Cats (2019) es una película con destino de culto. Las películas masivas hoy en día no se arriesgan lo suficiente como para generar desastres memorables. Renuncian por el mismo motivo a la obra maestra pero en su medianía evitan papelones obvios. Claro que hay diferentes gustos y apreciaciones, pero cuando el público y la crítica destrozan sin piedad un film de manera casi unánime, entonces es porque algo se salió de la línea, rompió el sistema, o simplemente es un desastre fuera de control. Esos críticos cada vez menos entrenados, propensos a elogiar todo se sumaron a esos espectadores que festejan porquerías solo porque pertenecen a su universo cultural. Sí, la primera sospecha es que se podría tratar de una película extraordinaria. Y en el sentido adverso lo es. Es como cuando uno se pierde en una ruta. Hoy por hoy si uno se pierde, hay muchas maneras de darse cuenta y retomar el camino. Pero Cats se pierde tanto, se van tan lejos, que no parece que nadie les haya avisado que se estaban equivocando de ruta. Pedro Almodóvar, Douglas Sirk, John Waters, todos dirían que el arte está más cerca de la basura y la locura que de la prolijidad y la medianía. Pero lo mismo podría decir Ed Wood, así que no nos equivoquemos, Cats parece mala y es mala. Es la clase de película mala que vale la pena comentar, que causa gracia al recordar y que asombra por la manera en que se desbarranca. Si vas a caer, que sea de forma memorable. Y así cae Cats, se derrumba con una contundencia que es una fiesta. Recordarlo es una fiesta, ver la película es otra cosa. La catástrofe Cats no empieza con el film. Cats, el musical de teatro, es una perfecta abominación, un error histórico que arrastra a gente a las salas sin que puedan darse cuenta a tiempo de lo que van a ver. Se trata de un musical compuesto por el legendario Andrew Lloyd Webber a partir de la colección de poemas Old Possum’s Book of Practical Cats de T. S. Eliot. Como ocurrió con otros musicales horribles de Webber, el cine se fascinó y lo llevó la pantalla. Hasta ahora no hubo uno solo que valga la pena ver. Cats es de 1981 y aún sigue en cartel. Un misterio que nadie podrá explicar jamás. Pero su aporte a la cultura musical es la canción Memory, un estándar que ha tenido cientos de versiones por todo el mundo. Aconsejo escuchar la canción en una buena versión y olvidar todo lo demás. Victoria, una joven gata blanca, es abandonada en las calles de Londres por su dueño en medio de la noche. Los gatos callejeros que observan esto se presentan a ella como los “jellycles” o “jellycats”. Le cuenta del evento más importante del año: el Jellicle Ball, una ceremonia anual donde los gatos compiten por la oportunidad de ir al Heaviside y recibir una nueva vida. Con ese punto de partida se suceden una serie de números musicales con diferentes gatos que cuentan historias, hacen tonterías y nos aburren a todo en un guión sin sentido, sin crecimiento, sin interés alguno. En el musical es aburrido, en la película produce vergüenza ajena a razón de cien veces por minuto. Esos trajes en el teatro son un papelón, la resolución con efectos especiales de la película es una invitación a tener pesadillas unos años. Al fracaso de taquilla y crítica se le suma que el estudio dijo que la versión de que se estrenó tenía algunos defectos en los efectos y que un par de días después se irían cambiando las copias por otras. Algo insólito que le suma a la mitología de este film pero es parte del bochorno. Los humanos mutados a gatos vía efectos especiales van entre lo patético y lo inquietante, tan grosero es todo que tiene originalidad en su locura. Pero cada número es peor que el anterior, más allá del esfuerzo de algunos actores dentro de un elenco descomunal. Un número musical con cucarachas dan ganas de quererla a Cats, pero otra vez se empantana en el aburrimiento. También viene el nombre de Ken Russell, el rey de los musicales lisérgicos. Pero una vez más, no es un salto completo al vacío, es un tropezón hacia el abismo, que no es lo mismo. El director Tom Hooper había obtenido cierto respeto por El discurso del rey (ganadora del Oscar, insólitamente) y Los miserables, otra adaptación de un éxito musical que también era un bochorno y que merecía tanto maltrato como el que está recibiendo Cats. El único momento rescatable de la película Cats es el número de Taylor Swift, tal vez la persona con más dominio del videoclip y con un número más razonable que el resto de los papelones a repetición que atraviesan esta película que dentro de veinte años se seguirá pasando en trasnoches y en funciones sing along. En un cine donde nadie quiere equivocarse y por lo tanto nadie hace algo interesante, alguien se equivocó muy fuerte y merece más atención que la mediocridad generalizada. Lástima que sea tan mala y que a la única canción razonable, Memory, también la arruinan.
Mientras su marido tiene dificultades para mantener su restaurante, una madre de tres hijos encuentra trabajo como asistente de un poderoso agente inmobiliario. Al ser acosada sexualmente por él, ella deberá defender su trabajo y principalmente, su autoestima. La película consigue sus mejores momentos al describir el proceso sutil del acoso. Desde una frase inicial, un gesto, una mirada, para pasar luego a una serie de avances cada vez más graves. La idea de que el acoso no es algo que surja de forma total en un primer instante, sino que en algunos casos el acosador lo van construyendo. La protagonista no presta atención a los gestos iniciales y luego deja en claro las cosas cuando estos aumentan. La situación se complejiza por la culpa de ella, la necesidad de mantener el hogar y el éxito laboral que está consiguiendo en el trabajo junto a su jefe acosador. La película es muy angustiante y describe de manera implacable el funcionamiento del acosador. El final no funciona tan bien como la película y deja la sensación de mezclar la gravedad de la denuncia con una resolución más cinematográfica pero no a la altura del resto de la película.
Siempre se dice que el cine industrial se repite, que una y otra vez las películas tienen el mismo tono, el mismo estilo, los mismos lugares comunes. Posiblemente eso es verdad, pero no es menos cierto que el cine no industrial, independiente, con pocos elementos y sin tanto despliegue también acumula niveles de rutina sorprendentes. La protagonista es una de las muchas películas argentinas que se estrenan semana tras semana y que se acumulan formando un número enorme de títulos que son difíciles de diferenciar entre sí. Aunque el comienzo es prometedor y la actriz logra trasmitir algunas ideas interesantes que el film propone, la forma en que está filmada, el desarrollo de las escenas, los diálogos, todo se parece a docenas de títulos ya vistos. Paula está en un café al comienzo de la película. Le está dando una clase de castellano a un extranjero. Sin proponérselo detiene un robo y se convierte en protagonista fugaz de las noticias de la TV y los diarios. Ella es actriz y este rol protagónico en las noticias le alimenta la autoestima, aunque dura poco y luego sigue su vida tratando de ganar plata en varios trabajos mientras sigue yendo a castings. Lo mejor del film es la mirada de la protagonista, captada por la mirada de la directora. Como ella se esperanza y desesperanza, busca, sueña, desea y se decepciona sin estridencias ni grandes saltos. Pero lo que queda bien en su actuación no se extiende a la película, que pierde interés y se apaga luego de las escenas iniciales.
Una nueva aventura en el mundo de Jumanji. Esta vez, el juego parece presentar un problema técnico que ocasiona que Spencer (Alex Wolff) vuelva a entrar. Cuando Bethany, Anthony y Martha lo descubren, regresan a Jumanji para buscar a su amigo, pero esta vez estarán acompañados por los abuelos (Danny DeVito y Danny Glover) que serán los jugadores interpretados por Dwayne Johnson y Kevin Hart. Deberán enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde áridos desiertos hasta montañas nevadas, con algunas novedades y mayor espectacularidad que en los films anteriores. En 1995 se estrenó Jumanji, película dirigida por Joe Johnston y protagonizada por Robin Williams, una agradable sorpresa en la cartelera de aquellos. Sin faltarle el respeto a aquel film, Jake Kasdan dirigió Jumanji: En la selva (2017) que pasaba del juego de mesa al videojuego y del mundo real al virtual, pero sin perder el espíritu del film original. En esta secuela se repiten las virtudes y defectos del film del 2017. Mismo director, mismo elenco más algunas incorporaciones y también la promesa de retomar en algún momento el espíritu del film original. No ahora, sino en una posible siguiente película. Las virtudes son los actores, algunas escenas de acción, el humor y algunos toques emotivos. Lo malo es que nada se integra, todo entra de forma forzada y los vínculos con mudos demasiado ajenos, como el de Game of Thrones, restan más de lo que suman. Es cierto que se intenta tratar de reflexionar nuevamente sobre el mundo de los videojuegos, pero nada relevante o nuevo aparece aquí. Si el film del 2017 tenía apenas un saldo positivo, el del 2019 tiene apenas un saldo negativo. Sin duda repetirse no ayuda en nada. Nadie podrá evitar que sigan, veremos si un último film logra encontrarle la vuelta o nos sumerge aún más en la rutina.
El cine argentino documental encuentra, desde ya hace muchos años, un resultado artístico y cinematográfico mayor cuando el centro de sus historias no es un panfleto político. Músicos, artistas varios, personajes raros o historias olvidadas terminan siendo muy superiores a los filmes nacionales que intentan dar una mirada política del mundo. Esto se repite año tras año y el navegante solitario es un ejemplo perfecto de esto. Ojo, no es que no exista la política en la película, tan solo que no es el centro ni el motivo por el cual el realizador Rodolfo Petriz decide contar la historia del incomparable Vito Dumas. Otro gran defecto de los documentales argentinos es creer que cualquier tema sirve para un documental o que un buen tema no se arruina de ningún modo. Dos errores terribles en los que no cae este film. Vito Dumas, El navegante solitario del título, es un personaje que merece uno, dos, diez documentales, una serie de televisión, varios libros, un monumento. Su figura hoy olvidada por casi todos, es una de las más espectaculares que haya dado la República Argentina en el siglo XX. ¿Pero qué pasa con aquel que jamás escuchó hablar del gran Vito Dumas? Por supuesto que la película se encarga de explicar de forma muy clara y entretenida quien es el personaje al que le han dedicado todo el film. Dumas, cuyo apellido ya lo pone en el camino de la aventura, nació en el barrio de Palermo en el 1900. Todavía una época de aventureros con muchas hazañas por alcanzar. Practico los más variados deportes y tuvo desde siempre la ambición de hacer algo memorable. En 1925 ostentaba el récord mundial de permanencia en el agua. Con un físico privilegiado y preparado por el mar, decidió emprender una serie de viajes que lo harían entrar para siempre en la historia grande de la navegación mundial. Sin proponérselo, sus méritos naturales y su coraje terminaron ofendiendo a profesionales de la navegación que mantuvieron hacia su figura de héroe un odio que superaba la simple envidia o celos. No es necesario contar más porque la película, con una mayoría de testimonios impecables, reconstruye su vida, su ascenso y su ocaso. Y como la película lo demuestra, su victoria final y definitiva. Una avenida, la más ancha que se encuentre frente al mar, debería hoy llevar su nombre. Mientras tanto, tiene este documental que le hace justicia. No solo por recuperar su figura, sino por hacerlo con oficio cinematográfico, excelente material de archivo y buen pulso para la narración. Verdadero ejemplo de navegación en el recuerdo de un aventurero llamado Vito Dumas.
4 lonkos es un documental que narra la vida, muerte y profanación de los restos mortales de tres grandes caciques de la pampa y Patagonia: Mariano Rosas, Cipriano Catriel y Juan Calfucurá, quienes luego de la Campaña del Desierto, fueron profanados en nombre de la ciencia (sus cráneos terminaron formando parte de las colecciones de los museos antropológicos argentinos) y de un cuarto lonko o cacique, Vicente Pincén, quien una vez detenido por el Coronel Villegas, fue retratado en cuatro famosas placas fotográficas. El documental tiene un material de archivo escaso y una narrativa que no consigue avanzar de forma clara. A pesar de intentar ser didáctico no resultado del todo claro, asumiendo que todo aquello que no se dice debe ser entendido por el espectador. Es común que en el proceso de realización quienes participan de la película entiendan el relato por conocer todo lo que ha quedado afuera, pero el espectador sentirá que falta material. Los testimonios sufren por ser muy desparejos. Algunos son inteligentes y claros, como es el caso de Carlos Martínez Sarasola, verdadera eminencia en el tema. Otros son más ofuscados y torpes, más preocupados por la bajada de línea que por el rigor histórico o el análisis. Lamentablemente Sarasola falleció antes de que la película fuera terminada y aparece una dedicatoria a él. Su legado lo trasciende, sin duda. Las escenas de animación –algo a lo que el director Sebastián Díaz ya había recurrido en su film anterior- no consiguen tener el peso dramático adecuado. Parecen ligeras y sin sustento dramático. Hacen retroceder al film, aunque se entiende su intención de poner imágenes más allá de las personas que hablan. Y finalmente la división por episodios que tiene el film no le permite el crecimiento narrativo ideal para sumar potencia en su denuncia y su discurso. Le falta emoción al documental. Teniendo en cuenta que lo que cuenta es muy movilizador, el resultado no está a la altura. La idea de que los descendientes de una persona sepan que sus restos se exhiben en un museo, es terrible y poder recuperarlos es algo conmovedor. La película no logra que eso se traslade al lenguaje cinematográfico y falla en algo que debería ser el centro de su cometido.
Jojo Rabbit no es la película que parece. Su director Taika Waititi tiene una larga trayectoria como actor, guionista y director de comedias, algunas geniales, otras horribles, pero su apuesta en general suele ser en favor del humor absurdo. En su obra maestra, What We Do in the Shadows (2014), fue capaz de otorgarle también un costado emotivo que le equilibraba el disparate de la historia. Aquella película sorprendente parece haber sido el punto culminante de su obra, porque con Jojo Rabbit se le notan demasiados los hilos de una comedia prestigiosa, estudiada en el peor sentido, que especula con ser el entretenimiento inteligente y al final políticamente correcto del año. Si se la mira con atención, tiene toda la agenda política correcta y su incorrección no pasa del afiche o el tráiler. Esta sátira política del nazismo transcurre al final de la Segunda Guerra Mundial en un pequeño pueblo donde vive el niño Jojo (Roman Griffin Davis) junto con su madre (Scarlett Johansson). Reclutado por los nazis, el niño no parece cumplir con los requisitos de fiereza que le exigen. Tiene un amigo imaginario que lo acompaña y lo aconseja. Ese amigo no es otro que Adolf Hitler, interpretado por el propio Taika Waititi, para que queda claro que no es un retrato a favor. La idea alocada se apaga demasiado rápido. Los chistes están casi todos fuera de timing, sin duda el margen de error para hacer chistes con Hitler es pequeño y la película se complica. Más graciosos son los oficiales de la Gestapo, que llegan más adelante en la historia, cuando toda la ideología está clara y ya no hay riesgo de malinterpretar al director. El humor del comienzo se va desplazando cuando Jojo encuentra que su madre está escondiendo a Elsa (Thomasin McKenzie), una niña judía más grande que él y con la que comenzará una amistad. La película comienza a desplegar un puñado de golpes bajos y demagogia que arruina un comienzo prometedor. Incluso los personajes más interesantes terminan mostrando el plan por el Oscar del realizador. El Capitán Klenzendorf (Sam Rockwell) y su subalterno Finkel (Alfie Allen) demuestran ser nazis con conciencia y son una pareja gay, como supuesto reivindicación de sus acciones. Tal vez el único personaje gracioso de todo el film, de punta a punta, es Yorki (Archie Yates), el amigo de Jojo. Varios momentos de humor funcionan, pero quedan desarmados por la mencionada especulación y los tremendos golpes bajos. Es una marca del cine actual, pero también era así hace veinte años, así que sus defectos no son solo coyunturales. No hay excusa para no animarse a una comedia que mantenga sus premisas hasta el final.
Mayu es la encargada de cuidar a una chica que sufre de amnesia. La paciente está bajo custodia policial y es de especial interés para las autoridades. Mientras Mayu se desvive por realizar su trabajo, su hermano, un aspirante a convertirse en un famoso youtuber, comienza a darse cuenta de que ha dado con un filón que tratará de aprovechar a toda costa, aun poniendo en riesgo su propia vida y la de otros. La enorme franquicia de terror que comienza con los libros Koji Suzuki y se expande con los films de Hideo Nakata que luego tuvieron exitosas remakes y variaciones inesperadas con los más variados resultados parece llegar aquí a un punto final por ser la adaptación del último de los libros. Pero a juzgar por el enorme número de películas que se han hecho, cuesta creer que sea un cierre definitivo. Lo que sí queda claro es que en esta nueva película no tiene ni el más mínimo atisbo de efectividad que tuvieron aquellos films. Aunque el comienzo es sobrio, la película tiene finalmente que tomar una dirección y cuando lo hace no alcanza jamás a producir el efecto dramático o emocional de los primeros títulos. La pereza del final no hace más que reforzar la idea de una franquicia gastada o que todavía no ha encontrado la manera de volver a empezar.
La pregunta que debemos hacernos es la siguiente: ¿Queremos ver Frozen 3? Sin duda los realizadores pueden encontrar la manera de seguir contando historias, escribiendo chistes y sumando canciones. Trabajan de eso y son capaces de crear historias de manera efectiva. Pero a diferencia de lo que pasa con otras series o sagas, ya en esta segunda parte se nota que todo es especulación y trabajo mecánico. La reina Elsa, su hermana Anna, Kristoff, Olaf y Sven se embarcan en un nuevo viaje en lo profundo del bosque, más allá de su tierra natal de Arendelle, para descubrir la verdad sobre un antiguo misterio de su reino. Su objetivo principal es descubrir por qué Elsa oye voces procedentes del Bosque encantado, donde desde hace tiempo nadie puede entrar ni salir. De no lograrlo su reino estaría en peligro. La narración es prolija y entretenida, las canciones son notablemente inferiores y algunos de los números musicales no tienen sentido alguno. La agenda de corrección política se hace mucho más obvia y prolija, para que no queden aristas sin pulir y nadie pueda hacerle reclamos ideológicos. Para sentarse frente a la pantalla y pasar el tiempo viendo un poco menos de lo mismo.
Andre Davis (Chadwick Boseman) es un policía de Nueva york al que le encargan la investigación del asesinato de varios policías. Durante la búsqueda contrarreloj de los responsables, en la que se cierran por primera vez en la historia de Manhattan todos los puentes que acceden a ella, el detective descubre una conspiración en la que tendrá que discernir entre aquellos a los que caza y los sospechosos que están tratando de cazarle a él. Un policial clásico con todos los ingredientes del género. El policía honesto que lleva la memoria de su padre policía, la honestidad total dentro de un cuerpo policial corrupto, la violencia sin vueltas y muchas escenas de acción sin exageraciones. Actores sólidos, suspenso, muchos tiroteos y un héroe que no pueden confiar en nadie, mucho menos dentro de la fuerza para la que el trabaja. Es posible que Nueva York sin salida (21 Bridges) no tenga las características de una obra maestra, pero tampoco tiene falencias ni una duración excesiva por subtramas y escenas de sobra. Un producto de acción que ya no es tan común hoy y que siempre funciona. Un policial hecho y derecho.