Avatar 2 es el gran regreso de James Cameron a la dirección de ficcionales luego de mucho tiempo de ausencia preparando este proyecto, una experiencia cinematográfica grandilocuente y emocionante.. En el link, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo de Spotify, o de YouTube con video. Avatar The Way of The Water es una película a lo grande; de grandes dimensiones, de grandes acciones, de grandes ambiciones, y probablemente de grandes emociones para el espectador también. Es un evento cinematográfico que más que una secuela de Avatar, tiene casi como el espíritu de un reinicio de la historia, en una franquicia que promete desarrollarse en varios capítulos, algunos de ellos, ya filmados. La primera película tenía la sensación de contenerse en sí misma, de ser una película individual que no necesitara más continuaciones; en este caso, la secuela no es innecesaria en sí misma, pero no tiene ese espíritu de película en solitario que tenía la primera; sino que se siente como que, inspirada en la primera película se lanza una nueva saga con este film, y como si la primera Avatar, en vez de ser el inicio, quedara como una precuela, o preludio; espiritualmente da esa sensación, aun cuando técnicamente es una secuela hecha derecha, ya que el filme continúa la historia donde la había dejado la primera entrada, donde el personaje de Jake Sully, interpretado por Sam Worthington, es ahora completamente na’vi y ya no se lo ve en forma humana. Está casado con Neytiri, interpretada por Zoé Saldaña, que era na’vi desde el nacimiento, y ahora tienen tres hijos mestizos naturales, que son de la raza na’vi, pero que tienen algunas características distintas, como los dedos de las manos diferentes; además tienen una hija adoptiva, que es una na’vi que nació del avatar que ocupaba el personaje de Sigourney Weaver, y fue concebida de manera misteriosa; y una especie de hijo del corazón, que no es técnicamente de la familia, pero es como si lo fuera, que es completamente humano y debe andar con máscara, que es hijo natural del personaje del coronel Quaritch, quien era el villano de la primera parte, interpretado por Stephen Lang, que a su vez regresa en esta secuela en forma de avatar na’vi, o sea un cuerpo de na’vi creado artificialmente, pero con la mente y los recuerdos del coronel Quaritch, que había fallecido en la primera parte; pero por precaución, antes de ir a la guerra había hecho una copia de su mente para ser descargada, y ahora está cargada en ese avatar, listo para la revancha. Con respecto a la historia, luego de muchos años de felicidad del pueblo na’vi y de la familia descripta en Pandora, donde los hijos han crecido hasta ser adolescentes, o jóvenes adultos, vuelven los humanos a invadir, con este coronel y su equipo de soldados/avatares a la cabeza, con la intención de tomar pandora definitivamente, pero la misión del coronel no es específicamente tomar el lugar, sino cobrar venganza contra el Jake Sully. Esto hará que luego de un primer ataque de los humanos, llamados la gente del cielo, por los na’vi, el protagonista decida reubicar a su familia en otro pueblo, de otro lugar muy distinto, pero también asombroso, con una raza distinta de na’vi, de tono más verdoso, y que viven y se desarrollan de manera muy simbiótica con el agua que los rodea, en el arrecife donde se desarrolla este pueblo. La familia deberá aprender las costumbres del lugar, y deberá adaptarse a esta vida sumamente acuática, mientras a su vez, el espectador descubre esta nueva parte de Pandora, que es espectacular, visualmente extraordinaria, que como que al igual que en la primera parte, donde nos deslumbrábamos con el bosque y la selva, en este caso nos deslumbramos con la vista marina, la fauna y flora marina, y la imaginación de los creadores que vienen con nuevas plantas y animales, para hacer las delicias de la imaginación del espectador; mediante la construcción de un mundo con una creatividad enorme, que tiene unas vistas espectaculares. Desde el puto de vista narrativo, aquí sería como el comienzo de la nueva saga, luego de ese prólogo de la llegada de los villanos que tiene sabor a secuela de la película original; entonces en este momento es donde empieza como ese reinicio espiritual de la saga por así decirlo, que mencionábamos previamente. Ya que ahora la acción se reubica en este lugar marino, y las dinámicas entre personajes son distintas, y los enfrentamientos serán distintos. Dónde ya no es una cuestión de un soldado encubierto, o de los humanos contra los na’vi, sino que es una cuestión de proteger la familia frente a la venganza de este personaje, que ahora también tiene el cuerpo de un na’vi, y le permite a hacer cosas que antes no, y ser así mucho más peligroso. Este re comienzo en la parte acuática de Pandora, tanto por parte de los personajes, como por parte de la narrativa que guía al espectador, puede ser de gran gusto para quienes se maravillan por las vistas espectaculares y por la creatividad del lugar, y lo que es un nuevo universo; pero también puede parecer muy largo para algunos espectadores, quienes quizás en algún momento le puede parecer que la película es lenta, o hasta quizás aburrida en esta parte, para quiénes son más acelerados. En ese sentido, pareciera que el director se enamoró de las imágenes, y no quiso cortarlas más para hacerla de una narrativa con una cadencia y un ritmo más firmes y sólidos, y en esa parte de la película, desde el primer tercio hasta la mitad aproximadamente, la narrativa se siente que podría haber sido mucho más compacta en la edición, y no avanza mucho la trama durante bastante tiempo de metraje, y ese es el peor problema de la película sin dudas, porque no nos va enganchando tanto, y puede que para cuando venga la acción, algún espectador ya esté cansado; a diferencia de la primera Avatar que era muy sólida en su ritmo, y no tenía partes donde se sintiera que no avanzara el argumento. Una con vez sorteada esta situación, la película empieza a tomar ritmo, y al final es dinámica, emocionante, y trepidante; con algunas de las secuencias de acción más espectaculares que se hayan hecho en la historia del cine, con una escena de acción en el agua que es realmente extraordinaria, es una obra maestra de la dirección; por parte de unos de los grandes maestros del cine de acción, en el máximo de sus poderes narrativos, es algo realmente increíble lo que ven nuestros ojos; con el enorme mérito de tener personajes que son distintos a los seres humanos, máquinas distintas a las que vemos en la tierra, animales con características distintas a las que conocemos, como con una especie de dragones por ejemplo que son anfibios, y pueden volar, pero a su vez nadar como si fueran un tiburón abajo del agua; y la combinación de todos esos factores, en una escena épica de batalla, que aun siendo en menor escala que la de la primera película, con menos gente, y menos vehículos; es extraordinaria, porque es emocionante, porque es hiper compleja en su diseño, con numerosos personajes, en numerosas situaciones desarrollándose paralela y alternadamente, pero sin embargo, y ahí está la genialidad de Cameron, se puede seguir perfectamente la acción, se entiende perfectamente, que personajes estamos viendo, que es lo que está haciendo cada uno, y en ningún momento, en lo que podría haber sido un caos narrativo, el director se pierde, y no pierde el foco; logrando que el espectador siga de manera perfecta la acción. En ese sentido, nos remite a dos obras maestras del cine de acción, y a dos secuencias que son absolutamente extraordinarias en la historia del cine, que son el final de Rescatando Al Soldado Ryan, de similares características, y el hundimiento del barco en Titanic. En cuanto a lo visual, que tanto se destaca, debemos mencionar que con numerosos efectos, personajes, efectos prácticos, y una cuidadísima creación de un mundo entero, la película es una fiesta visual, y el nivel de detalle que tienen las tomas es absolutamente extraordinario; en cuanto a cada hoja que se dibuja en el bosque, a cada burbuja que está en el agua, o cada caño en las estructuras, que están construidas con un nivel de detalle impresionante, que no da la sensación de ser una imagen dibujada, sino de algo realmente filmado en otro lugar, en otro planeta. Además, el uso del 3D es espectacular, y es uno de los mejores 3D en la historia del cine, lo cual la hace que la experiencia tengo un nivel de inmersividad extraordinario, parece que estuviéramos ahí, literalmente. Por ejemplo, en un momento determinado por llueve en la escena, y parece que estuviera lloviendo en la sala de cine, es increíble y el nivel de detalle que tienen las partículas que están entre los personajes y la cámara, y se ve un nivel de obsesividad tal, como para demorar una secuela 13 años, algo que sólo James Cameron, después de haber hecho dos veces la película más taquillera de la historia, podría lograr. En ese sentido, Avatar 2 es un avance técnico extraordinario, que sienta un nuevo estándar de calidad, y las bases para un cine de ciencia ficción y fantástico más realista, más espectacular, y más inmersivo que nunca. Y por eso la película termina siendo un hito en la historia del cine. Con respecto al 3D, es obligatoria verla en este formato si uno puede ver películas así, porque Cameron piensa y dirige la película en 3D, no es solamente que hay profundidad en la imagen, y la película está pensada en 2D como la mayoría de las películas, sino que juega con esta profundidad, con los planos de cosas más cercanas y más lejanas, y con los planos que están por afuera de la pantalla, para hacer la experiencia inmersiva, para hacerla realista, para ser más emocionante, para darle más claridad a la acción, y para lograr que el espectador se sienta como si estuviera viviendo en Pandora. Avatar The Way of The Water es una película obligatoria de ver para todo cinéfilo que se precie de serlo. Más allá de los problemas mencionados, el filme por momentos se convierte en una obra maestra de la dirección, y una clase de cine. Para todo estudiante que quiera aprender a dirigir una película, este filme es fundamental de ver y analizar, porque el maestro Cameron no solo nos deja con la boca abierta, no solo emociona, no solo divide la historia del cine, sino que también hasta nos enseña cómo hacer cine. Imperdible. Cristian Olcina
Tel Aviv on Fire es una comedia inteligente, ingeniosa, de gran guion que nos hace reír y reflexionar. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial completa, más informal, en versión de audio o de video, en los reproductores de audio solo de Spotify, o de YouTube con video. Tel Aviv En Llamas, como también se la conoce, es una película que viene de Luxemburgo, con una producción europea y también israelí, y tiene la particularidad de ser una película que trata temas fuertes y espinosos, pero con un enfoque humorístico que no falta el respeto a los muertos por el conflicto, y que tiene una mirada más moderna y conciliadora. La película trata sobre un muchacho que trabaja en una novela palestina que se llama Tel Aviv On Fire, el hace de una especie de asesor de diálogo, que ayuda a una de las estrellas, porque tiene facilidad para hablar varios idiomas; pero este muchacho vive en Jerusalén, del lado judío. Entonces para volver a su casa debe pasar un puesto de control israelí todos los días. En un momento, debido a un mal chiste que hace, es bajado del checkpoint y lo llevan con un oficial superior del lugar, le revisan el auto y descubren material de esa novela, y él alega ser uno de los escritores de la novela, aunque hasta ese momento solo había escrito una sola línea de diálogo. Esto hace que se genere interés por parte del oficial israelí, el cual tiene una esposa muy enganchada con esa telenovela, la cual es producida por el tío del protagonista, un señor mayor que tiene muchos prejuicios y muchas heridas con respecto a la posible pacificación de la zona. La telenovela que produce este señor se trata de una mujer que es palestina, y está como a espía en Israel, donde enamora a un militar muy importante israelí, pero a su vez tiene un interés amoroso palestino, y la historia juega sobre con cuál se va a quedar; a lo cual, tiene algo para decir sobre la telenovela este oficial israelí del control; entonces le hace prometer a este novel escritor, que esas personas de la palestina y el israelí van a terminar casados. Él supone que de esta forma va a contribuir a la pacificación de la zona, que se terminen los controles, y que se unan ambos pueblos. Uno de los inconvenientes para el protagonista es que cambiar el guion no va a ser fácil, ya que no es el escritor principal de la novela, ni siquiera es uno de los escritores hasta ese momento, pero como usa unas recomendaciones muy bien hechas por parte del oficial israelí para describir a los de su pueblo, y a los militares en la telenovela, esto hace que lo asciendan a escritor; el problema es, que en realidad el tampoco entiende la mente judía y las cuestiones militares, sino que surgieron de las sugerencias del oficial israelí del puesto de control, por lo tanto ahora dependerá de él para escribir los guiones, y tendrá una carrera contra el tiempo para poder escribir lo mejor posible de manera autónoma, estudiando libros sobre cómo hacer guiones, y material por el estilo. A su vez el protagonista tiene un interés romántico, una señorita palestina a la cual le empieza a dar mensajes a través de lo que escribe en la novela, que ella ve, y todo esto genera una serie de enredos y de conflictos, dónde cada vez serán más altas las apuestas, cada vez más altos los peligros, y dónde se expondrá claramente las posiciones que hay en estas sociedades sobre este conflicto, que hay de frontera entre Israel y palestina, algo que por el momento no se soluciona. La película hace reflexionar sobre ese conflicto, sobre la forma de salir del mismo, sobre la integración, si es posible entre esas sociedades, y también hacen reírnos, y tener suspenso. Con respecto a los enredos y a los problemas que tienen los personajes, en ese sentido la película es un gran logro, porque logra enredar muchísimo la trama, al punto tal de que uno se vuelve totalmente escéptico de que se pueda solucionar, y el espectador teme un final catastrófico, dónde se tire todo por la borda, y se desperdicie todo el ingenio, la gracia, y la profundidad que tiene el guion hasta el momento; sin embargo, los guionistas del film hacen un milagro, en la vida real, y logran resolver toda la trama, y todo lo que se había enredado de forma coherente, lógica, graciosa, y emotiva, donde se haga reflexionar a la audiencia, y encima tenga cierto nivel de realismo; en ese sentido, el final de la película es un milagro, como el que hoy quizás necesitáramos para lograr la pacificación entre judíos y árabes, entre israelíes y palestinos. Una película que funciona en todo momento, inteligente, ingeniosa, graciosa, que cumple con lo que promete, y lograr ser una de las películas más interesantes de los estrenos cinematográficos de 2022 en la Argentina. Para los cinéfilos, imperdible, es una clase de guion; para el público en general, muy recomendada. Cristian Olcina
Shark Bait, más que carnada para tiburones, aquí significa carnada para su dinero, no caigan en la trampa y guarden los dólares, no merecen ser devorados en esta taquilla. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial completa, más informal, en versión de audio o de video, en los reproductores de audio solo de Spotify o Soundcloud, o de YouTube con video. Shark Bait es una película fallida, es una historia de supervivencia en altamar, donde muere el entretenimiento, los efectos especiales y la profundidad, la acción transcurre cuando una serie de personajes jóvenes, ya un poco pasados de la adolescencia, pero comportándose como tales; quedan varados por su propia imprudencia en el océano al ponerse a jugar a gallina con dos motos de agua y en un momento chocan entre ellos, pero a gran distancia de la costa, y un personaje queda herido, todos quedan asustados, una de las motos de agua se hunde, y la otra queda averiada. Pero esto no es todo, sino que pronto van a ver qué hay un tiburón que los acecha, esto generará cierta tensión, pero la película es perezosa en su tratamiento, y eso trae numerosos problemas. Empieza con una introducción muy parecida a la de tiburón (Jaws, 1975, Steven Spielberg) pero es una copia que no funciona tan bien. Tiene algunas escenas que nos remiten a la primera secuencia de tiburón, donde la chica es comida por el escualo, pero todo lo que tenía de genial tiburón, no está aquí. La película es como una mezcla de drama, suspenso, y terror; pero funciona mal en los tres géneros, Y si bien es cierto puede haber Alguna sorpresa en alguna escena para el espectador, como cuando aparece el tiburón repentinamente, la mayoría de esas escenas no funciona para darle un susto al espectador; aun cuando la estemos viendo en una pantalla grande y con sonido envolvente, porque el arte de asustar no es solo echarle sonidos al espectador y Que aparezca algo rápido en pantalla, sino crear un clima previo que nos predisponga al susto, y en esta película no siempre eso está bien hecho. Además la película empieza con una pésima introducción, qué da la impresión de que el director no hubiera estudiado en la escuela de cine, sino que capaz se hizo de oficio en el género de la pornografía, porque va a los bifes directamente, y no presenta los personajes, como cuando en ese tipo de películas la trama empezaba que venía el apuesto repartidor de pizzas, flechazo automático con la señorita que le abría la puerta y a los dos minutos estaban en la cama, el repartidor y la hambrienta; bueno, acá hay una lógica similar, se ven los personas, y pum, ya están el océano por quedarse varados. Shark Bait, literalmente Carnada de Tiburones, tiene cinco personajes genéricos que son más o menos intercambiables, no se lo presenta a ninguno, no nos importa ninguno en un primer momento, aunque luego la chica a la que le metieron los cuernos, nos da un poco de simpatía, y además los personajes no se comportan de manera realista. ¿cómo puede ser que 5 personas se diviertan casi chocando las motos de agua a una distancia donde si realmente chocan no solo se van a matar, si no que no van a poder volver a la costa? Además, ¿por qué las chica que van atrás ninguna se queja de que están haciendo algo absolutamente inconsciente, ¿son los cinco personajes estúpidos por igual? Entonces, la película depende de la estupidez de los personajes y eso siempre es malo en una escena, se puede tolerar en una o dos escenas algo de estupidez para avanzar el argumento, a veces el espectador dice: “Bueno, si en tales escenas hubieran hecho lo correcto, ahí mismo hubiese terminado la película”. Y está bien eso excepcionalmente, pero si en 10 escenas tienen que depender de lo estúpido de los personajes, quiere decir que el guion es el estúpido, o en su defecto el guionista. Obviamente uno sabe que si hay cinco protagonistas en altamar rodeados por un tiburón, varios de ellos van a ser comidos por el mismo, uno a uno; y en ese sentido, la película es muy poco sorpresiva, no tiene nada sorpresivo, ni una sola escena que realmente nos sorprenda, inclusive las escenas más dramáticas están casi como dictadas previamente, uno dice: “Bueno, ahora tal persona que va hacer determinada acción”, y el director y el guionista en vez de jugar con esa expectativa, y hacer un tour de forcé y darnos algo distinto, simplemente cumple con el cliché y con lo que fácilmente la audiencia puede adivinar. Para colmo de males, ni siquiera los efectos Son buenos; hay momentos del ataque del tiburón que son realmente vergonzosos para el estándar de efectos que hay hoy en día, se los ve tremendamente digitales, y a su vez eso quita tensión, porque no parece algo real, y no es lo mismo el terror a que te coma un tiburón, que a ser comido por una simple ordenación de píxeles en la pantalla. Jetski, como su otro título original la llama, es una película que no aparta nada el género de terror, ni al subgénero de tiburones, ni a las películas de altamar, ni tampoco a la de adolescentes estúpidos genéricos que van muriendo uno a uno, y probablemente tampoco aporte a los bolsillos de los productores significativamente. El filme tiene números referencias a otros filmes, directas e indirectas, pero todas las referencias a otras películas son nos recuerdan fotograma a fotograma que aquellas películas fueron mejores que esta. Una de las películas que uno puede recordar, porque se estrenó este año, hace unos meses, es The Fall (Vértigo), que también era una historia de supervivencia, pero de dos chicas arriba de una torre de televisión abandonada de 600 metros de altura. Si quieren ver supervivencia y problemáticas y suspenso, esta no es la película, sino que es aquella otra de la torre, y si no, vuelvan a ver Tiburón, la película de Spielberg que fue, es, y será una obra maestra. Gastar plata en este filme es hacer agua. Cristian Olcina
Poker Face es una película interesante, pero que no explota todo el potencial que nos promete sus primeras secuencias, ir al cine a verla es una verdadera apuesta. En el link, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo de Spotify o Soundcloud, o de YouTube con video. Juego Perfecto es una película protagonizada y dirigida por Russel Crowe, que cuenta la historia de un multimillonario que está enfermo terminalmente y llama a sus amigos de la infancia para hacer una última partida de póker. Él había hecho su fortuna primero con un programa para jugar al póker en línea, pero luego se hizo mucho más millonario aún, reconvirtiendo ese programa en otro para espiar a la gente y vendérselo a los gobiernos. De esta forma, sabe un montón de secretos de mucha gente, inclusive de sus propios amigos de la infancia, que están todos sucios de una forma u otra, entonces ha decidido contarlos en esta noche especial, mediante una serie de sorpresas, dónde primero van a jugar por millones al póker, pero luego van a ver algunas sorpresas macabras que tiene este personaje, donde el resto temerá por sus vidas. La película empieza muy bien, es interesante, está bien, es muy entretenida y nos mantiene el suspenso y el misterio muy bien la primera mitad del metraje. El problema es, que, en determinado momento, esta trama se mezcla con otra trama secundaria, donde un personaje quiere robar unos cuadros millonarios que hay en esa casa, aun sabiendo que él está adentro. Pero lamentablemente no se amalgaman bien ambas historias, ya que viene de una trama original y perversa, con misterio, a otra trama de un robo genérico con toma de rehenes como cualquier otro filme del género, abandonado prácticamente la trama inicial. Sin embargo, la película entretiene, tiene suspenso, cierra bien dentro de todo, pero nos deja más bien con gusto a poco. Especialmente por lo ya citado, pero también por algunos desaciertos en la dirección, que impiden generar más suspenso, o ir por las tramas más jugosas, y además por un comienzo de la película totalmente desacertado y desubicado, porque empieza cuando eran chicos, se los ve como en el río, con un ambiente festivo, música movida y llenos de vida. Eso genera un tono mucho más ligero, como de película buena onda, y como que va a ser una historia juvenil, o de coming of age, pero cuando termina esa secuencia, que además termina con un tema muy movido arriba, empieza la parte de la actualidad, con otro tono totalmente diferente, mucho más dramático, más trágico, más serio y no coincide para nada con esa introducción; entonces se ha desperdiciado parte del metraje que debía sentar el tono de la película, esto se podría haber solucionado muy fácilmente con un pequeño prólogo de un minuto, donde el personaje diga que va a contar algo, que se está muriendo, o alguna cosa por el estilo de manera seria, y que siente el tono general del film, y luego ir a un flashback con la escena de juventud del pasado, entonces ahí entendemos que era otra parte más feliz de su historia, pero ya sabemos que la película va a ser drama; porque si no, así como está queda como un falso comienzo, donde parece que va a empezar una cosa, luego se arrepiente, y empieza otra distinta. Además, esa secuencia tiene el problema de que después no es referida claramente en las secuencias posteriores, entonces uno no sabe cuál es el personaje en versión adulta que corresponde con el personaje en versión joven, lo cual impide cualquier tipo de presentación de personaje en la escena del prólogo, y ni siquiera esta confusión está usada como para mantener el misterio, sino que simplemente parece mala dirección, es como que no se hubieran dado cuenta, o no les hubiera importado. Más allá de todo eso, la película funciona bastante bien como entretenimiento, nos hace hacer algunas reflexiones, es válida de ver, aunque con ciertas reservas, y no da como para recomendarla abiertamente. Podría haber sido un poker de ases, pero simplemente quedó siendo un par de reyes. Cristian Olcina
Hasta Los Huesos es como una especie de Anti-Crepúsculo, un filme sórdido, macabro, perverso, artístico y trágico, donde se analiza la condición de monstruos de los protagonistas mientras surge la atracción. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial completa, más informal, en versión de audio o de video, en los reproductores de audio solo de Spotify, o de YouTube con video. Hasta Los Huesos es una película que trata la historia de unos personajes llamados devoradores, en un primer momento, viendo el tráiler, puede parecer que son vampiros; pero en realidad son como una especie de raza distinta de la evolución humana, dónde estos personajes se ven obligados a comer carne humana, desarrollan ciertos sentidos, y cierto olfato especial, que les permite encontrarse entre ellos. Como conseguir carne humana no es tan fácil, muchos de ellos se verán tentados a matar, y eso los hace peligrosos, y muchas veces entre ellos mismos no se juntan justamente por esa conciencia de la peligrosidad que tienen. La protagonista es una joven negra de 18 años que en una de las primeras escenas es como que va a chupar el dedo de una amiga, pero se lo termina mordiendo, como queriéndolo comer, este incidente hace que su padre la mudé de ciudad, pero que luego de esta mudanza, finalmente el as su vez abandone, pero dejándole unos audios que cuentan su historia y diciéndole que la madre, quien la había abandonado muchos años antes, estaba viva todavía, y le dice dónde está. Esta chica empezar un viaje por distintas ciudades del país, porque no tiene plata para ir directo, y así llegar a visitar a su madre, para conocer plenamente su historia. En el camino conocerá a otro de los devoradores, interpretado por Mark Rylance, un señor mayor que le enseñará varias cuestiones sobre esa especie, o sobre esa raza, si podemos llamarla así; y luego ella decide seguir camino, donde nuevamente encontrará otros devoradores; pero el que más se destaca es un muchacho joven blanco interpretado por Timothee Chalamet, con el cual, al ser ambos jóvenes, lindos, y con una problemática similar, surgirán sentimientos obviamente. La película es como la versión sórdida, adulta, y artística de lo que sería Crepúsculo, como una historia de amor y de búsqueda, signada por la maldición que tienen esos cuerpos, y su cercanía a la muerte; y esto repercutirá a lo largo de todo el metraje, dónde el espectador será invitado a reflexionar sobre el dilema que tienen estos personajes, y ellos mismos lo harán también, en sus acciones, o bien, diciéndolo explícitamente, como uno de los personajes que dice tanto en la película, como en el tráiler, que las opciones son “o comer carne humana, o encerrarse para siempre en una institución, o matarse”. El filme no está interesado en tener escenas de acción o enfrentamientos entre facciones, sino más bien en explorar el conflicto humano de los personajes, o también podríamos decir el conflicto de falta de humanidad de esos personajes, porque al tener ese deseo y esa necesidad, eso justamente la aleja de la humanidad. La narrativa del filme es más cercana a cine arte que a una película comercial, y es una película para reflexionar. No es algo pasatista por el solo hecho de hacer dinero, sino que hay una búsqueda artística, y en esa búsqueda está el mayor mérito de la película, pero también lo que le puede alejar del público en general; que quizás la puede encontrar pretenciosa o aburrida inclusive. En algunos casos la película tiene cierta pretensión artística, aburrida no es, pero sí es un tanto lenta, y no es una película breve; por ende, algunos espectadores acostumbrados al cine más acelerado pueden desengancharse de la trama mientras esperan que ocurran acciones más concretas. Pero aquí nos encontramos con un filme interesante, más para festivales que para hacer dólares en la taquilla. Es válido de ver, pero que es difícil de recomendar; queda a criterio del espectador sí pagar o no la entrada. Cristian Olcina
¿Cómo zanjar la discusión de si Duro de Matar es un filme navideño? Remplezando a Bruce Willis por Santa Claus en esta remake espiritual ultraviolenta, demencial y muy graciosa. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial completa, más informal, en versión de audio o de video, en los reproductores de audio solo de Spotify, o de YouTube con video. Noche Sin Paz es una película muy particular, tiene una idea muy interesante, tiene lo que podríamos decir un pitch para venderla que es muy bueno, que es el concepto de que unos maleantes con un grupo comando van a asaltar una mansión para hacer un robo en la nochebuena, pero justo está Santa Claus ahí, y va luchar contra esos villanos, para salvar a la familia. Con el agregado de que este Santa Claus no es un viejo bonachón, sino que tiene más la pinta de un hombre de mediana edad, interpretado por David Harbour, absolutamente alcohólico, depresivo, y con un pasado de ex guerrero; este argumento es demencial, y por eso a su vez funciona. La película vendría a ser como una respuesta al debate de sí Duro De Matar era una película de Navidad, una discusión que año a año vuelve aparecer en internet; en este caso parece que hubieran dicho: “bueno, hagamos duro de matar, pero que el personaje de bruce Willis sea Santa Claus, definitivamente va a ser navideña la película, sin discusiones”, y de hecho lo es. Además, al igual que otras películas navideñas, trata el tema del espíritu de la navidad, y en este caso, con este Santa Claus depresivo, es justamente el espíritu de la navidad lo que lo lleva a enfrentarse a esos maleantes, para salvar a la familia. La película es una mezcla de comedia muy negra, con acción; y por momentos, tiene algunas escenas más ligeras, que hasta nos remite a Mi Pobre Angelito, y sería un robo descarado, si no fuera que dentro del argumento esas escenas son así, porque uno de los protagonistas está muy entusiasmado luego de ver esa película; lo cual le da validez al guion en ese aspecto. Además, la escena es muy graciosa, pero con la diferencia que está película es sangrienta, entonces ya no es la versión para niños de Mi Pobre Angelito, sino la versión para adultos en los que se convirtieron aquellos niños en de los 90. El tono de la película está muy bien logrado, y aun cuando hay algún altibajo durante el metraje, es muy correcta la dirección y la forma de engancharnos que tiene la película. En las partes de comedia es donde más brilla, porque la acción es un poco más genérica; sin embargo, alguna de las escenas de acción que mezcla comedia con acción son realmente interesantes e inteligentes, y en algunos momentos cuándo es acción pura, también tiene buenos momentos, con algunas partes sorprendentes inclusive en alguna escena. El tráiler es bastante explícito sobre cómo es la película en cuanto al tono y el argumento, si lo han visto y le gustó, seguramente le gustará la película. Sin embargo, hay algo que no muestra el tráiler aunque si lo sugiere el póster y algunas tomas, que es que esté Santa Claus, sí bien es cierto, es mágico, puede entrar por la chimenea y tiene una bolsa que parece con regalos infinitos; también tiene su lado humano desde el punto de vista físico, y nos sorprende de sobremanera que cuando hay una de las primeras escenas de pelea, él termina sangrando, lo cual nos sugiere que puede morir, y eso le da humanidad, e importancia, generando un efecto de suspenso, porque sabemos que entonces puede no sobrevivir a esa noche, pero además eso le brinda un efecto de sacrificio a lo que hace, este Santa Claus va a arriesgar su propia vida por esta familia. En cuanto a la familia en cuestión, es súper millonaria, y tiene numerosos problemas, y muchos de sus integrantes tienen numerosos defectos, son un dechado de egoísmo, ambiciosos, inescrupulosos, sin ética alguna, y rapaces; excepto la niña que es la segunda protagonista luego de Santa Claus, que es una niña negra muy simpática y querible, aunque el resto de la familia es blanca, interpretada por Leah Brady, la cual es muy carismática, tiene un corazón muy puro; y que no va a dejar de creer en Santa, a pesar de todas las vicisitudes. Curiosamente, la película sí bien es cierto es muy violenta y muy sangrienta, especialmente en las primeras escenas donde llegan y matan a todos los empleados de la familia, tiene también su lado emotivo, tiene cierto corazón, y celebra el espíritu de la navidad, del cual hablan tantas otras películas del tema, y deja en claro que está remake espiritual de Duro De Matar, pero en una mansión, y con Santa Claus, es definitivamente una película navideña. Hay que destacar que las risas en el cine son muy fuertes, la gente se engancha de manera destacable, haciendo una serie de gestos e interjecciones diversas, y vitoreando a los personajes, y al menos en la función donde fue este crítico, el film fue aplaudido por la audiencia. Muy recomendada, pero no para cualquiera. Cristian Olcina
Adieu Monsieur Haffman es un filme interesante con drama y supenso que nos hace reflexionar sobre lo que tuvieron que vivir los pueblos ocupados por la alemania nazi, especialmente los ciudadanos judíos. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial, más informal, en versión de audio o de video. Adiós Señor Haffman es una película muy interesante, es un film que invita a la reflexión desde el primer minuto, y que, a pesar de estar desarrollada casi en su totalidad en una sola locación, es una película muy entretenida. Esto se debe a que es una adaptación de una obra de teatro, pero el uso del lenguaje cinematográfico es muy correcto, con una muy buena narrativa que no nos sugiere una adaptación teatral y que mantiene el drama y suspenso todo el metraje. La película trata una historia que se desarrolla en la Francia ocupada en la Segunda Guerra Mundial; los nazis empiezan a perseguir a los judíos, y el señor Haffmann, joyero de profesión tiene un negocio, donde tiene a un empleado que lo asiste en la fabricación de las joyas, el cual no es judío. Cuándo empieza a haber restricciones y se da cuenta que su vida corre peligro, decide mudarse y dejarle en una especie de préstamo el negocio y el departamento contigua a su empleado, pero haciendo un falso contrato, donde dice que lo ha vendido. En el momento de escaparse junto a su familia, su mujer y sus hijos pueden salir, pero él no llega a hacerlo; por lo tanto, vuelve al negocio, pero como ya han tomado posesión de la casa el empleado y su señora, ahora se irá primero al cuarto de los chicos, y luego al sótano; ya que los nazis andan buscando judíos y debe estar escondido. Esto obviamente pone en peligro a su empleado, y su mujer, sin embargo, teniendo en cuenta la oportunidad que le dan, lo albergan. Este es el seteo que se genera para que surgen una serie de decisiones que hay que tomar, las cuales son todas problemáticas moralmente, porque son en la desesperación, y no con total libertad; ya que los nazis acechan y el solo hecho de ser judío puede llevar a la muerte. Encima cuando viene un oficial nazi buscándolo al señor Haffmann se presenta frente al empleado, este le presenta el contrato de compraventa, el nazi lo cree y cómo le gustan las joyas que hace, se vuelve cliente regular, y no solo eso, sino que además lo recomienda ante otros oficiales nazis que vienen al negocio, y para colmo de males, como hay escasez de joyas la guerra, en un momento el oficial nazi le ofrece una serie de joyas viejas que contienen piedras preciosas para que desarme y haga joyas nuevas, pero obviamente sospechamos que el origen de esas joyas no es legítimo. Además, como la estadía del señor Haffmann en el sótano se prolonga, empieza a trabajar para su propio empleado y debe desarmar está joyas, con todo lo que esto implica. La película es interesante, hace numerosos planteos y dilemas morales, examina lo que es la moralidad en un entorno de falta de libertad y de desesperación, examina la lealtad, y también juega con el cambio de roles entre el empleado y su patrón, mantiene una tensión permanente todo el metraje, y aun cuando muestra qué hay muchos grises en la moralidad de una situación de guerra, también deja en claro qué es lo correcto y lo que no es correcto, pero mostrando todos los matices, lo que le permite al espectador sacar sus propias conclusiones, y preguntarse qué habría hecho en esos casos. Además, suma puntos por mostrar un oficial nazi interesante que nos es un monstruo psicópata, sino un hombre que también tiene sus matices, sus lealtades y sus grises morales, y todo eso sin mencionar las cuestiones personales y familiares de los protagonistas a los fines de evitar el spoiler, pero cabe destacar que es muy interesante lo que sucede. Una película realmente muy bien hecha, muy bien actuada, sólida, entretenida, y que muestra una faceta nueva en el tratamiento del holocausto judío en la segunda guerra mundial. Sin entrar en el horror de los campos de concentración, ni enormes derramamientos de sangre, pero sí mostrándolo como casi una precuela de ello, al mostrar el horror al cual puede llegar la raza humana por el racismo la discriminación, la xenofobia, y el adoctrinamiento ideológico. Muy buena; recomendada. Cristian Olcina
She Said muestra los pormenores de la instigación periodística del caso Weinstein, podrá haber sido la mejor película del año, pero lamentablemente no logra ese objetivo. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial completa, más informal, en versión de audio o de video, en los reproductores de audio solo de Spotify, o de YouTube con video. Ella Dijo es una película que está bien hecha, pero que lamentablemente no desarrolla todo su potencial en una narrativa arrolladora, cómo si lo fue una película con la cual es fácilmente comparable, que es Spotlight, la cual ganó el Oscar a la mejor película. En este caso, también se trata de una historia donde los periodistas empiezan a investigar casos de abusos sexuales, pero sin el mismo resultado a nivel emoción, ni de narrativa cinematográfica. El filme cuenta la historia de dos periodistas que empiezan a investigar al productor de Hollywood Harvey Weinstein, una persona que tenía un increíble poder dentro de la industria del cine, al punto tal que se lo consideraba intocable; el cual además tenía ciertas prácticas muy reñidas con la ética, para hacer avanzar sus filmes. Y llegaba a cualquier punto, inclusive ensuciando colegas para lograr sus fines. Harvey Weinstein es un ser despreciable. La película básicamente cuenta como las periodistas van conociendo a las víctimas de este depredador sexual, y a su vez como todas tienen un enorme miedo para hacer las acusaciones públicas, o bien, no pueden hacerlo porque han firmado un contrato de confidencialidad, luego de haber recibido dinero por parte de este magnate, para comprar su silencio, la película es más o menos lo que se ve en el tráiler, pero expandido en 2 horas. Durante el desarrollo del filme, la cuestión pasa por sí juntan a varias mujeres a declarar en simultaneo en el artículo, y si finalmente entre todas se animan hacer pública esa acusación; y eso es más o menos toda la historia. La película carece de giros argumentales sorprendentes, o de escenas de enorme emotividad, o momentos memorables en la narrativa. Además, adolece de una introducción deshonesta, propagandística y cinematográficamente errada, en donde una de las periodistas está investigando a Donald Trump, quién en ningún momento fue condenado por acoso sexual, ni nada que se le asemeje; y esta periodista le plantea a una de las víctimas (según el filme) que el público debe saberlo antes de la elección. Sugiriendo indirectamente, un fin político de la noticia. Pero eso tiñe de propaganda política anti Trump a toda esa introducción, que nada tiene que ver con el caso Weinstein; y al meterse en esa historia secundaria, especialmente en este momento de 2022 dónde Trump podría volver a la presidencia de la nación, frente al pobre gobierno de Biden y las revelaciones sobre la censura a Trump en Twitter y la censura de las noticias que perjudicaban a Biden; toda está secuencia inicial huele a propaganda política partidaria, más que a una genuina introducción de la película; y eso daña a la misma, por el hecho de abandonar el arte en sí, pero además desde la narrativa, porque desperdicia esos minutos del comienzo, le quita credibilidad al tema y a los personajes, y no0s sitúa en un punto de vista parcial y sesgado; ya que sabemos que ninguna de esas denuncias prosperaron. Entonces se siente como si una parte de Hollywood quisiera expresar sus vistas políticas aprovechando el otro caso como un caballo de Troya, porque lo que vamos a ver al cine es la caída de Weinstein, no otra cosa. Hiede a la deshonestidad la introducción. El resto de la película es menos problemático, pero es más vainilla, y un tanto insulsa por momentos, cuándo podría haber sido algo muy dramático y arrollador, como si lo fue por Spotlight, o todos los Hombres del Presidente, o en menor medida The Post, donde la crítica a Trump la infería el espectador desde la trama, y no era burda propaganda; la mano del Maestro Spielberg se notaba en ese caso, donde podía poner sus opiniones, pero sin abandonar el arte de la cinta, por eso era una película tan buena. La película en normas generales, salvando esa miserable introducción, es válida de ver, pero no llega a la masa crítica que es necesaria como para recomendar. Podría haber sido la mejor película de año, estaban los ingredientes, peros sobró ideología y faltó dirección. Cristian Olcina
Jeepers Creepers Reborn es un filme sin alma, sin sustos, sin terror y completamente genérico; debo escribir rápido a esta crítica, porque ya me lo estoy olvidando. En el link la crítica escrita completa y la crítica radial, más informal, en versión de audio o de video. Jeepers Creepers es otra película genérica más de terror, que no solo aporta nada la historia del cine, sino que tampoco le aporta nada a la historia del terror, y ni siquiera le aporta algo a la saga de Jeepers Creepers. Esta secuela/reboot es una película más, dentro de las cuales hay un grupo de gente joven, hay un villano de alguna clase, no nos importa ninguno de esos personajes, y los va matando uno por uno, excepto la pareja protagónica, a la cual le tenemos cierto cariño; que es un joven negro que se le está por declarar a su novia blanca en el marco de un festival de terror, en el medio del campo, excepto estos dos personajes, los otros son simplemente blancos para ir matando, sin que nos cause emoción, terror, sorpresa o impacto. La película no genera terror, no genera miedo residual, y tampoco funciona bien en general, donde tampoco genera algunos sustos y sobresaltos al espectador; que si bien es cierto hay algunas escenas donde se aparece algo repentinamente frente a cámara y sube la música, o hay algún acordé o ruido en particular, para que eso funcione y asuste, tiene que haber cierto clima; sino es simplemente un ruido en la película, y no genera miedo. Por lo tanto, es una película que funciona muy poco, con un argumento irrelevante, con una semiótica nula, y sin ningún mensaje. Tampoco siquiera produce un efecto de nostalgia, o un efecto de meternos en la mitología de este personaje. El filme empieza con un prólogo dónde hay dos adultos mayores que van en un auto, se cruzan con el asesino, tienen unos encontronazos en la ruta, donde casi se despistan y en un momento lo ven tirar un cuerpo como por un hueco, en una casa que parece abandonada. Luego que el asesino los persigue y que se escapan, tienen la forzada e inverosímil idea de ir a entrar en esa casa y ver si realmente era un cadáver eso que vieron; el cierre de esa secuencia se desinfla totalmente y no funciona en lo más mínimo. De ahí pasamos a la historia de los dos jóvenes que van al festival en donde se mezcla por momentos lo que son escenas de terror generadas para ese festival, con escenas terror de la vida real, y finalmente terminan en una casa donde el Creeper los empieza a matar uno tras otro de manera genérica y con la narrativa en piloto automático. La película no tiene mucho para ofrecer al público, y ciertamente es una buena opción no gastar dinero en ir a verla al cine, no hay mucho más para decir la verdad. Cristian Olcina
El Menú es un filme original y sorprendente que podría ser definido como un filme de terror, pero no lo es, o como una comedia negra; pero es mucho más que eso, drma misterio, tragedia, y humor se mezclan en un filme único. En el link la crítica completa escrita, más la crítica radial en audio en Spotify, o en video en YouTube. El Menú es una película muy particular, es el filme que deberíamos ver si somos esas personas que nos quejamos de que Hollywood trae todos los productos iguales, o que Marvel es una fábrica de contenido más que un estudio que hace películas, o cosas por el estilo. A veces, de los estudios, sale cine qué es distinto, y sin llegar a ser extremadamente raro, o extremadamente artístico, hay un guion que se la juega, pone toda la carne en el asador, y muestra algo novedoso; este es el caso. El Menú es una película muy difícil de describir, y casi indescifrable en cuanto al género; hay quienes la llaman en una película de terror, hay quienes la llaman una comedia, qué es un género casi opuesto al terror, y hay quienes la llaman comedia y terror. Desde distintos puntos de vista podemos darle la razón a cualquiera de estas tres posturas; lo que pasa es que no es una película específica de género, sino que más bien trata un tema, lo desarrolla de una forma determinada, y usa recursos y formas de ambos géneros. La película ciertamente tiene humor y tiene muchas escenas que pueden provocar una carcajada, pero no es una risa franca, como la risa de una comedia, sino más bien es una carcajada, si se da, o una sonrisa inteligente, cómplice, que se ríe o se burla de algún sarcasmo, o de alguna declaración o suceso que es tan tragicómico que produce gracia; porque la película tiene un tono serio y dramático, y además, todo personaje que aparece en la pantalla corre riesgo de muerte; por lo tanto no es una comedia franca. Pero tampoco es específicamente una película de terror, porque no intenta serlo; no intenta asustar, ni intenta dejar un miedo residual tampoco; más bien cuenta una historia que es una mezcla de drama, de tragedia, de crimen, y de sangre; que, por su morbosidad, perversidad, sangre derramada y muerte, puede con ser considerada dentro del género del terror; sin embargo, la narrativa está más cerca de lo que se podría decir una película de suspenso, que de una de terror. Y tampoco intenta ser una película de suspenso, ya que el objetivo de la misma no es generar tensión en el espectador, aun cuando la hay, sino mostrar el argumento y desarrollarlo, estudiando la psicología de los personajes, las motivaciones, ver las actitudes raras y en algunos casos aberrantes que tienen, y engancharnos con el misterio de cómo se va desenvolviendo todo esto. La película, en cierta forma, es un estudio de la psicología humana; especialmente la de esos personajes, que son los comensales y sobre todo del chef, que es hipnótico y hay que ir desentrañando su psiquis. Para eso, el argumento trata sobre un grupo de 12 comensales que llegan en un barco a una isla pagando una tarifa muy alta, para una cena muy especial con un chef estrella, que tiene un restaurante en esta isla, donde toman los elementos de la isla, del mar, y de las cosechas que hacen ellos mismos, para preparar unos platos de altísima calidad y con un alto nivel de arte en la cuestión culinaria. En un primer momento simplemente parecen que están cenando y que el chef es medio extravagante con las historias que cuenta entre plato y plato, como se van mostrando los mismos de manera muy especial; pero uno siente que hay algo raro en el aire, finalmente cuando llega uno de los platos principales, hay una impactante muerte, que algunos toman en un primer momento como un acto de teatralización, pero otros lo creen real y ahí es donde cada uno empieza a temer por su vida; y luego ya empiezan a tener la certeza de que van a morir todos. Más allá de que eso suceda o no, aquí no lo vamos a revelar, ni tampoco vamos a revelar más de la trama, aunque el tráiler revela un poco más inclusive. Gran parte de la emoción de la película, y de su funcionamiento pasa por ver los misterios de la trama, qué es lo que está pasando, ¿es un acting? ¿es de verdad?, ¿por qué pasa lo que pasa? ¿van a morir todos? ¿van a morir algunos? ¿por qué habría de morir alguien en una cena?, y todas esas preguntas se van respondiendo a lo largo del metraje. La película tiene una dirección muy fina y muy brillante, donde el director logra con exactitud el tono justo de las escenas, y logra tener en vilo al espectador durante todo el metraje. La película juega con elementos perversos, con personajes desquiciados, y con la obsesión máxima que puede tener una persona en un trabajo, y en ese sentido hace recordar a la película El Cisne Negro y es interesante el cruce que hay entre varios personajes sobre todo el que hay entre el chef principal interpretado brillantemente y de manera demoledora por Ralph Fiennes, y una de las protagonistas interpretada por Anya Taylor-Joy, que en realidad es una persona que no pertenece a ese ambiente de gente rica de alta alcurnia, ni tampoco tiene ese grado de conocimiento de comidas gourmet de alto nivel; y eso genera una gran tensión, con un diálogo absolutamente brillante en uno de los momentos de la película; que si ven la película, se van a dar cuenta. La historia y la narrativa se podrían haber desbarrancado completamente en el final, pero afortunadamente eso no sucede; y el final, o al menos la expectativa que tenemos del final a lo largo del metraje, tiene un dilema importante; qué es que uno quiere que por un lado, se salve la protagonista; pero por otro lado también nos gustaría ver qué es lo que va a pasar con los comensales, hay como una curiosidad de querer verlos morir en el plan que se desarrolla. Alguien dice que todos van a morir, y eso genera cierta morbosidad en el espectador, que le gustaría ver como se lleva a cabo. Quizás no es una perversión real del espectador, sino como una curiosidad narrativa, cinematográfica, como cuando vemos un filme de un cometa que va a chocar contra la tierra, por un lado queremos que los protagonistas se salven, pero por otro nos gustaría ver el cometa impactando en una escena espectacular, y de forma similar puede ser nuestra actitud frente a este filme. La película en ese sentido es como si se metiera en camisa de once varas, pero casi milagrosamente, sale indemne; la resolución de ese dilema es absolutamente brillante, y roza lo genial; además es impecable desde el punto de vista lógico, y desde las características de los personajes y su visión de sí mismos, del mundo, y de su arte. Una película original, imperdible para un verdadero cinéfilo, pero con la advertencia de que es sangrienta, perversa, extraña, demencial por momentos, y con un humor tan negro qué se traga su propia luz. Muy recomendada, con advertencias; hay que tener estómago cinematográfico para verla. Cristian Olcina