Un abogado descubre que una serie de muertes están vinculadas a una de las compañías más grandes y poderosas del mundo. Al tratar de demostrar la veracidad de sus investigaciones, el letrado pone en peligro su futuro profesional, a su familia y su propia vida. ¿Puede un film tener a los amados Mark Ruffalo y Anne Hathaway, una primicia que involucra a absolutamente todo el mundo, un aire muy similar a "Chernobyl" (una de las series más exitosas de los últimos años) y aun así ser tan intrascendente? Aparentemente sí. Dirigida por Todd Haynes ("Carol"), "DARK WATERS" se presenta como otra obra más dentro de la explotada tendencia de exponer los errores de EEUU y sus emblemáticas figuras. Y sí, solo quedará en eso. Incluso aunque sea necesario destacar su construcción, que lleva al espectador por un viaje sorpresivamente siniestro para el género que tiene de base donde, al igual que el personaje principal, es difícil distinguir a los héroes de los villanos en un comienzo; y claro, la importancia de que existan obras de este tipo. Es un gran aporte a la concientización sobre el maltrato constante al medioambiente y cómo las personas estamos expuestas a un peligro que parece ser irrelevante en nuestras vidas. Luego de varios minutos de intentar que no se te cierren los ojos del sueño, llega el esperado final y es el correcto. Es un baldazo de agua helada: eso que acabas de ver, también te incluye a vos. Y solamente por ello tenes que ver la película, para una vez finalizada la misma correr a tu casa y desechar cada sartén de tu cocina. El problema es que después de hacer eso, te vas a olvidar de lo que acabas de ver. Porque en su conclusión, aunque mantenga una estética y temática sumamente rentable en la actualidad y una realización correcta, no logra llegar a la altura de anteriores películas del mismo estilo (como "Erin Brockovich", protagonizada por Julia Roberts 20 años atrás). Es densa sin ser lo suficientemente intensa para justificar y Hathaway está totalmente desaprovechada (a esta altura sorprende que se siga arriesgando a tomar papeles como este). Rescato a Ruffalo interpretando un personaje a quien es imposible no tenerle amor y la relevancia que existe detrás del hecho. Es crucial que estas historias lleguen a todo el mundo para que se pueda reflexionar y deje algo de esperanza en una sociedad atravesada por los errores de unos pocos. Por Estefanía Da Fonseca
Ambientada en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, quien falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo. Protagonizada por Chris Pratt y Tom Holland, y producida por el equipo detrás de "Monsters University", Pixar nos presenta "ONWARD" , una película que todos esperaban con poca expectativa y terminó superándose a sí misma. Con excelentes y memorables interpretaciones de un gran dúo que dan ganas de verlo fuera de la animación e invitan a ver el film en idioma original, esta emocionante y conmovedora historia nos transporta hacia un nuevo universo mágico, rico e interesante para explotar, como bien sabe hacer el famoso titán de la Industria. E incluso a pesar de todo aquello, es importante destacar como lo mejor de la obra es el profundo trasfondo que oculta y trata con una delicadeza necesaria de reconocer. Ya que estamos ante una trama infantil que esconde un tema importante y pesado de manejar. Dos jóvenes que perdieron a su padre y debieron crecer sin él, enfrentándose a la posibilidad de compartir 24 hs juntos. No es que sea algo nuevo que Disney trate temas de adultos camuflados de colores y canciones en películas infantiles. Pero en este caso resultó especial, por la manera en la que decidieron hacerlo. No tengo ninguna duda de que a más de una persona se le cayo una lagrima al sentir esa reconocible sensación de pérdida y la desesperación agobiante de pasar algunas horas con esa persona. Y el hecho de que hayan podido pasar el día solo con una parte de su padre (sus piernas) es fuertisimo incluso de ver. Cerrando con broche de oro la reflexión final sobre la unión de los hermanos. Punto para Pixar, que se animó a tratar ese tema, y por la forma en la cual lo hizo. Aunque todos los puntos se los lleva por haber apostado a una nueva idea en vez de sacar otra secuela innecesaria. La nueva obra de Disney trae consigo una aventura tierna y entretenida para todas las edades, con momentos que te hacen agarrarte del asiento incluso sabiendo que todo terminará en un final feliz. Convirtiéndose en una historia que llega a estar a la altura de la reconocida filmografía de Pixar, sin llegar a ser de sus mejores obras. Recomendable para ver en familia y apoyar que sigan sacando nuevos relatos y dejen de explotar hasta literalmente el cansancio sus exitosos clásicos. Por Estefanía Da Fonseca
Mickey Pearson es un expatriado estadounidense que se hizo rico construyendo un imperio de marihuana en Londres. Cuando se corre la voz de que está buscando sacar dinero del negocio, se desencadena una serie de tramas y planes de aquellos que quieren su fortuna. En esta ocasión, Guy Ritchie ( "Snatch", "RocknRolla", "Sherlock Holmes", también conocido como el ex de Madonna), el característico director cuya carrera va en continuo ascenso, presenta "THE GENTLEMEN". Una película cargada de energía, donde el personaje de Hugh Grant, hilarante y superior, nos va relatando un constante juego de poder no te va a dejar soltar el aliento ni un segundo. Entre los aspectos a destacar, ¿es realmente necesario que hablemos de este elenco? Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Colin Farrell y Hugh Grant. Grandes figuras de la Industria que nunca fallan, se unen para traer a la pantalla excelentes interpretaciones y un film con una premisa que se vende sola en la actualidad. E incluso a pesar de ser algo que ya se realizó innumerables veces, Ritchie logra innovar con su mezcla entre lo clásico y contemporáneo. La fotografía, la estética del film, su forma de relatar. Aspectos a los que ya nos tiene acostumbrados, en conjunto con una despreocupada evolución de los personajes y un poco de trap. Extravagancia audiovisual disfrutable para todas las generaciones. Repleta de escenas y diálogos difíciles de olvidar, con numerosos saltos en el tiempo que no marean ni molestan, Ritchie mantiene una estructura funcional e indiferente a ajenos. Entretenida, dinámica y memorable. Manejando un relato que te da vuelta la historia reiteradas veces. Quizás demasiadas, perdiendo así el elemento sorpresa pero manteniendo su calidad narrativa. Algo ya esperado del director, que se consagra siendo esta su mejor obra. Por Estefanía Da Fonseca
Después de licenciarse en Harvard, Bryan Stevenson pudo haber aplicado a puestos muy bien remunerados. En cambio, se mudó a Alabama para defender a negros encarcelados injustamente. El abogado Stevenson toma el caso de Walter McMillian, un hombre detenido por asesinato, a pesar de tener pruebas para demostrar lo contrario. De esta manera, Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas junto con un racismo preponderante, mientras lucha por la justicia y los derechos civiles. "Just Mercy" es un drama biográfico dirigido por Destin Daniel Cretton, basado en las memoria de Bryan Stevenson y protagonizado por Michael B. Jordan y Jamie Foxx, ambos ganadores de múltiples premios por este film, algo que no sorprende debido a sus increíbles interpretaciones, que se acentúan teniendo a Brie Larson como comparación, a quien le dieron un personaje que solo está ahí para insultar al final de cada escena y que haya una figura femenina involucrada. Al igual que el personaje de Larson, e incluso a pesar de ser una película cuyo objetivo es dramatizar los hechos verídicos en memoria de los involucrados, la historia y demás personajes fueron desaprovechados. Habiendo tanto para relatar y tanta psicología de las figuras que presentan para explorar, decidieron ir por lo lineal y emotivo, que busca generar impotencia y llanto en el espectador, que sería básicamente lo que ya lograron todo el resto de largometrajes que trataron temas similares. Convirtiéndose así en otro film que no ofrece nada nuevo. Ni hablar de Brett Pawlak, que vuelve a dejar mucho que desear en cuanto a la fotografía. Otro defecto que goza de poseer es el exceso del discurso por la igualdad y lo políticamente correcto. Necesario para la época en la que estamos, pero innecesario para el cine, que sufre de esa invisible obligación que impone límites en un arte que creció traspasando todos los parámetros posibles. Debo concluir que incluso a pesar de todo lo anterior, continúa siendo un film entretenido. Con un elenco que siempre dan ganas de ver y grandes interpretaciones que cumplen con lo que buscan, dejarte atónito en el asiento. Una película que no logra innovar, pero que siempre es necesaria para generar conciencia de historias que deben llegar lejos, en una actualidad donde parece que la memoria no existe. Por Estefanía Da Fonseca
Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por Depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos. "Amenaza en lo Profundo", la nueva película de Kristen Stewart, no cumple con lo esperado. Está llena de momentos que intentan mezclar referencias sacadas de grandes obras del género, pero no las alcanza ni de cerca. Básicamente, un film que posiblemente tenía potencial, pero falló. Solamente puedo pensar en todos los detalles que se perdieron y podrían haber elevado mínimamente el resultado final. Entre ellos, desarrollar mejor las relaciones entre los personajes para que después se sienta más el efecto de sus respectivas conclusiones y tengan sentido las acciones de los mismos; no deshacerse tan rápido de la única figura que cumple la función de alivio cómico y hace más llevadera la trama; poner al mar como villano y no a un monstruo inentendible; o, lo que yo creo que hubiese salvado la película: haber logrado un mejor manejo de la claustrofobia dentro de un relato donde los héroes se están literalmente ahogando. Ni siquiera cumple con la función básica de un film, que es entretener. Solo puedes rescatar el score y algunas decisiones en cuanto a la dirección. El resto es inexplicable. Es una lastima que Stewart este cayendo en este tipo de películas comerciales de baja calidad habiendo convivido tanto tiempo en un ambiente de cine totalmente distinto donde se la notaba mucho mas comoda. Ni hablar del hecho de que esta mujer representa un icono homosexual y por algún motivo que goza de nulo argumento hacen que su personaje sea heterosexual. Algunos efectos especiales destacables, un mal manejo de la tensión, sustos baratos y escenas inentendibles. Otra película que solo sirvió para llenar bolsillos y desprestigiar aún más algunos nombres dentro de la industria. Por Estefanía Da Fonseca
Lo que inició como un rumor, terminará como escándalo. Protagonizada por Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie, "Bombshell" presenta una mirada reveladora al más poderoso y controvertido imperio mediático de todos los tiempos, Fox News, y la explosiva historia de las mujeres que derribaron al infame hombre que lo creó, Roger Ailes. La producción inspirada en hechos reales la dirige Jay Roach (Trumbo) a partir de un guión escrito por Charles Randolph (La gran apuesta-The Big Short). Hablemos de "Bombshell", un film que junta a algunas de las mejores actrices contemporáneas como son Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie, presentando una historia estremecedora y conveniente para la actualidad, que a pesar de estar más cerca de ser un documental que un drama, generó un gran impacto en mi. Como mujer tratando de abrirse en la Industria, es muy difícil opinar desde un lugar objetivo, no sentir empatía por el relato que presentan y el poderoso mensaje que buscan transmitir. Roach pudo encontrar un peligroso equilibrio entre lo emocional y entretenido, convirtiéndola en una película dinámica que cuenta con momentos divertidos, y con momentos que te dejan cargado de angustia, impotencia y repulsión. Ni hablar de las espectaculares actuaciones que fortalecen cada una de aquellas escenas. Solo puedo declinar en el bombardeo de temas políticos y un poco de mezcla innecesaria de un guión que podría ser mejor. Dejando de lado aquello, es necesario destacar la elección en cuanto a la fotografía, con movimientos de cámara imparables que buscan imitar un reconocido formato que no pertenece al cine, el maquillaje que podría decirse transformó la cara de Theron (dicho y hecho, ganador del Premio Óscar al Mejor Maquillaje y Peinado) y obviamente el compromiso de las actrices que rescatan la obra de cada defecto (también nominadas a los premios de la Academia). Basada en hechos reales y con un reparto que junta actrices poderosas y excelentes, Bombshell exhibe una historia entretenida y atrapante, que golpea directamente a Trump y a Roger Ailes, generando una gran marca para el feminismo y simpatizantes del movimiento #MeToo. Recomendable para presenciar un poco del behind the scenes de Fox News en su época mas polemica y necesaria de ver para emocionarse con lo sucedido. Por Estefanía Da Fonseca
Dirigida por Rupert Goold, esta biopic se centra en la vida de la actriz y cantante Judy Garland (Renée Zellweger) quien llega a Londres durante el invierno de 1968 para ofrecer 5 semanas del espectáculo de su vida, como su última oportunidad para reivindicarse como artista treinta años después de haber protagonizado "El Mago de Oz". Luego de años de tomarse un merecido retiro, Renée Zellweger logra un exitoso regreso dándole vida a Judy Garland, siendo su interpretación lo más destacable de la película. Con un notable entrenamiento y dedicación, realiza un personaje totalmente fiel a la icónica actriz de la época dorada de Hollywood. Zellweger logra que el espectador conecte con ella, llevándolo por un camino de emociones que van desde la impotencia y el enojo hasta el cariño y la felicidad a medida que va avanzando la historia y el público logra aceptar la paleta de grises con la que se debió lidiar a la hora de hacer el personaje, puesto que la historia de Judy es la triste realidad que tuvieron que vivir algunos artistas, es un ejercicio de comprensión sobre una estrella, que pulen por fuera y destrozan por dentro. Dejando de lado aspectos simbólicos y reales del film, a pesar de que personalmente algunas decisiones desde la fotografía y el montaje no fueron mis favoritas, es necesario recalcar el trabajo que se realizó, con planos que acompañan al personaje y representan su interior en cada escena arriba del escenario, donde queda totalmente expuesta a su público. La cámara la sigue, la representa. Zellweger manejo perfectamente cada toma interminable, tiene totalmente merecido cada premio que obtuvo hasta ahora, incluso teniendo en cuenta a las demás nominadas. También hay que recalcar la dirección de arte, vestuario y maquillaje. Los detalles abundan en la película y te hacen sentir el espacio y al personaje sin necesidad de diálogo o acción. Conclusión, “Judy” es el retrato de una mujer que aunque esté rodeada de flores por fuera, está destruida por dentro. Una historia simple en la cual destacan los flashbacks. Con un final que busca homenajear a la actriz y dejar al público inundado de lágrimas con la piel de gallina. Recomendable para quien desea ver el lado oscuro de la fama, una biopic distinta, más cruda de lo que se viene haciendo, que decide mostrar el descenso de una estrella, y no al revés. Por Estefanía Da Fonseca
Basada en la novela clásica de Louisa May Alcott y dirigida por Greta Gerwig (nominada al Oscar por Lady Bird en 2018) “Little Woman” cuenta la historia de cuatro chicas determinadas a vivir la vida en sus propios términos, mientras descubren el amor y la importancia de los lazos familiares. Manteniendo su esencia, Greta Gerwig trae consigo su versión del famoso clásico de 1868 en esta nueva adaptación, innovando en algunos aspectos y respetando otros, logrando que el relato no pierda la marca característica de la directora que logra imponer rasgos del feminismo en una obra que se originó hace más de cien años. Entre mis aspectos favoritos a destacar del film está la dirección de arte, fotografía y la banda sonora del inigualable Alexandre Desplat. La película es visualmente hermosa. Se puede sentir el ambiente con los detalles de la escenografía y sus colores. La forma en la que decidieron narrar el paralelismo entre pasado/presente conectando la representación de ambos momentos es algo notable. Otra cosa que también me gusta es que Greta haya decidido mantener a Saoirse Ronan y Timothée Chalamet, quienes se roban todos los focos con su calidad de interpretación mezclando drama y comedia con dulzura, como los actores predeterminados que la acompañen en su carrera que va en completo ascenso. Es una lastima que no hayan tenido en cuenta a la directora para los Oscars, siendo la construcción de sus personajes junto al resto de estos otro aspecto a destacar. Logras conocerlos, te involucras con ellos, queres continuar viendo sus historias. Es irónico que la misma Jo March comenta no podia entender como al público podía interesarle la vida de ella y sus hermanas, porque es justamente lo que funciona durante todas generaciones, lo que lleva a la historia a volver a aparecer siempre. Con una excelente elenco, entre ellos Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet, Laura Dern y Meryl Streep, Little Woman vuelve en un momento oportuno, otorgando a las nuevas generaciones esta versión inteligente, emocionante y visualmente hermosa de la icónica obra que seguirá perdurando y creciendo en el tiempo, al igual que Greta Gerwig. Por Estefanía Da Fonseca
Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo y logran subsistir en un sótano que tienen como casa, hasta que su hijo mayor, Gi Woo, empieza a dar clases particulares a domicilio a la hija de los adinerados Park y encuentran una nueva forma de vivir que tendrá resultados imprevisibles. Hablemos de Parasite, una película coreana que se convirtió indudablemente en la mejor del 2019. Esta fue dirigida por Bong Joon - Ho, a quien probablemente reconozcas de forma inconsciente por su trabajo en Memories of Murder, Okja, The Host, Snowpiercer, entre otras. Un director impresionante, que te hace vivir la película, te lleva por la historia como un personaje más que siente todo y que maneja el desarrollo del film y las motivaciones de los personajes con maestría. Ahora sí, veamos algunos puntos que convierten a Parasite en una obra maestra. Parasite es un film cuyo título obviamente hace referencia a la historia que transcurre en la casa de los ingenuos ricos que están totalmente desconectados de la realidad que los rodea, mientras que los pobres se aprovechan de esto. Trata la crítica social entre la clase alta y baja, marcada en cada detalle, principalmente en el ambiente de cada familia y en la actitud de estas respecto a determinadas situaciones. Pero también va más allá de eso. Para comenzar, hablemos del atractivo principal: los personajes, que están perfectamente construidos. Desde los diálogos y las acciones hasta los detalles que rodea a cada uno. Fueron tan bien ideados y realizados que llegando a la mitad de la película ya sentís que los conoces de siempre, y podes saber cómo va a actuar cada uno. Incluso podemos reconocer a la casa como un personaje más, construida y pensada para esta función. Siguiendo con otro punto, el que ya leyó algo mío alguna vez sabe que los detalles llenos de simbología y referencias son mi debilidad, y esta película está hasta en lo más mínimo. Como se trata el tema del olor, la imagen de los insectos, la piedra que le regalan a Ki-woo, el reflejo de la tormenta y sus consecuencias en cada situación, como los ricos y pobres se perciben entre ellos, siendo los ricos personas crédulas y estúpidas, y los pobres sucios y dóciles. Meticulosa, bien cuidada y totalmente metafórica. La película da un giro donde el género cambia totalmente y te mantiene en un hilo agresivo lleno de suspenso que culmina en un desenlace muy a lo Tarantino. Y por si hay alguien en la sala que no termino de entender el final, el mismo Ki-taek te lo explica previamente: “Ki-woo, ¿sabes qué tipo de plan nunca falla? Ningún plan. ¿Sabes por qué? Si haces un plan, la vida nunca funciona así. Mira a nuestro alrededor. ¿Acaso pensaron esta gente en "¿Pasemos la noche en un gimnasio"? Pero mira ahora. Todos están durmiendo en el suelo, nosotros incluidos. Por eso la gente no debe hacer planes. Sin un plan, nada puede salir mal. Y si algo se sale de control, no importa. Ya sea que mates a alguien o traiciones a tu país. Nada de eso importa. ¿Entiendes?” Este diálogo, en conjunto con la toma final de la cámara bajando desde la ventana del semisótano hasta Ki-woo, presentando la misma imagen que en el comienzo pero con una tonalidad más oscura, nos cuenta absolutamente todo. Esa historia de esperanza, en la que él estudia, trabaja y logra comprar la casa para reunirse con su padre, jamás pasará. Todo cierra al final, todo tiene un motivo, no hay escenas “gratis” o de relleno. Desde un principio se marca como es cada familia y cómo será la trama. Excelente historia, excelentemente narrada. Cada departamento de la producción se destaca sin dejar mucho que desear. Dirección, arte, fotografía. Es insuperable. Una clase para quien estudia cine. Sin dudas el sur de Asia se puede quedar con el merecido reconocimiento de haber realizado la mejor película del año y es hermoso ver que, finalmente, un film extranjero pueda ser valorizado como tal. Por Estefanía Da Fonseca
Elsa y Anna deberán enfrentarse a una nueva aventura ante el llamado de una canción lejana, que las llevará en un viaje hacia lo desconocido, donde se encontrarán con ellas mismas y sus destinos. Frozen 2 presenta una idea innovadora comparada a su antecesora, tomando los 4 elementos (fuego, agua, tierra y aire) para crear una bella e interesante historia. Si bien la utilización de estos no es algo nuevo en el cine, la forma en la que los representan y como su influencia mueve el relato lo es. También es necesario admitir que, siendo una película para niños creada por Disney (quien lleva la censura al extremo), se arriesga bastante por momentos, tanto en diálogos como en las acciones de los personajes, generando un viaje de emociones incluso en espectadores adultos. Y si de Disney hablamos, su capacidad para crear criaturas adorables para el merchandising en cada film es increíble, imagino que todos adoraran a la representación del fuego y quedarán fascinados con la del agua. Además de su superioridad a la hora de crear personajes, también debemos hablar de su habilidad para crear memorables soundtracks. Era de esperarse que el main theme no pueda superar a ‘Let It Go’, pero de igual manera lograron realizar canciones pegadizas y entretenidas, aunque en algunos casos suenan repetitivas a las de la primera película e incluso no se diferencien mucho de esta. En esta nueva secuela se aferraron al rasgo que no desarrollaron ni profundizaron en la historia anterior para sacarle provecho: los padres, y también usaron eso que parecía terminado pero había quedado inconcluso: la identidad de Elsa, y las secuelas que quedaron en Ana tras todo lo sucedido con su hermana y su necesidad desesperante de protegerla (insano para ella, y para el espectador). A pesar de que la historia tiene algunos huecos que dentro de una película de Disney se aceptan como espectador, al igual que los sucesos convenientes para la trama, cuenta con un desarrollo coherente de los personajes. Elsa luchando por encontrar su identidad y el lugar donde pertenece, pero al mismo tiempo tratando de mantener una relación con su hermana, quien lucha por la necesidad insoportable de proteger a su hermana después de haberla recuperado tras tantos años de soledad. Disney siempre tiene que tener esa figura que protege al protagonista a toda costa. Personalmente ese personaje me suele molestar, a veces funciona y a veces no. En este caso, funciona y se va adaptando al desarrollo de la historia, el personaje y su relación con los demás, desencadenando una conclusión que cierra perfectamente. Gran desenlace, aunque con un final demasiado feliz tras la solución del conflicto en la escena de la playa, llegando a límites intolerables para quienes no son niños. Es sabido que las secuelas suelen ser el punto débil de Disney, porque no siempre funcionan. Considero que “Frozen 2” logró ponerse a la altura de su antecesora, con una hermosa animación, una historia mucho más interesante y un soundtrack que solamente es superado por el icónico ‘Let It Go’. Podría incluso superarla. Recomiendo para niños y adultos. Por Estefanía Da Fonseca