La sinopsis de la película dice: “Operación Cóndor relata el esquema de eliminación de dirigentes suramericanos ideado y ejecutado por las dictaduras de América del Sur con el apoyo y la inspiración de la CIA durante los años setenta.” Con el testimonio de víctimas y expertos en el tema se construye este documental de ochenta y dos minutos de duración que describe de forma militante y sin ningún objetivo de parcialidad la realidad latinoamericana durante las dictaduras militares. Nunca son suficientes los documentales que registren los crímenes horrendos de aquellos años. Pasaron más de cuarenta años, pero mientras haya testimonios de primera mano, el registrarlos tiene valor. Qué además de historias personales aparezca la palabra de personas que se dedicaron al estudio del tema, también tiene valor. Lamentablemente la película no tiene ni ritmo, ni crecimiento dramático y está por debajo de cualquier documental promedio que hoy valga la pena ver. Monótono, no clásico, este film tiene un especial trabajo de doble moral. Al parecer hay dictaduras malas, pero también las hay buenas y hay violaciones de derechos humanos de las que jamás se hablará. Se condenan los actos terroristas… pero contra Cuba, no los cometidos en Argentina, por ejemplo. Esto anula gran parte de la credibilidad de la película. Y aunque están probadas las aberraciones cometidas en Chile y Argentina durante las dictaduras, la propia película las enturbia con su falta de objetividad. Al final, cuando llegan las conclusiones, se establece un paralelo entre las dictaduras militares y la manipulación que hacen los medios en la actualidad. No es sorprendente, seguro que la idea cubana de no permitir la libertad de prensa les parece una opción válida. “Hemos derrotado a las dictaduras” dice Stella Calloni. No habla, por supuesto, ni de Cuba, ni de Venezuela, ni de cualquier dictadura amiga. Un documental que manipula la información a ese nivel, pierde todo el mérito posible que había ganado al denunciar las violaciones de derechos humanos. No se puede dividir las dictaduras buenas y malas. O estamos en contra de todas, o de ninguna. Ojalá en el futuro día se haga una película que denuncie la monstruosidad de todas las dictaduras, no solo la de algunas. No está prohibido hacer documentales panfletarios, así como no está prohibido decir que están faltando a las reglas éticas del género. Una mención aparte merece el video del final que es simplemente una vergüenza. Un papelón de cierre que delata la falta de inteligencia e ideas de los realizadores.
El largometraje de animación para adultos Homeless cuenta la historia de un trío de vagos que han elegido vivir fuera del sistema. Pero su vida y su campamento en la calle se ven amenazados cuando un grupo de ciberterroristas hace colapsar todo el sistema. La población mundial queda en ruinas y es sacado de su congelamiento el gran maestro de la animación de todos los tiempos. Los homeless deberán lucha para reinstalar el sistema, ya que la única forma de vivir fuera del sistema es que este exista. Esa idea además de graciosa, es el punta pie inicial para la aventuras de esta comedia de humor negro y docenas de referencias a la cultura popular. Son varios los dibujos animados transgresores que se pueden observar como modelo para esta película. Pero en todos los casos se trata de animaciones televisivas cuya duración por episodio jamás llegaría a la hora. Y eso lo malo de lo que pasa acá, la trama se alarga demasiado y no hay tantas ideas de guión como para que esto ocurra sin que se resienta el resultado. Qué la película sea una producción entre Chile y Argentina es para muchos motivo suficiente para festejarla, pero el paternalismo nunca es un buen método para hablar de cine. Y todo el mundo de referencias anti Walt Disney y su mundo es tan infantil y viejo que incluso cuando lo hicieron Los Simpson años y años atrás y ya sonaba algo forzado. Pero si uno ama la animación, un poco de capricho contra el más famoso y poderoso es comprensible e incluso justificable entre nerds. Y en cuanto a la comedia negra, con buenos chistes y buenas ideas, tampoco es que la película es algo nunca visto. Hoy por hoy es tipo de comedia ha sido también llevado a niveles más altos. Homeless es una comedia que hubiera funcionado más en televisión que en la duración del cine.
En medio de una pandemia de insomnio que cobra lentamente dimensiones catastróficas, Laura y Augusto huyen de la ciudad en su casa rodante para alejarse del caos. A medida que avanzan por la ruta, el mundo se vuelve un lugar cada vez más extraño y peligroso en esta road movie que se filmó justo antes de que el mundo real sufriera la pandemia que nos puso en la situación que vivimos actualmente. La película, justamente por esto último, no se estrena en cines, sino que va directo al sistema de streaming. Con elementos de ciencia ficción ambientada en un mundo distópico, con elementos mínimos y un presupuesto igualmente sencillo, la película tiene algunos aciertos parciales que lo emparentan con los exponentes más sobrios del género. Aun así, y por más que tenga algunas ideas sueltas, la ejecución de un guión interesante queda lejos de encontrar el rumbo. Demasiado artesanal y básica, nunca entretenida y con actores que no dan nunca en el tono para generar algo vida a la película. Su languidez y falta de drama le juega completamente en contra.
Línea 137, dirigido por Lucía Vassallo, busca visibilizar la alarmante situación que atraviesa la sociedad en relación a la violencia machista. El film cuenta el trabajo cotidiano del programa Las Víctimas contra Las Violencias, un servicio que mediante la línea gratuita 137 interviene directamente en conflictos de violencia de género y familiar y frente a denuncias de violencia sexual en el ámbito de CABA, Chaco (Resistencia), y Misiones (Posadas, Garupá, El dorado y Oberá). El equipo de realización del documental acompañó a un grupo de asistentes sociales y psicólogos que asisten, socorren y acompañan a distintas mujeres que sufren casos de violencia de género, sexual y familiar. No necesitaba la película nada más que seguir a sus personajes para que su discurso fuera contundente y definitivo. Lo que logra con los testimonios está muy por encima de las denuncias dichas desde un ámbito cuidado o artículos en los diarios. Se puede entender mejor lo que pasa a través del trabajo extraordinario de estos asistentes que se enfrentan a una violencia palpable y todavía presente en nuestra sociedad. La difusión de este trabajo debería ser mayor que la de este documental, porque su mensaje es valioso. En lo estético la película busca un cine verdad sin intervención y es perfecto que lo haga. Lamentablemente cae en el error de agregar una banda de sonido para generar climas a algo que no necesita ningún subrayado. Es un misterio porque lo hace ya que el discurso y la búsqueda estética son claras. Cierra también con un mensaje de batalla puntual que le quita potencia a la evidencia de toda la película. El trabajo real y permanente de esta gente reducido a una consigna. En una marcha las consignas pueden servir, en una película que muestra un trabajo tan serio, tienden a bajarle la fuerza. Aun así, nunca está demás un documental que muestre esta gravísima problemática que nos rodea.
Una artista plástica (Ingrid Grudke) es dada de alta de una rehabilitación donde ingresó por drogas y una crisis de nervios. Se va a vivir sola a una vieja casona familiar en las sierras, donde los ruidos y las cosas raras que van sucediendo ponen a prueba su endeble estado mental. Comienza a sospechar de los pocos habitantes del lugar, que parecen estar creando un mundo de conspiraciones en contra de ella. La película pierde el rumbo a pocos minutos de haber empezado y las escenas que se van sucediendo no tienen el interés necesario como para querer averiguar hacia dónde va la trama. Ingrid Grudke, más allá de su fotogenia, tiene un perfil más para la comedia que para el drama y depositar sobre sus hombros semejante guión le termina jugando en contra. En manos de nadie podría funcionar esta película, pero con ella es casi imposible lograr que consiga salvar algo que de por sí no tiene mucho sentido. Actores con más experiencia que ella están igual o más perdidos en sus papeles y sus imposibles líneas de diálogo. Muchos momentos no tienen sentido y tironean a la película en variadas direcciones, pero a medida que avanza la historia empezamos a adivinar que el remate será lo peor de todo. Dicho y hecho, y sin ánimo de contar la trama, el cierre de la película y la explicación son algo que realmente insólito. En películas de cualquier tipo y época, la incoherencia se paga cara, pero en una producción pequeña esto salta a la vista mucho más.
Un sueño hermoso cuenta la historia de Alejandra Podestá quien era apenas una niña cuando fue elegida para protagonizar el último film de la directora María Luisa Bemberg: De eso no se habla. Hasta ese momento, Alejandra había vivido acomplejada en su casa por su condición de enana. El rodaje del film la hizo sentir como nunca antes y le pareció que su vida había cambiado para siempre. De golpe estaba trabajando con la directora más famosa de Argentina, rodeadas de grandes actores nacionales y formando pareja nada menos que con Marcello Mastroianni. Este documental aprovecha para contar quien era María Luisa Bemberg, recuperar su carrera, su feminismo y poner en contexto la obra de alguien quizá para las nuevas generaciones no sea conocida. Bemberg era importante, la película era importante y Mastroianni es una de las más grandes estrellas de toda la historia del cine mundial. Con varios testimonios de personas que participaron en la película y quienes conocieron a Alejandra, la película muestra la enorme soledad y angustia que ella sufrió toda su vida. El vínculo con una madre posesiva, un padre que la abandonó sin conocerla y el deseo de ir más allá de lo que le enseñaron que podía ser. La película es sobria y clásica. Tiene el mérito de recuperar esta historia y exponer de forma clara el sufrimiento de su protagonista. Los audios de Alejandra Podestá son conmovedores y la película emociona. Es verdad que es muy triste el derrotero de su vida, tanto que angustia la película en los tramos finales. Pero al hacerlo construye un discurso contra la discriminación y los prejuicios. Conocer los sueños de una persona es conocer su esencia. Alejandra Podestá cumplió un sueño que miles hubiera querido tener. Al menos por un momento fue genuinamente feliz.
Qué saludable es ver un cambio de mirada en los personajes del cine argentino, pero que pena que este cambio no pueda enmarcarse en una película cuyo desarrollo cinematográfico esté a la altura de sus novedades ideológicas. Hacer la vida tiene una galería de personajes interesantes, novedosos, complejos, al menos en la teoría. La historia de este transcurre en un edificio antiguo donde se cruzan las diferentes vidas de sus inquilinos. Lucy, la hija de la dueña que desea liberarse de su madre y oculta la paternidad de su hijo; La Rusa que quiere encontrar un lugar en este país tan lejos de donde ella viene o Gaby que desea ser una bailarina clásica reconocida. La directora y guionista Alejandra Marino supo elegir un universo de personajes rico y diverso, pero la narración cinematográfica es por momentos muy teatral y la calidad es incluso menor que la de una ficción televisiva de hace cuarenta años. Los actores poco pueden hacer para salvar esta limitación y la falta de fluidez en el relato atenta contra todo el resultado final.
Matía, un joven marginal, llega escapando a unas islas del río Paraná. En un ambiente ajeno, incómodo, intenta rearmar su vida, pero las tensiones que se generan con su llegada lo devuelven hacia su pasado delictivo y a tener que enfrentar una vez más la idea de huir para sobrevivir. El título La creciente alude tanto al paisaje junto al río como a la manera en la que las cosas se van a complicar a toda velocidad, a pesar de la intencional morosidad del relato. Los aires de neo western no llegan a imponerse para construir un relato con nervio. Varios hallazgos visuales destacables son lo más interesante de esta película que juega con los géneros pero no consigue empatía o interés por sus personajes.
El Precio de la Verdad (Dark Waters) tiene el privilegio de estar dirigida por Todd Haynes, el director de Lejos del paraíso y Velvet Goldmine entre otros grandes títulos. No es tan común que un autor tan personal haga un film de contenido político y denuncia como este, al menos no en relación con el tema de la película, que es la contaminación sistemática del medio ambiente por parte de una gigantesca compañía. DuPont Corporation es el objeto de la denuncia y el protagonista de la historia es un importante abogado llamado Robert Bilott (Mark Ruffalo, también productor). Billot fue un abogado corporativo durante años, hasta que un granjero se acerca a él desesperado por lo que está sufriendo su comunidad en West Virginia. Billot acepta el caso porque es su propia madre quien hizo la recomendación de que lo contactaran. Allí la vida el abogado dará un vuelco, porque deberá no solo cambiar de lugar como abogado, sino que además se debe enfrentar a un enemigo que parece invencible. Basado, obviamente, en un hecho real, la película está muy bien narrado y el oficio del director va más allá de cumplir con lo básico. Los actores son de primera línea y la historia avanza hasta lograr picos de drama y emoción verdaderamente logrados. Aunque es posible que muchos conozcan el final de la historia, quien no investigue el tema antes podrá aprovechar, además, un enorme suspenso y varios giros de la trama, los mismos que hubo en la vida real. Efectiva en su denuncia, el estreno de la película hizo caer las acciones de DuPont, no se me ocurre mejor ejemplo de mensaje que ha sido recibido y tomado que ese. El cine, por otro lado, también está presente en esta intensa historia llena de drama.