Bucarau es una especie de western ubicada en un futuro cercano, con pequeños toques de ciencia ficción distópica y varias ideas tomadas del cine de género de bajo presupuesto. La acción transcurre en un pequeño pueblo donde se suceden hechos cada vez más extraños a medida que una amenaza se cierne sobre sus habitantes. La película arda bastante en finalmente mostrar su juego y cuando lo hace se desata en una película que podría ser de Stallone, Van Damme y emular al clásico The Most Dangerous Game (1932) de Ernest B. Schoedsack e Irving Pichel. Y ojalá se quedara en esa humildad de los grandes directores de género a los que parece evocar, en particular John Carpenter. Bucarau, dicen, es una perfecta alegoría de la realidad de Brasil, su país de origen. No sabría decirlo, pero parece con estar conformes con ver en todo el cine americano una alegoría política, ahora también le ha llegado al cine brasileño. Como si ser una alegoría fuera en sí mismo un mérito. No lo es, y de hecho la película fluctúa de forma desordenada entre el placer del cine puro y sus intenciones políticas de trazo grueso y sin humor. Accidentalmente, la alegoría política sudamericana con villanos de habla inglesa produce mucha alegría en los festivales de cine europeo. La alegría no es por el cine, sino por la bajada de línea política. Hay docenas de cine de género cien veces mejor que Bucarau y no obtienen el mismo prestigio. Lo que importa es lo que se ve en la pantalla, y acá el vaivén entre lo cinematográfico y lo pretencioso deja a la película a mitad de camino.
En Buenaventura, Colombia, donde diariamente se mueven millones de dólares en mercancía, la vida cotidiana es miserable, las bandas criminales atraen a los jóvenes a una vida al margen de la ley. En medio de esta situación, Harvey y sus tres amigos, campeones locales de baile urbano, sobreviven como pueden mientras encuentran la manera de escapar de la realidad que los rodea. Deciden participar en el campeonato nacional de baile urbano que se realiza en la ciudad, donde se escuchan los sonidos del Pacífico y los beats del hip-hop latino. Con el mismo argumento de cientos de películas musicales y productos de diferente de nivel de complejidad, Somos calentura no sobrepasa de ninguna manera la absoluta medianía del género y se estanca en una catarata de sonidos estridentes y situaciones sin interés alguno. Lo único a rescatar son algunas escenas de baile, pero incluso allí se ve que el montaje oculta las falencias y es curioso que justo en el momento más impactante haya saltos de continuidad, algo que en medio de este caos visual no debería notarse. Curiosidad aparte, la película es coproducción con Argentina y un cartel de Cine argentino aparece la comienzo.
Como digno heredero de John Ford y el western, Clint Eastwood ha tenido como uno de sus temas favoritos la construcción de leyendas que reemplazaban a la realidad. Leyendas que eran aceptadas como tales por el bien común. En Los imperdonables y La conquista del honor, entre otros títulos de Eastwood, aparecía esa idea. En otras, como El caso de Richard Jewell, este tópico va en dirección contraria. El héroe del comienzo de la historia se transforma en villano al ser acusado injustamente por el FBI y la prensa. Estos dos poderes olvidan la verdad y van directo a imprimir una historia falsa acerca de un guardia de seguridad que descubrió una bomba durante los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996. Richard Jewell (Paul Walter Hauser) es un guardia de seguridad que soñó desde siempre ser policía. Por diferentes motivos sus sueños se vieron truncados y para la época de los JJOO es guardia de seguridad. Los policías los miran por encima del hombre, pero deberán reconocer finalmente que este joven gordo que no se toman en serio es capaz de seguir las reglas y salvar muchas vidas. La película toma de Jewell desde que trabaja en un estudio de abogados donde su única amistad es Watson Bryant (Sam Rockwell), un joven abogado que ve lo metódico y servicial que es el extraño Richard Jewell. Jewell vive con su madre y tiene en una de las paredes de su casa una enorme foto propia luciendo en el uniforme policial. Definitivamente no es el héroe atlético y brillante, pero si una persona de un enorme corazón que confía en la ley e intenta hacer el bien. De la noche a la mañana se transforma en un héroe público y tanto él como su madre están felices. Pero lamentablemente este héroe inocente no sabe lo que le espera. Tom Shaw (Jon Hamm), un agente del FBI dispuesto a cualquier cosa para resolver el caso y una reportera, Kathy Scruggs (Olivia Wilde) que desea una primicia se terminan transformando en los enemigos de Jewell, convirtiéndolo en un villano de la noche a la mañana. Solo el abogado Bryant llegará al rescate para equilibrar las fuerzas. Jewell sigue actuando de forma inocente pero convencida, poniéndose a sí mismo en riesgo con su sinceridad. Clint Eastwood tiene acá la mirada desconfiada hacía las instituciones que ya había expresado en muchos de sus anteriores films. Una cultura de héroes que ataca impiadosamente cuando aparece uno real. El propio Jewell descubre en carne propia que los periodistas pueden informar equivocadamente y el FBI puede perseguir a inocentes. ¿Quién va a querer ser un héroe si cuando aparece uno lo crucifican? La persecución que sufre puede desalentar a otros. ¿Pero Acaso no se exponen todos los héroes a la posibilidad de ser incomprendidos? Pero Jewell es un personaje básico, sin sofisticación, pero con una moral clara que respeta. El mundo no es tan sencillo como él cree. El héroe solitario fordiano es también un elemento común con Eastwood. Pero en su inocencia Richard Jewell parece uno de esos personajes de Frank Capra, rodeado de cínicos con los que el personaje tropieza y se desencanta. En el personaje de Kathy Scruggs hay ecos del personaje de Louis Bennett (Jean Arthur) en Mr. Deeds Goes to Town (1936) de Frank Capra. Se armó revuelo con respecto a este personaje, ya que en el año 2019 no se pueden crear personajes femeninos complejos, solo completamente positivos. Pero Eastwood entiende que la pureza de Jewell puede ser la fuerza que cambie la mirada del mundo que tienen muchos. Clint Eastwood es uno de los pocos personajes que no tiene una agenda de corrección política actualizada a los tiempos que corren. Eso le genera muchas críticas en contra y a veces lo deja fuera de la temporada de premios. Pero esto lejos de ser una mala noticia, es una buena. Clint Eastwood no ignora el entorno y aquí nos regala varios momentos casi diseñados para espantar progresistas, pero son apuntes menores dentro de un film enorme. La serenidad del más clásico de los clásicos en actividad lo muestra siempre impecable a nivel narrativo y siempre buscando nuevas facetas en una filmografía imprescindible. Hay una mirada agridulce en la película y Clint Eastwood decide destacar algunos elementos por encima de otros. El abogado progresista y su asistente rusa forman el equipo de los buenos junto a la madre americana (Kathy Bates, fordiana en todo sentido) y su hijo Richard. Simples o sofisticados, ellos están del lado correcto, el de la verdad y la justicia. No hay realizadores americanos actuales capaces de construir un grupo como ese. Spielberg podría ser otra excepción, ambos directores de otra época. En El caso de Richard Jewell, que a esta altura no es necesario aclarar que se trata de una historia real, Clint Eastwood combina una mirada desencantada de las instituciones con una más optimista acerca de las personas. Los nombres de Ford y Capra aparecen como guías para explicar esto, pero eso no significa que la película dependa de ellos. Clint Eastwood ya tiene un universo propio y un trabajo de décadas que encuentra en cada nueva película una página nueva en la obra total de uno de los grandes maestros del cine.
El buen cine no tiene fronteras. El malo, claro, tampoco. Cualquier país tiene sus grandes películas y sus malas películas. La distribución mundial hace que solo veamos films taquilleros locales o de Estados Unidos, pensando que en Europa solo se hace buen cine de autor. Pero Francia tiene una enorme cantidad de bodrios que buscan desesperadamente la taquilla y algunos de ellos llegan hasta nuestras salas. Nosotros tres es una de esas películas viejas, ya vencidas, incapaces de tener la efectividad que estas comedias dramáticas tuvieron en otra época. Probablemente antes también eran malas, pero ahora son, además, películas fuera de todo interés. Gilbert (Daniel Auteuil) y Simone (Catherine Frot) llevan casados muchos años y esto ha apagado la pasión y el interés. Cuando eran jóvenes llevaban una vida más liberal, pero con los años él se ha vuelto más conservador y ella ha aceptado eso, aunque a la vez tiene un amante, Etienne (Bernard Le Coq), el mejor amigo de ambos. La nostalgia, el humor, el patetismo, las nuevas generaciones y los vínculos familiares no tradicionales, todo en una mezcla muy artificial a la que se le nota todos y cada uno de sus trucos. Tantos lugares comunes acumulados van debilitando la trama hasta volverla aburrida, aunque no necesariamente indignante. Simplemente una película sin interés.
Corneliu Porumboiu es el director rumano con mayor cantidad de películas estrenadas fuera de su país. Disfruta de un gran prestigio y es venerado y admirado por críticos y jurados de festivales de cine. Mucho menos oscuro y notablemente superior al sobrevalorado y gris cine rumano, Porumboiu es capaz de cambiar de registro y dar algunas sorpresas, no solo en las historias sino también en el aspecto estético. La gomera es un original e interesante relato policial protagonizado por el personaje de Cristi, un policía rumano corrupto que debe viajar a La gomera, una de las más pequeñas de las Islas Canarias, España. Cristi deberá aprender el lenguaje ancestral de la isla, el silbo gomero. La idea es usar ese lenguaje para liberar a un turbio hombre de negocios y acceder a una fortuna. Cristi está siendo rigurosamente vigilado y toda la trama es un grupo de personajes que se siguen, se controlan y, no se sabe hasta qué punto, se traicionan. La más entretenida de las películas del realizador, por lejos. Las citas cinéfilas intentan guiar al espectador entrenado no se sabe si para explicar la película o para tirarle un dulce que mejore la apreciación de la misma. Que vayan al cine a ver la obra maestra de John Ford The Searchers (1956) solo consigue marcar la distancia entre una buena película y una obra cumbre. Al parecer reconocer películas sigue siendo un deporte que paga y hace sentir al crítico más inteligente. Salvando ese detalle demasiado forzado, la película tiene vida propia, inteligencia y estilo. Un policial distinto, con buenos momentos y otros no tan logrados, pero sin contradecirse ni decaer. Como muchos grandes autores de la historia del cine Porumboiu le da una indiscutible identidad personal al cine de género. Quienes quieran conocer al director, este film es posiblemente el más logrado de toda su carrera.
María y Daniel tienen más de 40 años, llevan 8 años casados y no han podido cumplir su sueño de ser padres. Han realizado los trámites de adopción y viajan a una ciudad del norte argentino, para continuar el proceso. Al llegar, la asistente social los acompaña para iniciar el período de vinculación, pero en ese encuentro, tan esperado y deseado, las cosas no suceden como lo soñaban. La asistente le sugiere a la pareja esperar en un hotel y continuar por la mañana. Durante esa larga noche, María y Daniel comparten sus dudas, miedos e ilusiones. Mientras, en la ciudad, bajo una lluvia incesante, todos se preparan para una evacuación inminente. Los personajes y las historias que rodean a los protagonistas durante esas horas van dando un marco con momentos poéticos y varias metáforas acerca de la vida y el afecto. Con estos detalles la película adquiere un clima muy particular, como si la pareja protagónica quedara en suspenso, en un extraño limbo en el cual debe esperar una respuesta a su deseo. Los climas son mejores que el resultado total, donde lo poética afecta la narración en varios momentos.
Tati tiene 14 años y vive en una casa humilde a orillas del río, junto a su padre que apenas se ocupa de ella. Está obsesionada con ser “Botera” y todos los días, intenta usar el bote sin éxito. El bote que cruza el Riachuelo llevando pasajeros. Con actores de una autenticidad asombrosa y con muchos apuntes sutilezas y una protagonista enorme, la película se complica cuando se ve la mano del guión generando momentos crueles y duros. Todo el sueño de la protagonista y su esfuerzo es una epopeya cotidiana que podría sostener por sí sola toda la película. Pero tal vez sería una película demasiado luminosa y la realizadora no quería tanto optimismo. Una pena, porque con eso alcanzaba para hacer un gran film.
La trilogía de La guerra de las galaxias se completó en 1983 con la película El regreso del Jedi. En aquella época no era común que los espectadores siguieran trilogías o sagas. Tampoco que significaran dichas películas algo tan importante en su formación como personas. George Lucas pudo soñar muchas películas, pero La guerra de las galaxias (1977) fue concebido sin la certeza actual de la franquicia que se abre. Ahora Harry Potter, El señor de los anillos o el Universo Cinematográfico Marvel llevan a los espectadores a experiencias de varios años y muchas horas de películas. Los espectadores crecen durante esos años y generan un vínculo muy fuerte que le pasa muy por encima a la lectura de las películas desde el punto de vista cinematográfico. Ese cambio notable de paradigma hace que la Trilogía Original de Star Wars (Episodios IV, V y VI) se vea muy distinta a las otras dos trilogías. Llega Star Wars: Episodio IX: El ascenso de Skywalker (2019) y se busca generar la idea de que el universo de nueve películas que nación en 1977 llega a su fin luego de cuarenta y dos años de emociones y experiencias colectivas. Pero aunque hay mucha emoción en juego, lo que es más discutible es que se trate de una saga de nueve películas. Demasiadas diferencias estéticas, estructurales, temáticas, incluso los guiones tienen tantas diferencias que se difícil concebirlas como un todo. En todo caso se trata de tres trilogías diferentes, separadas por mucho tiempo, con cambios generacionales, tecnológicos, ideológicos y artísticos. Sí, se conectan, y esa conexión produce en el espectador diferentes interpretaciones a las que podría tener si no fueran nueve films. Sin embargo, estudiarlas por separado permite disfrutarlas o denostarlas de forma más justa, una trilogía a la vez. Así que hay mucho en Episodio IX que emociona, pero a la vez no es una emoción de cuarenta y dos años de acumulación, sino de una trilogía en particular y de un film dentro de dicha trilogía. Lo otro, la emoción de la saga, la ceremonia, el culto y la devoción, podrán ser mejores o peores, pero no tienen mucho que aportar a la hora del análisis cinematográfico. Siento que yo formo parte de las dos cosas: la emocionalidad del seguidor de Star Wars y la capacidad de aun así trata de analizar las películas. La emoción no puede olvidarlo o negar que existe. En la trilogía final de Star Wars, conformada por Episodio VII: El despertar de la Fuerza (2015), Episodio VIII: Los últimos Jedi (2017) y Episodio IX: El ascenso de Skywalker (2019) los cambios estéticos son notables. La tecnología permitió que el asombro que producía una película como Star Wars llegara a niveles increíbles. Claro que lo hizo cuando todo el cine había empezado a alcanzar esos mismos picos. Episodio IV: Una nueva esperanza (1977) significaba para el espectador de su época algo jamás visto, algo que no podía ser comparado con nada, en eso los films finales no representan revolución alguna y eso se siente. J.J. Abrams dirigió los Episodios VII y IX y se nota, porque Episodio VIII tiene algunos aires sobradores y cancheros que le cayeron bastante mal al tono de la trilogía. En El ascenso de Skywalker la estructura es más coral que nunca. Porque incluso en las subhistorias los personajes están separados. Por un lado tenemos a Kylo Ren, hijo de Han y Leia, por el otro a Rey –verdadera protagonista de la trilogía-, por el otro al grupo formado por Poe, Finn, Chewbacca, C3PO y BB8. Más los villanos del Imperio, los secundarios de la resistencia que están con Leia y así todo. Muchos personajes con muchas líneas de diálogos y escenas. Sin excesos de guión en lo que a información refiere, está claro que no posee la simpleza de la trilogía original y por lo tanto no se le parece demasiado tampoco en eso. Este mundo de personajes dificulta un poco la identificación, más bien la destruye, y sólo Rey consigue tener una atención completa de sus conflictos, ninguno de los otros, excepto Kylo Ren, un paso más atrás, permite interpretar algo alrededor de su figura. El timing actoral en general es bueno, no completamente acertado, porque hay varios personajes que no dan en el clavo, pero Poe, Finn y Rey combinan bien en la comedia y Rey y Kylo Ren combinan bien en el drama. Los gags de C3PO también funcionan y hay algunos hallazgos memorables, como el personaje de Zorii Bliss, cuyas escenas con Poe Dameron son puro Hollywood clásico, Hawks en estado puro: comedia, tensión sexual y aventura. Un nuevo robot aparecerá para dar humor y ternura, dejando a R2D2 un poco fuera del centro. A la película no le falta ambición. Algunas locaciones evocan a las ya conocidas y la Estrella de la muerte a medio hundir en un océano es inolvidable. ¿En dónde falla El ascenso de Skywalker? En las vueltas de tuerca. Los golpes de efectos de una escena que en la siguiente ya no tienen valor. Es muy tramposo este recurso y la película lo usa varias veces. Creemos que pasó algo irreversible y luego o no pasó o es reversible. Una segunda visión de la película tapa esta característica porque ya no hay sorpresas y porque uno ve los recursos que el director usó para cubrirse. Los movimientos de personajes de un lado al otro tienen algunos disparates que no podemos dejar pasar. Aceptamos la inverosimilitud, pero algo muy distinto es que se pueda hacer cualquier cosa. Tampoco quedar muy real la agenda de integración e inclusión que la película propone. Primero hay que preocuparse por la calidad del film, luego veremos que todos estén representados correctamente, estos son los problemas que tienen todas las grandes superproducciones del cine actual. Si El despertar de la fuerza era una especie de versión nueva de Una nueva esperanza (1977), queda claro que acá se busca hacer una nueva El regreso del Jedi (1983). La conexión es notable. Elementos de la estructura del guión, locaciones y personajes hacen pensar en aquel título. Pero es tan descomunal todo aquí que parecen films independientes del festival Sundance los tres títulos originales producidos por George Lucas. Descomunal es la palabra de define a la trilogía final. A diferencia de Avengers o El señor de los anillos, no tendremos aquí un cierre largo, tedioso y lleno de tonterías sensibleras. El cierre es verdaderamente sobrio y hermoso. Daisy Ridley interpretando a Rey es una elección de casting de esas que quedan en la historia. No hay malos actores en esta trilogía, aunque sí algunos personajes desdibujados. Pero Rey es un personaje perfecto. Su conflicto es interesante y su final está a la altura. El carisma de Daisy Ridley permite todo. Humor, drama, aventura, incluso oscuridad. Lo peor que tuvo la trilogía de las precuelas es no poder dar con un elenco adecuado, acá por suerte ocurrió todo lo contrario. Rey salva a la saga porque ella es, además, la protagonista de la saga. La ceremonia de Star Wars anuncia acá su final, pero como ya dijimos, es el final de una trilogía, no nueve películas. Como ocurre con la mitología, ya hay versiones diferentes sobre los mismos personajes. Cambios de tono, estilo, ediciones especiales y ramificaciones. No seamos puristas, si es una mitología, hay que dejarla ser. De tanto en tanto dará alguna maravilla suelta como Rogue One (2016) y muchas otras veces serán derivaciones menores. Los fans pueden reclamar, festejar, coleccionar, hacer todo lo que quieran. Las películas pueden ser juzgadas y analizadas como cualquier otra obra de la historia del cine. Qué tenga un significado profundo para una generación no le da inmunidad pero tampoco es un defecto. Star Wars ya es parte de la historia. La música de John Williams tiene mucho mérito en el éxito y la vigencia de la saga y está en nuestra memoria para siempre. Tres trilogías, varios spin-off y probablemente muchas cosas más por venir. Qué la fuerza los acompañe.
Una serie de testimonios dichos a cámara muestras a diferentes mujeres, muy diferentes entre sí, al menos eso intenta decir la película, hablando sobre la maternidad. Aparecen también los hijos y la suma de todo lo que se dice muestra a las claras como la sociedad ha construido una imagen de la madre que cada madre individualmente sabe que no es cierta, o al menos oculta muchos aspectos importantes. Los testimonios se parecen visualmente y en pocos minutos no proponen nada nuevo. La película busca escapar con separados más artísticos, animación e incluso una canción. Pero tampoco funciona ese aspecto, al contrario. Las contradicciones de los testimonios, sin duda un valor por otorgar complejidad, no son explotados, aunque sí se percibe una serie de angustias no solo instaladas por el patriarcado, sino también por el feminismo en particular y el progresismo en general. Eso se desprende de los testimonios pero no se analiza. Desmadre, fragmentos de una relación (Argentina, 2018) de Sabrina Farji tocaba la misma temática, pero lo hacía de manera dinámica, profunda, divertida y graciosa. Está claro que la historia del cine ha dejado muchos espacios sin tratar, que si hubiera más mujeres directoras y guionistas muchos de los elementos tratados en estas películas habrían aparecido mucho más. Pero más allá de ese equilibrio que comienza a aparecer, lo que termina teniendo valor en una película sigue siendo lo artístico, no narrativo, la forma en la que se relata. Malamadre funciona como registro de testimonios, pero no como película.
Tres amigas con tres personalidades muy distintas, viven en el amor cada una a su manera. Visitando una tienda de juguetes, Toy Depot, descubren que sus jóvenes empleados son muy atractivos. Deciden entonces llenar la solicitud para trabajar allí y ver que aventuras le deparará el nuevo entorno. Filmada en un bello pero injustificado blanco y negro, esta comedia con toques de drama dirigida por Sophie Lorain tiene una mirada genuinamente desprejuiciada y abierta acerca del amor y la sexualidad de los jóvenes. Una película con una mirada abierta, inteligente y sin oscuridad acerca de la vida sexual y afectiva tanto de mujeres como de hombres. Una ligereza que nunca está reñida con una mirada profunda sobre el tema.