"Un asunto de hombres" La fiesta silenciosa (2020), es un largometraje argentino dirigido por Diego Fried y codirigida por Federico Finkielstain. Laura (Jazmín Stuart) y Dani (Esteban Bigliardi) van a festejar su casorio en la estancia del papá de la chica (Gerardo Romano). Nervios, ansiedad, discusión. Falta un día para el evento, Laura necesita despejarse. Sin invitación, llega a otra fiesta, silenciosa. Los anfitriones (Gastón Cocchiarale y Lautaro Bettoni) son jóvenes y pegan onda con ella. Arrancó la noche y lo peor está por llegarle a todos. La banda de sonido es muy buena, por las elecciones de fuentes sonoras, la calidad de la grabación y su montaje. La musicalización de Pedro Onetto es estupenda, ambienta las escenas con instrumentos clásicos (violines, violonchelos, piano) y electrónicos. La estética de este thriller consiste en plano-secuencia, travelling lento, primer plano medio, plano general, flashbacks y juegos entre campo y contracampo. La Iluminación en clave baja y la locación (un barrio cerrado) acompañan muy bien a la narración. Notable trabajo en el maquillaje y en los efectos especiales. Lo bueno es que el argumento considera al celular como un arma. Lo malo es que la trama pierde sensibilidad y tensión a medida que avanza. Los diálogos y las acciones de los personajes también devienen lineales. "Con una técnica atractiva, Fried brinda una historia sobre violación y venganza. Si bien no es común en el cine nacional, el resultado es una trama rígida y respetuosa al sub-género."
Visitante Un escape termina en encierro. Los directores argentinos ofrecen un suspense ubicado en el Paraná.“La creciente” (2019), es un largometraje argentino dirigido y escrito por Juan Franco González y Demián Santander; integró la selección del BAFICI 2019 y se estrena en Cine ar TV. Matia (Cristian Salguero) llega de rebote a una isla del río Paraná. Una vez ahí, piensa que está solo hasta que el Correntino (Héctor Bordoni) le marca la cancha: él maneja la isla y le ofrece trabajo y techo. Matia se amolda a las nuevas reglas, a las nuevas caras. En eso conoce a la Gaby (Mercedes Burgos), la hija del Correntino. Ella quiere alejarse de su viejo, Éste quiere que se quede a su lado y se aleje de Matia, ese bicho extraño. El problema es que queda poco tiempo para tomar decisiones: la creciente del río se avecina y barre todo lo que encuentra, sean vacas o personas. La locación es excelente, dado que es un escenario natural desconocido (al ojo porteño) y asfixiante. En ese sentido, la fotografía y el arte nos sumergen en la trama, literal. La cámara en mano, los planos fijos, los planos generales y los planos picados son los recursos recurrentes de la dirección. Las elipsis temporales dan un pulso rápido y legible a la banda de imagen, pero hay momentos en que el montaje de las imágenes confunde. También en algunas escenas de exteriores falta luz, lo que cansa la vista en vez de atraparla. El guión es bueno, se apoya en los silencios, las acciones y las miradas. El argumento destaca por su opacidad, lo que nos obliga a interpretar todo lo que vemos. Los actores son muy buenos, dado que están seguros en sus roles y sus gestos. La banda de sonido es muy buena, dadas las fuentes sonoras elegidas; la música extradiegética, desde lo mínimo, se complementa muy bien con la banda de imagen. Adaptarse al ambiente, ser mal visto y pensar en el escape. "La obra de Santander y González es una gran puerta para conocer y trabajar nuevas geografías en el cine."
Quedándote o yéndote La obra del director argentino relata las actitudes de amigos y familiares hacia la llamada a la guerra. “Ni héroe ni traidor” (2018) es un largometraje argentino dirigido por Nicolás Savignone. Año 1982, Matías (Juan Grandinetti) recién terminó el servicio militar, toca el bajo y tiene novia (Verónica Gerez). Quiere irse con ella a España. En las calles hay rumor de guerra. El padre de Matías (Rafael Spregelburd) desea que su hijo trabaje y suelte el bajo; la madre (Inés Estévez) no se opone a su hijo, desea lo mejor para él. La guerra se declara. Diego, el mejor amigo (Agustín Daulte) del protagonista, se niega a ir a Malvinas. Pablo (Gastón Cocchiarale), el otro compañero, lo trata de cobarde. Matías no se decide, si huir o ir allá. Los amigos no resultan ser quienes decían ser y no todos tienen contactos militares. “Alguien tiene que ir” al campo de batalla. La banda de sonido del film es excelente, denota mucho esmero y juega constantemente con la banda de imagen. El vestuario y la dirección de arte reconstruyen la estética ochentosa y logran muy buenos resultados. Los actores son muy buenos, desde el protagonista hasta el soldado. El argumento es interesante y el guión es regular; los personajes que ofrece son lineales, salvo Diego, Matías y la madre. Los dos momentos interesantes que ofrece el guión se cortan abruptamente, el pulso de lo que vemos, se vuelve discontinuo. La estética tiene una dirección de fotografía interesante, por sus colores y los encuadres de los personajes. Entre los recursos técnicos hay planos generales a altura normal, planos generales en picado, plano medio a espaldas de los personajes, paneos y travelling in. Por momentos se repite el mismo tipo encuadre, no hay variedad. "La obra tiene un argumento original, mejor ir a más." Calificación: 7/10 Ficha Técnica Reparto: Alicia Mabel Pepa - Magda Castro - Felix Agustin Castro - Edgardo Castro Dirección de Fotografía: Ines Ducastella - Agustín Mendilaharzu Montaje: Miguel de Zuviria Director de Arte: Edgardo Castro - Alicia Mabel Pepa Vestuario: Florencia Viton – Edgardo Castro Traducción: Laura Zarebski – Tara Sulivan Subtitulado: Susana Leunda Diseño de Afiche: Andrés Mendilaharzu Dirección de Sonido: Gabriel Barredo Diseño de Sonido: Gabriel Barredo - Guillermo Lombardi - Juan Martín Jimena Edición de Diálogos de Sonido: Gabriel Real Estudio de Postproducción de Sonido y Mezcla 5.1: Monociclo Sonido Producción Ejecutiva: Tomas Guiñazú – Edgardo Castro Asistencia de Producción: Leticia Gurfinkiel – Gabriel “Chacha” Mendoza Productores Asociados: Alicia Mabel Pepa – Félix Agustín Castro Productor General: Edgardo Castro Asistencia de Dirección: Tomas Guiñazú Dirección y Guion: Edgardo Castro Con el apoyo de EL PAMPERO CINE / GEMA FILMS
Un vestido y un amor Clases sociales distintas, un vínculo crece poco a poco. La obra de la directora india es un melodrama simple con elenco eficaz. Sir (2018) es un largometraje indio dirigido y escrito por Rohena Gera. Se realizó a partir de una coproducción entre India y Francia. Ratna (Tillotama Shome) es una joven que enviudó hace poco, abandonó su pueblo para trabajar en Mumbai. Ahí limpia la casa del “señor” Ashwin (Vivek Gomber). Hijo de un próspero ingeniero, canceló su futuro casamiento con su prometida. Ratna quiere ser diseñadora de indumentaria, mientras que Ashwin se enamora poco a poco de ella, pues le brinda a él buenos consejos y conoce sus gustos. El problema es cómo se desenvuelve este vínculo cuando rigen costumbres familiares. En cuanto a los diálogos, intervienen lo justo y necesario; los silencios y las miradas de los actores proponen situaciones atractivas. El argumento del film es bueno, por momentos es redundante y no recurre a acciones inesperadas. El vestuario, la iluminación, la escenografía y las locaciones son excelentes, denotan mucho esmero a la hora de elegirlos; en el paso de una escena a otra se aprovechan muy bien los contrastes entre sonidos y paisajes. En cuanto a movimientos de cámara y tamaños de planos remarco los grandes planos generales, los planos subjetivos detrás del personaje, el travelling in y el travelling lateral. La banda sonora es muy buena, representa las diferencias entre la vida en la ciudad y la vida en el pueblo; por momentos la música solo acompaña la imagen, no suma tensiones. "Aún en esta época pesan las normas sociales. Sin embargo, hay soluciones a esto gracias a nuestra actualidad. Más oscura la noche, más cerca el amanecer." Calificación: 7,5/10
por Rami Pizá "A nuestra memoria" Dictadura, identidad y militancia. En este film aclamado por la crítica, la cineasta aborda su propia historia familiar. Pequeños gestos conducen a resultados impensados. “La casa de Argüello” (2018) es un documental argentino dirigido por Valentina Llorens; participó en varios festivales nacionales e internacionales y se estrena este jueves en el Espacio Gaumont. Luego de recorrer Norteamérica y cortar con su novio, Valentina siente un impulso. Viaja a Córdoba para entrevistar a su abuela Nelly, Madre de Plaza de Mayo; Sebastián, el tío de Valentina, había desaparecido junto a su pareja Diana en 1975. Gracias a las preguntas de su nieta, Nelly menciona la dinamitación de la casa de Argüello provocada por los militares. Las vueltas de la vida: trece años después de ese encuentro una familia del conurbano bonaerense desea construir una casa y se encuentra con los restos de Sebastián y Diana. De aquí en más la historia de los Llorens es profundizada por la realizadora, a través de los testimonios de las mujeres de las restantes generaciones. En cuanto a la estética, el film trabaja con múltiples soportes: fotografías e imágenes de archivo, pinturas y dibujos, filmación casera y grabación profesional. El montaje es el pilar de esta obra y avanza a través de continuidades o contrastes entre el contenido de los planos. La banda sonora y la música denotan gran esmero y transmiten tanta sensibilidad como la banda de imagen. El guión y las locaciones son conmovedores, la narración de la cineasta nos orienta con claridad y simpleza. "El dolor impulsa búsquedas imprevistas. Al encontrar semejanzas con aquellos que menos esperábamos, nuestra identidad se reafirma." Calificación: 10 Título original: La casa de Argüello Año: 2018 Duración: 82 min. País: Argentina Dirección: Valentina Llorens Guion: Alejandro Carrillo Penovi, Leonel D'Agostino, Valentina Llorens Música: Matías Barberis Fotografía: Santiago Melazzini Reparto: Documentary Productora: Atlántico / INCAA Género: Documental
por Rami Pizá Desde abajo El aclamado film relata las astucias y las complicidades de una familia para salir adelante a costa de los otros. Los amores y las catástrofes nos conducen a secretos y revelaciones inesperadas. Parasite,(2019) es un largometraje coreano dirigido y escrito por Bong Joon Ho y Han Jin Won; ya ganó la Palma de Oro a mejor largometraje en Cannes y tiene seis nominaciones en los Oscar, entre ellas, mejor película del año. La familia de Kim Ki-taek (Song Kang Ho) vive con lo justo y necesario en un semisótano, ninguno tiene trabajo. Por esas vueltas de la vida, su hijo mayor (Choi Woo Shik) empieza a dar clases particulares a la hija menor (Jung Ziso) de Park Dong—Ik (Lee Sun Kyun). Él y su familia son nuevos ricos y habitan una casa lujosa. Poco a poco, el resto de la familia pobre ocupa las vacantes ofrecidas por la familia adinerada. Un día la antigua mucama (Lee Jung Eun) de los Park regresa inesperadamente a la residencia fastuosa. De acá en más, se desatan problemas jamás previstos en los planes de todos, incluso de los espectadores. La estética del film es sobresaliente, pues se vale de muchos recursos: montaje interno al cuadro, profundidad de campo, planos-secuencia, rallentis… y la lista sigue. Incluso se hacen referencias a pinturas famosas como La última cena, (1498) de Leonardo da Vinci. El otro pilar de esta obra es la banda de sonido; dado el gran esmero de los músicos y los técnicos, las emociones están a flor de piel y el suspenso flota en la pantalla de principio a fin. Las locaciones elegidas provocan todo tipo de sensaciones al espectador, como el encierro y la apertura, incluso sus olores. El argumento es sólido, avanza a un pulso constante y trata temas de todo tipo: los vínculos con la tecnología, la tolerancia, la otredad y la política internacional. Los diálogos son sueltos, tienen astucia y picante en su justa medida. Los intérpretes son excelentes, pues generan contrastes emocionales en cada escena y aprovechan al cien por ciento las contradicciones internas y las reacciones de sus personajes. "Con el suspenso y el humor negro de Belleza americana, (1995, Sam Mendes), “Parásitos” es un antes y un después en los melodramas cinematográficos; los límites entre lo que está bien y lo que está mal son empujados al máximo. Es más, deja entrever que la vida pasa mientras nos ocupamos en hacer proyectos. Se puede vivir sin pensar." Calificación: 10 Título original: GISAENGCHUNG Título en inglés: PARASITE Género: Drama País de producción: Corea del Sur Dirección: Bong Joon Ho Producción: Barunson E&A, CJ Entertainment Año de producción: 2019 Duración: 131 min Distribuye: Impacto Cine Genero: comedia, drama, thriller Intérpretes: Song Kang Ho (Kim Ki-Taek, PADRE POBRE), Choi Woo Shik (Kim Ki-woo, HIJO POBRE), Park So Dam (Kim Ki-jung, HIJA POBRE), Chang Hyae Jin (Kim Chung-sook, MADRE POBRE), Lee Jung Eun (Moon-gwang, SIRVIENTA), Myeong-hoon Park (Geun-se, ESPOSO DE SIRVIENTA), Lee Sun Kyun (Park Dong-Ik, PADRE RICO), Cho Yeo Jeong (Park Yeon-kyo, MADRE RICA), Jung Ziso (Park Da-hye, HIJA RICA), Hyun-jun Jung (Park Da-song, HIJO RICO), Seo-joon Park (Min, AMIGO).
por Ramiro Pizá "Estar o no estar, esa es la cuestión" Un drama familiar construído desde un vacío demoledor. Preguntas sin respuestas, historias que se repiten y supuestos que se cuestionan. La premiada obra del director belga expone la manera en que una familia se acomoda a los vaivenes de las relaciones personales y laborales actuales. “Nos batailles” (2018) es un film dirigido por Guillaume Senez, escrito por Raphael Desplechin y realizado en una co-producción entre Francia y Bélgica. Nuestro protagonista es Olivier Vallet (Romain Duris), padre de familia y jefe de planta en una fábrica. Mientras su vida pasa por el trabajo y el sindicato, el día a día con sus hijos queda a cargo a su esposa Laura (Lucie Debay). Un día ella se va de la casa y una pregunta llega a la escena “¿Dónde está ella?”. La maestría de Senez está en los encuadres cercanos al personaje; al estilo de sus compatriotas los hermanos Dardenne, -recomiendo ver: "Le gamin au vélo" (2011) respiramos y caminamos junto a los personajes. Desplechin nos ofrece un guion interesante, sus diálogos avanzan con preguntas; lo que se dice no está demás, los silencios incomodan y generan empatía con la pantalla. En relación con esto, la música se ausenta en los momentos de tensión, los deja ser; interviene solo cuando es necesario. Si bien los escenarios y los vestuarios tienen pocas variantes, se aprovechan al máximo y simplifican nuestra comprensión de los cambios en la familia. El capital de la película es la interioridad de los personajes. Duris desarrolla muy bien las contradicciones de su personaje y construye la desesperación con soltura y naturalidad. Lena Girard Voss y Basile Grunberger se complementan muy bien y administran la tensión y distensión familiar como pocos. Las intervenciones de Dominique Valadié, Laure Calamy, Lucie Debay y Laetitia Dosch, a pesar de ser muy cortas, potencian la trama y allanan el camino a nuestras interpretaciones. "Siempre que nos sentamos a ver un film, esperamos que la trama de la pantalla nos envuelva. La obra de Senez llega a buen puerto y suelta sus anclas: los roles ya no se designan desde arriba. Mejor sentarse a hablar, porque evitar pasos al costado hace la diferencia en las batallas." Calificación: 8 (ocho) Título original: Nos batailles Género: Drama | Familia Dirección: Guillaume Senez Productora: Coproducción Bélgica-Francia; Lota Productions / Les Films Pelléas / Savage Film Duración: 98 min. Clasificación: Mayores de 13 Año: 2018 País de origen: Bélgica
por Rami Pizá "A través de la ventana" El film estadounidense relata un viaje al exterior soñado. Gore y suspenso, la “familia” y las costumbres, recorrido al interior y experimentación. “Midsommar” (2019), es un largometraje estadounidense escrito y dirigido por Ari Aster; se realizó a través de una coproducción entre Estados Unidos, Suecia y Hungría. Dani (Florence Pugh) sufre una gran tragedia familiar y el único sostén que tiene es su pareja Christian (Jack Reynor). Mientras ella necesita despejar su mente y olvidar sus penas, él necesita una tesis para terminar su carrera universitaria. Su amigo de intercambio Pelle (Vilhelm Blomgren) le propone a la pareja y sus amigos viajar a su tierra natal (Halsingland, Suecia). La ocasión es ideal, porque en esa fecha se realiza el Midsommar. Pastillas, hongos y hierbas aparecen en el medio, un viaje inicia dentro de otro viaje. El conflicto está en cómo interactúa cada personaje con los rituales del festival pagano milenario. La estética del film está lograda. En primer lugar, reafirma la inmensidad de la naturaleza con simetría, planos generales y distorsión de las imágenes. En segundo lugar, emplea muchos recursos escénicos y técnicos: espejos, ventanas, planos secuencia, track y travelling-in. Y en último lugar, diferencia las locaciones mediante la iluminación y los colores de las imágenes. La historia no es interesante. El horroroso viaje al campo se trabajó muchas veces en cine; un ejemplo es “Straw dogs” (1971) de Sam Peckinpah. Los diálogos y los roles parecen salir de una comedia de horror como “Fright night” (2011) de Craig Gillespie. Los intérpretes de “Midsommar” son muy buenos, saben desarrollar las tensiones y las respuestas al estilo de una escena teatral; las locaciones y los vestuarios son preciosos. La banda sonora incomoda mucho con los silencios y los fade-out, mientras la dirección artística y el maquillaje son excelentes. En síntesis, este film independiente muestra lo horroroso desde dos lugares distintos, tierras nórdicas y tierras estadounidenses. Su contra es trabajar con maneras ya usadas por otras películas del género. Calificación: 6 Titulo original: Midsommar Género: Drama, Terror País de Producción: Estados Unidos Dirección: Ari Aster Films / Parts and Labor Producción: B-Reel Año de producción: 2019 Duración: 145 min Intérpretes: Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, William Jackson Harper, Ellora Torchia, Archie Madekwe, Vilhelm Blomgren.
No te creas tan importante Dos personajes de mundos distintos se cruzan en un pueblo de Francia en los años cincuenta. La ciudad y el pueblo, son los ejes de este drama romántico. “Un amour impossible” (2018) es un largometraje francés dirigido por Catherine Corsini; adapta la novela homónima de Christine Angot. Rachel (Virginie Efra) es una mecanógrafa, tiene veintidós años y vive con su madre (Catherine Morlot) y su hermana (Iliana Zabeth) en el pueblo de Châteauroux. Philippe (Niels Schneider) es su compañero nuevo y trabaja como traductor. Viene de una familia acomodada y es pedante. Gracias a su amiga Nicole (Coralie Russier), Philippe y Rachel se enamoran y tienen una hija llamada Chantal (Jehnny Beth). Como Rachel es de pueblo, él inventa las mil y una excusas para evitar casarse con ella y no reconocer su hija. Rachel inicia una disputa con él y se aleja. Años más tarde Philippe desea verlas, justo cuando ellas empezaron a estar mejor. El problema es lo que se destapa entre ellas durante dos décadas. A nivel de dirección se optó por elegir el punto de vista de la hija para narrar su vida y la de sus padres. El argumento es sencillo y aborda temas sensibles con tacto. Las elecciones de casting son acertadas, los actores son muy buenos y construyen al detalle las trayectorias de las emociones y las acciones. Los recursos estéticos recurrentes son la voz en off, los flashbacks, las elipsis temporales, los primeros planos, los grandes planos generales y los planos medios. Lo malo es que en los interiores no hay variedad de los planos; esto vuelve difícil saber cuál es un momento importante y cuál no lo es. Las locaciones son variadas y encajan bien en la trama; hay un gran trabajo de la realizadora por marcar las relaciones entre personajes y naturaleza. En cuanto al guión, los diálogos están impostados, podían ser más concretos y sencillos. La banda de sonido y la iluminación son buenas y nos adentran en cada situación; aún así, en estos aspectos técnicos no se animaron a ir a más. "El relato de Corsini es una adaptación cinematográfica que trata un argumento denso con tacto."
Verano Ver es poner el acento, ver trae consecuencias. La directora francesa relata una historia sobre un amor obstruido. Ser visto por otro, saber captar las reacciones. “Portrait de la jeune fille en feu” (2019), es un largometraje francés dirigido y escrito por Céline Sciamma; ganó el premio a mejor guión en el festival de Cannes. Año 1760. Marianne (Noémie Merlant) es una pintora francesa. En una clase de dibujo una alumna (Armande Boulanger) le hace una pregunta. La respuesta de la protagonista nos introduce a su historia secreta en las Bretañas francesas; una condesa (Valeria Golino) le encargó que pinte a su hija Hélöise (Adèle Haenel). Ella recién salió del convento, tiene que casarse con un noble de Milán y no debe enterarse que su nueva “acompañante” va a hacerle un retrato de bodas. Marianne, recibida por la sirvienta Sophie (Luàna Bajrami), se instala en su lugar de trabajo y piensa en las mejores maneras de dibujar a Hélöise. El problema es que poco a poco se enamora de su modelo. Tiene poco tiempo. La banda de sonido es muy buena, dada la calidad del sonido captado, las fuentes sonoras elegidas y el empleo justo de música diegética. En este sentido, las locaciones son pocas, son naturales y se trabajan en profundidad. El argumento es sencillo y el guión le da un giro interesante, porque menciona la leyenda de “Orfeo y Eurídice”; esa mención explica parte de lo que se ve en la banda de imagen. Lo malo del guión es que trabaja un conflicto secundario que merece abordarse de otra manera y en otro film. Las actrices son muy buenas, condensan tensión e intención en cada mirada; no hacen ninguna acción de más. La estética es impecable, la fotografía y la iluminación denotan esmero en cada encuadre elegido; las texturas llegan al tacto: olas, fuego, madera, lienzo, piel, ropa, pintura. Entre los recursos tenemos planos detalle, primeros planos, grandes planos generales y juegos entre campo y contra campo. La dirección de arte y de vestuario proponen una reconstrucción de época y llega a buen puerto. "La película destaca por una imagen trabajada y una historia eficiente, atrapa de principio a fin." Calificación: 9/10 Título original: Portrait de la jeune fille en feu aka Año: 2019 Duración: 120 min. País: Francia Dirección: Céline Sciamma Guion: Céline Sciamma Música: Para One, Arthur Simonini Fotografía: Claire Mathon Productora: arte France Cinéma / Hold Up Films / Lilies Films Género: Drama. Romance | Siglo XVIII. Pintura. Drama de época. Homosexualidad. Drama romántico Publicado por Metafilmika en 20:29 Enviar por correo electrónico Escribe un blog Compartir con Twitter Compartir con Facebook Compartir en Pinterest Etiquetas: Céline Sciamma, Cine Francés Les Avant-Premières, Estrenos, FESTIVALES, Impacto Cine, LAURA PACHECO MORA, METAFILMIKA, Portrait de la jeune fille en feu, Ramiro Pizá, RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS