Hoy vas a morir una y otra y otra y otra y otra y otra….. El cine de terror es uno de los géneros más imaginativos, sobretodo capaz de brindar mezclas de ideas que en otro lado no funcionan tan bien. El concepto de revivir el mismo dia una y otra vez no es uno de los más originales, pero la forma en que ‘Feliz dia de tu muerte’ reinventa este aspecto vuelve al film uno de los más divertidos este año. No por nada fue un éxito de taquilla en su pais natal, capaz de desbancar al monstruo cinematográfico que era ‘It’. El terror que tiene que revivir Tree una y otra vez no se basa solo en el hecho de que tiene que enfrentar su muerte sino que también debe encarar sus demonios personales. En ese sentido es un film dedicado más a la redención del personaje principal que a descubrir realmente quién es el asesino. Esto es lo más destacable, el hecho de que el personaje de Jessica Rothe comienza como una persona odiable que en otra película sería de las primeras en morir y conforme progresa en su infierno personal se convierte en lo que se denomina como una ‘final girl’. Una chica que con su caracterización y carisma se define como la única sobreviviente capaz de desenmascarar el asesino y salvar el dia. El trabajo de Rothe es remarcable en ese sentido porque logra que al comienzo no nos importe si vive o muere para, al final de la película, nos adentramos en su descubrimiento personal y alentemos sus acciones. El carisma de la actriz es 60% del film, pero también lo es su dirección. Christopher Landon entrega otra divertida cinta luego de su “Guía scout para el apocalipsis zombie’, mostrando que tiene un excelente manejo de la comedia y la narración. Quizás, como en su otro film, el género que sale peor parado es el terror puesto que ‘Feliz dia de tu muerte’ es bastante light en ese sentido. Se que la intención es en parte esa considerando que es una comedia de terror, pero como Scream hizo en su momento no es algo imposible balancear bien estos aspectos. Sobretodo porque la montaña rusa que es reir y asustarte en una misma escena crean momentos inolvidables para uno como espectador. Otro de los puntos flojos de ‘Feliz dia de tu muerte’ es el poco contexto que se nos da sobre por qué Tree revive su dia una y otra vez. No es tanto problema la resolución del conflicto y el momento en que ella descubre quien es su acosador, sino más bien por que esto sucede. Hay varios aspectos más de su historia personal que quedan relegados muy a segundo plano y un mejor desarrollo de estos argumentos habrían hecho más atractivo al film. Lo mismo pasa con los personajes secundarios, incluso los más importantes. Por ejemplo, el personaje de Israel Broussard (Carter) es lo primero que Tree ve al despertar pero no es hasta el final que empieza a incluirlo en su aventura, terminando en un romance. Si Carter hubiera estado de alguna forma más presente, o tuviéramos también una mejor idea de cómo Tree término en su habitación esto habría enriquecido su relación. Aun así, ‘Feliz dia de tu muerte’ es un film muy divertido con un personaje principal que se come la película ni bien comienza su redención. Ni hablar el diseño del asesino con su máscara de bebé que, si bien no le llega a los talones a bestias como Michael Myers o Jason, no quita que tiene un atractivo interesante y sería curioso verlo en alguna secuela (aunque no la necesite). Si bien tiene algunos tropiezos en el camino, la verdad es que no tiene nada que envidiarle a otros estrenos de mayor calibre y si quieren pasar un gran momento en el cine, este es un film para ver una y otra y otra y otra vez. Nota: 8 Blumhouse vuelve a mostrar que tiene todo lo que se necesita para producir un exitazo de taquilla como lo es ‘Feliz dia de tu muerte’. Jessica Rothe se come la película y su viaje de redención es uno muy divertido que, como espectadores, vamos a disfrutar acompañar en su trayecto.
El equipo se reúne por primera vez para luchar contra su peor enemigo: las expectativas. Luego de varios intentos fallidos, este año 2017 parece ser el año en que las películas basadas en el universo DC estarían a la altura de las circunstancias. No está de más recordar el increíble éxito de taquilla y crítica que fue ‘Wonder Woman’ dirigida por Patty Jenkins. Por ello, la expectativa que generó el estreno de ‘Justice League’ después de la primera incursión cinematográfica de la amazona era enorme. El film reuniría a los héroes más grandes de los cómics en una aventura que tiene la difícil tarea de continuar lo cosechado por la última entrega de DC como así también hacer olvidar lo que vino por detrás. ‘Batman v Superman’ sería muy mal recibida y ‘Suicide Squad’ simplemente era una pésima ‘cosa’, mientras que ‘Man of Steel’ se encontró en un sitio divisorio entre fans y crítica. El dia al fin llegó, y el resultado final es positivo para este viejo fanático de DC que obtuvo lo que esperaba. básicamente, ‘La Liga de la Justicia’ es un capítulo de la serie animada de Bruce Timm pero live action. Esto seguramente va a molestar a más de uno que esté esperando algo más ambicioso como lo fue ‘Batman v Superman’ pero la realidad es que para mi lo único que necesitaba era ver a mis heroes preferidos luchar contra un villano X por el futuro de la humanidad. Esto no evitó que hubiera momentos más humanos y de introspectiva. De hecho, una de estas escenas me hizo caer una lágrima por todo lo que implica para estos personajes la situación que viven, pero estoy seguro que pocos van a apreciarlo de la manera en que yo lo hice. Con esto queda claro que no es una crítica objetiva, pero las críticas son opiniones y se puede ir al carajo la objetividad. Estoy hablando de humanos extraordinarios que visten armaduras y mallas para cumplir con su trabajo, no es lugar para hablar de vanidades. En ese aspecto, ame la película de principio a fin y estoy listo para verla muchas veces más. Sobretodo porque Zack Snyder tomó un paso atrás y se nota. Más allá del apartado visual, esta película se siente más Whedon y agradezco. Si bien la idea de un film épico con ambiciones filosóficas no está mal, es algo que debería venir más adelante en el proceso. Ver a Batman y Superman pelear porque tienen una lucha personal sobre lo que la humanidad de cada uno implica es algo que se tiene que reservar para la película n° 10, no la segunda. Por esa razón, ‘Justice League’ está también muy cerca de ser un reinicio para el universo DC en el cine que de ser el evento comiquero como lo fue ‘The Avengers’ hace unos años. En ese sentido es donde más sale lastimada la película porque durante todo su metraje tiene una constante lucha interna sobre tratar de justificar lo que vino antes y renovar lo que está por venir. En algunas escenas Batman habla de Superman como si hubieran luchado juntos por años y la realidad es que lo conoció por media hora y siente constante culpa por la muerte del kriptoniano cuando esto tampoco fue algo que le sucedió a él. El tono está por todos lados y es una lástima porque realmente este debería haber sido un film que signifique un antes y un después en términos de franquicia, pero no pudo ser. Y esto es todo lo que puedo decir en términos “objetivos”, pero pasemos a otra página. Como dije, la película logró hacerme llorar porque para mi los personajes de DC no son solo ficticios y comiqueros, son familia. Y ver a Batman decir cosas como “El mundo necesita a Superman y el equipo necesita a Clark” son diálogos que espere toda mi vida. O ver el rol de ‘madre’ que toma Wonder Woman con el equipo, sobretodo con Cyborg y Flash, son momentos que espere ver toda mi vida. Por ello quiero verla mil veces más, porque cada momento me habla a mi personalmente y no puedo dejar mi fanatismo detrás. Quizás lo más flojo fue Steppenwolf como villano. Creo que no hacía falta que sea necesariamente un personaje 100% CGI, porque esto lastimó un poco su caracterización. Pero es un film que se enfoca en sus héroes, y no en los villanos. Steppenwolf es el medio para un fin, y nada más. Los parademons no son diferente de los chitauri en ese sentido, y no me sorprendería ver que en futuros films de DC la tecnología que dejaron atrás los soldados de Darkseid sirva para alimentar los planes malvados de personajes como Lex Luthor. Al final del día, ‘La Liga de la Justicia’ es una fiesta a la cual nadie debería faltar, sobretodo si sos fanático de DC como quien les escribe. Es divertida, tiene diálogos que son realmente memorables y sobretodo la química y dinámica de grupo que tienen estos héroes no tiene desperdicio. Si bien las dos horas de metraje se pasan volando, es de agradecer que podemos pasar este tiempo con los fundadores de lo que significaron los cómics a lo largo de los años. Marvel habrá llegado primero en cine gracias a Avengers, pero esto tampoco existiría sin la Liga de la Justicia, y al final, los que salimos ganando somos nosotros, los espectadores. Nota: 9.5 La primera incursión de la liga en el cine es rápida y explosiva, como una piña de superman. llena de diálogos y momentos que le van a tocar el corazón a más de un fan, este film de Snyder y Whedon significa también el reinicio de una franquicia y hoy más que nunca, como fan de Dc, no puedo esperar ver qué nos depara el futuro.
Charlize Theron sigue dando clases de como ser una gran heroína de acción, en su nuevo film de uno de los creadores de John Wick. A partir del éxito de John Wick y su esperada secuela, estamos viendo un resurgir del género de acción. Lejos quedaron los clones de Liam Neeson, y bienvenidos son las escenas adrenalínicas donde nuestros héroes combaten mano a mano, o como mucho con una pistola, en planos largos donde no se pierde el ritmo de la pelea en cortes bruscos de edición. Sumado a esto el protagonista, aun con su cara de enojado, derrocha carisma por todos lados. No con sonrisas y chistes, sino con la reacción ante las situaciones que les toca vivir. Son personas con problemas personales, que se despeinan en la lucha e incluso resultan heridos y con el ojo hinchado por los golpes. Y si bien se le puede adjudicar parte de este renacer a The Raid, es a Chad Stahelski y David Leitch a quienes tenemos que agradecer. Sobretodo este último por entregar la soberbia película que nos trae hoy a esta nota: Atomic Blonde. Lorraine Broughton, interpretada por Charlize Theron, es una agente del MI6 encargada de viajar a Berlín en plena guerra fría para retribuir una lista de agentes encubiertos e investigar la muerte de un compañero. En su camino, es recibida por otro espía llamado David Percival, encarnado por James McAvoy, quien lleva tiempo viviendo en la ciudad rusa y será su punto de contacto para llevar a cabo su misión. Contar algo más sobre el argumento es caer en territorio de spoilers. Atomic Blonde, basado en el comic The Coldest City, es una clásica historia de espionaje con vueltas de tuerca, personajes que no son lo que dicen ser y escenas de acción donde se pondrá a prueba la proeza de sus protagonistas. En las manos equivocadas podría haber acabado como un clon de Jason Bourne o, en el peor de los casos, como Agente Salt. Pero es la dirección de David Leitch la que resalta a este estreno con su ritmo desenfrenado y toque visual estilizado. El uso de la banda sonora pone el tono que va a tener Atomic Blonde a lo largo de su metraje. La guerra fría puso en Berlín un ambiente bajoneado, pero la música que Leitch usa en contraste de su ubicación crea un film con un color que pocas veces se vio. Las canciones no se usan exageradamente, como pasara con Suicide Squad, ni para marcar las personalidades de sus personajes, a lo Guardianes de la Galaxia. Todo lo contrario, los temas se usan para marcar un ritmo y un tono y acentúa las escenas de acción donde se luce Charlize Theron como agente del MI6. Sus coreografías son sublimes, con planos largos que dejan ver los segmentos sin problemas y disfrutar a pleno. Sobretodo en un plano secuencia que dura mucho más de lo que esperas, dirigido con un pulso maestro. Si esta escena no pasa como una de las mejores de la historia en materia del género, ciertamente tiene que hacerlo como una de las mejores del año. Realmente creo que Atomic Blonde no solo es una de las mejores películas del año, sino también de su género. Su ambientación, su música, las interpretaciones de cada uno de los actores y la perfecta dirección de Leitch, hacen de un film, que podría haber pasado desapercibido, una experiencia única. Si bien tiene algunos problemas por los diferentes nudos que presenta el argumento, pasan desapercibidos cuando estás disfrutando cada momento del film.
‘Ouija: El origen del mal’ era una receta para el desastre, y terminó siendo uno de los mejores estrenos de terror de este año. Luego del éxito que tuvo ‘Ouija’ en 2014, era cuestión de tiempo que una nueva entrega vea la luz del día. Y al ser producida tanto por Platinum Dunes y Blumhouse, no sorprende a nadie que haya sido así. La sorpresa para los fans del terror llegó en encargarle la dirección y guion a Mike Flanagan. Los que no sepan quien es, tiene en su haber las grandes obras de terror ‘Absentia’ y ‘Oculus’. Este año, aparte de esta precuela basada en el juego de mesa de Hasbro (Si, la ouija es un juego de mesa de los mismos que hacen muñecos de Transformers), Flanagan estrenó ‘Hush’ y ‘Somnia: Antes de despertar’, demostrando una vez más su capacidad como director. demostrando una vez más su capacidad como director. ‘Ouija: El origen del mal’ nos sitúa en 1967 en la ciudad de Los Ángeles, donde Alice Zander ejerce una profesión de telépata y médium ayudando a la gente a conectar con sus seres queridos en el más allá. Lo cierto es que Alice no solo cobra dinero por ello, sino que no posee poderes que la ayude a realizar esta tarea, usando la ayuda de sus dos hijas para hacer creer a la gente que están siendo visitados por almas del otro mundo. Si bien es una farsa lo que llevan a cabo, lo primero que queda en claro es que Alice y su familia no se aprovechan de la condición de tristeza que sufren los que acuden a ellas. En los primeros minutos de película, un padre y su hija salen tan asustados de la sesión que cuando ofrecen pagar a Alice por sus servicios ella rechaza el dinero. Este es el primer gran acierto del film de Flanagan, sus personajes son humanos y responden como tales. Alice realiza este trabajo como una forma de ayudar a las personas a dar cierre al duelo que causa perder a un ser amado. Ella lo entiende más que nadie porque no pudo despedirse de su esposo al fallecer. Es una farsa, si, pero si los que acuden a ella encuentran paz en su interior, quien dice que no es su deber ayudar a los demás a superar aquello que ella no puede. La película durante la mayoría de su duración nos hace conocer más a fondo a Alice, a Lina, la hija mayor y a Doris, la mas pequeña. No solo conocemos a los personajes y su entorno doméstico, sino que ni bien entra el tablero en la trama sirve como ayuda para ellas. Otra película habría caído en la tentación de mostrar demonios, el tablero haciendo estragos y muertes por doquier pero ‘Ouija: El origen del mal’ no solo no cae en trucos baratos o sustos gratuitos, sino que hace que nos preocupemos por los personajes. Son todos queribles, hasta la adolescente malhumorada. Y para cuando Doris cae poseída por una de las almas del otro mundo, nosotros como espectadores estamos adentrados en el viaje. A partir de este momento, Doris juega a ser médium, ayudando a las mismas personas que su madre intenta ayudar, pero cada una de estas sesiones va tomando su humanidad de a poco. Si bien hay excelentes manifestaciones del espíritu maligno que hace que nos ponga los pelos de punta, es la naturalidad con que Doris puede decir cosas como “Sabes como suena un cuello al estrangularlo?” lo que causa más terror. Otro de los grandes aciertos del film es su estética y fotografía. Mike Flanagan eligió, no solo que la película transcurra en los 60, sino que tenga el look de una película que podría haber sido estrenada en esa época, logo antiguo incluido. Flanagan no solo se puso el film al hombro sino que puso todo su esfuerzo en hacer una película que no caiga en “otra película más de la Ouija”. Este podría haber sido otro intento sin esfuerzo, de cobrar dinero por una noche de cita en el cine, pero se nota en cada fotograma el cuidado y el detalle al que este director tiene acostumbrados. Los que sean fans del film original o recuerden aunque sea el film, encontraran muchos guiños y el final ata los hilos de manera que todo cierre. Pero si hay más secuelas de este film, solo resta esperar que sean tratados con el mismo cariño que esta. ‘Ouija: El origen del mal’ es un posible clásico de culto, muchos incluso ignoran que es una secuela, y esto deja en evidencia cómo la película tiene sus propias raíces, donde hasta puede ser considerada como un reboot a la franquicia. Veremos que futuro le depara, solo esperemos que no caiga en la misma mediocridad que las demás películas de Hasbro.
Estamos en una época donde es seguro decir que todo puede suceder en el arte del entretenimiento, que Abraham Lincoln puede pelear contra vampiros o Jane Austen debe salvar su pellejo de una horda de zombies hambrientos. Entonces, ¿por qué no permitirle a Edgar Allan Poe perseguir a un asesino obsesionado con su obra? The Raven, dirigida por James McTeigue, ahonda la posibilidad de que el escritor haya fallecido tratando de resolver un misterio ocasionado por su oscura literatura. Si bien los asesinatos están algo tirados de los pelos para conseguir la relación con sus cuentos, se nota el respeto que tienen estos para con el personaje y sus macabros escritos. Quizás donde falle es en la interpretación de John Cusack como el gótico autor. No es que actúe mal y no le creamos en su representación, pero por momentos uno no puede evitar recordar a Nicolas Cage en su desenfreno. Y esto no es para nada un cumplido. Aun así, más de una vez el protagonista demostró que se puede poner una película al hombro y llevarla adelante él solo, y El Cuervo no es la excepción. Poe es el personaje más trabajado de todos los que vemos en el film, y aunque el interés romántico no esté tan acentuado durante la primera mitad, es este desarrollo el que hace que, hacia el final, a uno le importe como terminara la historia romántica del escritor y su amor prohibido. Después de Poe, el segundo mejor personaje de la película es Baltimore, la ciudad donde ocurren todos los hechos. El diseño de producción del film es impecable y, junto a The Woman in Black, este año no hay mejores exponentes de la era victoriana y gotica en la cual se desarrolla la historia. El resto de los detalles técnicos, como la música, cumplen con su cometido, pero aun así James McTeigue logra imprimirle ese look de comicbook que ha sabido desarrollar a lo largo de sus películas. Le va como anillo al dedo a esta historia, que bien podría haber sido sacada de la galera de Alan Moore. The Raven es una emocionante película de suspenso que nos pone en los últimos días de Edgar Allan Poe. Si bien tiene fallos, es cierto que tampoco busca cambiar la historia del cine. Se trata de entretenimiento puro donde, si tenemos la mente abierta para aceptar el concepto de un Poe investigador de crímenes, la vamos a pasar de lo mejor en la sala.
Las comedias adolescentes pasaron por una dura evolución desde el estreno de la primer American Pie. En estos casi 13 años de cambios, la comedia juvenil y sexual se fue convirtiendo de a poco en un humor burdo y bizarro. El ejemplo más reciente es The Hangover, donde el humor viene no solo de las secuencias imposibles que viven los protagonistas sino también de lo grotesco que la mayoría de estas resultan. Y por otro lado tenemos la escuela de Judd Apatow, donde la comedia es tratada con más suavidad dando paso también al drama, aunque en menor proporción. Entonces, ¿dónde entra una comedia como American Pie hoy en día?. La perfecta analogía de esto es el presenciar el regreso de una banda luego de mucho tiempo de no sacar un disco. Estos tienen que afrontar entonces al mercado musical actual (que cambia con más velocidad que el cine) de dos formas: adaptarse a los nuevos gustos musicales o ir por sus fans haciendo lo que mejor saben hacer y esperar que esto guste también a los novatos. American Pie: El reencuentro tomó esta ultima ruta y fue una decisión acertada desde el comienzo. Jim y sus amigos vuelven a juntarse ya siendo personas mayores, casados y con trabajos serios. Y al volver a su pueblo natal se topan con que las cosas cambiaron; ellos no son los adolescentes pervertidos y alocados, son los mayores que buscan sentirse jóvenes pero se molestan por las nuevas costumbres. Es normal ver entonces no solo bromas sexuales, sino bromas alrededor del uso de las redes sociales o los gustos actuales de los jóvenes en música y literatura. Todas estas bromas funcionan dentro de su contexto y van dirigidas sobretodo a aquellos que crecimos con estos personajes y pasamos por todas sus aventuras. El espectador que maduró junto a ellos se hace las mismas preguntas que los personajes, dando así mas fuerza a la historia y a cada situación que Jim y compañía viven. American Pie: El Reencuentro no es una obra maestra de la comedia, pero sí es una oda a los jóvenes que crecimos en los noventa, a aquellos que tuvimos dudas y pasamos por los mismos momentos que ellos. Y al final del día solo trata de hacer que recuerdes tus raíces. Suena muy profundo para una comedia como American Pie, pero es totalmente válido. Cuando ves una sala llena de treinteañeros llorando de risa, adolescentes descostillándose al darse cuenta de lo ridículos que son como sus representaciones en la película, o los más grandes riendo como locos porque recuerdan a sus hijos en estas situaciones; eso pasa cuando la película cumple su cometido, y American Pie: El reencuentro lo cumple con creces.
Tengo la creencia de que las críticas pueden ser totalmente objetivas desde el punto de vista de análisis, siendo solo su puntaje y recomendación la parte subjetiva. Pero esta vez no puedo mantenerme dentro de esos límites por una simple razón: la saga de Plaga Zombie es una parte importante de mi vida, la cual me llevó a decidirme a ser un cineasta. La primera de ellas, un proyecto que realizó un grupo de jóvenes de 18 años, fue una sorpresa para el cine de género en Argentina. Este conjunto, que se denominaría Farsa Producciones, logró algo que parecía imposible para la época: llevar una épica historia de terror y fantasía a grandes proporciones de forma barata y divertida. Así, con casi nada de presupuesto, y editando en cámara, la primera Plaga Zombie se convirtió en un clásico de culto. Un punto de referencia para la producción nacional desde el cual se puede empezar a hablar de cine de género fantástico en el país. Unos años después surge Plaga Zombie: Zona Mutante, la segunda parte de esta epopeya. Farsa entonces demuestra todo lo que ha cosechado luego de los estudios tanto en cine como en la producción de sus videoclips. La acción es mayor y el despliegue visual es diez veces más importante que en la anterior oportunidad. Un nuevo clásico de género había nacido en Argentina. Luego de ver estas dos películas comprendí que había potencial en nuestro país para hacer un cine diferente, por ende les tengo un afecto muy grande por todo lo que me enseñaron en su momento. El pasado 30 de marzo entonces llegó el día del final de la saga. Luego de 11 años, se estrena la última parte de la serie Plaga Zombie con el subtitulo Revolución Tóxica. En esta ocasión ya estamos plenamente conscientes de que la invasión es, en realidad, de extraterrestres y que el FBI es conocedor de todo esto. Es el trabajo de Bill, Max y John introducir a un muerto vivo lleno de explosivos (llamado el zombie de Troya) dentro de la nave madre para destruirla. Pero no todo es tan fácil pues esta entrega verá a sus protagonistas en su momento más débil. John West, famoso luchador, ahora duda de su fuerza y valentía, mostrando una faceta mas humana que en las anteriores películas. Max se encariña con su "zombie de Troya" llamado Junior, algo que complica aún más la misión. Y Bill debe mostrar su valor y astucia frente a peligros que jamás se había topado en el pasado. Plaga Zombie: Revolución Tóxica tiene un ritmo frenético. Su hora y media de duración pasa volando entre agitadas escenas de acción, diálogos hilarantes, momentos sin sentido y un musical gratuito que es el punto más alto de la película. Tiene algunos fallos como la presentación de un personaje al comienzo del film que no posee peso alguno, así como la idea de que el FBI está infiltrado por robots alienígenas, algo que no se expande en lo más mínimo, problemas que, no obstante, no hacen que uno pierda la línea general del argumento. Farsa esta vez puso toda la carne al asador, pues visualmente es impactante. Muestra así que con solo una porción de lo que cuesta una película como El Secreto de sus ojos se puede hacer un film lleno de efectos visuales y perfectas coreografías. No bastan las referencias cinéfilas sino que también encontramos muchas de ellas para los cómics y videojuegos, algo que se ve acentuado con una paleta de colores tan fuerte y vivaz que de momentos hace pensar que uno está en presencia de una historieta en pantalla. De a ratos el apartado sonoro se pierde con algunos sonidos que están fuera de lugar o que por momentos son inexistentes, pero esto se ve compensado con una increíble banda sonora realizada por Pablo Vostrouski que acompaña magistralmente cada momento del film. En conclusión, Plaga Zombie: Revolución Tóxica es, por lejos, la mejor de la serie. Los héroes de la película, estos tres amigos, son héroes de cómic, héroes de videojuegos, héroes cinematográficos. Son también, junto al equipo de producción, héroes dentro del cine en Argentina. Gracias a ellos, tanto yo, como muchos otros cineastas en el país, podemos ver que hay formas de hacer cine de género. Solo hay que tener el coraje y las ganas de hacerlo, no importa lo que digan o los límites que impongan. A Farsa Producciones esto nunca le importó, y por ello hoy son referencia en nuestra industria cinematográfica.
La mejor forma de definir A Dangerous Method es comparándola con una película de acción directo a DVD, o peor aún, una de terror hecha para televisión. Si perteneciera a este tipo de géneros jamás habría visto una salida en cine, pero al estar dirigida por el maestro David Cronenberg y contar con un interesante elenco, no podía pasar sin tener un lanzamiento en la gran pantalla. ¿Qué tiene en común entonces con este tipo de géneros directo al mercado hogareño? A Dangerous Method es una propuesta fría, con actuaciones que no sobresalen de ninguna manera. Ningún personaje cambia en el transcurso de la trama, no hay ninguna emoción, hasta hay una participación especial de Viggo Mortensen que sirve más para vender la película que como recurso argumental. La premisa de presentar una lucha intelectual entre dos de los psicólogos mas importantes de nuestra generación, y las consecuencias que sus formas de pensar acarrean, tiene el potencial para ser una película impactante. Pero no ha sido así. Uno siente que la famosa charla entre Jung y Freud se transfiere de una escena de la película a todo el ritmo que esta lleva. Con tan solo 100 minutos de metraje, la narración que lleva Cronenberg hace sentir a uno que ha pasado 13 horas viendo su último film. No ayudan tampoco las actuaciones de sus protagonistas. Michael Fassbender se encuentra muy bien como Jung, pero mientras avanza la historia uno espera que la liberación de sus instintos lleve a este especialista hacia un punto sin retorno de violencia. Algo como lo que se pudo ver en el pasado en A History of Violence, del mismo director. Y los ingredientes estaban servidos. Jung pasaría de ser un hombre de familia para cumplir sus más oscuros deseos e instintos, pero cada secuencia de liberación sexual es fría. Un pecado para escenas donde lo vemos a Fassbender dándole nalgadas a Keira Knightley en paños menores. Esto nos lleva al punto mas bajo de la cinta, ya que la actuación femenina es risoria. Su interpretación de una persona con una enfermedad mental y maniática es, quizás, una de las actuaciones mas ridículas que vi en mucho tiempo. Y en el momento en que su personaje se vuelve mas serio gracias al método de curación de Jung, su trabajo solo empeora más. Puntos extras para David Cronenberg que no solo logro sacarle una pésima actuación, sino también que se vea como una mujer horrible sin necesidad de maquillaje alguno. Desde el punto de vista técnico es correcta, pero no sobresale. La ambientación de la época y la fotografía están bien, pero como el resto del film es tan frío, uno no puede sentir que realmente influya en algo los grandes paisajes que se ven. ¿Y Viggo Mortensen? Aparece en alguna que otra escena para comentar algo, y no deja de ser eso. No se deja de sentir como una aparición especial para atraer mas publico al cine. David Cronenberg es un gran director con excelentes joyas en su currículo. A history of violence, The Fly, Eastern Promises, son películas que han tratado la transformación de un personaje, física o mentalmente, de una forma más efectiva. Uno sentía que estaba cambiando toda la cinta, acorde el personaje se dejaba llevar por sus instintos. A Dangerous method no hace nada de eso, así como empieza el film, termina. Si fuera una película dirigida al mercado del DVD, seria más recomendable. Pero al ser un largometraje con tantos talentos por detrás, es un desperdicio de recursos.
Underworld Awakening representa el regreso oficial de Kate Beckinsale como la vampiro Selene en su lucha contra los licántropos. Si bien la precuela Rise of the Lycans, que contaba como comenzó la guerra entre estos y los vampiros, no tiene tanto tiempo, han pasado muchos años desde Underworld Evolution. Entonces, si hay algo que no se puede reprochar a esta nueva entrega es la sobredosis de este personaje, quien se hace presente en casi todas las escenas de la película, más violenta que nunca. Cabe aclarar desde el comienzo que no se trata de una película filosófica sobre la pelea entre razas. No va a cambiar la forma de hacer cine y no pretende ser una obra artística con alto contenido social. Es una película pochoclera en su estado más puro. Tanto así que de los 90 minutos que la componen, 20 estarán dedicados a presentar el "argumento" y los 70 restantes para la acción pura y dura sin un segundo de respiro. Lejos de resultar en un tedio, hace lo contrario, ya que cada secuencia de acción está bien planificada para sacarle el jugo a las habilidades de Selene, de su hija y a los malos de turno. A su vez, la acción y la violencia se ven incrementadas para sumar espectacularidad con el efecto 3D. No tiene sentido entonces hablar sobre historia, porque en definitiva no se aspira a eso. Las interpretaciones son correctas en general, destacando a su protagonista. A pesar de ser un personaje gélido en cuanto a emociones en pantalla, posee tanto carisma hoy como en la primera, allá por el 2003. Todo esto presentado con una estética fría, por la sobredosis de color azul en su fotografía. Con la idea de mostrar un mundo todavía más estéril que el de las anteriores entregas, esto funciona de maravilla con la construcción del ambiente. Los efectos especiales es otro campo donde esta vez el film se luce por sobre todo. Los lycans jamás se vieron tan bien y las escenas de lucha entre criaturas, donde se tiran con todo (hasta con autos y vagonetas), no podrían haber sido posibles si no fuera gracias a la ayuda del digital. Es necesario destacar también el cuidado y la atención sobre los efectos de sonidos, tanto en las peleas como con cada elemento que interviene. Esto hace que la sangre de uno se eleve en cada tiroteo y combate como si participara de la secuencia misma. Underworld Awakening cumple con creces su objetivo. Es un espectáculo que entrega durante casi todo su metraje logradas y originales escenas de acción. Si se busca profundidad o realismo en la película, están en el film equivocado. Este es sobre vampiros poderosos, hombres lobos ultraviolentos y humanos en guerra con ambas especies para preservar el futuro de la raza.
El género del falso documental o archivo encontrado está sufriendo una saturación; tanta película que usa este recurso para atraer a espectadores crédulos, puede llegar a cansar. Chronicle, no obstante, sabe como aprovecharlo al máximo y darle a su vez una vuelta de tuerca única, lo cual se hace posible gracias a su historia. Andrew es el típico perdedor de la secundaria que todos ignoran y molestan. Un día decide usar una cámara para filmar todo lo que pase a su alrededor, como una barrera ante la sociedad. Él, su primo y un amigo, se topan con un cristal misterioso que les concede poderes. Los tres protagonistas deciden entonces divertirse con esta nueva habilidad, hasta que uno de ellos pierde el control y debe ser detenido. Si bien el concepto no es único, lo es su forma de verlo. Son personajes con poderes, pero no hay ningún superhéroe o villano, solo seres conflictuados que deben lidiar con estas nuevas habilidades y a su vez vivir el día a día entre familia y con sus pares. El recurso de "archivo filmado encontrado" está ligado en parte a la obsesión de Andrew por las cámaras. Gracias a sus poderes es capaz de manipular las mismas para que las tomas se filmen "solas", sin necesidad de un camarógrafo. Este hecho, sumado a que cualquier dispositivo que hay en escena sirve de excusa para narrar la historia, hace que el visionado de la película sea muy llevadero. Por otro lado, uno termina de simpatizar con los protagonistas gracias a sus decisiones tras tener los poderes. El motivo de la película es "¿Qué harías si tuvieras poderes?", y en el cierre uno toma conciencia de que eso es exactamente lo que se trataría de hacer. Porque son decisiones humanas y no hay ninguna deidad ni extraterrestre que les diga qué es el bien o el mal. Ellos solo responden acorde a las situaciones que van viviendo. De esta forma, Chronicle es un vistazo refrescante tanto al found footage como al cine de acción. Es un film que trata sobre sus personajes, cómo deben lidiar con esto y como todo los afecta. Excepto una escena muy bien planeada y ejecutada, la película solo se centra en Andrew, sus amigos y el viaje que les trae por delante estas habilidades. Y esto es lo que la hace una película tan poética como excitante.