“Yesterday”, de Danny Boyle Por Jorge Bernárdez Llega a las salas una de las grandes promesas de esta temporada cinematográfica, porque Danny Boyle es un director admirado por muchos, con varias películas que han marcado a los espectadores y otras que no tanto, como ocurre en toda carrera prolífica de un director que entre otros logros, se alzó con un Oscar. El planteo no podía ser más atractivo: el mundo se olvidó de Los Beatles, sus canciones han desaparecido y una sola persona las recuerda a todas. En consecuencia las presenta como propias y se vuelve una estrella. Lo cierto es que suele ocurrir en el mundo del espectáculo que algo que se plantea como imbatible pero al momento de plasmarse no alcanza los objetivos y eso pasa con Yesterday, que aunque no es total desastre porque nada que contenga temas de los Fab Four puede serlo. John Malik (Himesh Patel) es un cantautor de carrera inexistente, que toca en bares vacíos, fiestas privadas e incluso en la calle. Lo acompaña en esta carrera una amiga que lo sigue el colegio y que hace las veces de representante. Elli (Lilly James) y John son, para todos los que lo rodean una pareja formal, lo que los obliga a explicar todo el tiempo que no ha pasado nada entre ellos más allá de la relación entre músico y virtual agente. Tras una jornada desalentadora, el músico decide que ya está, que no tiene caso insistir, que quizás no tenga el talento suficiente y le comunica a su amiga que piensa retirarse de la actividad. Esa noche ocurre algo extraordinario, un apagón global, que provoca un accidente de tránsito, termina con el cantautor en el hospital donde pasa un tiempo cuidado por su amiga. Cuando se integra a la vida normal, se entera de lo del apagón y de manera casual descubre que tras el incidente algunas cosas han cambiado y la principal para el protagonista es que se ha borrado toda la obra de Los Beatles. A partir de ese momento, el músico se pone a rehacer toda la obra de la banda de memoria y presenta las canciones como propias. La gracia de la película aguanta unos 45 minutos en los que además de algunos chistes destinados a quienes conozcan algo de música pop, aparece Ed Sheeran haciendo de si mismo y riéndose de cuestiones del mundo de la música. A partir de cierto momento, el chiste se agota y el ralato se le hace cuesta arriba sostener la premisa, así que abandona el tema fantástico y se concentra en la parte romántica de la historia. Dos horas después del comienzo, ni el chiste tiene gracia ni la química de la pareja protagónica alcanzan para sostener el interés del espectador. La película se va deshilvanando hasta el punto en que una especie de “Deus ex Machina”, muy al estilo de Quentin Tarantino, intenta un golpe de efecto que no alcanza pero que puede ser un buen momento para los amantes de Los Beatles. YESTERDAY Yesterday. Reino Unido/Estados Unidos, 2019. Dirección: Danny Boyle. Guión: Richard Curtis. Intérpretes: Himesh Patel, Lily James, Kate McKinnon, Sophia Di Martino, Meera Syal, Harry Michell, Vincent Franklin, Joel Fry, Michael Kiwanuka, Robert Carlyle. Producción: Danny Boyle, Richard Curtis, Eric Fellner, Matthew James Wilkinson, Tim Bevan y Bernard Bellew. Distribuidora: UIP. Duración: 116 minutos.
“It: Capítulo 2”, de Andy Muschietti Por Jorge Bernárdez Vuelve el club de los perdedores a Derry, el pueblito en el que se enfrentaron a Pennywise, el tenebroso asesino de niños que se viste de payaso. Han pasado 27 años y los asesinatos y las desapariciones volvieron y uno de los miembros del club que se quedó en el pueblo es el responsable de llamar a sus amigos que han desarrollado su vida y la vez han olvidado de casi todo lo que ocurrió 17 años atrás. Los chicos dejaron de serlo y todos parecen haber dejado atrás los días de Derry y por ende, los traumas de aquellas épocas. Los chicos de ayer son representados por un grupo de estrellas de Hollywood: Beverly (Jessica Chastain) es una eficiente mujer de negocios que para volver a su pueblo decide dejar a su marido y socio, Ben (James McAvoy) es escritor y guionista y sacó un libro basado en los sucesos de la infancia, Ritchie (Bill Hader) es un humorista que al momento de tener que volver al pueblo está lanzando un nuevo show Y Micke Hanson (Isaiah Mustafa), es la memoria viviente del grupo que se ha quedado en el pueblo, trabajando de bibliotecario y es quien los llama a todos para darles la mala noticia de que el payaso asesino ha vuelto, Lo que la primera parte de esta película lograba en esta ya no funciona del todo y a pesar de que Bill Hader y Jessica Chastain se ponen la película al hombro y el payaso que interpreta Bill Skársgaard sea terrorífico, el exceso de efectos especiales y de golpes de efecto ahogan el espíritu original y hace que una película que trata sobre cómo derrotar a los demonios de cada uno. Al fin y al cabo aquello que nombra el título no es ni más ni menos que la suma de los demonios, miedos y fobias de cada uno y la gracia del libro es que a pesar de ser sobre un club de perdedores, son capaces de crear una forma de superar todo eso. Alguien decidió que la forma de ganar de los perdedores fuera transformar esta segunda parte en una especie de montaña rusa de emociones, con un ritmo imbatible, eso hay que decirlo, pero que a la vez ahoga el espíritu de aventura que en la primera parte estaba a flor de piel. No es que el argentino Andy Muschietti se haya equivocado, lo que pasa con esta capítulo es que desde la producción quisieron asegurarse el tiro y entregarle al público un producto pensado en todos los detalle, con espacio incluso para algunos cameos sorpresivos y hasta un guiño para los hinchas del Club Atlético Independiente. En un punto It 2 es un producto perfecto pero esa perfección es justamente lo que hace naufragar el resultado final. Como consecuencia de no haber sido consecuente con el espíritu de la historia original -que estaba más cerca al espíritu de una aventura colectiva de superación que de una historia al estilo de la películas de la serie Pesadilla-, todo el asunto resulta aceptable pero deja al espectador con gusto a poco, IT: CAPÍTULO 2 It: Chapter Two. Estados Unidos, 2019. Dirección: Andy Muschietti. Guión: Andy Muschietti y Gary Dauberman. Elenco: James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Skarsgård, Jay Ryan, Bill Hader, Isaiah Mustafa, James Ransone, Chosen Jacobs, Jaeden Martell, Sophia Lillis. Producción: Barbara Muschietti, Dan Lin y Roy Lee. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 169 minutos.
“Alcanzando tu sueño”, de Max Minghella Por Jorge Bernárdez Elle Fanning es Violette Valensky vive con su madre polaca en la isla de Wright, que forma parte del Reino Unido y de la que todos los jóvenes quieren irse, por eso cuando la producción del reality “Alcanzarás tu sueño” anuncia que pasará por un par de días para elegir jóvenes cantantes que competirán por ser estrellas en el mundo de la canción todos los jóvenes de la isla capaces de cantar se preparan para la visita. Violettte canta en el coro del colegio pero siente que su arte es por encima de la media de los jóvenes de la isla y se presenta varias a noches a la semana en un pub de mala muerte, cuando deja de trabajar de moza en un restaurante no mucho mejor que el pub donde canta. Una noche un cliente del pub, algo sucio y desprolijo, se le acerca para adularla y decirle que le gusta como canta pero la chica pueblerina se asusta y lo ignora. Pero el desconocido maloliente y sospechoso termina acompañando a Violette ante la producción del programa. El desconocido resulta ser un cantante de opera retirado, que le viene bien a Violette como consejero ante la posible carrera artística que a medida que pasa la película, Violette parece dispuesta a llevar adelante. El director Max Minghella es el hijo del gran Anthony Minghella (El talentoso Sr. Ripley, Cold Mountain, El paciente inglé) y logra darle el tono justo a una historia un poco trillada, que no escatima lugares comunes en el camino a la fama de Violette y las trampas que aparecen en el camino de la incipiente artista. La gran atracción de la película es Elle fanning, cuya labor por momentos es magnética. Alcanzarás tu sueño es apenas correcta pero así y todo, se puede ver sin sentirse estafado y disfrutando de una actriz que ya no es una promesa y que se puede hacer cargo de un papel protagónico sin problemas. No hay mucho más pero en un panorama donde los tanques de Hollywood se han vuelto un lugar común en la cartelera, así que si una película se asume como un poco menor y sin grandes ambiciones, se vuelve simpática y fácil de ver. ALCANZANDO TU SUEÑO Teen Spirit. Estados Unidos/Reino Unido, 2018. Dirección y Guión: Max Minghella. Intérpretes: Elle Fanning, Zlatko Buric, Agnieszka Grochowska, Rebecca Hall, Archie Madekwe, Millie Brady, Vivian Oparah, Ria Zmitrowicz, John Locke, Marius De Vries. Producción: Fred Berger. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 93 minutos.
“Por gracia de Dios”, de François Ozon Por Jorge Bernárdez François Ozon es un artesano que los cinéfilos esperan y que sabe como sacudir a su público, pero esta nueva película nos trae un director austero y ajustado a la historia que nos quiere contar. Por gracia de Dios es la historia de “La palabra liberada”, un colectivo que reunió en 2015 a un grupo de víctimas de la actividad depredadora de un miembro de la Iglesia francesa -que lideraba grupos de Boy Scout- a partir de un hombre de cuarenta años que se atrevió a contar lo que había sufrido siendo niño por parte del sacerdote. Los hechos ocurrieron en la ciudad de Lyon donde el sacerdote católico Bernard Preymat llevó adelante los crímenes sexuales sobre decenas de niños durante veinte años. Los jefes de la iglesia taparon todo y cuando ya no hubo forma de hacerlo, un obispo dijo que esos crímenes estaban prescritos, “Gracias a Dios” fue la frase que utilizó y que escandalizó a toda Francia. La película se va centrando en los distintos miembros de la asociación “La voz liberada” y cuenta con gran rigor la manera en que cada uno de ellos se fue sumando, a pesar de lo doloroso que les resultaba y lo complicado que se puso para sus familias, donde muchos los acompañaban pero también hubo quienes les echaban en cara su “obsesión” con el pasado y su guerra personal contra la Iglesia. Un elenco sólido y grandes momentos hacen una película apasionante de seguir y de alto impacto. Desde el desconcierto inicial hasta la decisión de juntarse y darle voz a quienes hasta ese instante no habían sido escuchados ni siquiera por sus padres. Que la película le de espacio a la voz de las víctimas no quiere decir que la Iglesia no esté presente el problema -las disculpas forzadas y las expresiones del Papa que supuestamente se ponen del lado de las víctimas-, pero de los hechos concretos tendientes hasta que los curas pedófilos paguen sus críticos hay un abismo. Además, la Iglesia trató de evitar el estreno en Francia de este relato porque al momento de producirse había pronunciamentos judiciales que todavía no se hecho. Pero acá está en los cines, en los de nuestro país y en todos lados, se puede tomar como un gesto mínimo de Justicia un poco tardío y que por supuesto no arregla nada para los adultos abusados cuando eran niños. POR GRACIA DE DIOS Grâce à Dieu. Francia/Bélgica, 2018. Dirección y Guión: François Ozon. Intéroretes: Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud, Éric Caravaca, François Marthouret, Bernard Verley, Josiane Balasko, Martine Erhel, Hélène Vincent, Yves-Marie Bastien. Producción: Eric Altmayer y Nicolas Altmayer. Distribuidora: Ifa Cinema. Duración: 137 minutos.
“Había una vez… en Hollywood”, de Quentin Tarantino Por Jorge Bernárdez Desde hace un tiempo distintos diccionarios han aceptado el vocablo “Tarantinesque”, para nombrar aquello que en el mundo de lo cinematográfico refiere al cine de Quentin Tarantino en lo que hace a su estilo o a su mundo de referencias. La nueva película del director estadounidense, que si vamos a creerle es su anteúltima obra, es lo más “Tarantinesque” que se consigue en el mercado y a la vez abre nuevos caminos, porque en sus dos horas cuarenta se pierden por momento en un territorio incierto. En estos tiempos en que las películas son creadas por comisiones o estudiosos de mercado y suelen ser artefactos pensados para alegrar al espectador o directamente adularlo haciendo lo que se espera, ver filmar algo como “Erase una vez en el oeste” resulta contracíclico. Estamos en 1969 y Rick Dalton (Leonardo Di Caprio) fue una estrella de la televisión pero le avisan que está en picada y que la única forma de salvarse es viajar a Italia para probar suerte con lo que se conoce como Western Spaghetti. El que le da noticia es un representante de estrellas llamado Marvin Shwarz (Al Pacino), que le hace una radiografía del momento en que se encuentra su carrera y lo que le espera. Schwarz le promete hacer todo lo posible para organizarle un final de carrera en territorio europeo. Lo cierto es que Rick anda acompañado por su doble de riesgo llamado Cliff Booth (Brad Pitt), que es todo lo contrario a la estrella en caída. Mientras el actor es inseguro y necesita todo el tiempo de la bondad de los otros, Cliff camina llevándose por delante al mundo. La casa de Rick está al lado de la casa de una pareja famosa de la época, Sharon Tate (Margot Robbie) y Roman Polansky. Unos kilómetros más allá unos hippies extraños comandados por un tipo estrafalario llamado Charles Manson rondan todo el tiempo la zona, se cruzan con los personajes de la película y crean una sensación de miedo, de acechanza y de drama a punto de desencadenarse. Mientras Cliff participa de la filmación de un capítulo de El avispón verde, Rick trabaja como “Villano invitado” de un capítulo de El FBI en Acción y Sharon se mete en en el cine para verse a si misma compartiendo pantalla en una de las aventuras de Matt Helm que protagonizó Dean Martin. Por ahí andan los hippies de Manson que engatusan a un viejo ciego (Bruce Dern), a través de una de las jóvenes seguidoras del clan que tiene sexo con el anciano y lo reduce prácticamente a una piltrafa humana. Mientras todo eso pasa, Tarantino se regodea mostrándonos lo bueno que puede ser y lo mucho que sabe sobre cine. Sabe tanto Quentin que pone a Robert Richardson detrás de la cámara, saber elegir también es un arte y la película adopta los formatos que se necesitan, ya sea el de una serie de los cincuenta o el de una película italiana de los setenta. Después de casi dos horas de fresco sobre Hollywood, llegan los cuarenta minutos finales y entran en escena los hippies asesinos que llevaron adelante los famosos crímenes del clan Manson y empieza otra película. Hasta ese momento Tarantino nos hizo ver la vida despreocupada de todo ese mundillo y sin necesidad de mucho diálogo, nos enamoró de esa bomba que era Sharon Tate. Después ocurre la magia de Tarantino y las escenas sangrientas, tan “Tarantinesques” de las que hablan los diccionarios, aparecen en pantalla. Había una vez… en Hollywood te lleva de viaje durante casi tres horas, hace que se luzcan Di Caprio y Pitt cada cual en su estilo y sobre el final propone algo sorpresivo. Todo esto, todas los trucos y la mirada del director sobre el mundo hace que los hater lo acusen de banal, de vende humo, de amigo de Harvey Weinstein, en fin, de insustancial. Para cualquier cinéfilo las películas de Tarantino son una fiesta y a la vez una invitación a pelearse, nunca pasan inadvertidas ni se olvidan dos minutos de salir de la sala, que es lo que ocurre con el 90 por ciento de las películas que se estrenan en salas comerciales. HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD Once Upon a Time… in Hollywood. Estados Unidos, 2019. Guión y dirección: Quentin Tarantino. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margott Robbie, Al Pacino, Emile Hirsch, Margaret Qualley, Timothy Olyphant, Julia Butters, Austin Butler, Dakota Fanning, Bruce Dern, Mike Moh, Luke Perry, Damon Herriman, Damian Lewis y Lena Dunham. Fotografía: Robert Richardson. Edición: Fred Raskin. Diseño de producción: Barbara Ling. Distribuidora: UIP (Sony). Duración: 165 minutos.
“La odisea de los giles”, de Sebastián Borensztein Por Jorge Bernárdez Fermín Perlassi (Ricardo Darín) es un vecino caracterizado de un pueblito del interior, que junto a su esposa y algunos amigos deciden emprender el camino de un nuevo emprendimiento sin saber mucho sobre el campo, deciden comprar un viejo molino abandonado y volver a ponerlo en actividad. El dueño del lugar lo tiene abandonado y se sorprende cuando recibe la oferta pero como ni siquiera sigue viviendo en el pueblo, le pone un precio a la operación y espera a que Perlassi y su gente reúnan el monto estipulado. Y así suceden las cosas, con mucha buena voluntad Fermín y Lidia (Verónica Llinás) arman un grupo de inversores que participarán de una cooperativa y comprometen así a casi todo el pueblo. El níucleo central de la cooperativa son Fermín y Lidia, Fontana (Luis Brandoni), Belaúnde (Daniel Aráoz), Medina (Carlos Belloso), Carmen (Rita Cortese) y Hernán (Marco Antonio Caponi), que es hijo de Carmén y participa por imposición de ella que es la mayor inversionista. Una vez que juntan el dinero, Fermín y su esposa van al banco y allí se encuentran con una novedad que los hará tomar la decisión de guardar la plata para esperar a tomar una decisión final. Por desgracia para ellos, entre que se empezaron a organizar en agosto de 2001 hasta que reunieron el dinero, ya estamos en diciembre de 2001 y al otro día de dejar el dinero en el banco se desata una crisis económica y la cooperativa pierde todos los ahorros del pueblo. Perlassi que entiende esa situación lo deja frente a sus amigos y socios del pueblo como el único responsable de la pérdida entra en crisis. Meses después y tras la muerte de Lidia vuelve al pueblo el hijo de Fermín, interpretado por el Chino Darín, que estaba estudiando en otra ciudad pero que entre la crisis del país y la situación familiar vuelve al pueblo para estar con su padre que lleva meses deprimido. En ese estado de cosas Fontana y Belaúnde aparecen en la casa de Perlassi para contarle una historia que escucharon de manera casual una historia que tiene que ver con la plata de la cooperativa. Ese dinero nunca entró en las arcas de la entidad financiera sino que fue robado por uno de los funcionarios del banco. De allí en más el variopinto grupo que formaba el núcleo de la cooperativa deviene en banda justiciera y tratará de recuperar ese dinero o para ser más claros robarle al ladrón que ya sabemos que tiene cien años de perdón. Sebastián Borenstein se apoya en el talento del grupo de actores para contar con buen pulso y timming una historia que atrapa al espectador y que lo hace tener empatía con la empresa de estos justicieros. Nadie desentona en el elenco y la banda de sonido en la que suenan algunos temas reconocidos de bandas com Serú Girán y Babasónicos acompañan el relato. La odisea de los giles es una película con destino de clásico y ambiciones entiendase, es la primera producción de la empresa de Ricardo y de el Chino Darín. Un cine industrial posible de alto impacto y distribución internacional que para este año de vacas flacas es una buena noticia y en lo que hace a la cinematográfico, hay que decir que es la mejor de las películas de Borenstein, que en su momento abandonó una solida carrera televisiva para entrar al cine y a juzgar por esta película le encontró definitivamente el tono que busca. LA ODISEA DE LOS GILES La odisea de los giles. Argentina/España, 2019. Dirección: Sebastián Borensztein. Guión: Sebastián Borensztein y Eduardo Sacheri. Intérpretes: Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso, Marco Antonio Caponi, Rita Cortese, Andrés Parra, Federico Berón. Producción: Ricardo Darín, Fernando Bovaira, Leticia Cristi, Chino Darín, Simón de Santiago, Axel Kuschevatzky, Matías Mosteirín, Federico Posternak y Hugo Sigman. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 120 minutos.
“Rápidos y furiosos: Hobbs & Shaw”, de David Leitch Por Jorge Bernárdez La saga de Rápido y furioso se fue adaptando a los tiempos y a alguna desgracia de la vida real y ya poco y nada queda de aquellas películas “pisteras” de los comienzos. Los productores y el elenco saben que el show debe seguir y a eso se han ido adaptando. De tomas maneras este spin off de la historia original guarda alguna relación con el comienzo, no vayan a creer que todo es un sinsentido. Luke Hobb (The Rock) y Shaw (Jason Stratham), ya demostraron tener poco en común y detestarse en alguna película anterior, pero esta vez deberán trabajar juntos para salvar al mundo y a la hermana de Shaw, Hattie (Vanessa Kirby). La chica es agente del MI6 y es sospechada de alta traición, pero la verdad es que Hattie se inyectó un virus letal para sacárselo de las manos a los malos, en particular a uno llamado Brixton (Idris Elba), que trata de obtenerlo para su jefe que maneja una organización poderosa que está metida en chanchullos en todo en el mundo o casi todo. Los primero minutos de película son de una intensidad arrolladora y de un derroche de testosterona, algo desacostumbrado para estos días y hay que decir que el relato baja pocas veces de ese ritmo vertiginoso. Lo que tampoco afloja es el clima de comedia y las constantes bromas de los protagonistas demostrando su enemistad. Todo es abrumador y excesivo al punto de que las dos horas y cuarto terminan siendo agotadoras. Hay en la película una idea del rescate de la familia -que en el original era la familia que se elegía, pero en este caso es la real de ambos protagonistas-, ya que Hobbs para terminar el pleito vuelve a Samoa donde está toda su parentela, más los hermanos Hobbs luchan contra el mal y salvan, por ahora, al planeta. A favor de la película hay que anotar las sorpresas, la acción y el tono de fiesta corrida que sale de la pantalla. En contra hay que volver a decir que abruma y por momentos es reiterativa. RÁPIDOS Y FURIOSOS: HOBBS & SHAW Hobbs and Shaw. Estados Unidos, 2019. Dirección: David Leitch. Intérpretes; Dwayne Johnson, Jason Statham, Vanessa Kirby, Idris Elba, Eiza González, Helen Mirren, Eddie Marsan, Cliff Curtis. Guion: Chris Morgan. Fotografía: Jonathan Sela. Música: Tyler Bates. Distribuidora: UIP. Duración: 136 minutos.
“Infierno en la tormenta”, de Alexandre Aja Por Jorge Bernárdez - 26 julio, 2019 Haley (Kaya Scodelario) empieza la película en una práctica de natación y es un buen dato para el espectador que la protagonista sea buena nadadora teniendo en cuenta lo que se viene. Cuando termina la practica, Haley se entera por la hermana de que se viene, en realidad ya llegó al lugar, un huracán de grado 5 y las autoridades avisaron que de que mejor es irse hasta que pase todo. Pero el padre de Haley no dejó la zona y las dos hermanas están preocupadas, así que Haley se va para la casa del padre. A partir de ese momento la película no para más hasta el último minuto. Uno de los efectos del huracán, además de la destrucción, es que se desata un ataque de caimanes voraces. Padre e hija lucharán contra los bichos mientras tratan de protegerse del ciclón. Tensión, acción algún momento algo gore en casi 90 minutos de película, con Sam Raimi como productor y Alexandre Aja en la dirección. No es necesario que nos pongamos a analizar el guión, solamente el planteo de caimanes destructivos atacando en el medio de un huracán brutal ya explica toda la película. No es lo más sutil del mundo ni da para debatir mucho a la salida del cine, es un subido de adrenalina pura y listo. Pero nos gusta. INFIERNO EN LA TORMENTA Crawl. Estados Unidos, 2019. Dirección: Alexandre Aja. Guión: Michael Rasmussen y Shawn Rasmussen. Intérpretes: Kaya Scodelario, Barry Pepper, Morfydd Clark, Ross Anderson, José Palma, George Somner, Anson Boon, Ami Metcalf, Tina Pribicevic, Colin McFarlane. Producción: Alexandre Aja, Sam Raimi y Craig J. Flores. Distribuidora: UIP. Duración: 87 minutos.
“En los 90”, de Jonah Hill Por Jorge Bernárdez El cine con skaters o de skaters, a esta altura es un género al que se han acercado grandes directores y en este caso quien se arrimó a la temática fue Jonah Hill, que de adolescente fue un skater. El director empezó como comediante y como actor favorito de algunos cineastas, pero ya ha dejado de ser una promesa para pasar a ser uno de los muy buenos intérpretes de esta época, porque puede protagonizar una comedia de Jud Apatow como Hazme reír, o acompañar a Leonardo Di Caprio en El lobo del Wall Street una de las grandes películas de Martin Scorsese. Pero ahora resulta que Hill además de ser un actor extraordinario es director y guionista. Y de los buenos. En los 90 es la primera incursión de Jonah Hill como director y guionista, que contrató un elenco de una gran solidez y no solo para cubrir los papeles centrales, sino también lo que conforma la banda de amigos skaters del protagonista. Stevie (Sunny Sukjic) tiene trece años, vive con su madre y su hermano bastante más grande. No la pasa bien, porque los adolescentes en general lo pasan fatal, pero además porque su madre no sabe muy bien que hacer con ese muchacho que nunca está cómodo y porque su hermano lo usa como bolsa de arena para practicar sus puños contra él. Stevie se acerca a una bandita de skaters y uno de ellos que se llama Rubén le da espacio para que se sume y Stevie pasa a ser un miembro activo del grupo aunque sea menor que la mayoría y su físico no lo ayude. Stevie es una especie de mascota pero no se rinde y crece a pesar de lo mal que lo está pasando. Si las actuaciones Katherine Wasterton, como la madre y Lucas Hodges como el hermano mayor son muy buenas, lo de Sunny Suljik y los amigos de Stevie es extraordinario, si tenemos en cuenta que son skaters que asumen la actuación con sensibilidad y compromiso. Aunque parezca un poco obvio hay que hablar de la banda de sonido, que se acopla con la historia aportando una serie de grandes clásico de esa década. Jonah Hill empezó su camino como director y realmente nos deja con ganas de más y esperamos que no lo abandone. EN LOS 90 Mid90s. Estados Unidos, 2018. Dirección y Guión: Jonah Hill. Intérpretes: Sunny Suljic, Katherine Waterston, Lucas Hedges, Na-kel Smith, Olan Prenatt, Gio Galicia, Ryder McLaughlin, Alexa Demie, Fig Camila Abner, Liana Perlich. Producción:Jonah Hill, Scott Rudin, Lila Yacoub, Ken Kao y Eli Bush. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 85 minutos.
“El Rey León”, de Jon Favreau Por Jorge Bernárdez Vuelve la historia de Mufasa, el Rey León, que tiene un final shakespereano y deja a su pequeño hijo Simba como heredero, pero claro el pequeño Simba es testigo de la muerte de su padre a manos del hermano que ambicionaba el trono y termina exiliado. La nueva propuesta de Disney es traernos las historias que ya hemos visto en animación en lo que hoy llaman live action. Para llevar adelante el proyecto convocaron a Jon Favreau, que tiene experiencia en grandes espectáculos y que ya dirigió El libro de la selva. El nuevo elenco, los que ponen las voces, es realmente estelar y va desde Donald Glover y James Earl Jones (que vuelve a encarnar a Mufasa) hasta el muy efectivo Seth Rogen como Pumba y Beyoncé. La película es deslumbrante aunque a muchos les molesta que se haya ido por el lado de copiar plano por plano lo que ocurría en la original. Si vamos a ser rigurosos el relato es una nueva adaptación que toma elementos de la versión para Broadway, lo que le agrega unos minutos de duración. Y vuelven a brillar los temas aquellos que compuso Elton John y la música de Hans Zimmer. Mientras el espectador se entregue al disfrute de ver una proeza técnica, nada de lo que se ve en pantalla existe salvo la jungla, pero la realidad es que a medida que avanza la película se notan algunos puntos flojos y sobre todo, queda expuesto que el hecho de que el live action no es lo suficientemente expresivo y por momentos se llega a extrañar a esos dibujos clásicos de Disney que hicieron de El rey León original una gran éxito. EL REY LEÓN The Lion King. Estados Unidos, 2019. Dirección: Jon Favreau. Guión: Jeff Nathanson. Elenco: Chiwetel Ejiofor, John Oliver, James Earl Jones, John Kani, Alfre Woodard, J.D. McCrary, Shahadi Wright Joseph, Penny Johnson Jerald, Keegan-Michael Key, Eric André. Producción: Jon Favreau, Karen Gilchrist y Jeffrey Silver. Distribuidora: Buena Vista. Duración: 118 minutos.