Anexo de crítica: Contrarreloj confirma que Nicolas Cage ya no se interesa en lo más mínimo por buscar otro tipo de propuestas de mayor riesgo para sus dotes actorales, y que el género de la acción y el tipo de cine pasatista le sientan muy bien y además le suministra a su cuenta bancaria exorbitantes sumas cada vez que pone el cuerpo, los tics y la cara al servicio de la acción y el absurdo en la misma proporción. A pesar de estos notorios desniveles en la trama, ciertas incongruencias y arbitrariedades en la historia, no puede negarse que el film resulte por lo menos entretenido para aquel público que sólo quiere pasar un rato agradable en el cine acompañado de un gigante cubo de pochoclo.-
La trillada cuarta década Con este cuarto opus, Judd Apatow, confirma dos cosas: su incuestionable capacidad para escribir gags o chistes y por otro lado un preocupante reblandecimiento de su posicionamiento políticamente incorrecto cada vez que se trate de hablar o exponer temas vinculados a lo familiar y la institución familia como valor intocable. El problema más acuciante de esta comedia Apatow, Bienvenido a los 40 (This is 40) –a esta altura ya es un género en sí mismo como Adam Sandler- que rescata a dos personajes secundarios de la correcta Ligeramente embarazada (Knocked up) como la pareja de Pete (Paul Rudd) y Debbie (Leslie Mann, esposa de Apatow) es sin lugar a dudas la acumulación de conflictos y el exceso en la duración del largometraje al que le sobran más de media hora y por el que desfilan una batería de chistes buenos, malos, y peores, en claras alusiones a los típicos conflictos de las crisis matrimoniales o de los 40 años. Tanto Pete como su esposa se ven afectados por el avance de la edad y en el caso particular de ella en la negación del paso del tiempo más allá de las frustraciones personales como madre o empresaria de un pequeño negocio, que no puede manejar con holgadez. Además, ambos son padres de dos preadolescentes, Sadie y Charlotte (Maude e Iris Apatow, hijas del director), quienes suman a los problemas de pareja aquellos relacionados con la adolescencia y los conflictos de comunicación generacional, a pesar de tratarse de padres jóvenes y aggiornados. Así las cosas, al derrotero de esta pareja de clase media norteamericana en crisis existencial se le unen un racimo de personajes secundarios interesantes como Larry (Albert Brooks), en el rol de padre de Pete, quien extorsiona emocionalmente a su hijo y vive de sus ahorros sin ningún escrúpulo, o la empleada sexy de Debbie a cargo de la infaltable Megan Fox, quien para este tipo de personajes no necesita ninguna preparación. Pese a algunos aciertos en lo que a comedia se refiere, Bienvenido a los 40 no consigue afianzarse durante las dos horas y quince de largometraje, donde la repetición y la reiteración de fórmulas termina cansando al público como por ejemplo las referencias a la serie televisiva Lost y su final incomprensible.
Anexo de crítica: Pareciera ocurrir que en esta suerte de fiebre hollywoodense por rescatar clásicos de la literatura infantil y adaptarlos a las bondades del cine de acción, con la explotación de la tecnología 3D, la industria a veces peca de ingenua de acuerdo al cuento que se toma como referencia para luego aplicarle la fórmula del maniqueísmo y terminar construyendo el enfrentamiento entre el bien y el mal o en su defecto entre las fuerzas de la oscuridad y aquellas pertenecientes a la luz. Ahora bien, en ese mecanismo que por un lado mezcla el marketing y por otro el cine, la operación de traslación convierte por ejemplo a la pareja de Hansel y Gretel en temibles cazadores o a Blancanieves en una Juana de Arco pop, por ejemplo. Por eso, retomar la clásica aventura del cuento inglés anónimo Jack y las habichuelas, exponente literario de cuento de hadas emblemático, resultaba un tanto desproporcionado teniendo en cuenta que el atractivo de este relato infantil es un héroe, unas habichuelas mágicas y un ogro que custodia tesoros en un mundo vedado a los humanos. No obstante, estos logros en los aspectos narrativo y técnico, Jack, el cazagigantes del director Bryan Singer carece de ingenio y vuelo imaginativo tanto a la hora de construir el mundo de los gigantes como en los momentos de las grandes batallas en los que las coreografías son impactantes visualmente pero no deslumbran. Tampoco lo hace esta nueva versión que parece atrasar dos décadas en relación a los nuevos paradigmas del cine de aventuras.
Y se venía el fin del mundo... La directora francesa Julie Delpy -también guionista en este caso- apuesta por una narración coral en este relato que por momentos coquetea con la comedia de carácter costumbrista para retratar, bajo la representación de una familia de clase media que se reúne en el campo a fines de los ’70, el contexto que marcaba la expectativa sobre la posible caída de la base espacial norteamericana Skylab y el supuesto fin del mundo de acuerdo a las especulaciones del lugar en que semejante aparato se precipitaría. El titulo local Verano del ’79 además propone un interesante mosaico de personajes de época que también obedecen a modelos sociales que pueden mirarse desde el aspecto político más que sociológico. En esa familia que se reencuentra con motivos de festejo del cumpleaños de la abuela Amandine (Bernadette Lafont), en la tranquilidad bucólica de la Bretaña francesa, aparecen algunos parientes de derecha y otros de izquierda para enfrentar ideologías mientras las diferencias generacionales se terminan reflejando entre los niños y los adultos. En el caso de los infantes se destaca el protagonismo de la pequeña Albertine (Lou Alvarez), niña sabia que vive con unos padres liberales interpretados por la propia Julie Delpy junto a Eric Elmosnino. La educación poco ortodoxa de la pequeña precoz contrasta con la de sus primos, quienes pertenecen a familias menos amplias y más rígidas en sus conceptos educativos y políticos. En los papeles correspondientes a los ancianos realza por encima de sus compañeros de ruta el abuelo con demencia senil, sobreviviente a la guerra, quien se lleva la mejor escena al entonar la balada de los hombres felices ante sus familiares que miran con admiración, tristeza, respeto. El fuerte del film, por momentos demasiado ambicioso en lo que a propuesta narrativa se refiere, lo constituye el meticuloso trabajo en el guión y en la construcción de un singular y variopinto grupo de personajes, con un peso dramático importante en cada uno de ellos para que nada parezca forzado dentro de la dinámica de esta particular familia francesa, numerosa, graciosa y que seguramente genere empatía en el público con sus simpáticas ocurrencias o peleas a la hora de compartir un momento importante en la mesa. Este tercer opus de la actriz en calidad de directora reafirma su capacidad tanto delante como detrás de cámara y su sensibilidad en la composición de los personajes.
Las islas y sus archipiélagos Si bien la imponente Ushuaia es la geografía elegida para el desarrollo de este drama intimista, La reconstrucción, cuarto largometraje del director Juan Taratuto, quien vuelve a contar entre sus actores con Diego Peretti, acompañado por Claudia Fontán y Alfredo Casero, son en realidad los paisajes interiores aquellos que predominan en la trama del film. En esta propuesta diferente encarada por el director de Un novio para mi mujer; un interesante desapego del género de la comedia romántica trabajado en sus anteriores películas para encarar con audacia un coqueteo con el cine de autor, con un meticuloso manejo de los recursos cinematográficos desde el aspecto del lenguaje audiovisual, prevalece el punto de vista del protagonista Eduardo (gran composición de Diego Peretti), un trabajador del petróleo, parco y con un código de conducta muy personal, quien arrastra en su paso algo desganado un pasado que nunca termina por configurarse pero del que Taratuto se encarga de entregar a través de los ajustados y creíbles diálogos la información justa para que el espectador comprenda ciertos impulsos de Eduardo y su hostilidad manifiesta con el entorno. Eduardo es una isla conceptualmente hablando pero está rodeado de archipiélagos como Mario (un sobrio Alfredo Casero), un viejo amigo que le pide un favor de esos que comprometen y de los que no se puede retroceder una vez aceptado el encargo: sustituirlo durante un tiempo de ausencia tanto en el manejo de su local de venta como en la atención de su familia constituida por Andrea (Claudia Fontán), su esposa, y dos hijas adolescentes (Maria Casali, Eugenia Aguilar, ambas verosímiles en sus papeles como hermanas), atravesadas por los conflictos familiares cotidianos y también en pleno desarrollo de una edad difícil y definitoria como esa, en el particular escenario de la Patagonia. A partir del choque de estas islas en la desolación; en la angustia por la pérdida y durante el "mientras tanto" de un doloroso duelo devenido depresión en el caso de Andrea y malestar e impotencia en sus hijas, Eduardo se sumerge en un viaje iniciático que lo conecta por un lado con un presente distinto al imaginado y con un pasado que necesita ser reconstruido desde los afectos para que el futuro implique la creación de un nuevo puente comunicante para con los otros y lo más importante para consigo mismo. La reconstrucción también se ancla en la reparación de los sentimientos para dejar de vivir aislado, a pesar de los sufrimientos que implica comprometerse con el otro cuando todo parece estar encaminado a un viaje solitario y sin rumbo definido. El guión que Taratuto escribió con la colaboración de Diego Peretti se encarga de abrir el espacio a la reflexión sobre los grandes temas como la ausencia, la soledad, desde el detalle y con el foco en la subjetividad del protagonista, dado que el espectador observa y mira lo mismo que él; descubre también lo mismo pero no siente igual aquel dolor o la frustración de no cambiar, hasta que se realiza el intento. La puesta en escena habilita el espacio cinematográfico para que la distancia entre la cámara y los personajes no contaminen los climas ni tampoco desperdicie el cúmulo de tiempos muertos o silencios incómodos que sobrevuelan constantemente la atmósfera, a veces tensa en el período de convivencia y conocimiento mutuo entre Eduardo y la familia de Mario. Tampoco contamina la mirada de Taratuto el paisaje exterior, aspecto de la imagen muy bien aprovechado por la fotografía, así como la presencia de la luz muy distinta para interiores y en sintonía muchas veces con el estado anímico de los personajes. El nuevo desafío de Juan Taratuto esta vez también como productor marca un punto de inflexión en su filmografía como ocurriera hace unos años con Pablo Trapero y su personal film Nacido y criado, particularmente rodado en locaciones en los confines del mundo donde el bullicio de lo urbano y la monocromía de sus junglas de cemento no existen para poder escuchar otros sonidos de la vida o el propio silencio de la muerte, mientras los vientos de cambio soplan entre la furia del dolor y alivian las heridas del corazón en un abrazo dado a tiempo antes de que sea demasiado tarde. Nunca es tarde para cambiar y Juan Taratuto lo ha entendido pronto con esta gran película.
Tal como sucede con las propuestas de las parodias, una película que solamente se apoye en chistes acerca de otras películas y en este caso particular con la franquicia de Actividad Paranormal rápidamente la fórmula se agota y comienzan las preguntas sobre el porqué de la insistencia de estos productos, que por lo general no se estrenan comercialmente en Argentina. ¿Y dónde está el fantasma? llega con anticipación a lo que va a generar el estreno de Scary Movie 5 donde también se hará mención al grupo de películas que apelan al falso documental tan de moda últimamente y que además han demostrado un agotamiento en cuanto a ideas y aspectos de puesta en escena reiterativos que no conducen a nada. Seguirán existiendo aquellos fanáticos capaces a la entrega de bastantes minutos ociosos por un par de sustos en el cine pero también habrá quienes cansados de lo mismo den la espalda en poco tiempo por lo que la idea de la parodia caduca en sí misma. Michael Tiddes dirige con desgano una trama que abunda en chistontos y escatología, así como recurre a muchas referencias a la idiosincrasia afroamericana, entre ellas a la manera de hablar o expresiones del gueto que realmente ya no causan siquiera gracia. Tampoco las monerías del actor y en este caso también guionista Marlon Wayans acompañado de la bella Essence Atkins, con escasa participación de David Koechner en el rol de cazafantasmas. Pensar a esta altura de las circunstancias en un guión es prácticamente gracioso teniendo en cuenta que la columna vertebral se concentra en los segmentos más relevantes de la saga Actividad Paranormal: una pareja que habita en una casa donde se supone que existe la presencia de un demonio o ente que busca poseerlos y al cual se logra registrar gracias a las grabaciones caseras de un grupo de cámaras instaladas para el monitoreo de toda la rutina hogareña. La excusa para abrir la puerta al humor de trazo grueso; a lo chabacano donde sin lugar a dudas entran los estereotipos surge desde el minuto uno hasta el ochenta y seis y apenas se logran contar con los dedos los chistes elaborados que no recurren a las morisquetas y tics del insoportable Wayans o a las guarradas de sus vecinos como parte del mismo plato que indigesta.
Anexo de crítica En esta nueva adaptación de la novela de León Tolstói pugnan dos películas, la que pretende narrar con imágenes la historia trágica de esta heroína del siglo XIX a contracorriente de los preceptos y códigos de la aristocracia rusa, y por otro lado la del artificio y exhibicionismo con altas dosis de esteticismo que en este particular caso le juegan de manera negativa al realizador Joe Wright, hábil adaptador cinematográfico de otros clásicos literarios como Orgullo y Prejuicio de Jane Austen, pero también responsable de la extraña Hanna. El apartado que debe destacarse es el de los rubros técnicos, aspecto lógico teniendo presente el resultado dispar entre narración y exhibición donde el máximo reconocimiento se lo lleva el vestuario ganador del Oscar a cargo de Jaqueline Durran, quien realmente diseñó ropa de época con una enorme precisión desde el punto de vista histórico. También es justo reconocer el puntilloso trabajo en el diseño de producción en las manos de Sarah Greenwood, sobre todo en la continuidad y cambio de decorados a la par de los movimientos de cámara. Para los cinéfilos que quieran llevarse un buen recuerdo de esta trágica historia de amor el nombre de Greta Garbo personificando a Anna Karenina quedará por siempre y el resto de sus intérpretes femeninas brillarán por su ausencia, del mismo modo que esta fallida versión del inglés Joe Wright.
Anexo de crítica No por casualidad el protagonista adolescente de este nuevo producto que busca ocupar el espacio dejado afortunadamente por la saga Crepúsculo se llama R como el Romeo enamorado de Julieta -aquí la chica se llama Julie- en esta adaptación extremadamente fresca y libre del clásico shakespereano donde Montescos y Capuletos devienen zombies y humanos y la posibilidad de convivir entre muertos que comen cerebros y se apoderan de recuerdos de sus víctimas es posible gracias al amor. Por momentos inteligente, excelentemente actuada por la pareja protagónica y entretenida hasta el último mordisco.
Anexo de crítica A pesar de contar con Statham y su presencia como héroe de acción esta alicaída película donde escasea precisamente la adrenalina y las escenas de violencia necesarias para no aburrir además comete la torpeza de introducir el interés amoroso en la insulsa Jennifer López, elemento más que decorativo para este relato clásico y elemental de venganza con un ladrón que se rige por su propio código de conducta y no perdona a quienes traicionan su nivel de confianza. Nick Nolte tampoco se logra despegar de un personaje vacío como el que le toca y si bien no tiene la intrascendencia de la protagonista femenina su peso dramático es realmente nulo.
Con cama adentro Así como Rodrigo Moreno con El custodio lograba poner en un primer plano a un personaje secundario como el encarnado por Hugo Chávez, su par chileno Sebastián Silva en su opus La Nana –que llega con mucho retraso a las pantallas porteñas tras su itinerario festivalero- hace lo propio con la actriz Catalina Saavedra, artífice absoluta de los logrados momentos tragicómicos de este film, que mezcla la sátira solapada a la burguesía chilena a partir del punto de vista de una empleada doméstica con grageas de comedia costumbrista. Si en Cama adentro, otro film que marcaba la relación amor-odio entre la señora de la casa venida a menos y su decadencia, en contraste con la complementariedad y sostén afectivo desde el rol de la mucama, en este particular caso se da exactamente al revés: la prescindencia del servicio doméstico para la dinámica de una familia con hijos adolescentes y pequeños, un matrimonio donde el padre se dedica a armar como hobby barcos a escala y la mujer a charlar con las amigas, se manifiesta a partir del conflicto con la mucama cama adentro que lleva trabajando para ellos más de 20 años y que ahora denuncia achaques y cansancio, más el hastío de una agobiante rutina de servidumbre: alistar a los chicos para la escuela, llevar el desayuno a la cama, limpiar la casa de dos pisos, lavar la ropa, el baño, cocinar, servir. El rostro avinagrado de Raquel (Catalina Saavedra) ni siquiera se anima con el festejo de cumpleaños número 41, la torta y los minutos en que no debe servir a nadie, algo de vida propia que tampoco los regalos de la señora y el señor Valdes aportan a su mustia existencia de cuatro paredes y novelas televisivas donde las protagonistas sí tienen vida propia; mucho menos cuando se le informa la decisión de incorporar una nueva empleada para ayudarla, dado que su cansancio es más que notorio y su desgano no es muy bien visto por ningún miembro de la familia. La llegada de intrusas es una amenaza latente que ponen a Raquel en pie de guerra, sobre todo cuando los verdaderos dueños de la casa no están y ella se apodera del espacio y maneja situaciones de boicot en cada oportunidad donde ve peligrar su reinado. En ese aspecto es insoslayable el buen trabajo de puesta en escena y el manejo y desplazamiento de la cámara que aporta tensión al relato. El guión, rico en detalles no narrados, bucea la psicología de su protagonista desde su doble rol de dependencia; desde su intrascendente lugar y su invisibilidad que recién se manifiesta cuando sus emociones afloran. No puede pensarse a esta aproximación al mundo burgués chileno como una crítica, con la marcada diferencia de clases, más que como un simpático apunte que se refleja en un puñado de escenas porque el núcleo del film se apoya en los rasgos humanos con un despojo manifiesto de estigmatización tanto de la mucama como de sus empleadores. La Nana es un film lúcido y buen exponente de la nueva tendencia chilena que pisa cada vez con más fuerza e identidad en festivales, algo que otrora era impensado y mucho más cuando el cine argentino ocupaba el centro de atención de las miradas extranjeras como ahora sucede con el nuevo cine chileno.