DOS GRANDES DE LA ACTUACIÓN, EN EL ESPLENDOR (por halbert) Shirley MacLaine ha cumplido ocho décadas de edad este año. De esas ocho, seis las ha pasado trabajando en cine y teatro, convirtiéndose en una leyenda viviente. Brilló en “El apartamento” (1960) e “Irma, la dulce” (1963), ambas del gran Billy Wilder, así como también en “Momento de decisión” (1977), de Herbert Ross. En todas ellas fue nominada al Oscar, sin poder ganarlo. El triunfo vendría con la recordada “La fuerza del cariño” (1982), de James L. Brooks, comedia dramática que le valió la estatuilla dorada por su rol de Aurora, esa insoportable y querible madre que tiene conflictos con su única hija, pero que da todo por ella cuando el drama aparece. Esta vez, Shirley compone un rol típico de Oscar, y ojalá podamos volver a verla en la famosa “red carpet” de las premiaciones, porque su actuación en esta “Elsa & Fred” bien lo merece. Aquí, el protagonismo lo comparte con el experimentadísimo Christopher Plummer, en una nueva versión de la película argentina rodada en 2005 por Marcos Carnevale y protagonizada por la recientemente fallecida China Zorrilla y el español Manuel Alexandre. "Elsa & Fred" es una historia de amor en la tercera edad, en la que un octogenario viudo es “depositado” por su hija (Marcia Gay Harden) en un departamento más pequeño que el que ocupaba con su esposa. Angustiado y desconcertado por su nueva realidad, el viejo Fred actúa como un cascarrabias, ladrándole a quien se le cruce. Pero a poco de mudarse conoce a Elsa, su vecina de casi su misma edad, una sociable, arrolladora y vital mujer (y simpáticamente mitómana) que intenta aprovechar la vida al máximo, dentro de sus posibilidades, y se entromete en la vida de Fred, que se deja llevar por el vértigo que desprende su nueva amiga y empiezan a socializar, a salir a pasear, a comer, a conocerse, casi como dos adolescentes. Elsa le manifiesta su deseo de parecerse a la actriz Anita Ekberg y recrear una escena del clásico de Fellini “La dolce vita”, lo que le da a Fred una gran idea y le prepara una gran sorpresa. Pero el espectador también se sorprenderá con un giro en la trama y la comedia irá mutando a drama, y a cambiar la sonrisa por una lágrima. Esta remake, coprotagonizada también por George Segal, Scott Bakula y Chris Noth, está asentada mayormente en las calles de Nueva Orleans, y sumando la belleza de la ciudad de Roma, está producida por los argentinos Nicolás Veinberg y José Levy, los mexicanos Matthías Ehrenberg y Ricardo Kleinbaum y el puertoriqueño Osvaldo Rios, y la dirige nada menos que Michael Radford, responsable de importantes obras como “1984” (1984); diez años después, “El cartero” (1994), y diez años después “El mercader de Venecia” (2004). Hoy, a diez años de esta última, nos encontramos con otro gran filme del director que, si bien tiene algunos elementos convencionales en su guión, el carisma de esos dos “monstruos” de la pantalla, como lo son Shirley y Christopher, valen toda la película. La fantástica química que se entreteje entre ambos protagonistas, sumadas a divertidas escenas y diálogos entre ambos, es lo más sugestivo de este encantador filme que no defrauda, que deja un dulce sabor al encontrarnos con una historia que nos muestra que puede existir el amor en los años últimos de la vida. Claro que nada es eterno y a veces, el inexorable final, tiñe de tristeza y melancolía la pantalla, pero con la certeza de haber transitado una historia romántica y haber hecho feliz al ser querido.
"UNA VIVENCIA CINEMATOGRÁFICA IMPERDIBLE... Y SALVAJE" (por halbert) ¡Resulta impresionante el trabajo que ha realizado Damián Szifrón! Nueve años después de su anterior filme, el director argentino regresó con todo, demostrando que no ha perdido la mano en esto de contar historias atractivas para el público. Recordemos que en 2003 había estrenado su opera prima, “El fondo del mar”, protagonizada por Daniel Hendler, Dolores Fonzi y Gustavo Garzón, cosechando premios en Argentina y España. Luego vendría “Tiempo de valientes”, en 2005, con Luis Luque y Diego Peretti, Y en el medio, durante 2002 y 2003, engendró el enorme éxito de “Los simuladores”, considerada por muchos como la mejor serie de la TV argentina de todos los tiempos. Así nos tiene acostumbrados Szifrón, por lo que su nueva obra generaba enorme expectativa, y él ha logrado estar a la altura de ella e, incluso, superarla. Estos “Relatos salvajes” son 6 episodios inconexos narrativamente, pero que, en su mayoría, tienen como eje común la reacción violenta de sus protagonistas ante situaciones que los sacan de sus casillas. Y así tenemos, entre los principales (y sin entrar en mucho detalle) a Ricardo Darín como un ingeniero que pierde los estribos porque a su auto se lo llevó la grúa; a Leonardo Sbaraglia luchando cuerpo a cuerpo con otro conductor en medio de una ruta salteña; a Rita Cortese y Julieta Zylberberg haciendo justicia por mano propia con un candidato a intendente en un bar rutero; a Oscar Martínez queriendo salvar a su hijo que ha cometido un delito; y a Érica Rivas explotando en su propia fiesta de casamiento, al enterarse de un secreto de su flamante esposo. Como prólogo de estos sucesos, el primero sucede a bordo de un avión, donde Darío Grandinetti y María Marull (esposa del director) se dan cuenta que no es casual ese viaje del que forman parte. Estas historias, ensalsadas con un humor negro muy apropiado (y polémico, a veces) sacuden al espectador, haciéndolo transitar las sensaciones que se viven en una montaña rusa: vértigo, risa, asombro, miedo, suspenso… La música de Gustavo Santaolalla, muchas veces anempática (o sea, que no concuerda dramáticamente con lo expresado visualmente, por lo que se genera un interesante contrapunto entre lo escuchado y lo visualizado) ayuda a transitar todas estas emociones, dándole al filme un halo tarantinesco. Pero hay algo que va generando con cada cuento, y eso es: identificación. El filme, magistralmente co-producido por los hermanos Agustín y Pedro Almodóvar, es para ver en cine, y más de una vez, porque la experiencia colectiva es lo que la termina de hacer genial. Casi no existen películas en las que el espectador aprueba con aplausos mientras transcurre lo que está viendo, y en las proyecciones en las salas sucede más de una vez. La adhesión del público argentino es plena (y la de los espectadores extranjeros pareciera que también, dado que fue aplaudida 10 minutos seguidos en el Festival de Cannes); las actuaciones son verdaderas, la dirección es apabullante y la reflexión que suscita va "de yapa". Son dignos de mencionar varios de los actores que secundan a los protagonistas: Mónica Villa,María Onetto, Nancy Dupláa, Osmar Núñez, César Bordón, Diego Gentile y Germán de Silva. “Relatos salvajes” resulta una vivencia imperdible, que vale la pena transitar, para luego poder reflexionar acerca de lo violentos, irracionales, corruptos, vengativos y bestiales que podemos ser los seres humanos ante situaciones que nos superan, tanto o más que los animales que se muestran en los atractivos títulos de presentación, que anteceden a la catarata de salvajismo que por 2 horas sacuden a un público que queda exhausto, pero más que satisfecho.
"ATRACTIVO POLICIAL CON DOS IMPONENTES PROTAGONISTAS" (por halbert) Se pueden decir muchas cosas de este nuevo filme argentino: que se pasó “de rosca” con la publicidad gráfica y audiovisual, que un actor mexicano haciendo de argentino no es creíble, que el hijo de Darín es protagonista por portación de apellido, que la película es buena por su estética ochentosa pero no tanto por su guión, etc., etc.… Sabemos que lo primordial de ir al cine es poder pasar un momento de entretenimiento, y eso, este filme, lo consigue con creces, al margen de los cuestionamientos previos. La secuencia inicial que se nos presenta es la de la escena de un crimen que ocurre a fines de los años 80s: el muerto en su cama y alguien que custodia el cadáver; él es Gómez, un agente policial novato (Chino Darín) que, irresponsablemente, no deja de tocar los elementos del lugar, dejando huellas por doquier. Al rato, el primer encuentro con el arribo de Chávez, el policía a cargo de la investigación (el mexicano Demián Bichir), marcará la relación entre ambos, llevándolos a cruzar límites bastante insospechados (o, tal vez, no tanto…). Por suerte, la trama policial se despliega inmediatamente, al mismo tiempo que hurga en las personalidades de sus protagonistas, más especialmente en la del veterano detective, que esconde (no muy en el fondo) una naturaleza inusitada y secreta para su familia y sus compañeros (y también sorprendente para el espectador desprevenido). Dado que el asesinado era un hombre homosexual de la alta sociedad, el primer sospechoso es su ocasional amante, un refinado cantante en un colorido boliche gay (Carlos Casella) que sucumbirá a los encantos del debutante policía devenido en carnada para atraparlo. La trama ira revelando, de a poco, los posibles móviles del crimen, al mismo tiempo que la discordancia entre ambos policías va mutando a una relación (aparentemente) de padre-hijo, entre simpática y sensible. Y sumado a esto, el peligro para ellos irá in crescendo, dado que el misterio del crimen irá camino a resolverse. Lo particular (y no “lo malo”) es que, para muchos espectadores, cobrará más importancia esta estrechez entre ambos hombres que la resolución del enigma. La puesta en escena, la fotografía y la música resaltan por su excelencia técnica en esta “Muerte en Buenos Aires” de Natalia Meta, ambientada en 1989, con sus estrafalarios peinados y vestuario, las luces de colores y, contraria pero acertadamente, la oscuridad de los cortes de luz, típicos de esos años de vacas flacas. El joven Darín, en su primer protagónico, defiende con creces su personaje, aportando la ambigüedad todo el tiempo, logrando mostrarse en el filo entre la astucia y la inocencia. Bichir es un dignísimo protagonista y resulta imponente su aparente rudo personaje. Se suma Mónica Antonópulos, cuyo rol cobra jerarquía al comienzo (sin dejar de mascar chicle en cada escena), pero luego, lamentablemente, se diluye. Sin dudas el filme entretiene por lo atractivo de sus actores, por la idea argumentativa y por la propuesta audiovisual; sin embargo, a pesar de su final seco y sorprendente (o no tanto para los más "avivados"), cojea en el desarrollo del guión, a mitad de camino entre el policial hecho y derecho, y el drama de sus protagonistas. Vale la pena disfrutarla y sucumbir a los encantos de la película, que no son pocos, especialmente por el cuarteto central y los actores que se suman a ellos: Hugo Arana, Emilio Disi, Luisa Kuliok, Humberto Tortonese, Fabián Arenillas, Jorgelina Aruzzi y Gino Renni. Antes de irse de la sala conviene quedarse a ver los créditos finales, acompañados por escenas (sin audio) que quedaron fuera del montaje final.
"EN EL NOMBRE DEL HIJO" (por halbert) Dura historia verídica con una gran Judi Dench y un guión que no elige el golpe bajo. El filme recrea la vida de la irlandesa Philomena Lee, una heroína real cuya adolescencia se vio malograda, siendo enviada pupila a un convento de monjas. Embarazada tras su debut sexual con un jovencito que apenas conocía, su familia la encarcela en un lugar para tener al bebé, donde sufriría los peores momentos de su vida en manos de la congregación de monjas, que no titubeaban en castigarla por su "pecado", en nombre de Dios... La película está ambientada en el 2007; Philomena es una mujer de siete décadas, y junto a Martin Sixsmith, un periodista en crisis que necesita una historia que contar (Steve Coogan), se embarca en una búsqueda que la llevará de nuevo a revivir su pasado. Todos esos recuerdos de la protagonista en el convento son presentados a través de flashbacks que completan la información, describiendo los tormentos de la joven paria 50 años atrás y las vicisitudes que, luego de parir, la separaron de su hijo. El guión de Coogan y Jeff Pope (basado en el libro del verdadero Sixsmith) tiene deparadas un par de sorpresas, alejándose del lugar común y permitiendo el lucimiento de sus dos protagonistas. Siempre que los diálogos se encaminan para provocar lágrimas (ya que lo dramático del tema lo amerita), algún personaje (incluyendo a Philomena) se encarga de hacer una broma o un comentario irónico para no desbarrancar y virar a un estilo de telefilme meloso. Este último trabajo de Stephen Frears ("Relaciones peligrosas", "La reina") se cuela nuevamente en la contienda de los Oscars, recibiendo 4 nominaciones (película, actriz, guión adaptado y música), y está enfocada a un público adulto que podrá deleitarse con una dramática historia de vida.
"ELECTRIZANTE RELATO EN MAR ABIERTO" (por halbert) La película cuenta la historia real de Richard Phillips, el capitán del carguero norteamericano Maersk Alabama, que recorre una ruta comercial por el Cuerno de África, que fue asaltado en 2009 por varios piratas somalíes. Sin rodeos, el guión tiene una brevísima introducción (en la que aparece Catherine Keener como esposa de Phillips, casi como un cameo) y la travesía del barco arranca en pocos minutos. Con los maleantes ya en el barco, el capitán se ofrece como rehén a cambio de que liberen a su tripulación, y a partir de allí corre peligro su vida en todo momento, por el desequilibrio de sus captores. Electrizante historia, filmada con el nerviosismo de una cámara que capta sabiamente las acciones. Tom Hanks le da el toque de distinción, llegando a conmover a espectadores sensibles, logrando una emotiva composición, especialmente en los últimos minutos del filme, durante un clímax que hiela la sangre y, especialmente, en su desenlace. No es oscarizable ni el guión ni el filme, así como tampoco el actor que hace de principal antagonista, Barkhard Abdi, pero Hanks hace lo suyo, al igual que el resto de los actores que hacen de piratas. El director Paul Greengrass ("Vuelo 93" y dos filmes de la saga Bourne, entre otras) nos mantiene pegados a la pantalla con este intenso y entretenido filme.
"ARROLLADOR BIOPIC CON UN DiCAPRIO GRANDIOSO" (por halbert) Basada en la biografía del broker neoyorquino Jordan Belfort, que pasó 20 meses en la cárcel tras descubrirse que había sido el responsable de un fraude masivo en los años 90, Martin Scorsese y Leo DiCaprio vuelven a unirse para hacer de las suyas. Esta vez, con un arrollador relato verídico que no deja indiferente y pega duro al espectador, el director propone un viaje (largo, de 3 horas) por la vida de un hombre arriesgado, que burló los sistemas de seguridad y corrompió todos los rincones de Wall Street. Condenado a prisión por manipulación del mercado de valores y defraudación, Belfort fue obligado a restituir más de 100 millones de dólares. La película es más divertida que emotiva: el corrosivo humor impuesto por Scorsese atraviesa toda la cinta, mostrando de forma grandilocuente el efímero ascenso de este joven, al que Leo le pone todo, convirtiéndose en el centro total y absoluto de los 180 minutos. El filme es eufórico constantemente, pero se permite escenas dialogadas extensas, destacando la que DiCaprio y Matthew McConaughey llevan adelante en los primeros minutos. Dado el origen literario del filme (adaptado de la novela autobiográfica de Jordan Belfort) se cuelan demasiadas instancias del protagonista hablando a cámara cual narrador, abusando Scorsese del recurso. Puede que con sus 2 horas y 59 minutos de duración “El lobo de Wall Street” sea la película más larga de la filmografía de Scorsese, pero aun así ha tenido que sufrir cortes que originalmente no estaban en la mente del autor. Cuando la Motion Picture Association of America (MPAA) tuvo ocasión de ver la película, avisó al cineasta que iba a ponerle una delimitada clasificación de NC-17 (prohibido a menores de 17 años) debido a las escenas de sexo, por no hablar del indiscriminado uso de drogas. Para asegurarse una clasificación R (menores de 17 años requieren ir acompañados de un adulto), un escalón menos de restricción respecto a la anterior, su realizador aceptó recortar ciertas escenas de sexo y desnudos. La actuación de DiCaprio es oscarizable, porque se compromete en cada escena, poniéndole cuerpo y alma a su Jordan. La agobiante escena en la que debe arrastrarse hasta su auto, imposibilitado por los efectos de las drogas, es tan patética como divertida. DiCaprio se desnuda ante el espectador en todos los sentidos posibles; nunca antes lo habíamos visto tan expuesto en escenas de alto contenido sexual, participando de orgías y metiéndose droga por la nariz incansablemente. Un secundario de lujo como Jonah Hill, una despampanante de enorme belleza como Margot Robbie, un ajustado Jean Dujardin (de “El artista”), la gran presencia actoral del director Rob Reiner, y la breve pero inolvidable participación de McConaughey, se destacan junto a Leo y se ponen a la altura de la difícil tarea de componer el entorno que rodeó al dominante Belfort. Con un ritmo que no decae, Scorsese vuelve (luego de su anterior “Hugo”) al estilo que lo hizo único: aquél de “Buenos muchachos” o “Casino”, y hace pasar largas horas en la butaca, que resultan un cimbronazo que deja exaltado al espectador, con ganas, tal vez, de un poquito de la alocada e impetuosa existencia del protagonista.
"ENTRETENIDA REMAKE DEL CLÁSICO DE 1976" (por halbert) Esta “Carrie” es una nueva adaptación del libro homónimo de Stephen King: esta versión 2013 está protagonizada por Chloë Grace Moretz y tiene además la actuación estelar de Julianne Moore como la madre de Carrie, Margaret White. Si tuviéramos que resumir el conflicto central del filme, diríamos que trata sobre la vida de una adolescente que, a consecuencia de sus poderes psíquicos, se convierte en el terror de una pequeña ciudad. Carrie vive con su madre, una fanática religiosa que vive agobiada y se autoflagela, y domina de forma muy dura la vida de su única hija, impidiéndole desarrollarse como la mujer en la que está por convertirse. El ejemplo más cabal es la escena inicial en la que conocemos a la joven Carrie, que tiene su primera menstruación mientras se ducha al término de una clase de ejercicio físico, y ella desespera porque cree que se está desangrando. Sus compañeras, quienes desafortunadamente han visto toda la escena, aprovechan la ocasión para humillarla, arrojándole tampones y compresas, denotando el bullying del que Carrie es víctima. Acto seguido irrumpe la profesora de gimnasia y descubre horrorizada que la chica no es consciente de lo que le sucede e ignora por completo este ciclo natural femenino. Paralelamente, la jovencita descubre que posee extraños poderes telequinéticos que, con el paso de los días, irá investigándolos de forma teórica mediante los libros de la biblioteca; y también de modo práctico, haciéndolos funcionar a su antojo, manipulando a su madre (o mejor dicho, defendiéndose de sus abusos). La larga y antológica secuencia final del baile de promoción, donde se produce la catástrofe con una Carrie bañada en sangre, logra impactar, aunque no tanto como en la original de Brian de Palma, en la que el particular estilo del director, con largos planos-secuencia, aumentaba el suspenso de las escenas, sin dejar de mencionar los ojos desorbitados de la original Sissy Spacek y los giros cortantes de su cabeza. En realidad, todo el filme de Kimberly Peirce (“Los muchachos no lloran”) es bastante fiel al protagonizado por aquella Spacek veinteañera, pero no se erige como el clásico de horror que fue el filme de 1976. Sí se han aggiornado a los tiempos actuales algunas cuestiones, especialmente la del bullying cibernético, tan (tristemente) común en nuestros días: en el episodio inicial en las duchas, Carrie es filmada con un celular y luego ese video es subido a Internet para burlarse de ella. La actuación de Moretz está a la altura de las expectativas y defiende honorablemente el conflictuado y complejo rol central. Esta joven actriz de 16 años, que hizo sus primeros pasos en el cine con la remake de “The Amityville Horror”, se destacó luego por sus roles en “Kick Ass”, “Let me in” (otra remake) y “Hugo” de Scorsese. Para esta película eligió no ver la versión de De Palma y sí leer la novela de King, para poder enfrentar el personaje sin condicionamientos previos. Hubiera sido acertado y más atractivo incluir actores jóvenes más conocidos, con similar trayectoria y nivel actoral que la joven Chloë, así como John Travolta le daba vida (hace 37 años) al chico popular y galán de la escuela que acompaña a Carrie a la fiesta de graduación. Podríamos afirmar que no era necesaria la remake, pero el filme entretiene y está bien realizado, y no está mal que una nueva generación conozca a este mítico personaje adaptado al celuloide, que infundió terror a mediados de los 70s y marcó una creativa época del cine.
"HOUSTON, TENEMOS UNA ACTRIZ" (por halbert) Y finalmente se estrenó la tan esperada película del mexicano Alfonso Cuarón ("Y tu mamá también", "Harry Potter y el prisionero de Azkaban", "Niños del hombre"): "Gravity", co-escrita junto a su hijo Jonás. El filme no tiene una trama que haya que seguir con particular atención, ya que el conflicto central es claro y para nada remanido. Un grupo de astronautas se encuentra en una misión espacial, reparando el telescopio Hubble, cuando una lluvia de basura cósmica procedente de la desintegración de un satélite ruso los atrapa desprevenidos. Su nave queda deshecha y sólo sobreviven la Dra. Ryan Stone (Sandra Bullock), en su primera misión, y el experimentado astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), vagando por el espacio, intentando alcanzar la Estación Espacial Internacional. En eso se resume el conflicto, y todo se centra en esta misión que sale mal y hay que enfrentarla como se pueda. No tenemos un alien a bordo de una nave que hace estragos en ella, sino solamente un par de astronautas tratando de salvar sus vidas, narrado prácticamente en tiempo real y con larguísimos planos-secuencias. Es por ello que el filme aparece ante los ojos del espectador como minimalista: pocos actores, pocos decorados, pocos sonidos, pocas subtramas… Todo se apoya en la calidad audiovisual de los efectos especiales (soberbios en 3D) y en las actuaciones, muy especialmente la de Sandra Bullock, que se constituye como única protagonista. En un registro muy diferente a sus acostumbradas comedias disparatadas, la actriz se carga toda la película a sus espaldas y la lleva adelante, mostrándonos de su personaje las emociones, los miedos, las dudas, la alteración, el desconocimiento, la frustración, la entrega, la valentía… Bullock, muy bien dirigida, saca adelante un personaje que, tal vez, quede para la Historia del Cine, así como nunca ha perdido vigencia la Ripley de Sigourney Weaver en “Alien” (1979) a lo largo de las décadas. Así como Tom Hanks se enfrentaba, él solo, a la salvaje naturaleza de una isla desierta en “Náufrago” (2000), y le hablaba a una pelota marca Wilson, a la que le había dibujado una cara para imprimirle personalidad y así darse fuerzas para salir adelante, la presencia de Kowalsky en “Gravedad” es indispensable. El papel de George Clooney, aunque breve, resulta primordial para el devenir del personaje de Bullock: Kowalsky es su “Wilson”, y se comporta como el salvador en los momentos de zozobra de la Dra. Ryan. La escasa duración del filme (necesaria para este tipo de desarrollos argumentales minimalistas) permite disfrutarlo sin provocar tedio o fastidio ante cierta morosidad que se propone con el uso de una cámara que, prácticamente, no se despega de los personajes; sin dejar de mencionar que, en general, apenas podemos oírlos a través de sus intercomunicadores y apenas podemos verlos por lo aparatoso de sus trajes espaciales. Esto podría contribuir, como espectadores, a despegarnos de ellos y no sentir empatía por los mismos. No obstante, no sucede y, si bien no es un filme que busque la lágrima o el golpe bajo, coexiste, con el conflicto matriz, un conflicto íntimo del personaje de Bullock que cobra protagonismo en medio de la adversidad espacial. Y es en esa instancia donde la actriz va logrando una interpretación actoral que va in crescendo, emprendiendo con su personaje un tour de force inimaginado. Fotografía y sonido se alzan como otro de los logros de Alfonso Cuarón, evidenciando la majestuosidad visual del espacio sideral y el minimalismo del sonido, acentuando la respiración agitada, los ruidos intergaláticos y la música en tonos graves. La película no es una obra maestra y no tiene caso asociarla con la mítica y personal obra de Stanley Kubrick “2001: Odisea del espacio”; es, nada más y nada menos, que un entretenimiento audiovisual logrado, con la sorprendente presencia de una actriz que debería recorrer más a menudo este camino.
"THRILLER ENTRETENIDO, AUNQUE ALGO INCONSISTENTE" El término whodunit proviene de la contracción en una sola palabra de la pregunta inglesa Who has done it? ("¿Quién lo ha hecho?") y hace referencia a una variedad de trama compleja dentro del género policial, en la que un enigma o una especie de rompecabezas es su principal característica de interés. En este subgénero se proveen al espectador los indicios acerca de la identidad del autor de un delito, para que pueda deducirlo antes de la resolución. Por lo general la investigación suele ser realizada por un detective, pero en el caso que nos ocupa, es un padre quien debe ponerse en la piel de un Sherlock Holmes. El atrayente planteo de “Séptimo” parte de una situación frecuente como la de llevar a los chicos a la escuela; Sebastián (Ricardo Darín), un abogado al que le espera un día muy complicado en lo laboral, se verá metido en un problema para el que no tenía nada planeado. Está separado de su mujer (la española Belén Rueda, de “El orfanato”) y pasa por el departamento que solían compartir como familia, a buscar a los chicos para llevarlos al colegio. Oponiéndose a su exmujer, practica un juego con los niños, que consiste en una carrera hasta la planta baja: ellos por escalera, él por ascensor. El drama arranca cuando, al llegar a destino, los hijos no aparecen y, según el portero, que se encuentra en la mesa de entrada, no han salido del edificio. Sebastián, primero con extrañeza y luego con pánico, comenzará una búsqueda frenética, dentro y fuera del edificio, para intentar hallarlos. Es innegable que el filme mantiene el nerviosismo en toda su extensión; su corta duración ayuda a que no se disipe la tensión generada por el conflicto sufrido por el personaje central. Y eso es lo que más tiene a favor. Lo malo es que los perfiles de casi todos los personajes parecen ser más fieles al guion que a ellos mismos: no tienen demasiada carnadura, no parecen muy creíbles y solo son funcionales a la historia. Al margen de ser un padre en problemas, el personaje de Darín es un abogado con todas las luces, y uno se pregunta si realmente reaccionó como debiera cuando, supuestamente, todo se resolvió. (Es imposible ahondar más sin develar la resolución, y no es la intención de estas líneas). "Séptimo", thriller porteño del ibérico Patxi Amezcua (del cual además es co-guionista junto al argentino radicado en España Alejo Flah) logra identificar al espectador con el protagonista, y vivir con él toda la angustia que genera una situación tan inquietante. Si bien no defrauda a los amantes del género del suspenso, su resolución no deja indiferente a nadie, pero no necesariamente por resultar buena, sino por parecer demasiado forzada, casi llegando al límite de lo inverosímil. El guion desbarranca hacia el final, cuando la verdad se descubre, por el afán de generar sorpresa. La factura técnica y un elenco secundario de encumbrados actores como Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro, Guillermo Arengo y Luis D´elia no logran redondear un producto 100% efectivo, pero entretiene de principio a fin y, al menos, en el cine, eso es muy valioso.
"CUANDO LA DIVERSIDAD DEBIERA SER BENEFICIOSA" (por halbert) Guillermo Francella es claramente conocido para los argentinos como el gran humorista televisivo, especialista en protagonizar sketches y sitcoms con enorme efectividad. Si bien también tiene su carrera cinematográfica, en la que trabajó bajo las órdenes de Carlos Galletini, Rodolfo Ledo o Juan José Jusid en diversas comedias comerciales, hace pocos años comenzó a intercalar historias más profundas, más acentuadamente desde "El secreto de sus ojos", en donde realizaba una gran composición en un rol agridulce, y sin su clásico bigote, que lo dejaba casi irreconocible. Esta vez ha sido convocado por Marcos Carnevale (“Elsa & Fred”, “Anita”, “Viudas”) para darle vida a León, un exitoso arquitecto de tan solo 1.36 metros, que intentará seducir a Ivana, una abogada divorciada y socia de su ex marido en un estudio jurídico. El primer contacto casual entre ellos es telefónico, en el que se establece una gran empatía y ambos sienten un mutuo interés, por lo que coordinan una cita cara a cara. La sorpresa de Ivana ante la pequeñez de su interlocutor no resulta disimulada, y León, acostumbrado a generar eso en la gente, le explica que sólo lo alejan 40 centímetros de la “normalidad”. El personaje de León es bastante excéntrico; es un exitoso hombre con un holgadísimo pasar económico, que vive en una pequeña mansión junto a su hijo, está divorciado y parece tener una movida vida social y de negocios, saliendo a bailar entre semana o volando a Río de Janeiro para una reunión y regresar la misma noche. Tiene una excelente relación con su adolescente hijo y, en realidad, se relaciona bien con todo el mundo: con su ex, con su mucama, con sus clientes, con el mozo de un restaurante… A todos les cae muy bien León, pareciendo no reparar (o habiendo superado) la “diferencia” que tiene con el resto de su entorno. El filme se centra en esa diferencia y en cómo los mortales humanos prejuiciosos se enfrentan a ella. Y más especialmente Ivana, que se ve seducida por el modo de vida y el status social de León, además de su simpatía y su desenfado para encarar toda situación, pero se le dificulta poder dejar atrás los preconceptos y avanzar libremente en una relación sentimental. Todo el entorno de León es el que se muestra libre de prejuicios, y todo el entorno de Ivana es el que aparece como segregacionista (salvo la secretaria de su estudio, encarnada con enorme oficio cómico por Jorgelina Aruzzi). Incluso la madre de Ivana (jugada muy bien por Nora Cárpena) se opone, lo que resulta llamativo, dado que su actual marido es sordo y habla de forma dificultosa, casi gangosa, debido a su limitación. “Corazón de León” es una comedia dramática, que arranca desde la sonrisa y el romance, y luego avanza hacia el drama de relaciones humanas, en donde se deberá dirimir si las diferencias son más que las similitudes, y donde el convencionalismo se choca contra la distinción. Es por ello que el guion atraviesa instancias risueñas y divertidas (gracias a los diálogos y a algunas situaciones), pero también las más serias y emotivas. Y Francella sabe moverse con soltura en ambas, logrando tanto la carcajada como la lágrima, y gran parte del mérito del filme se lo lleva él, empequeñecido digitalmente con muy buen resultado visual. Julieta Díaz resulta una compañera "a la altura" (no en todo sentido, esta vez), en un personaje que se dirime entre el amor y el “qué dirán”, y lo sortea con oficio. Todo el elenco secundario acompaña a la perfección, muy especialmente Nicolás Francella, el hijo del protagonista en la ficción y en la vida real, que es toda una revelación, brindándole gran naturalidad a su papel. Carnevale logra un interesante entretenimiento; el filme conserva un ritmo que no decae nunca y, si bien es dinámico desde el inicio, accede a que el romance entre los protagonistas vaya lento y pausado, acorde al tiempo que necesita Ivana para permitirse entrar en la vida de León, con todo lo que implica para ella. Cuando la desigualdad entre las personas se entiende como diversidad, ya sea que hablemos de diferente raza, diferente sexualidad, diferente religión, diferente aspecto físico, etc., la presencia en la sociedad de distinciones no debería ser perjudicial, sino por el contrario, beneficiosa. Debería verse como un tipo de desigualdad positiva que conviene no sólo aceptar, sino fomentar. ¿Estamos preparados o todavía nos falta mucho? Si nos concentráramos en el corazón y el alma del prójimo, las relaciones entre las personas fluirían más sanamente. Pregúntenle a León… O mejor a Ivana, que es la que tiene el conflicto...