sin ningún sabor, por el costado, muy rápido. Pero te saca el helado en el medio del disfrute. Y no se banca la propia historia que quiso contar. Toma el camino corto. La increíble vida de Walter Mitty Un cuento que no fue Podría haber sido, realmente, la película de aventuras del año. Si, me la juego. Tiene un personaje que cala muy hondo en uno, por similitudes, y ganas de verlo crecer. La filmación y los cuadros y fotografía son DE LA OSTIA. Acompaña mucho a las situaciones que se viven, los paisajes, y ayuda a construir con el personaje principal lo que siente en ese momento. Los personajes secundarios acompañan bastante bien, hasta el punto en el cual empiezan a sobreactuar y caer en cliches mundanos hollywoodenses. En fin, Walter Mitty me dejó un sabor amargo en el paladar. Disfruté una parte, que fue anulada por la última mitad, por su redundancia y su poca capacidad de resolución a una historia de aventuras fantástica. Y no es que no hubiese podido tener toques de humor, drama y esa vuelta pensativa a la vida, porque la tuvo. Pero decidió tomar la cómoda, la comercial, la poco imaginativa. Walter Mitty se quedó sin millas para viajar… justo hacia el final. Y nosotros, que habíamos armado las valijas, nos tuvimos que enrollar la bufanda y pedir un remís para volver a casa… La increíble vida de Walter Mitty El Dato Colorido de Goldstein! El film está basado en una historia corta de James Thurber (1894 -1961) periodista, cronista y dibujante (de algunas tiras cómicas) de The New Yorker. Esta historia fue uno de sus escritos mas conocidos que tuvo alto impacto por aquel entonces, quizás por el contexto social en el que se vivía. También reescribió una de las grandes obras de Edgard Allan Poe “The Raven” pero desde la visión del cuervo. Un enfermito el pibe. En 1947 fue llevada al cine por Norman McLeod, en donde Walter Mitty tenía estos viajes también y un contexto similar, pero era un tanto más extremo, involucraba conspiraciones, viajes a tierras lejanas y demás yerbas. Quizás en un tono más humorístico que la actual, pero igualmente les dejo el tráiler para convencerlos de que traten de conseguirla para verla.
One ring to rule them all Desde que nació la idea de llevar a la pantalla grande la Creación de nuestro ya querido Tolkien, “The Hobbit” estuvimos más que cautivados por este proyecto. Sin dudas el universo que dejo planteado la Trilogía de P. Jackson, nos hacia imaginar el mejor escenario para el desembarco de nuestros queridos personajes en otra gran aventura. Podríamos decir que Peter Jackson formo su propio anillo de poder, maldito bastardo. Digamos que tenia allanado el camino para continuar con su supremacía en el mundo Hobbitense, Tolkiano, RPGiano, Dungeons&Dragoneano, y todo aquello que nos recluya de la luz solar y nos sumerja en ese mundo semi-medieval, divino y mágico lleno de criaturas preciosas y peligrosas, legendarias y lejanas… una nerdeada, bah. A esto podemos sumarle el condimento especial de haber tenido cierto apego especial para con los personajes, lo cual llevo al publico a enamorarse de esta historia y de este mundo. ¡A tal punto de bancarse más de 9hs de cine en su versión extendida! Giveme that sugar baby! También podemos hablar de una falta importante en el abordaje a este mundo por parte del cine, en donde P. Jackson desembarco como en Normandía, por tierra aire y mar, con la Trilogía El Señor de los Anillos, y sin dudas dejo para siempre su marca y punto de referencia tanto hacia atrás como hacia adelante. Por ende, con todo este escenario preestablecido y todos esos pequeños muestreos de imágenes, diseños de personajes y parajes que iban apareciendo, nuestro corazón se iba preparando para lo que seguramente sería una gran aventura… épica por supuesto. El Hobbit: Un Viaje Inesperado La problemática de los anillos viteh. Para encarar el relato junto a ustedes, podríamos separar el trigo en dos grandes grupos, o mejor aún, para seguir con este mundo tan cautivante, sumerjámonos en analogías que nos hagan sentir inmersos en el. Entonces… Podríamos separar el grupo en… Digamos… Elfos y Humanos. Los elfos son los que tuvieron la gracia divina de poder leer The Hobbit y disfrutarlo desde el prologo hasta su final. Y los Humanos, pequeños y mortales, que no tuvieron el apoteótico coraje de leer el libro. Fuck Yeah. Entonces, deliberadamente, la película tiene dos grandes grupos de impacto, aquellos que reconocen la esencia de lo que transmitía el libro y los que la disfrutan como un mero capítulo de la saga de la tierra media. Habiendo reconocido “La problemática de los anillos”, podemos decir que esta producción rescata los valores más importantes y únicos que tiene la entrega literaria de “”The Hobbit” y esos son el espíritu de aventura constante, el peligro naive que es realmente cautivante a lo largo de toda la lectura, el enamoramiento de los personajes que sin duda a uno lo llevan a ser un enano más en la famosa “compañía”. Sin vacilar puedo decirles que la película toma eso, aunque reconocerán innumerables momentos en donde la película articula extractos del libro tomados en forma literal con algunos no tan presentes en el libro, necesarios para armar la trama y el relato cinematográfico. Mas allá de eso, merecen la atención de todos nuestros sentidos, ya que van a emprender un viaje al mundo de la fantasía que no se van a olvidar jamás. “¡Hay qué emoción! Armo las valijas gordi?” El Hobbit: Un Viaje Inesperado “Hola soy un Paladín LVL 32” Quizás haber esperado una película que se desprendiera enteramente de la trilogía original era un error. Lo sé. Pero la sorpresa fue grata. Acá Peter Jackson nos muestra otro tipo de estructura de película de Fantasía, dentro del universo de la tierra media, pero es quizás menos solemne, y se la juega un poco más en rescatar algo en el espectador diferente a lo que ya traía consigo. Tal conjuro nocturno para invocar golems de tierra. Ejem. Seria de orco decir que la película “es más infantil” porque se quedaría corto en descripción. Lo que tiene la producción que nos trae Peter Jackson es eso que pudimos saborear quizás en Tin Tin, un aspecto mucho más lúdico de los personajes para con su historia y su rol en la tierra media, obviamente no es una aventura de “Mickey y los amigos trolls”, pero es un tanto menos dramática o épica que las demás entregas de El Señor de los Anillos, pero no menos disfrutable. Siguiendo con esta idea, quizás ese es el punto más destacable de la película, el momento en que nos dimos cuenta que termina y que fue un viaje agitado, con diferentes encontronazos con animalejos y criaturas de la tierra media, con las costumbres de los enanos de las cuales nos empezamos a sentir inmersos para llegar a sentir la cerveza chorrear por los vasos de madera al chocar. Aunque también es su principal falencia, ya que muchos fueron e irán a buscar o encontrar otra aventura más que épica, con discursos heroicos y personajes legendarios, pero Gandalf en un momento de la película resume de manera ejemplar el porqué Bilbo Bolson es el 14° integrante de esta compañía. Y esa es la llave para entender esta aventura. El Hobbit: Un Viaje Inesperado “¡2 Peso’ el anillo 2 pesoooo’!” Creo que en esta entrega Peter Jackson soltó un poco más la mano, y se libero un poco más en este mundo eterno de la tierra media. Aprovechó los vericuetos de la historia para fortalecer el espíritu de la película, pero se tomo muchas licencias notables y hasta molestas en ciertos puntos, las cuales a los Hardcores RIngers seguramente les dé por el centro de Mordor. La película en un momento peca del clásico síntoma de lapeliculaquenuncaparadetenerunaescenariesgosatrasescenariesgosa” plaga que liquidaría al cine en el año 2056. Un síndrome que no nos deja respirar o disfrutar de ciertos momentos calmos de la película o no nos deja macerar algunas ideas en nuestras retinas, y de golpe pasa a otro cuadro, a otra escena, a otro quilombo con orcos, trolls, goblins magos y la recontra mar en coche. Ese es el punto más flaco de la historia pero nuevamente es su principal virtud, ya que de las 4 películas de esta saga puedo decir que es la que más rápido se me paso. Me apura Balin para terminar el anoche vi porque tenemos que ir a buscar unas minas de oro para forjar una armadura. En fin amigos, si tienen ganas de disfrutar una aventura RPGiana un tanto rockandrollera dentro del mundo de la fantasía y la anarquía de clases olvidadas en los mitos de la tierra media, esta es su película. Preparense para sentir que están tomando cerveza con los enanos y cantando las canciones de sus ancestros con ellos… “Ohhh oommmm ommmm ooohhh… Hic!”
Cuando el terror es verdadero Seguramente lean a continuación algo más que un “Anoche Vi”. Seguramente lean una porción de historia perfectamente retratada, seguramente lean una exhalación del tiempo prohibido y vedado, leerán sobre el dolor, la pasión y el verdadero Terror. “Aparecidos” nos transporta mas allá de las fronteras de una película, tocando fibras sentimentales en el Argentino, fibras que son delicadas y respetadas, fibras que en armonía nos provocan el llanto del dolor crudo. Pudieron demostrar que el “terror” no es un mero género del cine. Encontrados los dos hermanos, Malena y Pablo (Ruth Díaz y Javier Pereira) para poder ir hacia Argentina a firmar el documento que permite la desconexión de las maquinas que mantienen con vida a su padre, que posee muerte cerebral. Ambos, con encuentros y desencuentros personales y todos los conflictos mutuos que pueden existir, se embarcaran en la búsqueda de lo que ellos creyeron que podía ser una aventura, luego de encontrar un diario que relata crímenes que se cometieron hace más de 20 años. En el camino podrán encontrar y descubrir su humillante origen. El planteo parece básico, y lo es. No tiene mayores complicaciones, posee una trama lineal que se desarrolla de manera constante, lógica y ordenada, no presenta crisis o puntas novedosas. Pero he aquí el primer gran e interesante conflicto, ¿No era de Terror? Si, una vez más nos encontramos con una película de género que no es todo lo que dice, sino que es más. Abarcando temáticas crudas familiares, conflictos protagónicos de personalidad y por sobre los demás puntos el dolor de la perdida, sea de uno o ajena. Nos encontramos con una mezcla tan yuxtapuesta como interesante, tan antagónica como lo presentado en el film. Si, la trama central es básica, ya lo dijimos, pero son estos aderezos lo que hacen al guion, una verdadera historia, la cual cierra perfecto hacia el final, no dejando cabo suelto por atar. Tropezamos con ciertas fallas en el relato, fallas técnicas quizás, que para nosotros son inherentes al desarrollo del mismo. Es abrumadora la cantidad de temas que se tocan, pero están tan bien medidos y colocados en la trama, que desarticulan este género de terror, y lo transforma en un policial negro, o un drama de golpe bajo, o por momentos, el más crudo de los documentales. aparecidos Poderosa escena de "Aparecidos". La historia que es historia. Cuando el tema de la dictadura es tratado en un film que no es de índole histórico, suele tocarnos y revolvernos eso que no nos hace bien, pero que es extremadamente necesario tenerlo a flor de piel. Cuando esta temática es tratada el argentino llora, el humano llora. Es por eso también que se hace difícil opinar de “Aparecidos”, no podemos ponernos en los pies del espectador virginal, quien nunca se empapo de testimonios, filmaciones, juicos o documentos. No, no podemos. Está arraigado como sentimiento nacional, como dolor nacional. Más allá de eso, el mezclar los espíritus con el pasado y el presente, hace funcionar de manera subliminal lo que paso en el país. Aunque hacia el final, se les va a piantar un que otro lagrimón, se los aseguro (Ultrasensibles (Como yo.) abstenerse). Es interesante como el director y escritor Paco Cabezas, toma decisiones creo yo pensadas y diseñadas para generar un mejor producto o un mejor relato en la historia. Que ninguno de los personajes sea argentino, creo yo es una decisión. Esto genera un mayor desapego o desarraigo a lo largo del relato que hace hincapié en el desarrollo de la temática super-natural o los gags que hacen de esta en parte, una producción de terror. Hacen que la fibra del argentino no vibre constantemente en esa sintonía, sino que te dispare a seguir el guion del film. Y llegado el final, notamos una clarísima intervención en mostrar acentos, relatos, historias y accionares de personajes nefastos y personajes benignos, con una tonalidad que nos hace temblar o enternecer. Decisiones difíciles. Definitivamente la decisión de relatarla desde dos extranjeros en su país no es sencilla. Cuesta en su adaptación, en su convergencia natural, en su búsqueda personal. No es fácil, pero está bien lograda. Las actuaciones no son de las mejores, pero son las necesarias para estos papeles en donde realmente no hay un protagonista más allá del guion central. A sabiendas de que se catalogaría como una película de terror, creo que es una decisión no usar latiguillos típicos de este tipo de narración fílmica, es lo que hace que salga tanto de lo genérico y se transforme en esa mezcla que antes mencionamos. aparecidos2 El deber llama. No es sencillo mostrar sensibilidad, crudeza, suspenso e historia, todo al mismo tiempo, y esta película lo logra muchas veces en un solo plano. Uno no sabe en ciertos momentos porque siente miedo, y eso es terror, dudar de lo que ves y de lo que sentís, saber que la ficción es realidad y que por momentos son sentimientos cercanos. Sentirte reflejado en los accionares y en los pesares es un terror medular, imposible de no comentar y de olvidar. Paco Cabezas puso todo lo que tenía en estas decisiones, y se ve reflejado en el final, ese final apoteótico y tan simbólico. Tan fuerte para el Argentino empapado de historia. Tan lógico para nuestros años de odio. Sin dudas una pequeña lomada en el género del terror que asoma, digna para tener en cuenta y tomar nota. Por momentos puede hacerse predecible, pero dejaran eso de lado para poder seguir viendo lo que viene. Ojala existieran mas exponentes dentro del “genero del terror” que nos presentaran cosas diferentes, tan abarcativas y plurales como lo es “Aparecidos”. NO OLVIDES… Ver esta película.
El verdadero fin del mundo. Una vez más, de la mano de Roland Emmerich, se vino el fin del mundo. Pero esta vez al parecer va en serio. Cumpliendo (casi) con el calendario maya que pronostica la alineación de la tierra con el centro de la galaxia, se extiende el guion e historia principal de esta, particularmente gastada, película. Una serie de sucesos darán a conocer este avenimiento del hecho concreto, que desatara terremotos, maremotos, movimientos de placas tectónicas y el hundimiento o inundación de la gran parte de la tierra. Un problema pequeño. “¿Qué hará la humanidad para salvarse?” seria la pregunta adecuada, pero la verdadera pregunta del millón es ¿Dónde están las salidas de emergencia de esta sala? Sin dudas Roland Emmerich tiene una fijación con la destrucción de la raza humana. Ya lo vimos en sus producciones anteriores (Como puede ser “Independence Day”), que sus tramas cumplen una receta. Tomamos una escena cotidiana de la vida normal, mientras paralelamente se hace un gran descubrimiento, que terminara siendo el fin de la raza humana, o por lo menos potencialmente hablando. Mientras uno u otro suceden, te muestra cómo se desarrolla el otro por separado, y así sigue, hasta que se cruzan ambas historias (prácticamente en minutos, en cada entrega vemos como esto es más rápido), y se desata el conflicto “final”. Los personajes tienen un que otro latiguillo para funcionar en la pantalla y mismo en la película. Sin mayores profundidades. Está claro, que todo esto es acompañado por la mayor parafernalia y secuencia de imágenes prefabricadas, habidas y por haber en el repertorio de Emmerich. En fin, más de lo mismo. 2 Tipica escena de Roland, con la tipica corrida y con el tipico fondo apocaliptico. ¡Vamos! No sos vos, soy yo. Seguramente, como debatimos en el mini-podcast de estrenos “2012” no era una película a tener en cuenta por su profundidad y racionalidad a la hora de contar una historia o diagramar el guion. Obviamente nadie esperaba eso, y la mayoría de la gente va a mirarla “por los efectos” (una expresión que francamente ya me duele escuchar). Y les digo algo, ¡No lo vale! No señor. Es una tortura tener que bancarse más de 120 minutos de película para ver algo que, sinceramente, lo puedo imaginar mejor. Puedo decirles que uno no ve tampoco lo que quiere ver. Sin duda hay escenas apocalípticas bastante impresionantes, pero no equilibran la balanza. Creo que en esta entrega (ya que bastantes veces hablamos de quiebres en los “géneros”) va a haber un quiebre, pero hacia abajo. La gente ya no puede ir a ver cine simplemente por los FX. Es muy difícil mantener al espectador entretenido hoy en día solo con eso, necesitamos historia, desarrollo de personaje, algo con un poco mas de contenido. En la generalidad si, seguro va a recaudar… ¿Pero será un buen producto? O más importante aún, ¿Les interesa que sea un buen producto o una buena película? Creo que no y las pruebas las tenemos al alcance de la mano, nos basta con comprar un ticket e ingresar a la sala. Por eso es que decimos que hay un quiebre, estas películas van a dejar de funcionar como quizás en su momento funciono “Día de la Independencia” (que es remotamente mejor que “2012” pese a que no me convenza del todo), ya no funcionan así porque se hizo parte integral de la cotidianeidad del cine los FX, y ya no es novedad, no logran algo importante en nuestras sensaciones o sentimientos. Quizás la vuelta de rosca en lo que es “FX” del siglo XXI esta en contar una historia, en el desarrollo, en tener en cuenta al espectador y su mundo. Quizás un buen ejemplo puede ser, salvando distancias astronómicas, “Fantastic Mr. Fox”, en donde, a pesar de muchos, sigue siendo FX el Stop Motion utilizado para contar algo interesante y con contenido. En fin, “2012” en este sentido es un producto hueco, un holograma de las viejas películas que si solo se iban a ver por el gran despliegue de FX, pero hoy dejaron de ser novedad, y si no pueden Photoshopear bien un afiche, ¿Que podemos esperar de un fotograma en la pantalla grande? Podemos esperar el fin del mundo. 1 Escenas de la proxima entrega de Emmerich: "End of the Universe" Problemas Existenciales. ¿Qué buscamos cuando vamos al cine? Respondan con sinceridad. Mucha gente dirá entretención, o pasar el rato de manera amena. Bueno. No vayan a ver “2012”. Lo “entretenido” de la historia sinceramente no alcanza para completar esa falta de guion, de trasfondo. Es mas ni siquiera tomaron puntas interesantísimas en las profecías Mayas como para explotar más el tema y darle más sustento a lo que pasaba. Era un tema como para tratar un poco más subliminalmente, o con alguna bajada de línea sobre la conciencia, pero no, obviamente estábamos esperando demasiado. Volviendo a la pregunta… ¿ Sos un fanático acérrimo de la puesta en escena? Tampoco vayas, te vas a decepcionar bastante. Digamos que prometió y se inflo mucho la película en sí misma, y se olvido de mostrarnos una buena fotografía, una buena puesta en escena de los lugares y de las acciones. No me basta con ver una ola de 600 metros arrasar con el mundo. ¿Donde está la pasión, el sufrimiento, el dolor de la perdida, la melancolía y nostalgia? Es decir, no lo digo de sádico o de descendiente de “HellRaiser”, pero son puntas que uno no puede olvidar cuando trata al fin del mundo como temática central. En fin, mas allá de una o dos escenas “copadas” no vas a ver. La pregunta verdadera es ¿Qué buscan los directores? ¿Que buscan los productores y actores? Es decir, tienen los medios para hacer cada 2 años como mínimo producciones asombrosas, con un presupuesto, recursos y actores monumentales y de proporciones astronómicas. ¿Qué pasa que no lo hacen? ¿O será que nosotros estamos errados y ese tipo de cine funciona en otro lado del mapamundi?… En fin, equivocados o no, necesitamos una historia que seguir, un personaje que sentir, creo que nadie puede sentirse huérfano de director, y seguir pensando que algo vale la pena. Me lleve una gran decepción, no porque esperaba algo, sino porque finalmente cerré mi idea que hay cosas en este sistema de producción que no va más. Ya no hay mas ideas o hay pocas, y si las hay, no llegan. Es tiempo de cambiar la receta Roland. Es tiempo.
Abrochate el cinturón Decime la verdad, ¿Cuántas veces soñaste que estabas en un mundo repleto de Zombies? ¿Demasiadas no? Y así también son las películas que hay sobre este tema, pero no nos cansamos de verlas, y hoy en nuestras manos tenemos “Zombieland”, que presenta algo diferente. Si, vas a ver desmembramientos, golpes atroces a cabezas muerto-vivientes, disparos errados y corridas atroces, pero podemos decir, y dar gracias, que no fue lo único. “Zombieland” no tarda en decirnos como matar un zombie, no nos dice como correr o escapar. No se pierden valiosos minutos de celuloide tratando de explicarnos con acciones “casuales” como se los mata (Algo que realmente ya lo tenemos incorporado como manual). NO. “Zombieland” desde el primer momento plantea sus reglas, plantea un escenario y una lógica de supervivencia. Logra con este recurso hacer partícipe al espectador, y no solo tensionarlo con las corridas feroces y llenas de sangre coagulada. Y estas reglas nos habla tambien de los personajes, de lo que perdieron y de lo que son. Cada regla que eligen usar los define y nos muestra su carácter. Esta herramienta que supieron usar nos brinda mucho más de lo que pudimos esperar. Nos brindan la sorpresa de no encontrarnos con una mera película “gore” (¡Igualmente tiene momentos gore, no se me pongan mal!), sino de encontrarnos con tintes de comedia, romance y hasta un poco de drama en ciertos puntos. Y es esta ensalada con sesos Zombies la que nos cae tan bien. Esa mezcla tan adecuada y medida, tan acertada, que nos permite valorarla mas alla del titulo obvio que posee. zombieland Escenas memorables. Luego de descubrir las reglas, inmediatamente y sin perder tiempo, conocemos el segundo elemento monstruoso de “Zombieland”. Los personajes. Desde sus nombres, hasta sus latiguillos, desde sus diálogos hasta la forma de tratar con su tierra perdida, y finalmente, la forma en la cual interactúan entre ellos y con su entorno. Jessie Eisenberg (Columbus) y Woody Harrelson (Tallahassee), se complementan desde el primer momento. Es más, nosotros queríamos ver esa complementación al instante de su encuentro, ¡Y así fue! “Zombieland” no pierde tiempo en formalidades y va al grano, eso es lo que nos gusta tanto. No tiene vueltas, no se pone cargosa y tampoco es histérica. La parte femenina del grupo interpretada por Ema Stone y Abigail Breslin (Wichita y Little Rock), es también comoda al ver. Uno piensa “Uh seguro en algún momento me van a contar su aburridisima historia” pero cuando llega la “aburrida historia”… ¡Esta bien hecha!, no es densa y se acopla a la generalidad del relato. En fin, los personajes crean un cuarteto en sinfonía, armónico, funcional ¡Y listo para patear traseros en descomposición! Podemos decir también que el director Ruben Fleischer cuido todos los detalles de esta entrega. Se nota la obsesión en el detalle, desde los personajes ya mencionados, hasta en los ritmos en donde SE LA JUEGA realmente y apuesta a momentos calmos cuando los quiere o a momentos de tensión cuando los necesita, no haciendo uso del recurso barato de asustarte cuando estas tranquilo. Esa decisión es fuerte y se hace notar en la cinta. El universo está planteado de manera diferente a lo que es “The Shaun of the Dead”, que apunta quizás a una tipología de zombies más a lo Romero. Estos zombis se apegan mas a la tipología “Dawn of the Dead”, en donde los tipejos moribundos tienen mejor estado fisico que Javier Zanetti, y te corren hasta sacarte todo (Como la AFIP). Esto determina un ritmo en las escenas más que nada, un ritmo bastante abrumador y tensionante, aunque Woody Harrelson se las supo arreglar matando algunos de maneras… particulares. Ya verán. Sin duda es la película Zombie “humorística” (Tampoco vamos a encasillarla porque posee elementos interesantes no solo del genero del Humor) mas dotada de Hollywood, y hasta puedo decir que es una de las películas Zombies menos Zombies del mundo Zombie (¡Doup!), en la cual vamos a encontrar más de un tinte que nos interese. Eso sí, si la doña puede bancarse uno que otro seso saltar hacia la pantalla. zombieland-woodywalking1 Con Woody en este estado, me dan ganas de verlo en "Defendor" también eh. Yapitas Woody Harrelson sin duda es uno de los personajes del año. Logra transmitir todo lo que queremos recibir. Gestos, acento, actitudes, generosidad y hasta ira. Contiene todo lo que ese personaje tiene que tener, y hace en el momento justo lo que queremos que haga. Podemos decir que Woody Harrelson logro tener la versatilidad de los grandes actores, aunque veremos cuantos escalones le falta. Pero esta bastante apetecible. “Zombieland” posee hacia el final uno de los cameos más IMPRESIONANTES jamás visto. No vamos adelantar nada, solo que no es Bob Marley. “Zombieland” es una buena opción para el “fanboy” de este universo post-apocaliptico, para el que no lo es tanto, y para el amante de las buenas películas. Seguramente satisfaga mas a uno que a otro, pero todos van a salir de sus salas muy conformes. Es asi como presentado un mundo perfectamente diseñado, con personajes altamente humanos, nos adentraremos una vez más en el mundo en donde un disparo solo, no nos da seguridad de nada. Bienvenidos a Zombieland.
“Astro Boy”, un robot de la vieja escuela Sin dudas, a medida que pasaban los minutos para este estreno, se nos venia a la mente, sonante y andante el titulo “Teenage Mutant Ninja Turtles” y lo mucho que nos decepciono como entrega animada. Pero, creo yo que como fana a ultranza de estos expertos renacentistas de las artes marciales, les dimos una oportunidad. También rebotaba en nuestras cabezas la posibilidad de ver un viejo anime transformado en hibrido, algo que no sabíamos si era para niños, para adultos, para ambos o solo para entendidos. Esto, como muchas otras veces, tiene que ver con las expectativas, Astroboy no hizo tanto Marketing en nuestro país, pero hubo una sub-raza de adoradores que salieron a las calles: los veteranos padres. Si, una fuerza motriz para esta película fueron los padres y adultos que gozaron la gloria de este anime tan querido en sus épocas doradas (Puedo asegurarlo porque encueste a unos cuantos). Pero para los “jóvenes”, que quizás conocíamos la trama y personajes, pero que realmente no teníamos la experiencia medular de verlo por las tardes, solo podíamos compararlo con experiencias contemporáneas, por eso teníamos miedo, pero no habíamos perdido la fe. ¿Megaman? No pibe, ¡AstroBoy! Un niño incomprendido y a la vez fuera de serie, interesado y motivado por cosas ajenas a su edad, con ojos llenos de tristeza. Un padre obsesionado con la rutina de la vida moderna y la manutención de un ritma de vida humana bastante cancerigeno para nuestro futuro. Gobernantes déspotas e inútiles y una humanidad devastada y quebrada en dos. Aunque usted no lo crea, como decía Ripley, este es el planteo del universo que vemos en el largometraje, duro, real y no tan para niños que era algo que realmente no esperábamos. sq1230-s0340-f0113_c Apoyen a sus hijos, ¡¿Me escucharon bien?! Esa fue sin dudas la primera sorpresa, la segunda es ver un Astroboy respetando parangones visuales y quizás reaccionarios de lo que es un anime moderno oriental. Es decir, se despega quizás un poco del comportamiento antiguo del anime, para dar paso a una evolución y reinterpretación del mismo, lo que le da un espectro mayor en cuanto a la posibilidad de comprension del espectador. La actualidad en cuanto al trasfondo, como puede ser la temática de contaminación y racismo global, a la contaminación y tratos familiares, es maravillosa y pasmódica. La película funciona como una patada de la línea de ataque de los All’Blacks directo al pecho. Es un golpe tan fuerte que no lo podemos controlar ni manejar, y ese golpe es el que da pie a la historia, el que nos permite ser por momentos el Doctor Elefun, y sentir esa esperanza cuando lo ve a Astroboy, y ese sentido de paternalidad ajena que por momentos el verdadero “padre” no siente. Lo que hace tan fuerte el personaje de Astroboy además, es el hecho de nunca demostrar violencia, sino de reaccionar con tristeza, con miradas, palabras y acciones medidas según la circunstancia, lo que nos habla de un personaje adulto, más que de un niño robot. ¡Que bonita Vecindad! Miserias por doquier rodean a Astroboy, tanto en la familia, en los gobernantes de su ciudad, y sus antepasados terrenales. Fieles representantes animados de lo que pasa hoy en día en nuestro querido globo terráqueo. La crítica es tan fuerte y dura que es imposible no largar una carcajada cómplice de vez en cuando. ¿Ejemplos?… Primeramente el rumbo incierto que le dio un gobernante altamente inestable y déspota (Porque no totalitario también), nos hace recordar y rever la postura política corrupta que hoy abunda en todo el globo, como los deseos personales se acaparan y contraatacan contra las meras necesidades. Es asombroso como en 3 o 4 escenas pueden sintetizar un mal que, seguramente, aqueja a muchas naciones. sq1160-s8900-f0136_c EL "Pacificador"... Que ironía. Pero sin dudas, el mensaje más fuerte de la entrega, es que, en un mundo caótico e incontrolable por los adultos, tanto en la “civilización” como en la “barbarie”, los niños son los portadores de la cordura y de la esperanza de un futuro más equitativo, más real y concreto. Por momentos, veía a “La tierra de Nunca Jamás” plasmada siglos a por venir. Back to Action El equilibrio abunda. Tanto la animación como la dirección son buenas. No se abusa del recurso de que Astroboy es un… Robot… sacando así a relucir piruetas, explosiones, destrucción masiva, etc. Es mas, hasta las escenas míticas que en otras manos durarían horas, acá duran lo justo, sin sobrevaluar el recurso y sin darle más importancia de la que tiene. Creando un mundo básico, sin muchos detalles, personajes no tan rebuscados y bastante estereotipados se nos presenta la historia. Esto es importante debido que, como en otros recientes casos (Avatar) nos permite concentrarnos en diferentes elementos, que terminan ganando protagonismo, como las relaciones familiares o la posibilidad de ponernos en la carne robótica de Astroboy por momentos. Sin pestañear les puedo decir que Imagi puso mas empeño en tratar de transmitir una historia, no se quedo en el camino por un segundo en “Astroboy”, nos llega tanto la historia, como la animación que vienen puliendo película tras película. Junto con “Gatchaman”, “Astroboy” fue una de las ultimas producciones que tienen en proyecto, en cuanto a animación computada. ¿Por qué mencionamos esto? Porque nos es grato ver como una empresa que tiene una meta clara puede ir mejorando con los errores (“Teenage Mutant Ninja Tourtles” claramente fue uno, y en muchos aspectos), y puede aprender de ellos. Nos motiva pensar que no solo son motivados por presentarnos animes de antaño o cartoons, solo por atraer a la gente que era fanática, o solamente que la conocía pero vuelve a verlo por la nostalgia, sino que se preocuparon por ser respetuosos, de generar una muy buena adaptación de cada historia. Podemos decir que esto abre un camino más que tentador a la tan esperada “Gatchaman”. “Astro boy” sin dudas, es el preludio de una obra maestra.
¿Figurita repetida o saber contar una historia? Invictus, nos dio un campeón. Muchas veces fue retratada la experiencia de Nelson Mandela durante el apartheid y previamente, en donde toda su lucha, ideales, satisfacciones y desilusiones fueron expuestas en el celuloide. Pero nunca contó con la dirección de Clint Eastwood, o con el protagónico dislumbrante de Morgan Freeman, o con el papel protagonico secundario de Matt Damon. Sin dudas ¡Hubo Equipo!. Allá por los principios de 1990, Sudáfrica se encontraba con un nuevo presidente, votado por las mayorías disminuidas por el poder del Apartheid. La democracia para todos había llegado, y la mayoría de la población excluida se volcó a las urnas. Y se vieron los resultados. Mandela había dejado de ser un potencial mártir, para convertirse en el Presidente de TODOS los Sudafricanos. El escenario que plantea la película es este, con una breve introducción del escenario político, sin hacer un incapie obvio en la discriminación y racismo (mas alla de que estén tratados tan sutilmente que se transforman en piezas destacables de la película), se inmola directamente hacia la trama central. Un viaje por los sentimientos y reflexiones de Nelson Mandela durante la Copa Mundial de Rugby de 1995, usada por el mismo para unir a un país dividido por el racismo y los años de Odio. La historia que plantea Clint Eastwood esta basada en la novela “El factor humano” (Nombre sugestivo), escrita por John Carlin, quien puede sumergirnos en los pensamientos mas profundos de Mandela. Y asi comienza la historia de cómo Mandela, creo un Campeon. Jason Bourne en una misión secreta para.. Nah mentira. Jason Bourne en una misión secreta para.. Nah mentira. El Factor Humano La magia de Clint Eastwood es evidente desde primer momento, en dónde la intencionalidad de sumergirnos en las costumbres Sudafricanas y en la visión del habitante mas marginal, se hacen notar. Es en ese comienzo drástico de la historia, en donde ya nosotros nos colocámos en las camisas del recién nuevo votante, del recién “ex – Oprimido”, y comenzamos a ver a Nelson Mandela como nuestro presidente (¡Eso quisieras!). Y eso es por mano única de Clint. Aunque, vale la pena aclarar, que Morgan Freeman era el único que podía protagonizar este rol, ya que Nelson Mandela, en persona, lo eligió. Dijo de manera textual que el único que podría personificarlo y transmitir sus ideas, era el, podriamos decir entonces que Clint Eastwood tuvo una mano importante. Mas allá que en principio es interesante todo tipo de película que hable sobre la vida de Mandela, podemos decir que ésta no es la excepción, pero tampoco es una reseña histórica o un documental, la cual logra definitivamente separarla del resto. Morgan Freeman siempre charlo con su productor y hacia años que estaban preparados para filmar una película que relatara su vida, pero al ver que realmente toda era digna de retratar, lo cual la haría imposible de adaptar a un film, decidieron preguntarle cual era la historia que transmitia de manera mas concisa su forma de pensar, o el pesar de su vivir, y Mandela contesto inmediatamente “…The Rugby World Cup”. Y salió Invictus. Momento envidiado por muchos. Momento envidiado por muchos. Los 4 climas Estas tramas o guiones, por lo general están repletas de momentos de reflexión, lo que hace especial a “Invictus”, es que la reflexión es constante, y la admiración a lo que presentan de Mandela es abrumadora. ¿Por qué es tan destacable esto? Porque es un recurso que se utiliza en casi dos horas de película, y no agota, no cansa y siempre queremos mas. Más allá del elemento que hablábamos previamente, en donde Clint Eastwood nos pone en carne del habitante de sudáfrica, podemos destacar también la fotografía de la película y el diseño de las escenas. El simbolismo que hay en algunas partes de la trama, conjuntamente con la violencia con la cual nos atraviesan esas imágenes es… especial. Es impresionante volver a ver en una producción, momentos que se toman los ejecutores de la misma para decir “la verdad que no se si les va a gustar, pero me la juego por esta imágen”, y la ponen, habla de una perseverancia y decisión valorables. Las ganas de Clint Eastwood de hacernos llorar son obvias, el tipo no puede vernos serios, nos tiene que hacer cambiar desde la sonrisa mas fiel al llanto mas infantil, y asi hacernos sentir que somos la persona mas ciclotímica del planeta, y por eso… Te aplaudo de pie. invictusfg ¿Objetividad Nula? Como hemos debatido arduamente de las fibras dramáticas o emocionales que una película pueda tener, se complica elaborar una opinión de Invictus que sea realmente abarcativa. Por un lado no es el típico ejemplo de “Pornografía dramática”, no tiene golpes bajos, pero nos emociona con los mensajes morales, los mensajes de valor y las enseñanzas de vida. Una vez anulada la posibilidad de catalogarla como un gore dramático, ¿ Qué es lo que a uno lo lleva adelante en sus loas? Quizás en este caso fueron dos cosas primordiales. En primer lugar una conjunción de actores que funcionaron entre si, como también las formidables interpretaciones de sus papeles. El otro punto puede ser lo valorable de no haber caído en el mensaje fuertemente dramático, y concentrarse en otro lado de la historia de la vida de N. Mandela. Esa fuerza en las ganas de contar una historia diferente se nota en la pantalla. Les garantizo que no se van a aburrir, y que, obviamente, se van a emocionar.