“Terminator: Destino oculto”, de Tim Miller Por Jorge Bernárdez Que cada cierto período de tiempo regrese Terminator ya dejó de ser novedad, pero que vuelva Sarah Connor ya es otra cosa. Cuando en 1984 se estrenó Terminator, el mundo se enteró de la existencia de James Cameron, que irrumpió con una historia que hablaba de un futuro siniestro en el que las máquinas tomaban el poder y sometían a la humanidad. El Terminator del titulo llegaba del futuro para matar a Sarah Connor porque ella iba a ser la madre de John, el héroe de la insurrección contra las máquinas, pero en paralelo, llegaba un soldado a defender a Sarah. En un final arrollador, ambos mueren mientras que Sarah escapa con un bebé en su vientre. Aquella película tenía un guión muy bueno pero una producción más bien chica, pero siete años después Cameron ya era una estrella de Hollywood y Arnold Shwarzenneger también, así que la segunda parte traía de nuevo a Sarah Connor, había más plata para producir, así que el nuevo ciborg tomaba diferentes aspectos y que de repente aparecía con forma de metal líquido. También volvía el Terminator de antes, pero en plan amigo para defender a Sarah y a su hijo. Después de aquellos dos títulos vinieron diferentes secuelas se vieron las distintas versiones de John Connor, pero nada estuba del todo bien, por lo que esa inflación de historias sobre el mítico hérore de la resistencia humana devaluó a la saga más que el peso argentino. Lo cierto es que estos vaivenes se supone que terminaron porque la franquicia fue en busca de James Cameron, el creador de la historia, para ver si podía encontrar una forma de revivirla. Lo primero que exige el nuevo relato es que nos olvidemos de las diferentes versiones de John Connor y que volvamos a los días posteriores del final de la segunda película. Después de borrar de un plumazo las distintas partes de la historia filmada desde 1991, la acción se ubica 2019. La historia de la rebelión de las máquinas no se produjo, pero aparece un T-800 en el distrito Federal de México para cargarse a una trabajadora de nombre Daniela Ramos (Natalia Reyes), que de entrada es rescatada por otro modelo de terminator, que después se devela que en verdad es una humana mejorada que interpreta Mackenzie Davis. Tanto Daniela como la salvadora logran escapar del nuevo modelo de ciborg gracias a que aparece Sarah Connor. Se arma un trío de sororas y se plasma un nuevo bucle temporal, pero se sabe, todas las historias con temas temporales terminan creando paradojas de distinta clase. El trío escapa y termina uniéndose con el Terminator versión original, es decir, con Arnold Schwarzenegger. Terminator: Destino oculto refunda la saga, rescata para ella cierta épica y termina siendo un enorme “fan service” para el seguidor original de la historia. Separa la paja del trigo, hace justicia con Linda Hamilton y divierte, porque el director elegido es Tim Miller (Dead pool), que se toma muy en serio el asunto de filmar acción y violencia. Todos los problemas de la película se pueden pasar por alto gracias a las escenas de acción, pese a que sobre el final desbarranca un poco por algunas exageraciones. Si la intención era que el espectador hiciera las paces con una historia demasiado baqueteada, Terminator: Destino oculto lo logra. Misión cumplida, hasta la vista Baby! TERMINATOR: DESTINO OCULTO Terminator: Dark Fate. Estados Unidos/China, 2019. Dirección: Tim Miller. Guión: David S. Goyer, Justin Rhodes y Billy Ray. Elenco: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabriel Luna, Diego Boneta, Steven Cree, Enrique Arce, Tom Hopper, Brett Azar. Producción: James Cameron y David Ellison. Distribuidora: Fox. Duración: 128 minutos.
“Zombieland: Tiro de gracia”, de Ruben Fleischer Por Jorge Bernárdez Reglas para la lucha contra los zombies 1- Cardio 2- Matar y rematar 3- Cuidado con los baños 4- Usa cinturón de seguridad En 2009 se estrenó Zombieland, una historia en un mundo post apocalíptico donde una derivación del mal de la “vaca loca” terminaba con la raza humana -al menos con una parte de ella-, con un elenco que funcionaba muy bien, una comedia donde el tema de los zombies era abordado con mucha gracia. Reglas para la lucha contra los zombies 6- Sartén de hierro fundido 7- Viajar ligero. Este ítem además de hablar de que no conviene viajar con muchas cosas, implica que hay que viajar solo. En aquella película quedaba establecido un grupo formado por Columbus (Jesse Eisemberg), Tallahasee (Woody Harrelson), Wichita/Cristal (Emma Stone) y Little Rock (Abiugail Bresslin), en el camino quedó el mismísimo Bill Murray. La película constituyó un éxito inesperado y Hollywood, que no está para desaprovechar posibles franquicias, obviamente llegó Zombieland 2. Pasó el tiempo y los que entonces eran actores en ascenso hoy son estrellas, pero por suerte la película no pierde el sentido del humor y la frescura de aquella se mantiene en esta segunda parte. Reglas para la lucha contra los zombies 22- Por tu vida asegura la salida 33- La navaja suiza 48- Higiene El grupo resistente ocupa lo que fue la Casa Blanca y por clasificarlo de alguna manera, está aburguesado, están en lo que uno podría decir es una zona de confort, dentro de lo que puede ser confortable en un mundo post apocalíptico, pero el ser humano es inconfomista y Columbus le propone casamiento a Wichita, que lo rechaza para terminar huyendo del lugar con Little Rock, que es la más joven y siente que necesita aventuras y un novio. Nuestros héroes vuelven a la ruta, se cruzan con Rosario Dawson y llegan a una especie de comunidad hippie, donde Little Rock se consiguió un novio que toca la guitarra. Hippies en el medio de una hecatombe zombie, nada puede salir mal. Zombieland 2 respeta la original, mantiene el humor, se burla de otras historias con zombies y los protagonista se divierten y divierten al público. ZOMBIELAND: TIRO DE GRACIA Zombieland: Double Tap. Estados Unidos, 2019. Dirección: Ruben Fleischer. Guión: Paul Wernick, Rhett Reese y Dave Callaham. Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, Rosario Dawson, Zoey Deutch, Luke Wilson, Thomas Middleditch, Avan Jogia, Bill Murray. Producción: Gavin Polone. Distribuidora: UIP. Duración: 99 minutos.
“Maléfica: Dueña del mal”, de Joachim Rønning Por Hugo F. Sanchez Ya pasaron tres años desde que supimos de la existencia de Maléfica, la bruja más mala de todas y su protegida/ahijada Aurora. Lo que pasó en la película anterior es que Maléfica no era tan mala y el problema es que se trataba de una incomprendida. Para qué volver sobre un personaje que no es lo que nos dijeron que era no se entiende, pero no es lo único que cuesta entender, aunque claro, siempre está el interés monetario. Pero basta de dar vueltas sin decir nada, vamos al centro de todo aunque a no hacerse ilusiones, en el centro no hay nada. Aurora es la reina de El páramo, que es un territorio vecino a un reino donde viven humanos. El páramo está habitado por un montón de seres mágicos de todo tipo, hadas, hongos vivientes, arboles que caminan -que parecen sacados de El señor de los anillos- y otros bicharracos. Todo parece sacado de otro lado pero está todo bien, tampoco nos vamos a poner tan exquisitos. Aurora (Elle Fanning) es la típica reina de los cuentos que camina por su reino acompañado de todos esos seres mágicos, pero llega el momento de que se una al príncipe del reino que decidió pedir su mano. Maléfica (Angelina Jolie) no está muy convencida pero menos convencida está su posible consuegra la Reina Ingris (Michelle Pfeiffer), que es más mala que la peste. Ingrid está casada por necesidad con el Rey y le permite al hijo casarse con Aurora con la intención de apoderarse de ella, pero Maléfica se da cuenta y se opone a que se produzca el enlace. Y así es como se pudre todo y se produce la guerra entre el reino, el páramo y unos seres alados y con cuernos que son la familia de Maléfica. Todo es confuso y nada tiene mucho sentido, triunfa el amor pero pierde el cine. Y colorín colorado está crítica se ha terminado. MALÉFICA: DUEÑA DEL MAL Maleficent: Mistress of Evil. Estados Unidos/Reino Unido, 2019. Dirección: Joachim Rønning. Guión: Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue. Elenco: Angelina Jolie, Elle Fanning, Harris Dickinson, Michelle Pfeiffer, Sam Riley, Chiwetel Ejiofor, Ed Skrein, Robert Lindsay, David Gyasi, Jenn Murray. Producción: Angelina Jolie, Duncan Henderson y Joe Roth. Distribuidora: Buena Vista. Duración: 118 minutos.
“¿Dónde estás, Bernadette?”, de Richard Linklater Por Jorge Bernárdez ¿Por que tendremos que ir tan lejos para estar acá? Charly García Bernadette Fox (Cate Blanchett) fue una arquitecta famosa, disruptiva y con una mirada original. Si escuela arquitectónica se basaba más en solucionar problemas que en la mirada formal de la cosa. Escribo en tiempo pasado por que al momento de empezar la historia está alejada de la vida profesional y dedicada plenamente a su hija. Bernadette es de una intensidad arrolladora, su familia está formada por una hija que pinta ser al menos tan genial e inquieta como la madre y el esposo de Bernadette, que es un genio que creó un programa que hizo que Microsoft lo contratara. Los tres viven en Seattle en una casa antigua derruida que se encuentra en arreglos, al menos eso piensa el espectador pese a que nunca se ve a nadie trabajando en la reconstrucción de la vivienda familiar. La vida social de Bernadette está ocupada por las actividades curriculares e incluso por las extra curriculares de la hija y por una actividad llena de problemas de gente acomodada que se preocupa de los males del mundo pero no ve los males que están dentro de sus propios hogares. Bernadette se consiguió un gran alivio personal, Manjula, una asistente de Nueva Delhi con la que se comunica a través de una aplicación de su celular, la chica asiste en todo, le hace compras por internet y así pasan los días de esta gente de Seattle, entre almuerzos solidarios y planes de viajes. Justo en el momento en que el espectador se empieza a preguntar porqué debería importarle lo que le pasa a Bernadette y a toda es gente, aparecen los detalles que dejan ver que nada es tan perfecto, que las relaciones de todo ese grupo de colegios privados y empleos en la cúpula del sistema no es mucho mejor que lo que pasa en cualquier otro lado y que ni Manjula, la asistente a distancia de Bernadette, es lo que parece. Linklater se apoya para contar la historia en el histrionismo de Cate Blanchett, pero no es ella el único sostén de esta película, porque allí están Kristen Wiig y Billy Cudrup como pilares de todo además y sobre Emma Nelson que hace de la hija de Bernadette Es la primera vez que Linklater toma una novela y la vuelve propia para contar de modo ágil el aparente, el desmoronamiento de una persona, logrando mantener el equilibrio entre la comedia y el drama en su punto justo. Bernadette y su esposo organizan un viaje a la Antártida para estar con su hija antes de que entre al colegio internado que eligió y es ahí donde todo estalla y la película se transforma en el viaje de Bernadette buscando su identidad, mientras su esposo y la hija la buscan en lugares remotos de la Antártida. ¿Dónde estás Bernadette? arranca como comedia, bordea el drama y se acomoda en un espacio intermedio para hablar de cómo en un mundo que parece perfecto también anidan el vacío y la decepción. Bernadette perdió el camino y la familia junto a ella, trata de encontrar un camino propio lejos de las exigencias de la sociedad careta en la que viven al comienzo de la historia. ¿DÓNDE ESTÁS, BERNADETTE? Where’d You Go, Bernadette? Estados Unidos, 2019. Dirección: Richard Linklater. Guión: Richard Linklater, Holly Gent y Vincent Palmo. Elenco: Cate Blanchett, Emma Nelson, Kristen Wiig, Steve Zahn, Judy Greer, Laurence Fishburne, Troian Bellisario, Billy Crudup, Claudia Doumit, Jóhannes Haukur Jóhannesson. Producción: Megan Ellison, Nina Jacobson, Brad Simpson y Ginger Sledge. Distribuidora: Digicine. Duración: 109 minutos.
“Rambo: Last Blood”, de Adrian Grunberg Por Jorge Bernárdez John Rambo volvió a su hogar hace unos ocho años, después de haber pasado por distintas situaciones desde aquella primera película, en la que era un perturbado ex combatiente de Vietnam sembraba el caos en un pueblito de los Estados unidos por el que apenas pretendía pasar. Tras ese incidente que dejó al lugar derruido y algunos integrantes de la fuerzas de seguridad abatidos por el comando -creado por David Morrell para la novela “Primer sangre”-, la historia de Rambo tuvo un cambio y pasó a trabajar de manera encubierta para su superior en la guerra. Así volvió a Vietnam para rescatar prisioneros y ganar él solo la guerra que los cobardes políticos empujados por los pacifistas y un montón de gente sin empuje habían perdido. Después estuvo por el conflicto de Medio Oriente apoyando los luchadores por la libertad en contra de la Unión soviética que años después conoceríamos en la vida real como ISIS, bueno no se puede estar en todo y John no era de leer mucho sobre política internacional. Luego estuvo en un monasterio oficiando de monje shaolin o algo así. En la cuarta película, lo vimos entrar a territorio hostil para rescatar un grupo de voluntario pacifistas y después de dejar un reguero de sangre y destrucción, el héroe daba la media vuelta y se iba al rancho de la familia. Así llegamos al quinto episodio de la saga que llegó a las salas argentinas y que nos muestra a un Rambo integrado a su comudidad y que es capaz de sacrificarse en el medio de una tormenta espantosa para rescatar gente. Bueno no todos pueden ser rescatados y eso se ve en los primeros minutos, pero si vas a morir en una tormenta lo mejor es que sea John Rambo el que intente rescatarte. El asunto es que el muchachote vive en esa finca familiar junto a la señora que lo ayudaba al padre y la nieta de esta. Los tres han conformado un grupo familiar a su estilo y Rambo ha ocupado el lugar del padre de la chica, un padre un poco a la antigua y algo bestial pero aun padre al fin, uno mejor que el padre real que la abandonó y no quiere saber nada de nada de Gabrielle. Al rato de empezada la película, veinte minutos en los que no pasa demasiado, Gabrielle les tira a Rambo y a la abuela que se va a México, que una amiga que se fue para allá dice que vio al padre y que la puede conectar con él. La abuela pone el grito en el cielo y le dice que la amiga esa es una buena para nada, Rambo le recuerda que el padre es un delincuente y la chiquilina parece entrar en razones, pero por suerte para todos y sobre todo para el espectador que ya empieza a bostezar viendo al nuevo Rambo bucólico la borrega se va a México. Por supuesto las advertencias eran certeras y la chica en México es traicionada por la amiga que la vende a un grupo narco que recluta mujeres para hacerlas trabajar en sus piringundines o vendiendo drogas o las dos cosas. La abuela se inquieta, Rambo se calienta y se va para México, y una vez en territorio enemigo encuentra a una periodista independiente interpretada por Paz Vega (una actriz española que hace de mexicana) y le logra saca algo de información, pero no importa mucho porque la periodista está nada más que para ayudarlo una vez que los narcos lo muelan a palos. La banda está comandada por dos hermano muy malos interpretados por dos actores… españoles (¿?). Rambo es aporreado pero igual rescata a Gabrielle luego romper varias extremidades y de matar a varios narcos. Vuelve al rancho pero sabe que no los van a dejar tranquilo y en lugar de quedarse en Mexico tomando tequila, vendiendo droga y teniendo orgías con las mujeres prisioneras en sus prostíbulos, deciden ir a Estados Unidos para vengarse de haber perdido una prisionera. Rambo arma en uno túneles que tiene en su finca -túneles muy onda vietcong- y entonces llegan los narcos y empieza una verdadera orgía de sangre, con cráneos partidos al medio, machetazos, tiros y explosiones. Rambo Last Blood está lejos de ser la mejor de las cinco películas de la saga pero tampoco es el desastre que los flojos que comentan cine en otros países están diciendo que es. Para los que siguen a Rambo desde el principio en que terminaba gimoteando y largando mocos, hasta esta etapa hogareña en el siglo XXI, esta entrega dura menos de 90 minutos y muestra a un Stallone que sabe de que se trata Rambo: violencia, algo de patriotismo rancio, un poco de racismo pero todo eso aplicado a una buena causa. Si les gusta este cóctel que Stallone agita y sirve desde los ochenta, no se pierdan esta entrega, que quizás sea la última aunque eso no queda muy claro. Una cosa más, no se levanten de la butaca hasta el final. RAMBO: LAST BLOOD Rambo: Last Blood. Estados Unidos, 2019. Dirección: Adrian Grunberg. Guión: Sylvester Stallone y Matthew Cirulnick. Elenco: Sylvester Stallone, Paz Vega, Yvette Monreal, Óscar Jaenada, Sergio Peris-Mencheta, Adriana Barraza, Louis Mandylor, Joaquín Cosio, Sheila Shah, Jessica Madsen. Producción: Les Weldon, Steven Paul, Kevin King Templeton, Yariv Lerner y Avi Lerner. Distribuidora: BF + París Films. Duración: 101 minutos.
“The Unicorn”, de Isabelle Dupuis y Tim Geraghty Por Jorge Bernárdez Peter Grudzien grabó en 1974 el primer disco counttry- gay de la historia. El trabajo hoy es una rareza y el cantante y compositor es el protagonista de un documental que toma el nombre de aquel disco, pero que es mucho más que el documental sobre la grabación de ese disco. Las imágenes de una Marcha del Orgullo Gay con cowboys de shorts y torsos desnudos que celebran, pueden resultar una sorpresa, pero cuando alguien le pregunta a Grudzein como fue presentarse en Nashville siendo un cantante country homosexual y el músico se encoge de hombros y dice que para él ahí todos eran gays. Una vez que deja atrás el hecho artístico, el documental de Isabelle Dupuis y Tim Geraghty se mete de lleno en la intimidad de Grudzien, un grupo familiar que en 2005 estaba formado por el padre de casi cien años y la hermana gemela del músico. Tanto Peter como la hermana pasaron por internaciones psiquiátricas y ambos aparecen recuperados pero con huellas inocultables de esa experiencia. La historia de Peter Grudzein es una de esas que permanecen ocultas y que vale la pena sacar a la luz. Grudzein es casi un desconocido, a pesar de haber escrito 900 canciones y grabado un disco inusual reconocido por muchos críticos que llegaron a ponerlo a la altura de la Velvet Underground nada menos. Un documental verdaderamente inusual y conmovedor. Fue una de las sorpresas de la última edición del Bafici, en donde ganó la Competencia Internacional. Los que la vimos nos sorprendimos bastante con esa historia extraña y oculta que ahora llega a la Sala Lugones. THE UNICORN The Unicorn. Estados Unidos, 2018. Dirección: Isabelle Dupuis y Tim Geraghty. Edición: Tim Geraghty. Distribuidora: Cinetren. Duración: 92 minutos.
“Guasón”, de Todd Phillips Por Jorge Bernárdez - Cuenta Todd Phillips que llevó el proyecto de una película sobre el Joker a la Warner, cuando hace un par de años se encontró que no había forma de escribir comedia sin que algún grupo social no se sintiera ofendido. Ahora con su película sobre el mejor villano del universo de Batman ya estrenada, Phillips dice en cuanto reportaje le hacen que la comedia está muerta. Habrá que agradecerle a los asesinos de la comedia entonces por empujar al director de la serie de películas que nacieron en Qué pasó ayera encarar una película feroz llamada Joker, que en Argentina no podía llamarse más que Guasón. Joaquin Phoenix es el socio indispensable de Phillips, ambos crearon a este Joker que no tendrá secuelas, que pertenece al universo de DC, pero no tanto. De hecho, este Joker no está pensado para compartir pantalla con el que se supone es su principal enemigo, es decir Batman. Muchos creen que nunca hubo explicaciones sobre el origen del personaje, pero la realidad es que existe un comic que puede tomarse como la base de esta película, aunque es apenas un esbozo de lo que se ve en pantalla. Así que acá estamos, parados casi frente a la nada, con un esbozo de personaje que nace de la triste historia de un comediante al que nadie le presta atención y no mucho más. Los primeros y desconcertantes minutos de la película sirven para mostrar al solitario y desagradable Arthur Fleck. Es una persona que nos incomoda a todos, a los que estamos en la butaca del cine y a los que comparten su vida diaria. Para los que vemos la película la incomodidad se vuelve más angustiaste a medida que vamos conociendo al patético personaje que trata de hacer reír, cuando lo único que puede provocar es un rechazo casi visceral. Uno trata de sentir empatía por Arthur porque lo ve vivir con su madre que claramente tiene algún desequilibrio y lo ve entregar una tarjeta donde explica su complicada enfermedad psiquiátrica, que lo hace reír en situaciones donde no debería. La risa de Arthur parece un llanto y su sonido provoca lo que provoca pasar las uñas sobre un pizarrón, por poner un ejemplo. Arthur y su madre dependen de la asistencia pública pero la ciudad está pasando por un mal momento económico, así que la servicios penden de un hilo, es más, a los pocos minutos una asistente social que lo recibe periódicamente le dice que no vaya más porque el gobierno de Ciudad Gótica suspendió todos los programas sociales a gente como Arthur y su madre, además de echar a la asistente social porque a los poderosos de la ciudad no les importa nada de esa gente que está fuera del sistema. Arthur es una bomba de tiempo, pocos se dan cuenta de eso y por eso tiran de la cuerda. Guasón entonces es bella pero y a la vez incómoda, Phoenix crea un personaje al que no se le puede sacar la mirada de encima, su cuerpo se ve golpeado, esmirriado, lacerado, su cara parece una máscara de goma. Sus actitudes son mal entendidas y reciben rechazo. Todo conspira contra Arthur hasta su admirado Murray Franklin (Robert de Niro), un presentador de televisión al estilo de Johnny Carson que lo convoca a su programa para verlo hacer su rutina. La bomba se va armando y finalmente va a explotar en una noche descontrolada que hará estallar Ciudad Gótica a la manera de un Big Bang que creará todo un nuevo universo. Volvamos a lo de la belleza y la incomodidad de Guasón. El elenco es sólido, la puesta en escena y la dirección de arte son perfectas, las referencias cinéfilas se disparan en direcciones imprevisibles (con base en Taxi Driver y El rey de la comedia, ambas de Martin Scorsese), la música combina temas clásicos con una banda de sonido plena de distorsión que junto a la fotografía con una técnica propia de un corresponsal de guerra, hace que por más cómoda que sea la butaca de la sala el espectador nunca se sienta distendido. Todd Phillips se puso en el centro de la controversia con un relato que pone muy nerviosos a unos cuantos, dejó la comedia pero resulta que también se puede incomodar contando de cierta forma la historia de un villano de historietas. Es que en Guasónconviven ese universo de historieta con un mundo violento que se parece demasiado al mundo real. Mientras nos metemos en la vida de este personaje mítico, vemos a la sociedad actual, una actualidad opaca y sórdida en que los que gobiernan cortan los servicios sociales porque no les importa nada de los gobernados -son fundamentales detalles como el peinado de un candidato a alcalde que se parece llamativamente al de Donald Trump- y donde todo pende de un hilo porque un don nadie puede estallar al punto de borrar todo lo conocido. Mientras se ve alGuasón, es inevitable que en algún callejón o en un barrio del Gran Buenos Aires cualquiera puede estar recibiendo la noticia que lo haga estallar o al que lo estén golpeando de tal manera que lejos de quebrarlo le estén poniendo el percutor que lo hará estallar.Guasónes la película que anuncia que anda por ahí una bomba cuyo reloj ya empezó a hacer tic tac. Y eso es inquietante. GUASÓN Joker. Estados Unidos, 2019. Dirección: Todd Phillips. Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz, Brett Cullen, Brian Tyree Henry, Marc Maron, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge y Sharon Washington. Guion: Todd Phillips y Scott Silver. Fotografía: Lawrence Sher. Edición: Jeff Groth. Música: Hildur Gudnadóttir. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 122 minutos. Apta para mayores de 16 años.
“Así habló el cambista”, de Federico Veiroj Por Jorge Bernárdez Los cambistas somos el origen de todos los males”, dice el protagonista de la última película de Federico Veiroj (El apóstata, La vida útil) en el comienzo, mientras en pantalla se ve una recreación del momento en que Jesús saca a latigazos a quienes convirtieron al templo en una especie de mercado. Pero esta no es una película bíblica, al menos no en el sentido clásico, es un relato sobre vivir en Montevideo cruzando a Buenos aires para hacer negocios. Humberto Brause (Daniel Hender) es un atildado y correcto empleado de una agencia de cambios, pero no cualquiera, es el mejor, es hombre de confianza de su patrón y además, es el novio de la hija de su jefe el Sr. Swhensteiger, interpretado por Luis Machin. Brause hace todo lo que sea necesario para hacerse confiable a los ojos del dueño de la agencia de cambios y a la vez, sabe que se necesita algo más que lo correcto para poder avanzar en ese mundo. Mientras trabaja concienzudamente, trata de ser el mejor prometido posible para Gundrum (Dolores Fonzi), una chica de buena familia que canta en el coro de la iglesia y que se burla un poco de los formalismos de Brause, pero que a la vez se deja llevar por las leves transgresiones que el prometido le propone. La vida de Brause parece perfecta y acomodada pero debajo de esa superficie pasan cosas que Veiroj nos muestra en dosis justas, como para que el relato se vaya enrareciendo de manera tal que el espectador va entreviendo que hay algo oscuro y un poco desviado en el aparente camino recto de Brause. Lentamente el empleado va ganando espacios en la empresa, un poco por méritos propios pero también por ciertas audacias, movimientos fuera de lo acordado con su suegro. Brause acepta manejar plata sucia de políticos, algo que su jefe nunca había aceptado. No es que todo le salga bien pero está claro que a Brause no lo van a agarrar así nomás y si lo agarran en todo caso sabrá usar la caída para volverse más poderoso. Así, el apocado Brause va ganando espacios en la sociedad, sus movidas con los capitales que maneja se vuelven más audaces y más turbios, apoyando desde las sombras está Gundrum, que demuestra ser tan fría cómo su marido. Son una maquinaria, una empresa que se maneja en sociedad sin fisuras. El relato salta en el tiempo de manera tal que se ven distintos momentos de la historia del Río de la Plata. Si los políticos aparecen como venales la mano dura de los grupos de choque de las dictaduras de las dos orillas y del vecino gigante, el gran país del norte de la zona: Brasil. Son igual de corruptos pero además son bestiales. Brause negocia con terratenientes brasileños, con grupos guerrilleros porteños y hasta con los torturadores uruguayos. Si las actuaciones de Fonzi y Hendler apuntalan el relato, es necesario resaltar el papel siniestro que interpreta Benjamín Vicuña. Así habló el cambistaes una muy buena película que hecha una mirada crítica sobre la vida diaria y los acontecimientos que sacudieron al cono sur de America entre 1950 y 1975. Un sólido relato con gran ambientación que se apoya en un reparto de gran solidez. ASÍ HABLÓ EL CAMBISTA Así habló el cambista. Uruguay/Argentina/Alemania, 2019. Dirección: Federico Veiroj. Intérpretes: Daniel Hendler, Dolores Fonzi, Luis Machín, Germán De Silva y Benjamín Vicuña. Guión: Arauco Hernández, Martín Mauregui y Federico Veiroj, basado en la novela homónima de Juan Gruber. Fotografía: Arauco Hernández. Música: Hernán Segret. Edición: Fernando Franco y Fernando Epstein. Dirección de arte: Pablo Maestre Galli. Sonido: Catriel Vildosola. Distribuidora: Buena Vista International. Duración: 97 minutos.
“Ad Astra”, de James Gray Por Jorge Bernárdez Roy McBride (Brad Pitt) es astronauta y trabaja en la búsqueda de llevar al hombre más allá de lo que se conoce en el espacio. Su trabajo es un poco rutinario en una antena de comunicación satelital y la historia deAd Astrase desarrolla en un futuro no muy lejano. El título de la película es una frase en latín que se encuentra en la Eneida de Virgilio y significa: hacia las estrellas. Lo cierto es que Roy tiene a las estrellas y el espacio como una especie de obsesión que nació seguramente cuando su padre fue a Neptuno a un viaje claramente sin regreso, un viaje que se llevó a Clifford McBride (Tommy Lee Jones) a los confines del universo y lo transformó en un héroe para todos y sobre todo para su hijo. La primera secuencia de la película es impresionante y muestra un accidente en el que Roy por muy poco casi pierde la vida. Una vez recuperado, Roy es reclutado nuevamente para emprender un viaje que lo hará reencontrarse con el padre. El accidente del principio de la historia fue el producto de una serie de descargas de energía de origen desconocido aunque bueno, en realidad el origen no es tan desconocido, pero el problema es que el origen de esas anomalías parece ser la misión del padre del protagonista que no está perdido sino en un espacio no muy determinado cercano a Neptuno, aunque está fuera de control. Así que lo que le piden a Roy es que viaje a la Luna primero y a Marte después, para desde ahí mandarle un mensaje al padre que ha decidido hacer su propio viaje y su propia investigación. El trayecto a la Luna no es confortable, el satélite está en disputa porque en el futuro de Ad Astra, los países disputan por los minerales de la Luna y además hay piratas que roban esos materiales. Después del paso por la Luna, Roy viaja a Marte y de ahí al más allá, porque nada sale como se esperaba y entonces lo que le queda a Roy es tomar en sus manos la misión e ir a buscar al padre. Ad Astrano tiene problemas en tomar la estructura de El corazón de las tinieblas,el relato que tomó Francis Ford Coppola para su versión en Apocalipsis Nowambientado durante la guerra de Vietnam. El viaje de McBride empieza con tiros, aventuras y momentos impactantes de terror, para lentamente entrar en el terreno de los metafísico y transformarse en una película que aparentemente es de ciencia ficción, que en realidad reflexiona sobre la existencia y sobre la relación entre padres e hijos. El director James Gray se atreve incluso a ser un poco solemne y pretencioso, pero el material que maneja es por momentos muy impactante y se apoya en Brad Pitt, que se mete poderosamente en la piel de este astronauta que se encuentra primero ante un secreto imprevisto y después frente a la decisión de llevar adelante una misión que lo va a poner ante dilemas difíciles de resolver. Volver a un cine que se referencia en clásicos que exploraron el espacio de manera introspectiva, retomar la idea de un viaje a lo profundo del ser y reverenciarse en 2001 de Kubrick o en Solaris de Tarkovsky, un riesgo que no todos son capaces de tomar y al hacerlo, Gray confirma que es uno de los grandes directores de estos días. AD ASTRA Ad Astra. Estados Unidos/China/Brasil, 2019. Dirección: James Gray. Guión: James Gray y Ethan Gross. Intérpretes: Brad Pitt, Liv Tyler, Ruth Negga, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Anne McDaniels, John Ortiz, Kimberly Elise, Greg Bryk, Loren Dean. Producción: James Gray, Brad Pitt, Dede Gardner, Anthony Katagas, Jeremy Kleiner, Arnon Milchan, Yariv Milchan y Rodrigo Teixeira. Distribuidora: Fox. Duración: 122 minutos.
“Presidente bajo fuego”, de Ric Roman Waugh Por Jorge Bernárdez Gerald Butler y los presidentes o mejor dicho, Mike Banning -el agente de los servicios de inteligencia experto en cuidar a los mandatarios- y los presidentes. Presidente bajo fuegoes la tercera de una impensada trilogía de películas que básicamente imagina que los presidentes estadounidenses son víctimas de atentados, ya sea viajando por Europa o en su propio territorio. Una curiosidad es que esta vez es que a Banning le toca cuidar a Trumbull,es decir a Morgan Freeman,s que en las películas anteriores era vocero y vice, lo que hace uno se pregunte qué pasa con la oposición en el universo de las película de Butler. En fin, el agente y el presidente son carne y uña, así que Trumbull lo lleva a todos lados porque es como que solo confía en él. Pero Butter ya está grande y tiene migrañas permanentes, posiblemente por una lesión en la columna que amenaza a la medula espinal y con dejarlo paralítico, pero el protagonista bien se lame solo y no le cuenta a nadie, ni a su esposa, que el médico le dijo que su salud está en peligro. Todo eso ocurre en el momento preciso en que se avecinan cambios y el pimer mandatato está a punto de ofrecerle a Banning el cargo de jefe de todos los servicios de inteligencia. Entonces reaparece en la vida del candidato un capo de los servicios, un camarada que se puso una empresa privada de seguridad que quiere que su amigo lo tenga en cuenta para próximos contratos de la agencia. Un día de pesca en el que el presidente se va a una laguna para pasar un rato de sosiego, aparecen unos drones y todo empieza a explotar alrededor. El resultado es que muere todo el equipo de seguridad, todos menos Banning y claro, los de que investigan el asunto no son ningunos tontos así que suman dos más dos y el resultado es que el principal sospechoso de todo es nuestro muchacho. De ahí en más ya se pueden imaginar de qué va la película. Presidente bajo fuego es divertida, es obvia y no le cambia la vida a nadie. Quizás ya está y no haya más películas del custodio presidencial, salvo que de ahora en más Hollywood se ocupe de seguir la carrera burocrática de Banning. PRESIDENTE BAJO FUEGO Angel Has Fallen. Estados Unidos, 2019. Dirección: Ric Roman Waugh. Guión: Ric Roman Waugh, Matt Cook y Robert Mark Kamen. Intérpretes: Gerard Butler, Frederick Schmidt, Danny Huston, Rocci Williams, Piper Perabo, Harry Ditson, Linda John-Pierre, Ori Pfeffer, Morgan Freeman, Jasmine Hyde. Producción: Gerard Butler, Mark Gill, Matt O’Toole, Alan Siegel, Matthew O’Toole, John Thompson y Les Weldon. Distribuidora: Energía Entusiasta. Duración: 121 minutos.