En la escena inicial de El hombre invisible una mujer escapa de su moderna mansión frente a la Bahía de San Francisco. Se la nota aterrada porque no quiere que su marido despierte. Es una escena de gran suspenso que consigue pintar por completo la situación. Ella escapa de un hombre que la aterroriza, un multimillonario experto en nuevas tecnologías ópticas. Todo eso se entiende mientras ella consigue a duras penas escapar. Si quedaba alguna duda, al subir al auto de su hermana él viene detrás persiguiéndolas. Versión absolutamente libre pero inspirada en el gran clásico El hombre invisible (1897) de H. G. Wells, la película resuelve con inteligencia dos cosas. La primera es actualizar una historia tan conocida para darle un sentido y un interés renovado, y la segunda es la explicación acerca de la invisibilidad del título. Ambas cosas se logran y le permiten a la película funcionar. La violencia de género en el centro de la trama es una gran idea. Podrá ser oportunista el subirse a una temática tan actual, pero eso es lo que han hecho las películas desde el comienzo de la historia del cine. La historia consigue que la protagonista tenga mucho miedo incluso antes de la invisibilidad del título. Su inseguridad, su soledad frente a un mundo que no le cree, su vulnerabilidad, todo eso funciona para el personaje y para la película. Y en cuando al recurso que hace invisible al personaje del título, también está logrado y se hace razonable para el espectador. A estas dos cosas combinadas se le suma lo mejor que tiene la película y es su desesperante suspenso. Mientras que todos creen que su marido ha muerto, ella está convencido de que está vivo. Ella ve las pruebas de que, de alguna manera, él se ha vuelto invisible y la persigue. Para cualquier ser humano normal esto es imposible, pero tanto para ella como para los espectadores, no hay duda de lo que estamos presenciando. También entendemos porque nadie le cree, pero al tener la misma información que ella sufrimos junto con ella. Lamentablemente el desenlace de la historia no está ni cerca de lograr mantener el nivel de todo lo analizado hasta acá. Se vuelve rutina, explicación, vuelta de tuerca e incluso contradictorio e inaceptable. El hombre invisible pudo haber sido un nuevo clásico, pero se transforma en un film más debido a ese final alargado, forzado y subrayado. Subestimar al espectador no es una buena forma de cerrar una historia. No solo parece que nos tienen que explicar demasiado, sino que además nos bajan línea. El entretenimiento en estado puro se arruina y el contenido ideológico del film que ya habíamos entendido y disfrutado nos lo presentan en un cartel de neón gigante que nos repite lo que ya sabíamos. Una pena, porque todo lo demás está muy bien.
Adaptación del clásico de Jack London publicado en 1903. Luego de un sinfín de versiones cinematográficas y televisivas, llega una nueva interpretación que gracias a la tecnología digital consigue acercarse más que ningún otro a las ideas narrativas de la novela original. La maestría de London de contar una historia a través del personaje del perro Buck durante la fiebre del oro en Yukón se veía siempre entorpecida a la hora de llevarla a la pantalla. London podía contar lo que el perro experimentaba en su interior, como un recurso narrativo de personalización del personaje. Pero cuando eso se lleva a la pantalla la realidad se hace presente y un libro puede permitirnos imaginar un perro y sus sensaciones, pero la imagen nos enfrenta a un perro que no piensa ni vive lo que London puso en él. Por eso el hecho de que Buck, y el resto de los animales del film sean digitales permite jugar –no sin riesgo de artificio- con las ideas del personaje, sus pensamientos y sentimientos. Al comienzo de la historia lleva unos minutos adaptarse, pero el director Chris Sanders no llevar primero por una escena ligera y hasta cómica para que nos relajemos y nos acostumbremos a este perro demasiado perfecto en sus respuestas y acciones. Este inicio muestra una versión para todo público del clásico y es además la escena más liviana de todo el film. Una vez que Buck abandona su vida burguesa en la mansión de un juez y es secuestrado para enfrentarse a las duras tierras heladas del norte del continente la película comienza a tomar forma. Un par de veces se cruzará Buck con su mejor amigo, John Thornton (Harrison Ford), antes de convertirse en compañeros de aventura. Allí es donde el film se toma más libertades, en la creación de ese vínculo y en el pasado traumático de Thornton. Pero sería tener una mirada muy corta el creer que la película no cumple con el realismo. Tampoco cumplía la novela, más allá de la crudeza y la violencia que describía Jack London y en el film está un poco atenuada. Un poco, porque por suerte en la historia hay villanos y Buck es implacable cuando las situación lo amerita. El llamado salvaje (The Call of the Wild, 2020) -o El llamado de la selva como se conoció acá la novela- remite a un universo de películas para chicos no tan chicos con paisajes espectaculares, aventuras inolvidables y también algo de humor dentro de la dureza de la vida en la naturaleza. Harrison Ford está impecable como también lo está el resto del elenco. La elección de un Buck digital podrá producir distracciones pero es la manera más fiel de respetar el libro. Basta ver los films anteriores para ver que el perro no puede nunca actuar lo que el autor puso en su cabeza cuando decidió escribir el libro. El llamado salvaje es la historia de alguien que abandona la vida segura hasta encontrar su verdadera naturaleza. No es la historia de un perro, sino de alguien que ha vuelto al origen. La película, dirigida por Chris Sanders, el mismo realizador de la emocionante y graciosa Lilo & Stitch, es de la clase de historia que ya no se hacen habitualmente. Tan clásica que parece rara. Pero tan inteligente y profunda que no tiene que estar diciendo todo el tiempo que lo es.
Película de juicio basada en hechos reales. Un género en sí mismo que suele dar productos sólidos y muy pocas novedades cinematográficas. Todo dependerá de la efectividad de la historia, de un director que no arruine los eventos y de un elenco sólido. Con esas cosas básicas cumple Buscando justicia (Just Mercy) y no mucho más, pero no mucho menos. Bryan Stevenson es un joven abogado negro recién egresado de la Universidad de Harvard. De origen humilde, conoce las injusticias basadas en el racismo de policías y jueces. Decide abrir junto a su socia una oficina para revisar casos de sentenciados a muerte en Monroe County, Alabama. En ese entorno racista se encuentra con varios presos cuya condena a muerte es por lo menos dudosa. Pero un caso en particular, el de Walter “Johnny D” McMillian, inusualmente arbitrario. Encarcelado sin motivo, él fue acusado de matar a una joven mujer blanca y sentenciado a muerte. Sin pruebas y tan solo con un testigo dudoso, McMillian espera su ejecución en el corredor de la muerte. El elenco de la película es sólido, la denuncia de racismo es indiscutible y lo único que le queda al espectador no es conocer la inocencia o no del protagonista –está claro que es inocente y la película no lo esconde- sino el saber si podrán cambiar el fallo y salvarle la vida. Efectiva pero sin especiales brillos, emociona y moviliza donde corresponde, en gran parte por su elenco y su historia, más allá de su narración y su denuncia completamente estándar.
Todas las películas de Gabriel Grieco son interesantes. Las dos anteriores, Naturaleza muerta (2015) e Hipersomnia (2017) son muestra de ello. En su nueva película Grieco se aproxima al western moderno con logros parciales, con una buena historia y un elenco eficiente, pero sin llegar a que todo el conjunto cierre correctamente. Un piloto comercial se ha quedado sin trabajo y por insistencia de su esposa se mudan junto a su pequeño hijo a un pueblo donde hay empleo como fumigador. Pero la avioneta que usa lleva elementos tóxicos para los pobladores del lugar. Entonces tanto el protagonista como su familia correrán peligro al quedar en mitad de una pelea entre los que fumigan y los integrantes del pueblo. El forastero que llega al lugar y cae dentro del fuego cruzado entre dos bandos bien podría ser un western clásico, como también el bar del lugar, los personajes y los duelos finales. Sin embargo algo de fuerza y potencia narrativa se queda a mitad de camino. Sin fracasar del todo, pero sin lograr el objetivo, Respira es más interesante que buena.
Poco y nada llega del enorme cine de la India a las pantallas de Argentina. Aunque se estrenan en muchos países, acá la oferta se circunscribe al servicio de streaming de Netflix, donde hay una gran oferta de películas de Bollywood. El estreno de Querido señor (Sir, 2018) es una excepción que confirma la regla. La película tiene una narración más tradicional, cercana a un clasicismo occidental y sin las particularidades del cine de la India, con excepción de algunas canciones en la banda de sonido que empujan la trama pero sin ningún número musical ni tampoco el multigénero llamado masala. Las diferencias de clase son el marco en el cual transcurre esta historia de amor. Ratma, la protagonista, es una joven viuda que viaja de su humilde pueblo a la gran ciudad para trabajar de empleada de un joven de clase alta. Ella está llena de proyectos, quiere estudiar, vivir de diseñar ropa, y a la vez pagarle los estudios a su hermana. Él, que lo tiene todo, ha sufrido penas de amor y no tiene proyecto alguno de cara al futuro. La película consigue de forma sobria y sin ninguna clase de excesos contar la historia de amor y al mismo tiempo exponer las enormes diferencias de clase. Inteligente y emocionante, con una protagonista muy carismática, Querido señor es una gran película y una buena muestra de la vida en la India, aunque no sea un exponente estándar del cine de Bollywood.
Elia Suleiman es un director desconocido fuera del ámbito de los festivales, esto no es ni bueno ni malo, es el lugar que ocupa. Incluso la presencia de Gael García Bernal en esta película muestra la pertenencia a ese mundo endogámico de un cine que apenas se asoma en las salas comerciales. Pero Suleiman, aun en películas pequeñas como esta, merece ser tomado en cuenta. Su mirada de Medio Oriente acá se vuelve un poco más abarcadora y llega a Paris y Nueva York. Observador asombrado y silencioso, Suleiman hereda mucho de Jacques Tati, no solo por el elemento de ser testigo de un mundo absurdo, sino por las ideas de puesta en escena. Las bajadas de línea nunca son excesivas, aunque algún tropezón obvio hay en el camino. La película fluctúa entre momentos muy inspirados y situaciones obvias y bastante pueriles. El estilo del director lo lleva por momentos a jugar al límite y es natural que a veces falle. De repente, el paraíso no es ni una obra genial ni nada que se le parezca. Es un retrato cómico dramático sobre el absurdo mundo que nos rodea, con especial énfasis en criticar países idealizados, mientras pasa por alto los puntos más oscuros de oriente medio.
Tercer film con Will Smith y Martin Lawrence como una pareja de policías con un particular estilo para resolver casos. Buddy movie con comedia y acción, que regresa jugando con el paso del tiempo de sus protagonistas. La acción está bien, el humor está bien, pero la trama se va volviendo pesada cuando intenta darle algo de seriedad. No consigue darle el tono irresponsable de una buena película de acción de los noventa, y aunque tiene una buena dosis de humor negro y fuerte, como las anteriores, su deseo de darle alguna vuelta de tuerca detiene todo el interés. A diferencia de los films de Arma mortal o Rápidos y furiosos, esta secuela no logra instalar la idea de familiaridad y simpatía por encima de la acción temeraria. Al contrario, al tener momentos solemnes sin ninguna emoción, pierde lo que supo ser la esencia de los dos anteriores films de Bad Boys, que dicho sea de paso, nunca fueron muy buenos.
Bastante motivo de desconfianza es que una película basada en uno de los cuentos más famosos de todos los tiempos decida como primera medida alterar el nombre para intercambiar el orden de los protagonistas. Tal vez sea una de las dos o tres ideas sueltas que este film de terror tenga. La vuelta de tuerca de una Gretel más grande de edad, el origen de la bruja del bosque y el tono abiertamente de terror sean los elementos a destacar. Y, como dato de color, vale la pena mencionar que el director es Oz Perkins, hijo del actor Anthony Perkins. La película tiene un cuidado trabajo de fotografía, brillante por momentos, pero su búsqueda estética la aleja del terror y la convierte en un ejercicio visual sin fuerza narrativa. La belleza de varias escenas se combina con el asco de otras, pero nunca produce verdadero terror. El cambio de sentido del cuento es un truco tan viejo que ya no sorprende. Los cuentos de hadas no son tan fáciles de adaptar como parece.
Una plataforma submarina de la compañía minera a más de 10.000 metros de profundidad en el océano colapsa y un pequeño grupo de sobrevivientes deberá buscarla la manera de salir con vida de las estructuras que amenazan con destruirse del todo. Pero los verdaderos problemas no son solo la profundidad y el tiempo, también un grupo de monstruos submarinos que los convertirán en sus presas si no consiguen escapar a tiempo. No hay casi ninguna escena en la película que no remita a Alien (1978) y sus derivados. A pesar de estar filmada con oficio y ser técnicamente impecable, el guión no aporta nada nuevo y todo el camino se ve demasiado conocido. Kristen Stewart y Vincent Cassel le dan un poco de prestigiosa a una película que no los necesita tanto como ellos tal vez la necesiten para ganar un buen dinero. Desperdicio de actores y presupuesto, sin grandes fallas pero sin prácticamente ningún acierto realmente destacable.
El comienzo de la película es atrapante. Como en una de las primeras escenas de Marathon Man, el presente se vuelve inesperadamente violento cuando un personaje del pasado muestra sus garras. Un hombre persigue con su auto a un ladrón que acaba de robar violentamente una cartera. La escena tiene suspenso y hasta un cierto humor, hasta que el hombre lanza su auto a toda velocidad y aplasta al ladrón contra una pared. El hombre terminará arrestado cuando se descubra además lo que lleva en su baúl. La historia que cuenta Araña está narrada en dos tiempos. El presente mencionado y el pasado de un grupo nacionalista chileno de extrema derecha que a comienzos de los años 70 busca derrocar al gobierno de Allende. Los tres jóvenes protagonistas de la historia formaron parte de ese grupo en aquellos años y ahora mayores sus vidas han tomado diferentes rumbos. La más preocupada es Inés, que ahora se ha convertido en una mujer de negocios con poder y una vida respetable y el crimen de su ex compañero de grupo la expone frente a todos, revelando su pasado. La película, salvo la escena inicial, no sabe muy bien qué hacer con las escenas del presente. Con respecto al pasado es interesante que todo el punto de vista esté centrado en un grupo de derecha, mostrando sus ideas y su accionar. Las ideas de aquellos años están plasmadas con mayor objetividad que las del presente. Mientras que el director confía en que no debe comentar el pasado, con respecto al presente hace bajadas de línea que debilitan la totalidad de la historia.