Buenos Aires, Argentina, 1982. Matías tiene diecinueve años, acaba de terminar la colimba y sueña con irse a estudiar música a España. Sus problemas se reducen a convencer a su novia que se le una más adelante y lidiar con la oposición de su padre. Pero todo cambia completamente cuando comienza la guerra de Malvinas y es convocado junto a sus amigos para ir al combate. Con ese arranque comienzan una serie de dilemas y una división entre los amigos. Uno de ellos está feliz de ir a pelear y el otro está dispuesto a hacer cualquier cosa con tal de evitar ir a la guerra. La película tiene la inteligencia de no hacer bajadas de línea, ni con los personajes ni con el contexto. Pero no alcanza con esto para darle a la película un material que la convierta en una historia interesante más allá de la propuesta. El tema de la guerra de Malvinas fue retratado muchas veces con diferentes tonos y estilo, Ni héroe ni traidor se suma a esa lista mostrando un punto de vista diferente, lejos y cerca de la guerra al mismo tiempo.
Cuando el agente especial de la CIA Jason Jones (Dave Bautista) es degradado a un simple trabajo de vigilancia, es descubierto por la hija de la mujer que debe monitorear, la brillante y valiente niña de nueve años, Sophie (Chloe Coleman) usa su habilidad tecnológica y astucia para encontrar el escondite secreto de JJ cerca del apartamento que comparte con su madre. A cambio de no revelar el escondite del espía, Sophie lo convence de pasar tiempo con ella y enseñarle a ser espía. Esta comedia utiliza una fórmula conocida, la del tipo rudo que tiene que lidiar con un infante. Tanto Arnold Schwarzenegger como Dwayne Johnson ya estuvieron en ese lugar y ahora le toca a Dave Bautista, famoso por su papel en la película Guardianes de la galaxia. Lo que podría ser un film rutinario e incluso insufrible sorprende por ser genuinamente gracioso y poco preocupado por la agenda de puritanismo blando del cine actual. Más parecido a las comedias de los ochenta y los noventa que al cine contemporáneo, Grandes espías hace reír y tampoco tiene problemas para desplegar un humor inteligente y provocador. Obligadamente busca algo de ternura en algún momento pero remata con un buen ejercicio de irresponsabilidad y disparate, lo que corresponde cuando uno quiere hacer una comedia.
Hay una distancia entre las intenciones y los resultados en el cine en general pero en cierto cine argentino en particular. Películas que ponen a nuestro cine en un escalón más arriba por sus búsquedas estéticas, pero a las que finalmente les falta un poco de pulso para alcanzar una narración a la altura de sus propuestas. La sombra del gallo es una de ellas. Una mezcla de drama, policial y western ubicada en una pequeña comunidad a la que regresa un ex policía luego de pasar varios años en la cárcel. Los recuerdos del pasado y una trama policial en el presente se combinan en esta película llena de ideas pero finalmente un paso atrás de un nivel para recomendar la película. Es algo que se da mucho en el cine argentino actual y deja un sabor agridulce entre lo que pudo ser y lo que finalmente fue. Aun así, es interesante la búsqueda permanente de los cineastas por construir un cine argentino que vaya más allá de los lugares comunes del cine nacional.
El agotamiento de algunas fórmulas no tiene que ver necesariamente con la fórmula en sí misma sino en la incapacidad de los cineastas de darle aunque sea una mínima pequeña vuelta de tuerca para que exista la justificación de nuevos acercamientos. Bloodshot está basada en un cómic y a partir de eso se podrían justificar el esteticismo burdo y repetitivo de las escenas de acción. Como quien descubre un truco nuevo, el director repite movimientos de cámara y velocidad para construir efectos impactantes las primeras veces, pero que agotan rápidamente. Vin Diesel, indiscutible en la series de películas The Fast and the Furious, tiene serios problemas para construir personajes interesantes o creíbles que provoquen algún tipo de simpatía. La corporación tecnológica que se queda con el cuerpo del experimentado marine y lo convierte en una máquina de matar, es la misma corporación vista en docenas de películas, con algunos pequeños chistes actuales que no sorprenden ni interesan. Los momentos espectaculares son esos únicos destellos dentro de una película irrelevante.
Una joven editora descubre una novela magistral en una biblioteca de libros rechazados por las editoriales. En este extraño espacio descansan manuscritos en su mayoría impresentables. Pero esta novela extraordinaria tiene un misterio extra: Su autor es alguien llamado Henri Pick, un pizzero fallecido dos años antes. Según su viuda, Pick jamás leyó un libro y nunca lo vio escribir. Cuando la novela se convierte en un éxito de ventas y crítica, un exigente crítico literario, escéptico y obstinado, se niega a aceptar la autoría del autor y sale a buscar la verdad acerca de la novela. Fabrice Luchini protagoniza esta comedia de misterio interpretando al crítico parisino que viaja a Bretaña para descubrir que secreto se esconde detrás de Henry Pick. Tanto él como Camille Cottin, interpretando a la hija de Henry Pick, saben llevar la trama con carisma y timing. Sin embargo, a medida que se va conociendo la verdad la película pierde gracia y encanto. Para terminar en un final pobre que le quita simpatía e interés a una película que en un comienzo parecía más profunda e inteligente.
Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio. Montfermeil, el barrio donde ocurre la acción, es donde Víctor Hugo escribió la famosa novela Los miserables. Ese es uno de los motivos por los cuales la película se llama así. El otro probablemente, tiene que ver con la idea de un castigo extremo a un delito menor. Stéphane intenta ser un policía duro pero decente, sin embargo sus dos nuevos compañeros de trabajo pasan el límite de la legalidad y el abuso de poder en varias situaciones. Esto genera un conflicto que va creciendo hasta que llega el momento en el cual se ven acorralados por un grupo de niños y adolescentes que les arrojan cosas a los tres policías. A todos los conflictos ya existentes se sumará uno nuevo cuando hieren a uno de los niños al intentar defenderse. Al estilo del film Día de entrenamiento la película crece en dramatismo y claustrofobia y su retrato de una Francia urbana en conflicto se vuelve agobiante. Lejos de las postales turísticas conocidas (y con las que abre el film, con motivo de que Francia salga campeón del mundial de fútbol) existe otra ciudad, con diferentes grupos que luchan por el poder y que crecen al margen de las reglas de la sociedad. La película se vuelve solemne en muchos momentos, subraya en otros y deja algunas cosas sin resolver con la excusa de que hay que pensar sobre el tema. Una bomba molotov que no se sabe a quién le explotará y quienes serán los más perjudicados. Pero de todas maneras tiene suspenso, dramatismo, intensidad y está bien retratado el mundo que la película describe.
Guy Ritchie se hizo famoso por sus películas de criminales excéntricos y por un estética barroco muy vistosa, una especie de sub Quentin Tarantino con personajes bien caricaturescos. Fue así que dos de sus películas, Juegos, trampas y dos armas humeantes y Snatch: Cerdos y diamantes lo convirtieron en un director de culto. Sin duda son las películas que mejor reflejan su identidad. Luego se sucedieron otros films en ese estilo y algunas desviaciones del camino producto de su matrimonio con Madonna y sus contratos con grandes estudios. Fue así que dirigió Sherlock Holmes (2009), El Agente de C.I.P.O.L. (2015), El rey Arturo (2017) y Aladdín (2019), títulos desparejos e incluso malos en algunos casos. Los caballeros supone un regreso a las fuentes con su historia de criminales excéntricos e historias absurdas. Mickey Pearson (Matthew McConaughey) es un poderoso traficante de marihuana de Estados Unidos asentado en Inglaterra que desea vender su negocio a un comprador británico a cambio de una fortuna. Por supuesto que todo se complica, surgen personajes y se abren toda clase de subtramas, además de saltos temporales y escenas que se repiten pero desde otro punto de vista. Todo muy ingenioso pero poco novedoso, como una versión muy gastada de los primeros dos films del realizador. Pocas cosas son graciosas y todo lo demás es material ya agotado. Tardó mucho en volver Guy Ritchie y su cine ha sido copiado y gastado a un nivel que ya ni siquiera parece pertenecerle. Del importante elenco el único que consigue un buen resultado con su personaje es Colin Farrell, que se ríe de todo con ganas y con simpatía.
Director de La noche, Edgardo Castro aborda acá una historia al borde del documental que describe de forma minuciosa su viaje a la casa de sus padres con motivo de la navidad. Con un tono realista, observamos una escena donde el protagonista se corta el pelo en una peluquería en tiempo real o hace el largo viaje hasta destino. El calor, el encierro, la incomodidad de un padre que escucha muy poco y una madre obsesionada con una telenovela turca. Las comidas, las charlas, cada momento se describe como si no existiera un guión y, como es esperable, todo se ve absurdo. Castro observa –como director y protagonista- ese mundo al que él solo pertenece en la Navidad. La ternura y la emoción aparecen, pero el tiempo que le lleva alcanzar esos momentos luminosos es demasiado como para justificar toda la extensión de la película. Más interesante que buena, más para el análisis que para el disfrute, la película es más un ensayo que una narración fluida y atractiva.
Pixar Animation Studios se forjó la fama de ser la productora de cine que siempre hacía obras extraordinarias. Sobre los hombres de tres películas de Toy Story instaló esa idea. Pero fuera de aquellos tres films, no siempre Pixar hizo películas tan fuera de serie. Muchas son buenas, muchas mediocres y algunas de regular para abajo. Unidos es una nueva prueba de lo desparejo que de Pixar y la inercia que lleva a festejar todo lo que lleva ese sello. La película transcurre en un mundo que ha dejado atrás la fantasía y se ha aburguesado. Elfos, unicornios y hadas ya no son lo que eran. Ahora viven una cómoda y gris vida suburbana, con los recuerdos cada vez más lejanos de una era de magia. Dos hermanos elfos viven con su madre. Ian cumple 16 años pero su timidez le hace casi imposible hacer amigos. Barley es todo lo contrario, osado, valiente y bastante atolondrado. Ian, que es el hermano menor, no tiene recuerdos de padre. Pero en el día de su cumpleaños la madre le entrega un regalo que les dejó a ambos su padre fallecido años atrás: un báculo de magia. Con el regalo vienen las instrucciones para un hechizo que consiste en traer nuevamente al mundo al padre de los jóvenes, pero tan solo por un día. Ese es el comienzo de una aventura clásica donde ambos emprenden una carrera contrarreloj para conseguir cumplir con el hechizo. En el camino irán descubriendo que debajo de la superficie todavía sigue existiendo un espacio de fantasía con magos, dragones, maldiciones y hechizos. La película es una gran road movie acerca del amor y la lealtad entre hermanos. Pero lo que en teoría se ve interesante, en la práctica es rutina en el estado más puro. Todos los chistes viejos y sin chispa, todas las citas cinematográficas ya rancias y sin efectividad, y una obviedad en la bajada de línea y sus reflexiones que aplaca toda la inteligencia que en algún momento se dijo que Pixar sabía ofrecer. Visualmente impecable, con muchos hallazgos técnicos, pero sin que eso le permita brillar como una gran película.
La mañana del 12 de agosto del año 2000 el submarino nuclear K-141 Kursk, perteneciente a la Armada rusa, sufre un terrible accidente durante unas maniobras, desencadenando dos gigantescas explosiones. Esta historia, muy conocida por todos, es llevada ahora al cine por Thomas Vinterberg en una película de ficción que reconstruye la previa y el momento del desastre, así como sus consecuencias y todo lo que ocurrió después cuando el gobierno ruso pasó de la negación al pedido de ayuda. Thomas Vinterberg pasó de su momento de gloria dirigiendo La celebración a quedar un poco al margen de la historia con películas de menos repercusión. Incluso aquí, con Kursk, su película más clásica, Vinterberg no tuvo la repercusión que un proyecto de esta calidad merecía, incluso con algunos actores importantes en roles pequeños – Colin Firth, Max von Sidow- para llamar aún más la atención. Pero Kursk tiene todo los elementos de un gran film. Tiene todo el drama de una tragedia anunciada, tiene incluso pequeños rastros de humor dentro de la angustia, tiene el suspenso llevado al límite y tiene un trabajo de dirección que consigue captar todas los matices de la historia. Tanto los familiares que esperan con desesperación como los marineros que esperan encerrados en el submarino, todos los personajes conmueven y generan empatía. También está claro que la película es implacable con la burocracia rusa y la orgullosa y fatídica decisión del gobierno de no pedir ayuda a los británicos y los noruegos. La figura del presidente Vladimir Putin salió del guión a último momento, aunque él estaba en el gobierno hacía solo hacer tres meses y el guión era muy favorable en su mirada de él. El padre de Putin fue submarinista y el presidente se tomó las cosas personalmente. Aun así, los mandos de la marina tardaron y la película los expone no solo por esta decisión sino las que hicieron en el pasado. Por otro parte, los británicos son los héroes que no consiguen hacer su trabajo debido a esta traba. La película consigue emocionar es muchos momentos y todo el trabajo dentro del submarino demuestra que Vinterberg domina a la perfección su oficio. Alguna vez alguien dijo que todas las películas que transcurrían en submarinos son interesantes. Kursk parece confirmar esta regla.