Esta fue una gran oportunidad desperdiciada de sumergirse en la misteriosa historia de Sarah Winchester y su obsesión con el ocultismo como un medio para lograr la paz mental. Un misterioso laberinto de habitaciones y escaleras de la verdadera mansión de Winchester, en California, crea el escenarioideal para una película de terror llena de intriga y “sustos” típicos del género, que nunca faltan en producciones de Michael Spierig (Daybreakers, Predestination, Jigsaw). La película está ambientada en 1906, basada en la historia real de Sarah Winchester (interpretada hábilmente por la ganadora del Oscar Helen Mirren), que construye una elaborada mansión siendo heredera de la fortuna del rifle Winchester, y cree que todas las almas asesinadas por sus armas de fuego la persiguen por una razón u otra. En la película, Sarah piensa que está encargada de guiar a estos espíritus asesinados mediante la construcción de las habitaciones en las que murieron. Día y noche, la construcción continúa mientras Sarah deambula fantasmagóricamente en un vestido negro digno de película de terror. Nada de esos hechos va muy bien con la gente de la compañía Winchester Rifle que tienen el 49 % de la propiedad de la empresa, quienes preferirían tomar el control del negocio en lugar de tener una “matriarca perseguidora de fantasmas” ejecutando las operaciones. Contratan al doctor Eric Price (Jason Clarke) para visitar a Sarah y llevar a cabo una evaluación de su estado mental. Por supuesto, el doctor Price tiene sus propios demonios: enlutado por la muerte de su esposa, pasa las noches en un estado de drogadicción. Una nota del doctor Price podría efectivamente robarle la compañía a la vieja viuda y hacer que los accionistas de Winchester sean aún más ricos, así entonces la compañía envía al médico a pasar una semana con Sarah. Al llegar, Price es recibido por la sobrina de Sarah (Sarah Snook) y su hijo Henry (Finn Scicluna-O’Prey) que se quedan con su pariente después de una tragedia familiar. Price comienza su evaluación de inmediato y entrevistar al personal antes de mantener conversaciones con Sarah. Es en estas escenas, entre Mirren y Clarke, donde la película se acerca más a algo interesante, pero no resulta ser así. Mirren es perfecta como Sarah Winchester, así que no te preocupes por su actuación. La mujer podría leer una guía telefónica y ser interesante, convincente incluso. Ella interpreta a una mujer consciente de sí misma atormentada por el miedo y la culpa, pero que aún no ha perdido sus facultades. Clarke es útil en el papel del doctor Eric Price. Toca todas las notas, pero falta un elemento de carisma. El personaje tiene defectos, y ese no es el problema. Nunca se dio una razón para gustarle; de hecho, inmediatamente se dan razones para desconfiar de él como el protagonista de la historia. Con una historia tan rica, el equipo de escritura y dirección de los hermanos Michael y Peter Speirig, deciden enfocarse no en la casa, no en la historia de Sarah con lo oculto, ni siquiera con la tradición de evadir espíritus con cambios constantes en el hogar, pero sí en algo que ya no funciona: jugar con lo ya visto antes. Eso sin mencionar los sustos que dependen en gran medida de aguijones musicales o ruidos repentinos en lugar de suspenso y tensión genuinos que hace tiempo no vemos en una película de terror. Esta fue una gran oportunidad desperdiciada de sumergirse en la misteriosa historia de Sarah Winchester y su obsesión con el ocultismo como un medio para lograr la paz mental. Lo que podría haber sido una imagen de terror psicológico en la línea de lo brillante como The Haunting (1963) de Robert Wise, o incluso el más obvio pero todavía aterrador de The Conjuring, termina siendo todo una película de la casa encantada, donde al final de alguna forma, el bien triunfa (?) sobre el mal.
La Forma del Agua es, de alguna manera, una versión de Hellboy reimaginada para esta era cínica, xenófoba y divisiva; una historia de amor a la antigua, un thriller cómico/fantasioso de improbables planes de escape y una sátira contundente de todo lo que sale mal en los lugares donde los gobiernos y los gobernados interactúan. Rápida, ligera, astuta y haciendo honor a un cuento de hadas, La Forma del Agua de Guillermo del Toro es una de las películas más imaginativas y románticas del año. También es una de sus historias más relevantes, al estilo de la clásica de La Bella y la Bestia de aceptación y amor en el apogeo de la Guerra Fría. Una historia improbable que florece con delicadeza. Escrita por del Toro y Vanessa Taylor, La Forma del Agua es un testimonio del poder del amor, una fuerza tan fuerte que trasciende las barreras humanas del habla y el lenguaje, ya que no hay palabras intercambiadas entre los dos personajes protagonistas, pero no pienses ni por un segundo que no pueden comunicarse, porque lo hacen de la forma más pura, como la intención que quiere transmitir la película, muy al estilo del director. Elisa (Sally Hawkins), es muda debido a una misteriosa lesión infantil, vive sola en un departamento encima de un antiguo cine, su mayor alegría proviene de ver musicales con su vecino, Giles (Richard Jenkins). El otro protagonista es una criatura anfibia anónima (Doug Jones) traída de las selvas de Sudamérica a una instalación de investigación secreta del gobierno en Baltimore, donde Elisa es parte del personal de limpieza durante la noche. Richard Strickland (Michael Shannon), el agente del gobierno que arrastró a la criatura fuera del Amazonas, la ve como nada más que una bestia salvaje, un bien que debe guardarse de los soviéticos a toda costa y algo de lo que aprender solo a través de la disección. La criatura responde a la agresión de Strickland con violencia y desde entonces la mantienen encadenada a una fuente de agua a la cual el servicio de limpieza y los investigadores tienen acceso. Elisa, en una interpretación muy bien lograda, se acerca a la criatura con curiosidad y amabilidad, y recibe lo mismo a cambio. Ella encuentra, en la criatura un espíritu afín, alguien que no se ve obstaculizado por su incapacidad para hablar, que no la ve como menos completa, y sin duda, Elisa es la primera persona en mostrarle a la criatura verdadero afecto. Así que su vínculo crece, primero sobre una apreciación compartida de huevos duros y música, y convirtiéndose rápidamente en algo mucho más profundo. Cuando el Dr. Hoffstetler (Michael Stuhlbarg) le dice a Elisa que la criatura pronto será asesinada, no hay duda en decidir qué debe hacer. Con la ayuda del doctor, Giles y Zelda (Octavia Spencer), su locuaz compañera de trabajo, saca a la criatura de las instalaciones y la lleva a su bañera dentro del departamento. Aquí es donde la película realmente despega. Los matices de ensueño suben a la superficie, culminando en un número surrealista de canto y baile, y contrastando fuertemente con Strickland cada vez más desquiciado mientras busca a la criatura en un esfuerzo por salvar más que solo su trabajo. El villano Shannon y la tierna interpretación de Jenkins lideran un elenco de apoyo excelente. Hawkins, sin el beneficio de lo que típicamente es el arma principal de un actor (el diálogo) da una actuación absolutamente mágica, llena de tanta soledad y calidez. Aunque oculto bajo el maquillaje y los efectos, Jones le da a la criatura un alma real y un corazón inmenso e inmaculado haciéndose querer. Juntos, bajo la dirección delicada y extravagante de del Toro, nos llevan fácilmente a este extraño y hermoso romance que pocas veces logramos ver en la gran pantalla. El amor absoluto de del Toro por su oficio y esta historia surge en cascada de cada cuadro, un dirección impecable, banda sonora y sonidos adecuados, un montaje de producción digno de fantasías románticas, merecen las 13 nominaciones rumbo al Oscar 2018, donde sin duda debería estar entre las tres principales favoritas. La historia de amor que continúa haciendo su forma en el agua.
Three Billboards es una denuncia y espejo hacia la sociedad actual, que dentro de sus increíbles diálogos al compás de las actuaciones, hoy por hoy debería consolidarse y verse a futuro como una gran obra de culto. Es una comedia dramática de tono negro, donde la historia gira en torno a una madre que intenta obtener la justicia que hasta ahora ha eludido a su hija muerta. Pero está lejos de ser sencillo. Las acciones tienen consecuencias, tanto emocionales como físicas, y cada una de ellas crea eventos que van en un espiral fuera de control. Y ese es el poder del guion de McDonagh, donde el espectador siente que ha sido llevado en un viaje tan profundo y conmovedor como lo es, a veces, impactante y que invita a la reflexión. Mildred Hayes (Frances McDormand) es una madre que se encuentra malhumorada, angustiada y afligida por la violación y el asesinato de su hija, también por la aparente inacción del sheriff local, Bill Willoughby (Woody Harrelson), para realizar arrestos. Posteriormente manda a publicar tres vallas a las afueras de la ciudad, acción que le da el título de la película y también supone un intento de avergonzar a la policía que no toma medidas posteriores al asesinato de la joven. Mientras el sheriff Willoughby sigue congeniando con la difícil situación de Mildred, él tiene sus propias batallas para luchar, dejando a su segundo oficial –con tendencias violentas-, Jason Dixon (Sam Rockwell), para tratar de disuadir a Mildred en su lucha por la justicia y respuestas al caso. Decir mucho más sería un grave perjuicio para el guion de McDonagh, que rara vez permite que las cosas se desarrollen de la manera que el público podría esperar. En cambio, es mucho mejor sentarse y disfrutar de los diversos matices de esta compleja tragedia, que examina las nociones de culpa, mortalidad, dolor y venganza de manera ejemplar, exponiendo temas como el asesinato, sadismo, violación y maltrato hacia la mujer, a través de la ventana a la denuncia contra las autoridades, la ley, la burocracia la -in-justicia, mientras se aplica la violencia dentro de la subjetividad y “lo justo”, convirtiéndola en una película políticamente incorrecta en una sociedad apabullada por la obligatoriedad por lo políticamente correcto. Al igual que hizo con In Bruges (2008) y Seven Psychopaths (2012), McDonagh logra encontrar comedia en los lugares más oscuros, pero aquí exhibe una mayor madurez acorde con el tono generalmente más sombrío de la película, que a su vez le da un mayor impacto. Esta es una historia en la que la muerte es tanto un personaje como los que aparecen en la pantalla. Las consecuencias de dejar de existir es un compañero doloroso para ellos. En cuanto a las actuaciones, se debe decir que son realmente impresionantes, especialmente el trío central. Frances McDormand es la fuerza, una madre formidable cuyo deseo de venganza está tan alimentado por su propia “culpa” como su enojo por la falta de detenciones. Ella no teme ser desagradable. Pero esto solo la hace más humana y sus momentos de compasión más conmovedores, tanto, que a la fecha de hoy, debería asegurarle la estatuilla del Oscar como Mejor Actriz. Harrelson, por otro lado, tiene un muy buen papel: un hombre que tiene su propia relación con la muerte, que mantiene una dignidad y sensibilidad que es totalmente entrañable. Sus escenas con McDormand son absolutamente absorbentes y las mejores de la película. Mientras tanto, Rockwell es el bromista aparente del grupo: un “tonto” que genera las mayores risas, pero cuyo recorrido por la película es tan inesperado como a veces notablemente conmovedor. Es una actuación deslumbrante del actor que simplemente mejora cada vez más. McDonagh, en la dirección, producción y guion, logra un equilibrio casi perfecto entre el drama y el humor, aplicándolo en el extraño momento de la acción para mantener las cosas animadas, pero confiando más en el carácter y la destreza de la narración para mantenerte aferrado. Es un testimonio de su habilidad como escritor el hecho de que es capaz de hacer ver a los espectadores equivocados en varios puntos de la película, al tiempo que ofrece un conjunto de personajes que son capaces de luchar con sus emociones y llevarlos en diferentes direcciones. En ese sentido, Three Billboards es una obra audaz e intrépida que trata a su audiencia como adultos y que ni siquiera teme caer en un final que puede dividir la opinión. El final es un clímax bellamente considerado que seguramente promoverá la naturaleza provocativa de la película como un todo, al tiempo que fomentará muchos de los debates inherentes. Con un montón de premios en su bolsillo, no se sorprenda de encontrar esta película recibiendo muchos más elogios en el camino a los Oscar a celebrarse en el mes de marzo. Es merecedor de cada uno de ellos, y, probablemente, la gran ganadora de la noche.
Dunkirk te tumbará. Nolan tuvo –y tiene- demasiado poder como cineasta para hacer su película perfecta, su producción definitiva, la mejor película de los últimos años. Christopher Nolan siempre dejó un escalón muy alto en todas sus películas, desde su debutante Following (1998), la atemporal Memento (2000), la extraña Insomnia (2002), el regreso del murciélago con Batman Begins (2005), la mágica Prestige (2006), el resurgimiento por todo lo alto con Batman The Dark Knight (2008) y The Dark Knight Rises (2012), el rompecabezas de Inception (2010) y la alucinante Interstellar (2014); ahora debuta en el tramado bélico e histórico con Dunkirk (2017), donde parece que ese escalón llega a un nivel insuperable, incluso para él mismo. Al momento de contar sobre el “milagro de Dunquerke”, Nolan hace uso de narrativas ya conocidas en Inception y Memento, donde crea líneas temporales distintas para dar coherencia a la producción, en este caso una historia sobre un muelle, sobre el mar y sobre el aire; cada una con una crónica diferente, una introspección personal distinta y un mismo objetivo: rescatar las tropas británicas acorraladas en una playa por el ejército alemán, al borde del peligro y a la espera de ataques. Desde el principio, Dunkirk sugiere una tensión implacable, ese es el trabajo de Nolan evitando el preámbulo innecesario de historias como recuerdos lejanos, desayunos familiares o las interacciones de pasillo que normalmente se utilizan para generar inmersión en los personajes. En su lugar, la película se deja caer en la acción, la tensión, el pánico y el temor de la difícil situación de cientos de miles de soldados ingleses. A medida que la película avanza, la dirección y producción de Nolan hace que se muestren sus más grandes deseos como realizador, sin olvidar su casi obsesión por jugar con el tiempo, la banda sonora y las expresiones en los personajes que cuentan la historia: que existe una claustrofóbica guerra con soldados atrapados por el mar y la tierra, aglomerados en largas filas en un gran embarcadero de hormigón y madera esperando barcos salvavidas o una lluvia de balas o bombas que podrían caer en cualquier momento. El multipremiado compositor y fiel a este tipo de obras, Hans Zimmer, toma un rol importante en la producción al integrar su perfecto cronómetro musical (en todo el sentido literal), donde entre compases de suspenso y tensión, pone carrera contra el tiempo a medida que transcurre el filme. Una cosa a tener en cuenta es lo poco que el diálogo figura en la película. Nolan podría haber borrado todo de la banda sonora, excepto la partitura de Hans Zimmer, con unos cuantos entretítulos aquí y allá, y habría funcionado igual de bien. Nadie habla a menos que tengan que hacerlo, y no hay ningún discurso o melodrama en absoluto. Cada diálogo que hay, es poesía. El conflicto hecho película narra los eventos en diferentes momentos: en tierra cientos de miles de soldados se quedaron varados en la playa por una semana. En el agua, la situación duró 24 horas, y por último, los aviones británicos sólo tenían una hora de combustible. Para unir estas diferentes versiones de la historia, se deben enlazar estos estratos temporales. De ahí surge la complicada estructura de un guion para contar una historia sencilla, pero espectacular. En medio de un enorme cielo azul y vistas panorámicas del mar, Dunkirk presenta un retrato de brutalidad incesante que simula el caos, la confusión y la brusquedad de la guerra violenta y sangrienta hasta el punto de que harán sentir que están ahí a los asistentes de la sala de cine. Actuaciones estelares de Tom Hardy, Mark Rylance y Fionn Whitehead (cada uno en su línea temporal) resultan impresionantes, al nivel de la misma película e imprimiendo a los personajes –dentro del poco diálogo- el carácter necesario para contar una historia sin llegar a debates personales. Visto en su forma óptima (70mm en una pantalla IMAX), la película captura la lucha por la supervivencia con intensidad visceral. Ofrece una inmersión en momentos angustiosos con una mezcla de sonido inigualable, acompañado de la majestuosa banda sonora compuesta por Zimmer. Nolan estuvo ansioso durante años para hacer esta película, plasmó todo lo que siempre tuvo en mente; hizo que Dunkirk fuera una producción vibrante y enérgica, pero sin salirse de las líneas de lo armónico. Dunkirk es lo que ha estado tratando de hacer con sus películas y lo sintetiza en un solo filme de manera estupenda. Es Nolan en su máximo absoluto, disfrutando de lo que hace y descartando todo lo demás con que antes innovó. Dunkirk te tumbará. Nolan tuvo –y tiene- demasiado poder como cineasta para hacer su película perfecta, su producción definitiva, la mejor película de los últimos años. Con todo lo dicho, no hay ninguna posibilidad de que esta película no sea una de las principales contendientes en los Oscar de este año, y que seguirá sosteniendo a Christopher Nolan como creador de piezas maestras.
Una extraña enfermedad, un amor casi imposible y un giro inesperado fueron los ingredientes necesarios para la creación de una película que roza desde lo más tierno hasta lo más inadvertido; llena de altos y bajos entre un chico y una chica que solo quieren experimentar la libertad. Todo, Todo, cuenta la historia de Maddy (Amandla Stenberg), una adolescente de 17 años que es diagnosticada a temprana edad con una extraña enfermedad que no le permite el contacto con el mundo exterior, viéndose internada de por vida en su hermético hogar, a cargo de su madre (Anika Noni Rose) y su enfermera (Ana de la Reguera), donde con el paso del tiempo y ayuda de su cuidadora, conocerá a Olly (Nick Robinson), su nuevo vecino del cual se sentirá sumamente atraída y la llenará de ganas de conocer la libertad a pesar de su padecimiento. Tanto Amandla como Nick cumplen perfectamente con la función principal de protagonizar de manera fresca, atractiva y risueña, y utilizan eso como gancho para el resto de la historia, que va de menos a más y de más a menos. Todo un clímax de algo que quizás pudo, pero no fue. La perfecta semántica entre los protagonistas, el ‘feeling’ y el carisma atrapan en una historia de amor que supone un realidad: el conocer personas a través de las casualidades y las comunicaciones que permite la tecnología moderna. Entre ventanales enormes y comodidades, Maddy vive al cuidado de su rigurosa madre, quien vive atemorizada por el control de la enfermedad y por el recuerdo de la muerte de su esposo y un hijo (por eso su paranoia y extremo cuidado). También comparte con su enfermera Carla, quien le ayuda a hacer el primer contacto con Olly, dentro del departamento hermético y a espaldas de su madre. Entre escenas que podrían hacer recordar lo que fue un ‘Romeo y Julieta’, los jóvenes se sumergen en una –elipsis- de amor sin prisa, dulce, romántico y casi infantil. Tema que le da fuerza a la película para luego llegar al punto más alto de atención. Dentro de lo predecible y lo impredecible, la historia cae en la típica trama adolescente de amor y drama que todos esperan. Se rescata como la directora Stella Meghie trae a la vida los modelos arquitectónicos de Maddy, tal como un restaurante, una biblioteca y hasta el vacío del Universo mientras imagina sus intercambios de mensajes de texto con Olly. Estas situaciones de imaginar en tiempo y espacio, permite que la película respire con un toque humorístico y surrealista. Además, la representación de una relación bi-racial se presenta correctamente y en muchos casos, innovadora en el género. Dirección que cumple, una buena banda sonora, guion que empobrece lo que pudo ser un excelente drama, que termina convirtiéndose en una aburrida historia para quienes no buscan lo simple y predecible dentro de lo clásico. La linda estética salva la película de un fiasco adolescente, que comienza como una fresca historia sobre las enfermedades debilitantes y el amor joven que se transforma y termina como un melodrama pesado. Antes de ver esta película, se debe tener en cuenta que posiblemente no es lo que se busca como espectador. Ahora, si se busca un romance simple de mitad de año y una película que lo refleje, Todo, Todo es para ti.
