Sin escrúpulos Cuando uno se sienta a ver El movimiento del director argentino Benjamín Naishtat, no espera que empiece de la manera que empieza, tan cruda y fascinante, más cuando se entera de que el rodaje duró solamente diez días. Con total ausencia de colores en todo el film, el blanco y negro que se impone durante los 70 minutos, otorgan ese toque nostálgico que necesita una película que mezcla el western, el thriller, lo gauchesco y la epopeya histórica. Hay que hacer una mención especial al final como falso documental, el cual es un detalle de originalidad excelente. El guion, a pesar de ser algo complicado, es de buena calidad, logra retener al espectador en su asiento queriendo escuchar más. Si hay algo que se le puede criticar, y esto es a modo de crítica personal, son los fundidos a negro constantes durante toda la película, que resultan algo molestas a los ojos. Benjamín habló con el sitio Otros Cines sobre su película y contó cómo fue hacer una película con tan poco tiempo y plazo determinado para poder presentarla en el Festival de Jeonju: “El movimiento se filmó en diez jornadas y media, y toda la posproducción, incluyendo montaje, edición y mezcla de sonido, efectos y dosificado, se hizo en menos de dos meses. A la distancia pienso que aceptar la invitación y esos plazos que eran los necesarios para llegar a Jeonju con la película terminada fue algo temerario y voluntarista, una sobreestimación de la propia capacidad. Dicho eso, fue una experiencia emocionante, llena de vértigo. La experiencia de Historia del miedo había sido completamente distinta, marcada por la paciencia y perseverancia de los años de talleres, laboratorios y aplicaciones a fondos. Indudablemente el tiempo del proceso creativo y de producción incide en el tempo de la película y creo que ahí donde Historia del miedo resultó un film sumamente cerebral, con todo lo tedioso que eso puede resultar, El movimiento es una propuesta más frenética e instintiva. La contraparte obvia es que con más tiempo algunas cosas hubieran madurado un poco más, particularmente en el montaje”. Hablando para Télam también contó sobre qué trata la película: “Es una historia situada en una especie de tierra de nadie en un momento fundacional de la Argentina donde el protagonista intenta encarnar todo a la vez, las reglas y la autoridad, sabe qué hay que hacer, cómo hacerlo y cree que él tiene que hacerlo, sufre una especie de cosa mesiánica” Actores: Pablo Cedrón: lo que logra este actor en El movimiento es algo que supera la expectativas del espectador. Logra traspasar la pantalla y empatizar con el espectador. Naishtat le contò a Telam quién es el personaje de Cedrón: “Este personaje interpretado por Cedrón es una especie de psicópata que al mismo tiempo es muy sensato e intenta empatizar con la gente. En ese sentido, la película es un retrato casi grotesco de un político de aquella época, que se presenta como la encarnación de todas las esperanzas, y que en realidad está incubando una sed de poder y de afirmación de su personalidad”.
La difícil tarea de decir adiós Un viaje es algo que generalmente define a aquellos que lo realizan. Ya sea en solitario o acompañado, un viaje te aleja de tu confort, de tu familia, de tus amigos, de tu antigua vida. Brooklyn, de John Crowley, y quien dirige su primera gran película (y vaya que lo a hecho de gran manera), más allá de lo mucho que me llegó por situarse en Irlanda (mi descendencia es irlandesa), el film es hermoso. Un buen guion, con toques cómicos muy divertidos y el vestuario de los años 50 son lo mejor que tiene el film. Es una historia de amor que no empalaga. John Crowley habló con el sitio The Playlist sobre cómo logró que la historia fuese personal respecto al tema de extrañar tu casa: “Bueno, eso era algo fácil. Yo había emigrado a Londres cuando tenía 27. Siempre había querido dirigir obras de teatro en Londres. Y todo estaba bien y había trabajo a un alto nivel de forma inmediata. Pero me quedé asombrado con lo confuso que era sentirse como un exiliado . Y eso no tenía ningún sentido, yo me creía alguien sofisticado, pero la relacion que tenes con tu antiguo país se modifica notoriamente. Y cuando vuelves, te ven de manera diferente y los ves de otra manera. Y las experiencias que has acumulado pueden hacerte apreciar cosas de casa, pero también criticar otras. Te hace sentir como si hubiera una duplicidad de tu existencia . Eso no pertenece a ninguno de los dos lugares”. También contó que fue lo que le hizo elegir este proyecto: “Se sentía como una historia profundamente importante, no solo para Irlanda, sino también para Estados Unidos . Se sentía como una historia muy fresca pero también muy familiar, pero en realidad muestra algo que no se ha visto en la pantalla con mucha frecuencia, que es la narración completa de la inmigración de un país a otro y de nuevo para ver el efecto de lo que los países han hecho a ellos. En segundo lugar, es el punto de vista de una mujer joven lo cual es interesante y más raro en estos días y las complicaciones emocionales que se puede conseguir en una muy buena pieza de ficción”. Actores: Saoirse Ronan: esta hermosa joven tiene una performance para ponerse de pie. Yo la consideraba una gran actriz antes de este film pero con esta película confirma su gran momento en la pantalla grande. Su sensibilidad ante cámara y lo bien que se banca los primeros planos le dan un toque especial a su gran actuación. Saoirse habló sobre su nominación como Mejor Actriz en los Globo de Oro: "Estaba haciéndome las uñas cuando sonó el teléfono, pero no pude contestar porque mis uñas estaban húmedas. Cuando finalmente respondí, me dieron la noticia y comencé a gritar de emoción. Los del salón me felicitaron y hasta bebimos champán". Emory Cohen: este desconocido actor (ya no, en 2016 va a hacer cinco películas) tiene una actuación que es aceptable. Su papel como un joven italiano que enamora a Ronan es clásico y bien interpretado. No tiene baches notables. Domhnall Gleeson: este joven irlandés no ha parado de trabajar desde que apareció en la película Calvary (2014) donde trabaja con su padre Brendan Gleeson. Este año ya hizo cuatro films, los cuatro éxitos rotundos (Ex-Machina, Brooklyn;,Star Wars VII y El renacido). En Brooklyn hace del tercero en discordia donde se lo ve con una gran sensibilidad frente a cámara.
El manifiesto de Pino Desde los años 40, el movimiento político conocido como Peronismo ha estado presente en nuestro país con gran arraigo en sus militantes. Con su film El Legado estratégico de Perón, su director Pino Solanas nos hace redescubrir la figura de este mítico político, a través de imágenes conseguidas a principios de 1970, por el mismo Pino, en la casa del exilio de Perón, Puerta de Hierro. Durante el film el director muestra imágenes grabadas en la quinta que Perón y Evita construyeron en San Vicente durante 1947, el cual ahora es un museo sobre la pareja. En estas imágenes se lo ve a Solanas conversando con un Perón imaginario sentado en un sillón. La crítica más fuerte que se le puede hacer al documental del senador argentino es que durante por momentos puede llegar a ser algo autorreferencial de más. Por todo lo demás el film cumple lo que promete y entretiene a aquellos que vivieron esas épocas y otros que no saben lo que pasó. Luego de la función de prensa del film, Pino Solanas brindó una conferencia y contó el motivo por el cual hizo este largometraje: “Yo hice esta película pensando para que quede, más que pensando en el hoy. Hay una generación o dos que no tienen ni idea de todo esto, el que tiene hoy 41, 42 años estaba naciendo en la segunda presidencia de Perón. Yo la hice con la idea de recuperar y ser un puente de esta historia”.
Y no morir en el intento... Como se puede esperar para estas épocas de “fiestas” (no, no hablo de la Navidad o el Año Nuevo, ya nos fumamos las pelis navideñas hace un mes, hablo del Día de los Enamorados o San Valentín, como prefieran llamarlo) se estrenan las películas que las parejas esperan ver con ansias y así disfrutar un día romántico. Cómo ser soltera (How to Be Single, 2016) desafía a Cupido y propone algo distinto, pero no de calidad. Cómo ser soltera, a pesar de ser algo distinto respecto a los films que se suelen estrenar por estas fechas, termina siendo una película entretenida, cómica pero muy cliché, con la típica historia de cuatro personas muy distintas entre sí, perdidas en Nueva York en busca de un amor distinto para cada una. En fin, se le puede dar crédito por ser graciosa y llevadera o por tener cuatro actrices que saben hacer comedia (aunque Rebel Wilson no me termina de caer bien) y por filmarla en la grandiosa ciudad de Nueva York. Actrices: Dakota Johnson: esta hermosísima mujer, hija de otra hermosa mujer como es Melanie Griffith, parece haber encontrado su género en la comedia. Durante la película se la ve divertida y casual y no forzada como su compañera de reparto. Dakota habló con el diario español La Razón sobre cómo se trata hoy a las mujeres en Hollywood y esto fue lo que dijo: “Mi abuela trabajó con Hitchcock, y conocidas son la tumultuosas historias que pasaron. Más tarde siguió haciendo alguna que otra película, pero decidió dedicarse a defender los derechos de los animales. Ahora lleva Shambala, un santuario de felinos que vienen maltratados de circos o que fueron comprados y luego atados a una cuerda o abandonados porque se hacen grandes. Y está dedicada a eso en cuerpo y alma. Y mi madre tiene una carrera estupenda como actriz. Ahora las películas con mujeres protagonistas están aumentando, y ya no se interpreta a la mujer de... Prueba de ello es Cómo ser solteras, no creo que se hubiera hecho hace unos años”. Rebel Wilson: la verdad es que esta actriz no me parece que sea graciosa en absoluta, su acento inglés puede dar alguna risa, pero la siento forzada a hacer chistes de mal gusto en todas sus películas, como si no tuviese otro recurso que hacer chistes sobre vaginas. En esta película repite la táctica y para mí, no funciona. Leslie Mann: otra bella actriz que sabe hacer este tipo de comedias, su bello rostro, su gestualidad y su gran sentido del humor hacen la película más entretenida. Alison Brie: conocida por su papel en Community, Brie tiene un papel digno, es una arista de la historia y se le da un buen cierre, nada más.
Cuando las cosas van de mal a peor En este tipo de películas siempre se va con un pre-concepto de que son todas iguales, de que son todas “Bolas de Fuego Empantanadas” como cuando Burt Reynolds apareció presentando su última película en Los Simpsons. El caso de Bus 657, el escape del siglo (Heist) no es muy diferente: muchos tiros, diálogos que no aportan, insultos a falta de un buen guion, lo típico de una película de acción pochoclera y de mala calidad. Termina siendo una mezcla de películas. Una rara combinación entre John Q (2002), La gran estafa (Ocean's Eleven, 2001) y Máxima velocidad (Spedd, 1994). Si hay que buscarle algo positivo al film del director Scott Mann, es que logró reunir un elenco que puede atraer, sobre todo por el incansable Robert de Niro, y se le puede halagar un final que no estaba dentro de los planes de este espectador. Más allá de eso, termina siendo obvia y aburrida. Actores: Jeffrey Dean Morgan: este actor conocido principalmente por su papel como padre de los hermanos Winchester en la serie Supernatural o por su papel en la película de héroes Watchmen (2009), tiene una performance, digamos, nivelada. Por momentos se lo ve sólido y creíble, pero al final desbarranca. No porque sea un mal actor: el guion le juega una mala pasada. Habrá que ver cómo sigue su carrera ahora que interpretará al personaje más malvado que tendrá The Walking Dead. Dave Bautista: este tipo de fracaso actoral ocurre cuando se quiere meter a un luchador de MMA frente a una cámara para hacer de tipo rudo. Al pobre Dave se le nota la falta talento y se lo ve insultando y gritando la mayor parte de sus líneas (como si eso fuese actuar). Robert de Niro: considero que Robert es lo más rescatable de la película. Su sola participación hace que el film sea algo más atrayente. Eso sí, no está para un Oscar ni nada parecido, se ve que fue al set e hizo su trabajo, hizo de malo, pegó un par de tiros y se llevó su bolsa de dinero. Bien ahí Robert, te esperamos en Joy. Ahí seguro la rompes.
Cuando la originalidad es lo que falta No sabría por donde empezar mi reseña sobre La cabaña del diablo (Gallows Hill, 2013), dirigida por Victor García. Se podría decir que tiene la típica receta para una película de terror (no sé si de terror por el género o por lo mala que es). Una vieja casa, un país extranjero, un grupo de personas que no hagan caso a las advertencias, una niña digna hija de Belcebú y sangre, mucha sangre. Con esos ingredientes se logra un film de terror como este. Vamos a la placa diría Maru Botana. La Cabaña del Diablo ofrece un argumento que puede alentar a los fanáticos del terror a ir a verla, sobre todo en el comienzo de la película, que es el punto más alto y de mejor calidad. Ojo, estoy hablando de los primeros diez minutos nomás. Todo se empieza a desbarrancar cuando los malos efectos de lluvia comienzan (no costaba nada comprar una manguera), decepcionando al espectador casi desde el principio. Algo que es destacable y que parece un buen ingrediente para este género es la mezcla de idiomas, sobre todo el español, como sucede en esta película. Le aporta confusión al espectador. Actores: Peter Facinelli: siendo una película de un presunto bajo, no esperaba encontrar actores de calidad, pero cuando comencé a investigar sobre ellos, encontré que Peter ha estado en Crepúsculo (Twilight, 2008) y toda sus sagas. Participó en la serie Glee y ahora se encuentra en Supergirl. Eso sí, sus méritos televisivos y fílmicos no quitan que en este film no se haya destacado, tiene una performance aceptable y que roza la desaprobación, pero en Cinergia somos buenos y lo vamos a aprobar. Sophia Myles: esta actriz ingles y de bello acento británico tampoco tiene una gran performance, se podría decir que su climax de la película es cuando le sucede lo peor que le puede suceder en el film. Después y antes de eso, no vale la pena. Natalia Ramos: esta bella actriz de origen español tiene como mejor característica eso, ser bella, toda película de terror tiene una mujer bella y tierna, su perforarse basa en eso.