Una sorpresa de fin de año para este 2019 con un número gigantesco de títulos argentinos pero con un nivel discutible. El cuidado de los otros es una de esas películas que se destaca rápidamente con su pulso preciso, su intensidad cinematográfica y su coherente y decidido sentido. En resumen: Una película excelente. Luisa tiene dos trabajos, trabaja en un taller donde se fabrican pequeñas figuras de cerámica y también es niñera para conseguir un poco de dinero extra. Cuando está cuidando a un nene llamado Felipe, accidentalmente queda afuera del departamento por un rato hasta que su novio Miguel llega para abrir la puerta. El niño parece estar bien, entonces Luisa va al departamento de al lado para pedirle a la arquitecta que allí trabaja que no le cuente nada a los padres de Felipe. La tensión de este comienzo muestra una sólida construcción dramática apoyada en grandes actores. Hasta ahí la película conquista al espectador a puro suspenso. Pero esto recién empieza, porque el Felipe empieza a sentirse mal y Luisa debe ir con él de urgencia al hospital donde trabaja Carla, la mamá de Felipe, para descubrir que ha sufrido una fuerte intoxicación. Ahí el cuidado de los otros despliega su juego y la tensión se multiplica. No es solo una tensión de puesta en escena y actuaciones, también el guión se construye de forma tal que las emociones están a flor de piel y la angustia y la culpa de la protagonista se hace omnipresente, aun cuando no se esté hablando sobre eso. Para que el lector pueda darse una idea visual, El cuidado de los otros evoca claramente al cine de los Hermanos Dardenne. El camino del protagonista que cae y busca desesperadamente la redención y el perdón, lo vimos en los films de los Dardenne Rosetta, El niño y El hijo, entre otras. Pero la conexión no es solo de tema sino también de estética. Nosotros no sabemos otra cosa más que lo que la protagonista ve y vive. La cámara la sigue muchas veces desde atrás, en ese gran recurso de realismo, como si la cámara no supiera a donde va. Esa forma de conectar la ficción con el documental, aportando drama e intensidad. Estas conexiones estéticas y temáticas no le quitan identidad a El cuidado de los otros, para nada. La película tiene estilo y vida propia. Si el director, guionista y actor Mariano González triunfa en tu triple rol, hay que decir que la protagonista excluyente de la película, Sofía Gala Castiglione, consigue acá su mejor papel, apelando a los matices más visibles como a los más sutiles, en un papel más complejo de lo que se puede creer a simple vista. La emoción contenida de gran parte de la trama, los picos dramáticos y un desenlace de profunda emoción la confirman como una actriz que sigue ascendiendo. El cuidado de los otros es uno de los grandes films del 2019.
La batalla de Midway fue un conflicto aeronaval que se desarrolló entre el 4 y el 7 de junio de 1942. Seis meses después de que Japón bombardeara Pearl Harbor y marcara así el comienzo de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. La victoria norteamericana fue clave para el desarrollo de la guerra y cambió definitivamente el curso de la misma. El cine ha tenido acercamientos previos al conflicto, muy anteriores a la película que se estrena ahora. Hubo film japoneses pero en occidente esta batalla se conoce por dos grandes títulos: Midway (1976) de Jack Smight y el extraordinario cortometraje de John Ford The Battle of Midway (1942) ganador del Oscar a mejor documental. Este nuevo film ofrece todo lo que uno puede imaginar de una superproducción dirigida por Roland Emmerich, tanto en lo bueno como en lo malo. La película arranca con Pearl Harbor, no solo para ofrecer una base emocional fuerte para que toda situación eufórica vinculada con la guerra no sea vista de forma negativa, sino también para aprovechar y mostrar algunas escenas espectaculares extras. Un elenco con varias grandes figuras permite que se sostengan momentos no del todo inspirados y en particular Woody Harrelson como Chester Nimitz, comandante en jefe de la flota estadounidense del Pacífico, logra algunos excelente momentos. El resto son caricaturas muy simples con escenas poco logradas cuando no implican acción. No, no está todo mal, no todo es indiferente, pero queda claro que es una historia difícil de contar, como bien había demostrado el film de 1976, cuyo elenco era gigantesco, lleno de verdaderas estrellas. Sin duda es apasionante el combate aeronaval y Midway es memorable. Tanto en las estrategias japonesas como norteamericanas, hay mucho por contar y aprovechar, pero en el cine las historias en primera persona funcionan mejor y es necesario a veces darle ese toque de melodrama que funcione como película. Pero entonces llega John Ford, y recordamos que en Fuimos los sacrificados (1945) se podía hacer todo y al mismo tiempo una obra maestra. ¿Y por qué John Ford puntualmente? Porque John Ford es uno de los personajes secundarios de la película. Cuando los japoneses atacaron Midway Ford estaba con su equipo y sus cámaras filmando un documental. Como bien se muestra en la película, Ford se negó a esconderse en un refugio y siguió filmando, esto le permitió conseguir tomas increíbles y también algunas heridas de guerra producto del ataque que filmó. Ford es mostrado como un cineasta y un valiente en la película de Emmerich. Busquen las imágenes que Ford plasmó en su cortometraje, porque incluye a muchos combatientes que no sobrevivirían a la batalla de Midway. No solo es impactante, también es fordiano de punta a punta. Roland Emmerich, asociado a superproducciones taquilleras sin demasiado interés cinematográfico, tiene varios films logrados, además de importantes bodrios, aunque no se sepa, ha hecho algunos films pequeños también. Esta película entra en ese concepto mastodóntico sin sustancia con el que se lo suele encasillar. Para los amantes de la Segunda Guerra Mundial y los combates aéreos, la película ofrece un espectáculo digno de una pantalla grande, bien grande.
El plano inicial de The Irishman nos sumerge en el mundo estético de Martin Scorsese. Un plano secuencia donde la cámara recorre un hospital geriátrico hasta encontrar al protagonista de la historia, Frank Sheeran, mientras se escucha una canción al estilo del director. Si en Buenos muchachos el plano de la entrada del protagonista al Copacabana definía el tono y los temas de la película, acá también lo hace en muchos aspectos. Con sus virtudes y sus defectos, en The Irishman Martin Scorsese parece despedirse de un género y de un grupo de actores que formaron parte fundamental de su cine. The Irishman cuenta la vida de Frank Sheeran (Robert De Niro), un asesino a sueldo, veterano de guerra, que formó parte de la familia criminal Bufalino y se convirtió en amigo y guardaespaldas del sindicalista Jimmy Hoffa. Una película ambiciosa que atraviesa varias décadas de la historia norteamericana al mismo tiempo que narra la vida personal de Sheeran, su familia, amigos y su entorno criminal. Largos flashbacks construyen la vida este personaje que en muchos aspectos, y de forma poco usual para el director, termina siendo una reflexión del propio Scorsese en esta etapa de su carrera. La criminalidad ha sido parte importante del cine de Scorsese. Desde Calles salvajes cambió el género, lo redefinió y se convirtió en modelo para la siguiente generación de cineastas. Su influencia llega hasta la actualidad y abarca no solo al cine norteamericano, sino también al del resto de los continentes. Aunque la filmografía de Scorsese tuvo diferentes films, Calles salvajes, Buenos muchachos, Casino y ahora The Irishman tienen el centro a la criminalidad. En otro estilo también se suman The Departed y Gangs of New York. Su mirada de los gángsters, vinculados con su propia experiencia, acompañó con cierta ambigüedad la mirada entre crítica y fascinada sobre estos personajes. Los cuatro films muestran diferentes etapas de la propia carrera del director. Es lógico que quisiera a Robert De Niro también para The Irishman, aunque en Buenos muchachos ya se había dado cuenta que necesitaba un actor más joven como protagonista. Por más buenos resultados que le haya dado Leonardo Di Caprio en varios títulos, siempre será De Niro el actor que mejor represente a Martin Scorsese. Empezaron juntos, alcanzaron su esplendor juntos, maduraron juntos y envejecieron juntos. Aun teniendo un gran carrera por separado, unidos han dejado un legado descomunal. The Irishman tiene una ambición que no es lo más común en Scorsese. Sus historias están centradas en su protagonista más que en la historia con mayúsculas como ocurre aquí. No es tampoco sorprende que acá sume, por primera vez, a Al Pacino, un gigante contemporáneo a Scorsese y De Niro y un rostro asociado al cine de gángsters como pocos por haber sido el gran protagonista de la trilogía de El padrino. No sólo narra la historia norteamericana, también la del cine de gángsters. Pacino interpreta nada menos que a Hoffa, uno de los grandes mitos americanos del siglo XX, un personaje clave en la historia americana, un sindicalista con un estrecho vínculo con la mafia. Esto le abre la puerta para hablar también de los Kennedy, siempre desde la mirada de los criminales, en un punto de vista menos abordado por el cine de Hollywood. Sin embargo lo mejor y lo peor de The Irishman está vinculado con sus actores y con la necesidad de Martin Scorsese de tener a Robert De Niro de protagonista. Tanto él como Joe Pesci, como Al Pacino, se vieron sometidos a un rejuvenecimiento vía efectos especiales para poder dar con las edades de sus personajes. Vayamos por partes. Desde hace más de una década el cine actual está probando suerte con alterar o directamente crear caras de actores para dar con una cierta edad o para volver a traerlos a la vida. Desde X-Men: Last Stand (2006) a Rogue One (2016) ya hay más de una docena de películas que ha utilizado este recurso. Las opciones son que se utilice el recurso en tomas breves que no permitan al espectador terminar de leer la situación o que estén dentro de un marco de efectos especiales generalizados que le quite peso al realismo. Terminator: Dark Fate arrancó este 2019 con una escena completa con tres personajes digitales. Nuevamente, escenas breves, tomas sin demasiada información, número limitado de emociones en los rostros. Ya vimos los desastres ocurridos por no conseguir que la tecnología esté a la altura de las ambiciones. Pero The Irishman va más allá. El protagonista pasa gran parte de la trama bajo este efecto. Otros actores también. Y son actores muy conocidos en escenas donde lo actoral es fundamental. ¿Se imaginan a Marlon Brando en El padrino II rejuvenecido? No solo no funcionaría, también le hubiera quitado a De Niro la posibilidad de su primer Oscar y el lanzamiento de su carrera. No todo es negativo, uno imagina que a Alfred Hitchcock una tecnología así le hubiera parecido genial y la hubiera usado para siempre. No es una discusión sobre la elección, sino sobre el resultado. El resultado podrá parecernos relevante o no, pero no hay manera de decir que quedó bien. No quedó bien y punto. De Niro tiene escenas en las que parece un videojuego. Muchas escenas a decir verdad. Y a pesar de todo termina dando algunos buenos momentos. Mejor suerte tienen Al Pacino y Joe Pesci, aunque esté último parece salido de un film de fantasía por momentos. Ambos están brillantes y Pesci está más inquietante y abrumador que nunca. Su sobriedad es absoluta. Pacino hace un show que le queda muy bien. El actor fetiche de Scorsese, De Niro, es quien queda un paso atrás. Simplemente una pregunta: ¿Alguien puede saber a ciencia cierta qué edad tienen los tres a lo largo de la trama? La confusión es grande, aunque en eso no hay tanto problema como el hecho de que pierdan expresividad. Volviendo a Hitchcock. Cuando fracasó Vértigo el realizador culpó a la edad de James Stewart. Nunca más volvieron a trabajar juntos. Luego de Intriga internacional cerró su vínculo con Cary Grant. ¿No creen que Hitchcock hubiera usado este recurso? Posiblemente, pero su visión de lo que era la actuación en cine es muy distinta a la de Scorsese. O pensemos en John Ford, que cuando hizo su gran despedida del western The Man Who Shot Liberty Valance puso a dos actores de más de cincuenta años a interpretar a dos jóvenes. La gente lo notaba, pero es mejor una convención que tener que perder la verdadera cara de los actores. Las tres películas mencionadas en este párrafo son obras cumbres de la historia del cine. Scorsese se había resignado a cambiar a sus actores por otros. Pero acá los quería tener, no hay duda. Por eso también está Harvey Keitel. Si es por interés comercial o por genuino amor por ellos no lo podemos saber. A juzgar por el resultado es ambiguo lo que puede sentir un espectador. Pero no discutamos la decisión como algo negativo, imaginemos que Scorsese se quería despedir de ellos, de hecho Joe Pesci salió del retiro para hacer este film, y los quería juntar, como el adiós no solo a ellos y a un género, sino también que el lugar que todos ocuparon en la historia del cine. En ese aspecto hay una escena clave: la enfermera habla con Sheeran y este le menciona a Jimmy Hoffa. La enfermera no lo conoce. Esto hace unos años era absurdo en la cultura americana. Pero Scorsese se da cuenta que pronto todos serán olvidados. Los más poderosos, los más famosos, sean políticos, sindicalistas, actores o directores. El director se enfrenta a su propia finitud, anuncia que es posible que nadie sepa ni que existieron. La pregunta que se hace entonces el director, mediante el guionista Steven Zaillian, es acerca de la clase de vida que ha llevado. Son criminales, está claro que no son buena gente, pero están dentro del género, por lo cual una vez aceptado eso solo queda saber si su propio entorno los acepta o no. Y acá hay dos figuras claves que son Robert De Niro y Peggy (Anna Paquin) la hija de Sheeran. De Niro hizo mucho cine de gángsters pero cuando le tocó dirigir eligió A Bronx Tale (1993) un cuento moral que era implacable con la figura de los mafiosos. De Niro dejó en claro su opinión sobre esa clase de personajes que interpretó en el cine tantas veces. Acá De Niro es productor y se nota que le preocupa más la mirada de la hija del protagonista, Peggy, que la trascendencia o el poder. Cuando nada queda, cuando todo ha pasado, Sheeran se da cuenta que la ambición de cuidar a sus hijas ha fracasado. Ellas lo desprecian, le temen, Peggy en particular lo ha observador en silencio durante toda su vida. La redención no llega para Sheeran, no importa cuanta veces se confiese. Su hija lo ha juzgado y no lo ha perdonado. The Irishman es despareja, no tiene la brillantez total de Buenos muchachos y tiene los problemas mencionados. Pero aun así tiene muchos buenos momentos y el deseo de juntar a un grupo de gigantes para darles una despedida. Ya pasó la época para todos ellos y la nueva generación tal vez no los recuerda o los juzga negativamente. Es un melancólico adiós porque sabemos que acá termina una historia. Si quieren verlos a todos juntos es ahora, luego habrá que buscarlos en la historia del cine.
Nueva York, década del cincuenta. El protagonista es un detective privado que, como en todo buen film noir, se cruza con una historia mucho más complicada de lo que creía en un comienzo. Lionel Essrog (Edward Norton, también director y guionista) tiene que investigar la muerte de su amigo y mentor y al hacerlo se sumergirá en una conspiración cuyos alcances eran inimaginables en un comienzo. Essrog tiene a su favor una memoria prodigiosa. Puede recordar todo lo que escucha y también lo que ve. Pero a la vez posee síndrome de Tourette, por lo cual sus tics, sus cambios de tono y sus expresiones fuera de lugar no le permiten pasar desapercibido o comportarse de manera sobria. La reconstrucción de época es espectacular, la trama que por momentos recuerda a Chinatown (1974) es interesante y el elenco es un verdadero lujo. Pero el esfuerzo permanente de Edward Norton por mostrar su calidad de actor y sus habilidades para interpretar a un detective con síndrome de Taurette arruinan toda la experiencia. Ningún clasicismo puede funcionar si uno de los elementos se la pasa llamando la atención sobre sí mismo como si fuera un cartel de neón en medio de la noche. El ego de los actores, empeorado por estar sin control en su triple trabajo (cuádruple sin contamos que es uno de los productores), suele generar estos momentos vergonzantes. Sin duda es lo que quería Edward Norton, pero cuesta creer que fuera lo que necesitaba la película.
Apareció desde hace un tiempo han aparecido en la enorme cantidad de estrenos de cine argentino, un grupo de comedias de bajo lanzamiento, elenco sin grandes estrellas y resultados que suelen quedar por debajo de la calidad mínima para volverse atractivas para los espectadores. Instrucciones para la poligamia se suma a esta lista y no sobresale particularmente. El matrimonio protagónico busca el embarazo de ella pero no lo consigue. Como en una versión muy pobre de aquel gag de Hanna y sus hermanas de Woody Allen, la película busca todos los chistes posibles sobre el tema. Pero esto no es Woody Allen, esto es comedia sin sutilezas, con pocas ideas de guión y con un cuarteto protagónico (Guillermo Pfening, Ana Pauls, Marcelo Mazzarello y Fabiana García Lago) que consigue sacar algunas adelante con puro talento para el género. Sin ellos la película sería intransitable, pero no les alcanza para cambiar el rumbo de un film sin gracia.
Tres generaciones se encuentran en una casona campestre para pasar allí las fiestas de fin de año. El espacio abierto resulta de todas maneras claustrofóbico a medida que van surgiendo los reclamos familiares, las cuentas pendientes y las tensiones sexuales de algunos de los integrantes de la reunión. El calor agobiante vuelve todo aún más tenso e inquietante. El trabajo de dirección, la fotografía y el montaje le dan a la película una calidad visual digna de mención, pero no hay nada en la historia que resulte novedoso o marque una diferencia para construir una película que se vuelva interesante. La sensación de lo ya visto, tanto en el cine argentino como en, por ejemplo, el cine francés –tan cercano a esta clase de historias en esta clase de espacios- va en contra de las situaciones que se suceden. Pero más que el guión el problema son los actores, que deciden hacer un trabajo en el sentido menos interesante del término actuación. Distancian y no suman, parecen preocupados por su intensidad y no confían en el impecable trabajo de la cámara para contar la historia. Jugando en diferentes tonos, la parte técnica de la película se luce y la actoral no.
La vida de Joaquín no tiene rumbo. Trabaja en la cocina de un colegio pero claramente tiene ambiciones de chef. Su vida afectiva no está mucho mejor. Esa crisis, que incluye un zumbido en su cabeza cuyo origen él desconoce, incluye un posible romance con una chica del colegio donde él trabaja y tiene veinte años menos que él y una relación con una mujer que él conocía de su propia época de estudiante que ahora reaparece en su vida. Drama con toques de humor y algo de romance, 4 metros tiene, con defecto insalvable, la completa falta de fluidez y credibilidad en cada escena. Como en los programas de la televisión abierta, cada escena se ve armada, falsa, sin vida. No hay manera de meterse en la historia ni analizarla en la medida que cada situación parece marcada por este artificio no buscado.
Michelsen (José Soza) prepara la cabina de su camión para su próximo viaje rumbo al sur de Chile. Dos cosas se descubren en la escena inicial de El hombre del futuro: un actor de un carisma y fotogenia indiscutibles y un talento del director para la puesta en escena. La ópera prima de Felipe Ríos tiene perfil bajo y no busca lucimientos, pero se acerca a los personajes con precisión y una mirada que genera automática empatía. Será el último viaje de Michelsen y en su mirada se ve la angustia y el vacío, aunque no es exclusivamente por ese último viaje. En el mismo derrotero pero del otro lado de la vida está su hija Elena (Antonia Giesen, también impecable) quien debe viajar al sur para una pelea de boxeo en su incipiente carrera deportiva. Una road movie con sus personajes separados, dos caminos que deberán cruzarse por las rutas del sur chileno. El tono adecuado para mostrar las emociones de personajes que no son particularmente emotivos. Varios aciertos juntos para una sola película que con simpleza y sin vueltas expresa con claridad y madurez todo lo que desea.
La serie Downton Abbey (2010-2015), creada Julian Fellowes, tuvo seis temporadas en las que mostró, como casi ninguna otra serie, la vida británica con sus costumbres, sus ideas, su humor y también sus prejuicios. No toda la vida británica, sino la que giraba en torno a una familia aristocrática en el condado de Yorkshire y la servidumbre que trabajaba allí. A partir de estas dos clases sociales asomaba toda la historia británica y se recibían ecos de los cambios en el mundo. Se trataba de una serie amable, que combinaba melodrama con historia, bastante humor y un elenco multitudinario donde todos brillaban. La reconstrucción de época era maravillosa y el éxito de público y crítica demostró que el objetivo estaba cumplido. Algunos episodios eran excelentes, otros absolutamente memorables. La emoción era genuina y el cariño por los personajes funcionaba por acumulación. En ambas clases se veían historias de amor, honor, sacrificio, lealtad y miseria. La condición humana y las tensiones de clase tomadas con una mirada comprensiva y sin el más mínimo rasgo de sordidez. Puro disfrute, más allá de los grandes momentos dramáticos. Terminada la serie, no fueron pocos los fans que querían más historias, que buscaban reencontrarse con sus personajes favoritos. La película se hizo esperar pero llegó, sin duda para satisfacer a esos seguidores sedientos de una vuelta más. Un bis para festejar todo lo que la serie construyó durante sus seis temporadas. ¿Pero que puede ofrecer una película que no se haya hecho ya en todos estos años? Bueno, de la misma manera que hay especiales de Navidad o Halloween y muchos telefilms con los que grandes series han jugado al reencuentro, Downton Abbey busca ofrecer algo especial para este regreso. Lo primero que ofrece es la mansión donde vive la familia Crawley. La pantalla grande es aprovechada al máximo, con una pantalla más ancha y con varias escenas que muestran hasta qué punto los realizadores saben que los fans valorarán ver la locación principal de la serie en todo su esplendor. Varias escenas muestran mayor producción y una generosa actitud para el disfrute de los incondicionales. La historia arranca en 1927, un año después del final de la cronología de la serie. Una noticia produce un revuelo en Downton Abbey: el rey George V y la reina Mary visitarán la casa como parte de una gira por el país. Excelente punto de partida para explotar al máximo las tensiones sociales, las costumbres, las ambiciones y los temores de una sociedad. Pero al mismo tiempo, y siendo fiel a la serie, una importante dosis de humor británico. No hay que adelantar nada de la trama. Casi todos los actores de la serie están, lo que por supuesto es el máximo interés para la continuidad de la historia. A juzgar por el éxito de una serie británica más reciente como The Crown, no sería absurdo pensar que Downton Abbey pueda seguir la historia más allá de 1927. Pero como balance final, la película no tiene nada nuevo para ofrecer, salvo algún que otro guiño y a nuestros personajes favoritos haciendo sus gracias. Se valora, se agradece, nunca está demás un reencuentro si se hace como corresponde.