Es el año 2003, antes de la Guerra de Irak. Katharine Gun (Keira Knightley) lo arriesgará todo para detener una guerra injusta. Esta especialista en inteligencia británica cuyo trabajo consistía en el manejo rutinario de información clasificada recibe un comprometedor memorando a favor de una invasión de Iraq. Incapaz de esperar y ver al mundo precipitarse en una guerra ilegal, Gun toma la desgarradora decisión de desafiar a su gobierno y filtrar el memorando a la prensa. Tachada como traidora por su propio gobierno, Gun protagonizará una cadena explosiva de eventos que expondrán una gran conspiración política y pondrán a Gun y a su familia directamente en peligro. Basada en una historia real, la película comienza con Gun llevada a juicio. Luego veremos todo el recorrido que la llevó hasta allí. La película se apoya en la potencia de la historia, la solidez excepcional de un elenco perfecto y una puesta en escena con varios hallazgos. Tal vez sin brillar demasiado, pero eficaz a cada minuto, la película entretiene y moviliza.
Una semana antes de ser nombrado Ministro de cultura, Tristán Bauer estrenó la película Tierra arrasada, lo hizo frente a un público del futuro gobierno y con la presencia de la vicepresidenta electa y estrella del documental en cuestión. La película se estrenó en la misma semana en la que asumieron las nuevas autoridades del poder ejecutivo. Con esta pequeña introducción alcanza y sobra para establecer qué clase de documental es Tierra arrasada y cuáles son las intenciones del firmante como director de la misma. Queda tan expuesta la falta de ética de todo el asunto que basta con mostrar estos hechos para dejar en claro que lo que llamamos cine es otra cosa. Y lo que llamamos cine documental queda todavía más lejos de este título de propaganda con nulo valor cinematográfico. El cine político es aquel que pone la política como centro de su relato. En Argentina ha existido el cine político casi desde el comienzo y ha pasado por diferentes etapas fuertemente marcadas por los vaivenes propios que ha tenido el país. Un film político puede responder a cualquier ideología y cuando esta se establece sin el más mínimo plan de objetividad el resultado es un film panfletario de los cuales hay muchos en Argentina y en el mundo. Pero aun siendo panfletarios, la historia del cine ha dado grandes títulos que tenían su aporte cinematográfico y mostraban el pensamiento de un grupo y una época. Muy diferente es el caso del cine de propaganda. Este cine es panfletario pero está hecho bajo el absoluto amparo del poder de turno. Es una clase de cine que se humilla como tal al arrastrarse para defender al poder de turno, sin matices ni el más mínimo atisbo de honestidad intelectual. El cine de propaganda puede tener algunos valores cinematográficos en lo formal, pero no vale nada en lo que a contenido de refiere. No tiene riesgo, no tiene honestidad, no tiene coraje alguno. Tierra arrasada es un estudiado y aun así desprolijo y alborotado panfleto de propaganda hecho con el único fin de glorificar a una sola persona: la actual vicepresidente de La Nación, Cristina Elizabeth Fernández de Kirchner. No es un film para festejar un movimiento, ni un grupo de personas, ni una idea del mundo, ni tampoco un partido político. Es un acto sin precedentes que solo busca tener la aprobación de una sola espectadora. Como si fuera un film realizador por Max von Mayerling para el deleite de Norma Desmond. Pero claro, Norma Desmond estaba encerrada en su mansión y el destino de un país no pasaba por sus manos. Es curioso como Tierra arrasada subraya –según la mirada del director- la condición de personaje secundario y sin importancia del actual presidente de La Nación, Alberto Fernández, quien aquí aparece poco y nada, demostrando entre otras cosas que el documental fue terminado después de las elecciones presidenciales. Ya quedó claro uno de los propósitos del film y si fuera solo eso, sería una locura absurda sin importancia. De hecho muy pocos espectadores la vieron, porque el productor del film (Jorge Topo Devoto) no pudo hacer un estreno faraónico y sospechoso como el que tuvo Néstor Kirchner: la película, el otro panfleto ridículo del kirchnerismo, filmado dos veces y cuya premier fue en el Luna Park, algo que ningún film en toda la historia de Argentina tuvo antes. La otra agenda de Tierra arrasada está en su título. La idea es decir que durante los cuatro años del gobierno de Mauricio Macri el país fue destruido al nivel de hablar de una tierra arrasada. Hay miles de pruebas de que esto no fue así, más allá de los problemas económicos que ese gobierno tuvo. Ayudado por estadísticas falsas que siempre usó el kirchnerismo y escondiendo absolutamente todos los defectos de los doce años que gobernaron, la película tuerce, manipula, exagera y a veces directamente miente. Pero así son los panfletos, claro, no se puede esperar otra cosa. No le hubiera costado a un director con un mínimo de talento y otro mínimo de honestidad establecer los motivos por los cuales un gobierno le parece malo y el otro bueno, pero eso es pedir realmente demasiado, tanto en lo formal como en lo moral, al film Tierra arrasada. No olvidarse que este mismo autor filmó El camino de Santiago, donde mostraba todos sus odios políticos y, con la improbable participación de la hija de Cristina Fernández de Kirchner en el rol de coguionista del mismo, quería instalar una idea ambigua sobre la muerte de Santiago Maldonado que perjudicara al gobierno de Macri sin importarle en lo más mínimo la verdad. Curioso que en Tierra arrasada el caso Maldonado pase a toda velocidad, porque profundizar en eso sería admitir las faltas de su película anterior. Ambos films tienen algo en común, la voz en off del actor Dario Grandinetti. Impostada, forzada, tratando de estúpidos a los espectadores, con una dicción solemne que al escucharla nos hace pensar en la frase que le dedicaba Luis Brandoni al propio Grandinetti en Esperando la carroza. Ustedes la recuerdan bien. El recorrido de aburridas y mal filmadas dos horas incluye de todo. Desde mentir sobre el traspaso de mando hasta enojarse por los animales en los billetes argentinos. Queriendo establecer que la derrota en las elecciones a senador que sufrió CFK fue por una complicidad entre el gobierno y los medios. Apuntando los cañones con fuerza contra el periodismo y algunos miembros del gobierno de Mauricio Macri. Pegándole duro a cualquier juez que falló contra el kirchnerismo y, una vez más, armando el discurso de CFK en forma de desordenado, falso, fascistoide e inepto relato. Bueno, son características propias del famoso relato después de todo. Una lista negra hecha película parece por momentos. Y lo más tragicómico es que intenta instalar la idea de la resistencia. ¿Qué resistencia pretende instalar al hablar de cuatro años de un gobierno democrático con total libertad de expresión y elecciones en tiempo y forma? Esta ridiculez es posiblemente la más ofensiva. Cuando piensa en cineastas políticos de otra épocas de la Argentina, que filmaron en la clandestinidad, que fueron verdaderamente perseguidos e incluso asesinados, toda esta idea de resistencia del funcionario público, burócrata del kirchnerismo antes y ahora, es un falta de respeto a la memoria de los directores políticos argentinos. No hay nada de valentía en Tierra arrasada, como tampoco hay nada de cine. Es un institucional de consumo interno para ser exhibido puertas adentro, solo para fanáticos y miembros del grupo al que pertenece. El público ni se enteró de su existencia y esa es la prueba de lo irrelevante que es. Un caro regalo de bienvenida para la vicepresidente y su núcleo duro. Tal vez, el tiempo dirá, un inquietante presagio de épocas oscuras de la Argentina vivirá a partir de diciembre del 2019, tanto para el cine como para la vida de todos los argentinos.
El prolífico realizador Matías Szulanski estrena su segundo film del 2019 con una historia policial al estilo Pulp Fiction pero en versión conurbano bonaerense. Bueno, y sin la calidad o el presupuesto del film de Tarantino. La conexión con Tiempos violentos u otros títulos debe ser tomada como referencia, ya que la película se me marcada por este título pero no son películas parecidas. Una aventura policial de robos, droga y violencia con un elenco dominado por mujeres y referencias a los títulos anteriores del director. Está claro que Szulanski tiene ideas y está buscando un universo propio. Todavía hay cosas que no logran dar un buen resultado, aun cuando elementos del vestuario y la dirección de arte ponen lo mejor para darle más potencia a las imágenes, lo mismo ocurre con la luz, que se nota tiene importancia para el director. Los actores, el ritmo narrativo y el timing de los gags le impiden alcanzar esa ambición que el director muestra en cada escena. Como pasaba con Astroagauchos (2019) lo estético arrastra lo que puede y el director consigue algunos buenos planos. Hay algo acá que más tarde o más temprano dará una gran película, por ahora parece ser un proceso que no alcanzó su madurez.
Un joven escritor y licenciado en artes visuales, emprende un viaje hacia la provincia de Buenos Aires en busca de un artista, pintor, escultor y dibujante, cuyo nombre despierta admiración entre colegas de renombre y fama internacional. Tiene la intención de escribir un libro sobre él. El artista, Fernando García Curten, vive junto a Susana Tosso, bailarina y poeta. Pasa el tiempo recluido, encapsulado en sus reflexiones acerca del valor del arte y la utilidad de éste. La película es una genuina exploración de la obra de un artista y algunos de los elementos más singulares de su obra, así como también un angustiante reclamo acerca de las malas condiciones en las que se encuentra el museo que contiene su obra. Más allá del interés sobre García Curten, la película se queda en un tono monocorde, sin progresión ni crecimiento dramático. Reflexiones sueltas que terminan con un pedido de subsidio para que el museo de este gran artista no se termine de deteriorar. Una puerta de entrada para una obra influyente, pero una película que no produce el mismo resultado.
Opera prima del actor Casey Affleck, acá también protagonista y guionista, además de director. En un futuro impreciso pero cercano, una enfermedad ha diezmado casi por completo a la población femenina. No hay ni una sola mujer excepto una niña cuyo padre viste de niño para protegerla del mundo exterior. Ambos recorren los bosques acampando y eventualmente se acerca a una casa o un pequeño pueblo. El mundo se ha vuelto raro y hostil. Y por supuesto que sin mujeres tiene los días contados. Sin intentos de realismo ni explicaciones, la película arranca con el padre intentando enseñarle todo lo que puede a su hija para que pueda crecer y convertirse en una buena persona. Discuten sobre ética y moral, mientras deben aprender cosas más cotidianas para sobrevivir. La película los tiene a ellos dos como casi exclusivos protagonistas, con la excepción de las breves apariciones de otros personajes. Affleck se toma su tiempo para describir a sus dos personajes centrales por los que el espectador terminará sintiendo un enorme cariño. La película se va volviendo angustiante de solo pensar en que les pueda pasar algo. Hacia el final las charlas iniciales de ambos cobran sentido y se vuelven reales. La película adquiere entonces potencia y emoción en grandes dosis. Affleck tiene muy claro lo que quiere contar, sin agregados ni desviaciones. La película consigue su objetivo sin responder a ninguna demagogia de mercado ni lugares comunes.
La película comienza mostrando la vida diaria en un centro para madres adolescentes sin recursos. Estos personajes marginales están en un espacio manejado por un grupo de ancianas monjas italianas en Buenos Aires. Las jóvenes están embarazadas o tienen niños pequeños. La película se centra en dos de ellas, Luciana y Fátima, amigas de distinta personalidad que conviven en el lugar. La mirada paternalista, culposa, digna del interés en los festivales de cine pero carentes de cualquier autenticidad rige casi toda la película. La llegada de una monja intentará ponerle algo de empatía y emoción pero las actuaciones no permiten que eso ocurra salvo en contadas ocasiones. A pesar de lograr sus mejores pasajes al final, la película no consigue destacarse ni por su guión ni por su puesta en escena, donde carece de cualquier rasgo de originalidad o potencia.
La historia de tres amigas que en busca de aventura se embarcan en un viaje de fin de semana por la llanura pampeana. Pero el campo las recibe con una historia regada de sangre, violencia y machismo. Ellas están de fiesta, llevan una vida ligera, de fiesta, drogas y diversión. Tienen sus conflictos que parecerán superficiales cuando se enfrenten a la violencia destructiva de un grupo de hombres que parecen haberse estancados en la conquista del desierto en el siglo XIX. Heroínas contra la violencia machista existe en el cine de género desde Russ Meyer y también en varios clásicos de la década del setenta. Un cine con algo de morbo pero con un discurso finalmente en favor del poder de las mujeres. Pero acá la mezcla ideológica es tal que termina arruinándose todo por culpa de una bajada de línea absurda de pura culpa urbana. ¿La conquista del desierto versus el feminismo? Tal vez en la teoría funcionó, pero en la práctica no tiene un solo minuto de sentido. Incluso los actores, efectivos en otros títulos recientes, parecen estar perdidos en esta película fallida.
En la película La tregua (1974) de Sergio Renán un grupo de oficinistas le juegan una broma pesada a un compañero de trabajo: le hacen creer que ganó el PRODE. La broma sale mal porque la víctima en plena euforia insulta al jefe y termina siendo despedido. En Ricchi di fantasia el protagonista trabaja en construcción y le gusta hacer bromas. Para vengarse, sus compañeros le hacen creer que ganó la lotería. Sergio (Sergio Castellitto) decide entonces emprender un viaje con su familia y su amante Sabrina (Sabrini Ferilli) aun descubriendo el engaño. Esta comedia italiana con elementos agridulces es tan antigua y mediocre que cuesta entender que se haya estrenado fuera de su país. Tal vez el recuerdo de La tregua fue que provocó nostalgia y alguien apostó a eso. No es una comedia italiana como las de antes, no usemos esa excusa para tolerar una película tan fallida. A esta road movie le faltan todas las piezas claves de una buena película de la comedia italiana clásica.
Película de bomberos que luego de rescatar a tres hermanitos deben convertirse en niñeros de los infantes. En la línea de tipos duros que deben ser sensibles a la fuerza como Un detective en el kínder se encuentra esta comedia bastante torpe donde apenas si funciona el humor y jamás funcionan los momentos de emoción. El protagonista es John Cena, algo así como el Arnold Schwarzenegger o Dwayne Johnson del presente, salvo que estos dos actores siguen en actividad y son mejores que él. Con momentos de los films de Disney de los sesenta, buscando chistes con espuma, mascotas y algunos golpes y porrazos. Aburrida desde todo punto de vista.
El reconocido y millonario novelista Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto después de la celebración de su cumpleaños. Un excéntrico y minucioso Detective, Benoit Blanc (Daniel Craig), ha sido contratado para hacer la investigación del caso. ¿Quién mató a Thrombey? Todos los integrantes de su familia y también sus empleados podrían ser sospechosos. A medida que avanza la trama se van viendo las cuentas pendientes y los intereses creados de cada uno de ellos. El viejo escritor no tenía una buena relación con sus familiares. Sin embargo, la figura clave de toda la historia será Marta Cabrera (Ana de Armas) la enfermera de Harlan Thrombey. Menospreciada por la familia, con un gran secreto por confesar, ella estará en riesgo si acaso pone en duda el destino final de gigantesca herencia. La película insiste, tal vez demasiado, en la idea de que esta joven de nombre latino (pero no por eso nacida fuera de Estados Unidos como se menciona muchas veces) puede que sea más noble que aristocrática familia Thrombey. Claro que se trata un Whodunit tradicional, incluyendo al raro detective. La pregunta ¿Quién lo ha hecho? (Who’s done it?) sintetiza todo el chiste y el entretenimiento de la historia. Aun con sus bajadas de líneas, la idea es parecer una novela de Agatha Christie o Arthur Conan Doyle, aunque en un tono más bien tosco y bastante grotesco. Algunas actuaciones del enorme elenco (en el también están Jamie Lee Curtis, Don Johnson y Chris Evans, entre otros) son sobrias, pero otras son verdaderamente una vergüenza. El rol más ridículo se lo lleva Daniel Craig, que parece tan preocupado por dejar atrás a James Bond que elige ser todo lo contrario a la elegancia, la sutileza y la actuación clásica. Su sueño de ser un actor versátil no se concreta aquí. El resto es una historia ingeniosa pero a la vez demasiado conocida, donde el director busca, una y otra vez, guiños que muestren que domina el material y a la vez que su talento está muy por encima de él. Donde podría brillar el mecanismo de relojería de un guión y un elenco impecable, Rian Johnson vuelve a querer lucirse mostrándose más que la película. Esa parece ser su marca de fábrica, y a decir verdad es muy mala.