Los dos Papas es un film institucional hecho para convertir al Papa Francisco en una estampita de los tiempos modernos en oposición a Benedicto XVI, donde la película coloca todos los defectos de la vieja iglesia. Un encuentro entre dos hombres distintos que, de forma previsible y esquemática, discutirán sus puntos de vista sobre la iglesia católica. Los encuentros son antes de que Benedicto XVI renuncie a su papado. Una gran producción al servicio de la propaganda vaticana. El primer escollo insalvable es el doblaje de Jonathan Pryce al castellano. Aunque la mayor parte del tiempo el actor debe actuar en inglés, para muchas escenas se necesita que hable en castellano. La voz elegida para esto no se parece en nada a la de Jorge Bergoglio y, además, está muy mal interpretada. Cada escena en argentino parece un doblaje de cine argentino de la década del setenta. Este descuido expone la falta de interés de la película por hacer las cosas en serio. Jorge Bergoglio interpretado de joven Juan Minujín es otro tropezón sin arreglo. Eligieron al actor perfecto para hacer de Francisco pero no se esforzaron en nada para el casting de juventud. Todo un sector de la película está dedicada a la dictadura militar argentina. Mientras que se va por lo general en varios puntos, acá la película se vuelve más precisa y parece, por primera vez, dedicada al público argentino que sabe de lo que se habla. Es un desvío de la trama principal desde lo cinematográfico y afecta la narración general. Directamente la destruye. Es la parte más ridícula y mal ejecutada de la película, planteada con la misma clase de abyección que las peores películas argentinas de la década del ochenta. Claro que nada es tan bochornoso como Francisco: el Padre Jorge (2015) donde en un imposible e insoportable Dario Grandinetti interpretada a Jorge Bergoglio. El género vida de Jorge Bergoglio ya parece ser un género cinematográfico en sí mismo. Siempre, claro, con una mirada a favor. Y si Los dos Papas tiene es un poco más tolerable es porque Anthony Hopkins tiene gracia para decir los diálogos ingeniosos y porque Jonathan Pryce se compromete con su papel. Como ya fue mencionado, que lo doblen al argentino le quita todo el mérito a su esfuerzo. La producción es prolija y eficiente. La elección de la banda de sonido es obvia y poco inteligente, con instantes de gran vergüenza ajena. Lo que queda en claro desde el comienzo es la condición de mala obra de teatro que tiene la idea. Los dos Papas es una de esas piezas donde dos personajes distintos hablan y dan, con todo los lugares comunes existentes en el planeta, sus puntos de vista. Uno los imagina a los dos sentados en el centro de un escenario teatral hablando y hablando. El esfuerzo de Fernando Meirelles por hacer una película con algo más lo lleva a pasearse por otros lugares comunes, pero con más locaciones. Al final, los dos Papas miran fútbol en una escena cómica que es tomada con sentido del humor y con un ritmo que la película nunca tuvo. El guión cobarde y la obsecuencia de todo el proyecto se saltea todos los conflictos que el Papa Francisco ha tenido desde que asumió, desligándose de toda responsabilidad sobre la posición de Bergoglio sobre Venezuela, Argentina y demás polémicas actuales. El director Fernando Meirelles termina su película burlándose de los argentinos en el Mundial. Tal vez lo hace para que alguien en Brasil recuerde que nació allí, que no siempre fue un empleado al servicio de la iglesia.
Kate (Emilia Clarke) es hija de inmigrantes que viven en Londres; trabaja en una tienda de Navidad y todas las cosas malas que le pasan últimamente le hacen sentir cada vez más angustiada. Entonces aparece Tom (Henry Golding), un desconocido que se cruza en su camino una y otra vez en las incomparables calles navideñas en la ciudad de Londres. ¿Podrá Kate cambiar el rumbo de su vida? ¿Será Tom quien la acompañará en ese cambio? Algunos actores secundarios importantes, como Michelle Yeoh y Emma Thompson –autora además del guión-, la canción de George Michael que da título al film y la espectacular ciudad de Londres hacen fuerza para que la película consiga encontrar un rumbo pero aun con tanta belleza alrededor la misión no termina de concretarse. El director Paul Feig, realizador de las excelentes Bridemaids (2011), The Heat (2013) y Ghostbusters (2016) da un paso en falso en esta película. El guión no lo ayuda para nada, pero el sentido del humor y el feminismo ligero pero contundente de su cine queda acá de lado en esta fábula navideña un poco absurda, bastante sensiblera y con un desenlace que es verdaderamente un disparate que no logra ni funcionar como tal.
Película de animación argentina. En un pequeño pueblo, los niños son amenazados con la leyenda del temible Patalarga. Para los padres, el Patalarga no es más que un invento para que los niños no molesten a la hora de la siesta. Sin embargo, Teto, Maru y Ramon descubrirán que el Patalarga en realidad sí existe. Pero tal vez no sea el terrible monstruo que les contaron para asustarlos. Con aires de Tim Burton, la película tiene una buena historia, con ideas claras y nobles, pero a pesar de esto y de su originalidad en varios aspectos de la animación, las voces son un verdadero problema insalvable. Ninguna voz encaja con los personajes y se termina transformando en una distracción excesiva para un largometraje. Es posible que la historia y la técnica hubieran encontrado un mejor espacio en la duración de un cortometraje.
El estafador profesional Roy Courtnay (Ian McKellen) conoce a una viuda adinerada llamada Betty McLeish (Helen Mirren) por internet. Comienzan una relación cuyo final es difícil de predecir, ya que a medida que Betty le abre las puertas de su vida y su hogar, Roy comienza a sentir algo por esta mujer. Dos gigantes del cine británico acompañados por un excelente elenco parecen un punto de partida difícil de arruinar, más cuando se trata de un guión de suspenso con giros en la trama y un delicado sentido del humor inglés. Para ser aún más británica la película está filmada en gran parte en Londres, con un gran uso de locaciones. Pero este duelo actoral y esta intriga de estafas se mantiene bien cuando es juguetona e inverosímil, pero se desbarranca cuando empieza a buscarle un sentido a todo lo que ocurre y viaja al pasado para mostrar el origen de todo. Tal vez en un libro pueda sorprender o interesar, pero en el cine el daño es irremontable. Para peor, se le nota la agenda ideológica coyuntural en cada escena, como si hubiera un manual universal de corrección política que todos los guionistas se pasan.
En el prólogo de Boda sangrienta (Ready or not) vemos una extraña cacería dentro de una mansión. No se sabe más, solo que la pobre víctima es perseguida por muchos, incluyendo niños. De ahí pasamos al presente, donde una joven novia se casará con un joven miembro de una opulenta y rara familia. ¿Dónde es la boda? En los jardines de la misma mansión. Una vez concretada la boda ella descubrirá que hay una antigua tradición familiar en la que ella deberá formar parte, esté de acuerdo o no. La familia es fanática de los juegos, pero el que están a punto de jugar parece bastante más siniestro que un simple juego de mesa. Mezcla de cine de terror y comedia, la película posee un fuerte humor negro y un espíritu gore ligero y divertido. Tal vez no haya nada más detrás de esta trama y se trate solo de un poco de diversión escalofriante. O quizás sea una manera graciosa de tratar la angustia de una persona cuando debe enfrentarse a la familia de su nuevo amor. Tal vez ni la familia ni el propio ser amado sean de confianza. Para cuando la película llega a su fin todo ha pasado tan rápido de forma tan divertida que se le perdonarán algunas limitaciones e ideas un tanto pobres. La película respira originalidad (aun inspirándose en historias conocidas) y ganas de entretener a lo grande, no mucho más.
Después de muchos años, Julia vuelve a la casa de su infancia, en las afueras de un pequeño pueblo del interior. Allí es donde de niña sufrió el abuso sexual de parte de su padre, recientemente fallecido. Como la intención es vender la vivienda, Julia se instala junto a su novia Ana durante unos días, con la esperanza de concretar la operación inmobiliaria. Pero habitar nuevamente ese lugar la obligará a enfrentar a sus fantasmas y recuerdos más oscuros, que irrumpen en el presente de un modo mucho más real que lo que podría haber imaginado. El prolífico realizador Ernesto Aguilar encara acá un drama con muy poco estilo, actores que no resultan creíbles en ningún momento y un guión que cada vez se vuelve más forzado. Una producción de baja calidad que aparece en la cartelera a fin de año y cuyo objetivo, más allá de coquetear con cierto morbo en temas de actualidad, es imposible de descifrar. La duración de la película está muy por encima de lo que la historia y el interés que despierta pueda tolerar. Las vueltas de tuerca no hacen más que empeorarlo todo.
Esta extraordinaria película francesa cuenta la historia de Theo, un bebé que recién nacido es entregado por su madre a un programa de adopción y de Alice, quién hace más de 10 años intenta ser madre. Entre ambos también aparece un grupo de profesionales cuyo trabajo es el cuidar a los niños durante ese proceso. La película los sigue a todos y en paralelo muestra algunos intentos fallidos de adopción y madres que no pueden cuidar a sus hijos. La directora Jeanne Herry elige un tono minucioso para describir con la mayor fidelidad posible como es el proceso para adoptar niños en Francia, a la vez que cuenta las historias de sus personajes. Mediante flashbacks vemos a Alice (Élodie Bouchez, inolvidable en este rol) como va pasando por diferentes etapas de su vida y su deseo de adoptar. También vemos a Jean (Gilles Lellouche) y Karine (Sandrine Kiberlain) cuidando al bebé que al que le buscan una posible familia. Aunque el talento actoral es particularmente alto en la película, la sobriedad casi documental de todo el film hace que esos actores parezca que no están actuando las profundas emociones que vemos en la pantalla. Un realismo amable, con una enorme comprensión por cada personaje, hace que En buenas manos (Pupille) alcanza una humanidad poco habitual. Inevitablemente emotiva, la película es una precisa sobre un aspecto poco explorado del cine, el del camino de la construcción de una familia mediante la adopción.
En medio de una epidemia, una mujer mística judía evoca a una entidad sobrenatural para que salve a su comunidad de una invasión extranjera. Sin embargo, la criatura invocada es más maligna de lo que ella había esperado. Este film de terror tiene algo poco habitual en el género y es que transcurre en el medioevo, para acercarse a la leyenda que toma como punto de partida. En el imaginario popular, El Golem es un ser que fue modelado en barro y que luego fue animado mágicamente por una palabra secreta que forma parte del mundo de la Cábala. La leyenda por excelencia acerca del Golem lo relaciona con el rabino Yehuda Löw ben Becalel, que vivió en Praga a mediados del siglo XVI. Pero en la película es una mujer la que, desafiando a su marido y al resto de la comunidad decide salvar al pueblo tomando la decisión de invocar ella al Golem. La mujer que le ha dado vida al Golem ha perdido a su hijo y el Golem es en esta película tiene la figura de un niño y un vínculo con ella que en un principio parece poder controlarlo. La película sorprende, es diferente, su origen israelí podría considerarse una novedad ya que no llega mucho cine de terror de Israel. Pero con sus novedades no alcanza y luego de varios grandes momentos la película comienza a resolver todo de la misma manera que cualquier película de terror. Tal vez porque su lugar como película de terror podría resultar ambigua sin algunos lugares comunes. Tal vez la ambigüedad hubiera sido mejor.
Hace veinte años ya era una queja habitual decir que había grandes comedias que pasaban desapercibidas por la cartelera local o que directamente ni pasaban por el cine. La exhibición en la actualidad ha cambiado en muchos aspectos, pero aun hoy hay comedias brillantes que pasan sin pena ni gloria por el costado de los cines más importantes. Así, antes de fin de año, y luego de muchas fechas postergadas, se estrenó Booksmart (2019) dirigida por Olivia Wilde. Para cumplir con otra máxima de esta clase de cine, se estrenó con un título feo pero que suele encerrar grandes cosas: La noche de las nerds. Sí, la palabra “nerd” suele ser el camuflaje de grandes comedias. Así que tomen nota: Detrás de La noche de las nerds hay una excelente película. Amy y Molly son dos excelentes estudiantes y mejores amigas. A punto de graduarse descubren que sus conductas prolijas y alejadas de cualquier exceso o diversión no les proporcionó un mejor futuro que al resto de sus compañeros. Deciden, entonces, compensar todo el tiempo perdido y lanzarse de lleno a la fiesta y el descontrol. Con un punto de partida sencillo la película tiene espacio suficiente para lograr una comedia que es graciosas en cada escena, a la vez que demuestra gran inteligencia en su humor y un enorme corazón que hace que amemos a las dos incomparables protagonistas. Kaitlyn Dever como Amy y Beanie Feldstein como Molly son las dos actrices brillantes e inolvidables que protagonizan la historia. Todo el elenco está afilado y espectacular, incluyendo varios actores famosos de primer nivel en el género, como Jason Sudeikis, Lisa Kudrow y Will Forte. Amy y Molly son dos grandes personajes, su universo de complicidad, timidez frente al exterior, sus deseos y temores es de una sutileza y una efectividad muy poco habituales. Las guionistas que figuran como responsables del guión son Emily Halpern, Sarah Haskins y también Susanna Fogel y Katie Silberman. Sin duda en ellas está una parte del excelente resultado, además de gran elenco. Pero la sorpresa es que además de todo esto, Booksmart se trata de una ópera prima. Y su directora es nada menos que Olivia Wilde, una estrella del cine famosa por su trabajo en docenas de películas y también grandes series. Muchas películas buscan desesperadamente encajar con los tiempos que corren, captar algo de la sensibilidad reinante. La mayoría fracasa por su falta de sinceridad o su manera prefabricada de acercarse a los temas y los personajes. La historia y los personajes de Booksmart consiguen con ligereza y profundidad dar en el clavo sin que parezca difícil. Una de las grandes comedias de los últimos años, sin duda alguna.
La película transcurre en el año 1955, el San Bernardino, Paraguay. En esta comunidad conviven colonos alemanes con las familias paraguayas. En ese lugar está Justino, un niño a punto de entrar en la adolescencia y que ha perdido a su padre, lo que lo obliga a madurar antes de tiempo. Justino consigue entrar en el colegio alemán del lugar, donde empieza a sentirse atraído por un compañera de escuela a la vez que se fascina con su maestra. Pero la maestra se siente atraída, a su vez, por la figura de un solitario alemán vinculado con el nazismo. El director Arnaldo André, famoso por su extensa carrera como actor, construye de forma sobria una historia de recuerdos de infancia. No pretende construir una obra maestra ni llamar la atención sobre su propio trabajo. Cuenta de forma sincera y auténtica un mundo al que parece sentirse muy apegado. Las imágenes de ese pasado, plagadas de detalles de época, no están mostradas desde la mirada adulta y ya pensada del director, sino de cómo las veía en la infancia. No hay una mirada que juzgue, solo una contenida y cálida memoria de los años claves en la vida de un niño, justamente cuando deja de serlo. El casting de la película es muy bueno y el niño protagonista tiene todos los elementos para sostener lo mencionado en los párrafos anteriores. Que el realizador haya sido más fiel a los recuerdos de la infancia que a juzgarlos del presente hace que la película no cargue las tintas sobre lo político sino que se acerque más a la belleza y las posibilidades del cine. Como un Amarcord de perfil bajo, la historia es un viaje al pasado visto con ternura e inocencia.