El escándalo (Bombshell) cuenta la historia de las mujeres que se animaron a denunciar al director de la cadena Fox News Roger Ailes por acoso sexual. Un escándalo reciente que describe a la perfección las conductas delictivas de hombres poderosos en las grandes empresas, en este caso de medios. La presentadora de noticias Gretchen Carlson (Nicole Kidman) es la primera en denunciar acoso sexual cuando sus quejas no son recibidas internamente y finalmente es despedidas de Fox News. Otra periodista, Megyn Kelly (Charlize Theron), se enfrenta en un debate al candidato republicano Donald Trump por sus comentarios machistas, generando una pelea mediática. Cuando Carlson hace su denuncia, Kelly, que también ha sido acosada por Ailes, decide denunciar también y buscar otras mujeres que hayan sufrido lo mismo en la empresa. Kayla Pospisil (Margot Robbie) recién empieza en la cadena, cumpliendo el sueño de su vida, y es acosada también por Ailes, con lo cual se convierte en un caso más que se suma a las anteriores. Se produce una revolución dentro de Fox News y no se sabe si las denuncias avanzarán o si el temor de las empleadas a perder su trabajo generará un pacto de silencio. Bombshell es una película que encaja perfectamente en los tiempos que corren. Pero a diferencia de otros títulos, su convicción ideológica es real y no oportunista. La denuncia del machismo y el acoso sexual en la televisión queda plasmado de forma contundente y clara. Se consigue explicar de forma no morbosa pero sin ambigüedad alguna lo que significa ser mujer en los espacios de poder en la sociedad actual. La película moviliza y genera rápida empatía en los espectadores. Su narración es simple y su humor no se convierte nunca en protagonista. Está en el tono de otros films políticos actuales, como por ejemplo The Big Short. Un elenco de una solidez indiscutible permite que la película sea fácil de seguir, entretenida y clara. Sin demasiados hallazgos extras para destacar y sin ninguna novedad en lo formal, la película cumple perfectamente en contar una historia. No se excede nunca, no se pasa de rosca y cumple su cometido de forma sobria. La denuncia queda hecha, no solo para este caso en particular, sino para todos los que ocurren en Estados Unidos y el mundo y que, hace un par de años, golpearon también muy fuerte a varios criminales del mundo del cine.
No es raro que una comedia taquillera francesa llegue a las salas argentinas. Hay muchísimos ejemplos, desde las buenas a las pésimas, pasando por un enorme número de películas mediocres, como el caso de la película que aquí analizamos. En su país fue furor, acá pasará sin pena ni gloria y tal vez pronto tenga una remake en Estados Unidos, o quizás en varios países, como ya ha pasado anteriormente. Marilou y Philippe son una pareja de buen pasar económico a punto de jubilarse. Tiene un gran sueño para esta nueva etapa de su vida: vivir bajo el sol de Portugal. Pero su familia, lejos de apoyarlos, se aprovecha de la jubilación para convertirlos en sus empleados, las personas siempre disponibles para cualquier tarea. Todos los gags son obvios y conocidos. La catarata de lugares comunes es tan aburrida como conocida y salvo alguna sorpresa suelta por ahí, no vale la pena perder el tiempo con esta película.
Película live-action basada en el videojuego de SEGA sobre un erizo de color azul que debe dejar su planeta y termina en la Tierra. Allí espía silenciosamente al policía de un pequeño pueblo Tom Wachowski a quien secretamente considera su amigo. Aunque Sonic ama el lugar y a su gente, no permite que nadie lo vea, por miedo a generar un conflicto. Cuando su energía se descontrola y produce un apagón descomunal, el gobierno se entera de su existencia y le confía al siniestro Dr. Robotnik la búsqueda y aniquilamiento del pobre Sonic. La película adquirió una fama adversa hace unos meses cuando al presentar al Sonic personaje digital su apariencia era entre inquietante y ridícula. Se hicieron nuevamente los efectos especiales y el personaje actualmente se parece más al que todos conocían. Sin embargo este avance estético no hace nada por mejorar la experiencia de una película completamente rutinaria, parecida a docenas y docenas de otros films de este estilo. Aburrida, fea y sin gracias, solo algunos chispazos intentan darle vida a la historia. Son intentos fallidos, hay que decir.
El agotamiento de las franquicias de terror corre por dos caminos diferentes. Por un lado la repetición de una fórmula hasta destruirla y por el otro la confusión que representan estos films para los que no se han acercado anteriormente a los films de una serie. La maldición renace tiene suficiente material para entretener a los espectadores, excepto por el hecho de que los trucos para asustar repiten los peores lugares comunes del género. Golpes de efecto que van molestando escena tras escena. Al igual que las películas originales, la película se cuenta en un orden no cronológico a través de varias historias diferentes. Después de que una joven ama de casa asesina a su familia en su propia casa, una madre soltera y un joven detective intentan investigar y resolver el caso. Más tarde, descubre que la casa está maldita por un fantasma vengativo que condena a quienes entran con una muerte violenta. Ahora, ella corre para salvarse a sí misma y a su hijo de los espíritus demoníacos de la casa maldita en su vecindario. A pesar de las fallas constantes, algo de ambición no deja de percibirse en el proyecto. Buenos actores y un montaje un poco más complejo de lo habitual no alcanzan para justificar el acercarse a un título como este. El cine de terror ya puede ir cerrando esta franquicia y varias más, después de todos ya estamos en el 2020.
Historia de amor entre un argentino que vive en Nueva York y un español que reside en Berlín. Se encuentran en una noche en Barcelona y lo que podría ser un breve encuentro antes del amanecer se transforma en un vínculo que atraviesa décadas. Los saltos temporales, ambiciosos, contrastan con una puesta en escena sobria y minimalista. Es como si la trilogía de Richard Linklater de Before Sunrise se hubiera condensado en una sola película aunque sin el encanto de sus protagonistas y la elegancia en el trabajo del director. Interesante por momentos, pero finalmente demasiado parecida a otras películas, sin un aporte que haga la diferencia ni la coloque por delante de otros títulos del cine contemporáneo.
Chile, 1970. Jaime (Juan Carlos Maldonado), también conocido en prisión como El Príncipe, se encuentra cumpliendo condena por el asesinato de su mejor amigo. Durante su estancia en la cárcel, entabla una relación sexual con El Potro (Alfredo Castro), un poderoso recluso veterano que todos respetan en la cárcel. El comienzo de esta relación genera celos, internas y una tensión que va en aumento dentro del precinto. Este drama carcelario homoerótico está basado en la novela de Mario Cruz, y describe de forma sórdida y violenta la vida de los presos en los meses previos al ascenso al gobierno del Frente Popular liderado por Salvador Allende. La película tiene varios hallazgos visuales y está narrada de manera hábil y prolija, jugando a dos tiempos entre el presente y el pasado del protagonista. La presencia del actor argentino Gastón Pauls hace bastante ruido al comienzo pero luego logra incorporarse a la trama, aunque el hecho de ser famoso lo vuelve una pieza rara dentro de la película. La sordidez y la violencia son inquietantes y no siempre logra compatibilizar con el costado poético del film. Finalmente el cierre de contexto político de Chile parece forzado y marca más la agenda del realizador que un deseo de contar una historia de amor y sexo en la cárcel.
No hay ni una sola cosa que esté bien en Aves de presa. De forma categórica la película entra, por derecho propio, entre las peores adaptaciones de comic que se hayan hecho jamás. Y para quien no sepa nada del personaje y su mundo, son los horrores formales los que dejarán atónito a quien pase por un cine a ver esta película fallida desde la escena final y hasta su desenlace. Dicho sea de paso, entre el comienzo y el final la distancia parece eterna, porque no es la clase de película mala que uno disfruta ver por la locura de sus errores, sino un producto fallido que intenta no arriesgarse nunca al mismo tiempo que vende rebeldía, una combinación fatal que le impide a Aves de presa dar aunque sea un paso en la dirección correcta. La película cuenta la historia de Harley Quinn, quien se acaba de separar de Joker (en versión de Suicide Squad, no la de Joaquin Phoenix) y a partir de allí no para de meterse en problemas, pasando de villana a casual heroína mientras arma una pequeña pandilla de mujeres que combina ladronas, vengadoras, policías y cantantes con dominio de las artes marciales. Una buena banda, con muchas posibilidades, pero que no consigue jamás funcionar como grupo. Es más bien un pastiche de corrección política y feminismo hecho a reglamento, sin riesgos, sin ambigüedades, sin complejidad y sin carisma. Incluso con grandes actrices, todas desperdiciadas por un guión y una dirección de actores que jamás consigue dar el tono. Suicide Squad tenía ya a Margot Robbie en el papel de Harley Quinn y se veía en aquel film las limitaciones del personaje como lo habían encarado. Pero aquella película, bastante floja también, parecía anunciar las posibilidades del personaje que allí no era aprovechado. Acá es mucho peor. La voz en off es lo más difícil de aguantar de la película. Ni un solo chiste funciona y el tono de la actriz es posiblemente la peor actuación de su carrera. Busca ser corrosiva pero luego es políticamente correcta. Desea mostrar una anarquía total y es finalmente un personaje manso y sin problemas. Amaga a ser una película fuerte y luego se vuelve blanda. No va a ningún lado y promete, para peor, una secuela, como también la tiene programada Suicide Squad. Me cuesta creer que esa secuela ocurra, pero eso lo decide la taquilla, no los méritos del film.
Judy, biografía cinematográfica que cuenta la última serie de conciertos de la actriz y cantante Judy Garland en Londres, se mueve por todos los lugares comunes conocidos del género pero a la vez funciona como homenaje a una de las artísticas más talentosas del Hollywood clásico. Una actriz que sufrió en silencio todos los maltratos de la industria al mismo tiempo que brillaba en la pantalla grande, la televisión y los escenarios. La narración del presente funciona mucho mejor que los flashbacks de la década del treinta donde recuerda, entre otras cosas, el rodaje de El mago de Oz. Judy Garland merece siempre una reivindicación y el cine parece aquí intentar saldar parcialmente esa deuda. La película, lamentablemente, no tiene mucho vuelo y solo funciona por acercarse al personaje y subirse sobre su fama y su triste historia personal. La actuación de Renée Zellweger como Judy Garland se suma a la insufriblemente extensa fila de actores y actrices desesperados por imitar a alguien en una película. Los resultados podrán ser dispares, pero la catarata de premios que reciben muestra a las claras que estos papeles son buscados con ese único fin. Zellweger cumple correctamente con su rol, pero es la historia de Garland, no sus morisquetas imitándola lo que nos emociona al final de la película. Judy Garland, grande, incomparable, brillante, una artista que merece este homenaje y muchos más, es recuperada de alguna forma y para quienes no la conocen su figura se acrecienta. Verla recreada en un escenario conmueve y más allá de la imitación buscando premios, al final uno se mete en la historia. La de Judy Garland es, después de todo, una gran historia.
Cuando su corto Los Payasos queda seleccionado en el Mundial del Cortometraje, tres jóvenes aspirantes a artistas viajan a Florianópolis y deciden grabar cada minuto. Con capacidad para registrar 16 horas continuas, la cámara pronto se vuelve testigo de las situaciones más delirantes, a tal punto que los límites entre la realidad y la ficción parecen desdibujarse. Pocas cosas producen más vergüenza que una clase de teatro filmada. Tomarla seguramente no es tan terrible como verla. Y esa una de las primeras cosas que se ven cuando deciden filmar todo el camino del corto y su destino incierto en un festival desconocido. A los momentos ingeniosos y divertidos del comienzo le siguen muchos otros que van siendo cada vez menos interesantes. La historia de estos perdedores tiene algunos momentos cómicos más, pero no hay mucho más para rescatar. Se entiende que hay una intención de deshacer entre el verdadero documental y uno completamente falso, pero en ambos casos igual la película se estanca. Sin molestar, sin irritar, pero con una consigna que se repite y se apaga.
Valentina Llorens dirigió este documental en primera persona que une a cuatro generaciones de mujeres de su familia para repasar la vida política argentina, los años de las dictaduras militares, los desaparecidos dentro de la propia familia y las heridas que en algunos casos van cerrando cuando impactantes novedades se conocen. La duración del rodaje permitió que la directora fuera testigo de hallazgos vinculados con la historia familiar. Respeto y admiración por la sobriedad y fuerza de estas mujeres, sin duda, en momentos verdaderamente escalofriantes. Pero la voz en off y el relato en primera persona se parecen a muchos otros documentales de este mismo estilo que abundan en el cine argentino. En el contenido la película impacta pero en la forma está lejos de brillar como documental.