Si hay algo que no se elige en la vida, eso, eso es la familia. Los amigos son muchos y como figuritas, son intercambiables; en cambio padre, madre, hermanos o hermanos hay uno solo. Mateo Rovere nos trae tras su dirección un film de velocidad, hermandad familiar y autos por todos lados. Veloz como el viento tiene varias cosas positivas, a pesar de tener un final cantado. El guion, que es lo que más resalta junto a los actores, es de lo mejor de la película, junto al gran manejo de cámara cuando se trata de autos. Actores y Actrices: Matilda de Angelis: de los dos protagonistas del film, De Angelis es la más flojita, pero aún así tiene una performance notable pese a su notable juventud. Stefano Accorsi: este hombre lo es todo, se lleva todos mis aplausos, en la primera impresión parece un desastre pero cinco minutos después destruye cualquier primera impresión para ser LA estrella.
Si entre ellos se pelean "Los hermanos sean unidos porque esa es la ley primera...” Así reza el Martín Fierro. Esta frase podría ser tranquilamente lo que resuma la película islandesa Rams de Grímur Hákornarson, ganadora del premio a mejor película de la sección “Una mirada diferente” en el último Festival de Cannes. Rams cuenta la historia de dos hermanos que no se hablan desde hace mucho tiempo, hasta que una enfermedad azota el valle y obliga a los granjeros a sacrificar a todos los carneros de la región. Gummi y Kiddi, los hermanos, se niegan a perder su dinastía de carneros y hacen todo lo posible por mantenerlos vivos. Lo más destacable del film es esa innecesaria y fría crueldad que se muestra cuando las imágenes denotan los sacrificios de los animales (eso sí, en ningún momento se ve la situación del sacrificio en si). Otra cosa a destacar es la fotografía que se logró: llena de verdes y grises durante el otoño y el blanco infinito durante el invierno. Algo que sorprende es que la película se postula como comedia o comedia negra tal vez, pero termina siendo un drama profundo. Actores: Sigurdur Sigurjonsson: este actor de origen islandés tiene una gran performance como Kimmi, una de los hermanos protagonistas del film. Es al único sobre quien me voy a referir, porque es el de mas diálogo y mas tiempo en pantalla. Algo que me pareció destacable es su facilidad facial para actuar, se lo ve muy suelto a pesar de la cantidad de ropa que lleva por el frío.
Una caricia al pasado El cine ha mostrado a lo largo de su historia que los amigos pueden venir en todos los tamaños, colores y lugares. Desde un extraterrestre que todo lo cura, a un gigante de metal y hasta un enorme perro rojo. La amistad esta en todos lados, solo hay que saber buscarla. El gran Steven Spielberg vuelve a la pantalla grande para mostrarnos que todavía sigue siendo uno de los más importantes cineastas de la historia, con su película El buen amigo gigante (The BFG), historia basada en el libro de Roald Dahl. Una trama llena de ternura, amistad, música y sueños. Spielberg nos muestra en su película esos clásicos efectos especiales que hicieron que sea EL SEÑOR SPIELBERG, trayendo a la pantalla gigantes animados y sueños de colores que vuelan. Otra cosa que vuelve a traer Spielberg son los niños. En este caso le da su oportunidad a un gran futuro talento, Ruby Barnhill, una dulce niña con anteojos y un acento inglés bien marcado. Y además para destacar es la música del eterno compañero de Spielberg, John Williams. Creo que no hace falta decir mucho de ella, pero es preciosa. Por último, algo que me gustó muchísimo es el idioma que se inventó Roaald Dahl para los gigantes: el Gobblefunk. Actriz Ruby Barnhill: esta niña inglesa tiene un futuro enorme. De por sí, haber sido elegida por Steven Spielberg para su primera película es un logro enorme. A su actuación la acompaña un encanto y una ternura que hacen que sea difícil no quererla.
La trama sensible Review: Esta gran película de coproducción chileno-argentina dirigida por Pepa San Martín me dejó realmente mudo. Cuenta la historia de un pequeña niña, Sara, de 13 años de edad, que tiene a sus padres separados. Su padre vive con una mujer pero su madre también. Esto genera un gran conflicto en ella, que no comprende si la situación sexual de su madre es la correcta manera de vivir. A través de unos bellos planos y unos diálogos fuertes, Pepa San Martín nos ofrece una maravillosa película que muestra cómo la sociedad todavía no está totalmente preparada para afrontar este tipo de situaciones y que si toca hacerlo, hay que hacerlo con amor, paciencia y ni una pizca de vergüenza. San Martín habló con el sitio Cine Freaks y contó cómo fue trabajar con actrices tan jóvenes en un papel tan difícil: “Conversamos mucho, les conté de la historia real, ellas me contaban sus cosas y así fuimos armando a los personajes, como un juego y que a través de ellos podían hablar de lo que les interesaba decir a los adultos”. También habló de cómo fue la reacción de la sociedad chilena que está en contra de una pareja del mismo sexo: “De eso se trata, queremos llegar a los no convencidos. Establecer un dialogo mas allá de las leyes, un diálogo sobre el amor y todas sus formas”. Actores y Actrices: Julia Lübbert: esta pequeña actriz sorprende gratamente en un papel tan difícil como el que hizo, con su actuación genera empatía por momentos y esa típica deseperacion que le puede agarrar a un padre por su hijo. Muy bien.
Fuga de mujeres Aquellos que leen Cinergia, supongo que prefieren la sinceridad antes que una crítica amistosa sobre un film. Yo, siendo sincero, no entendí Algunas chicas, del director Santiago Palavecino. La considero una sucesión de hechos y personajes con un sentido, que no se termina de entender, y una filmación bien lograda, pero lo pausada y suspendida que es, hace que no se termine nunca y deja un guion pobre y con falta de fuerza. Luego vamos a hablar de las actrices del film, un rubro aparte de esta crítica. Santiago Palavecino habló en 2013 con la web de Informe Escaleno y contó cómo fue la escritura del guion de Algunas chicas: “Lo escribí durante un período de ensayos que duró seis meses. Luego seguí escribiendo y cambiándolo. De todos modos, las chicas tenían lugar para improvisar, por ejemplo hay una escena que fue inventada toda el último día: le conté el cuento a Ailín (Ailín Salas, quien encarna el personaje de Nené), pero no al resto y ella lo reprodujo. Muchas de las reacciones son propias de ellas, de hecho una de las frases que a mí me parece la más linda de la película, la inventó Agustina (Agustina Muñoz, María en la ficción), que dice “tenés que vivir y punto. ¿De qué te sirve tener un sueño premonitorio? Si te encontrás con el tipo, te lo encontrás”. Creo que la película está construida a partir de presentes muy intensos y muy cercanos. Nos tomó un año montar la película”. También contó como influyó la obra de David Lynch en su película: “Una de las cosas que me propuse para alimentar mi amor por el cine fue revisitar aquellas películas de mi infancia, aquellas por las que me hice cinéfilo, las que despertaron el deseo de hacer cine. Y en esa lista está Lynch, como también Cronenberg. Lynch es un cineasta que no se puede imitar. Pero claro, es de esos que dejan una huella tan profunda en tu cerebro, que es muy probable que eso haya entrado de maneras que yo ni sospecho. Aunque hay cosas que hago a conciencia”. Otra cosa de la que habló fue de cómo se logró el sonido del film: “Trabajamos todo un año con una compositora de música contemporánea muy talentosa que es Agustina Crespo, quien justo se estaba por ir a París, pero le pedí que antes hiciera el sonido para la película. Hay un gran trabajo en conjunto entre la compositora y los ingenieros de sonido. Lo que yo quería era que no se pudiera distinguir qué es música y qué sonido ambiente. Me pone nervioso la pereza de poner pajaritos de día y grillos de noche. Además, en el cine argentino se ha creado el mito de que las películas si no tienen música son más ambiguas, que no sé de dónde lo sacaron porque ningún gran cineasta trabaja así. Por ejemplo Bresson es considerado un cineasta que no usa música. En primer lugar, sí la usa, y en segundo, las bandas de sonido que él utiliza están hiper compuestas. El sonido debe funcionar como otra línea de narración. En el caso de esta película, nos llevó un año hacerlo porque había que encontrar la forma de que la música tuviera muchos matices; no tenía que ser utilizada para subrayar, sino también para contradecir, para agregar una capa más de significado”. Sobre las actrices podemos decir: Cecilia Rainero: tuve un gran problema con las actrices de Algunas Chicas , pero si tengo que rescatar a alguien, Rainero es la indicada, de los tres personajes principales es la que más se destaca. Agostina López: tengo que decir que lamentablemente López fue de lo peor del film, igualmente esta sensación de que no está encontrando buenas actrices jóvenes en la actualidad me inquieta desde hace rato. López parece confundir el hablar despacio, pausado y tranquilo con actuar. Ailin Salas: con Salas tuve sensaciones mezcladas, por momentos no tiene una mala performance, pero por otros parece contagiarse de López y cometer el mismo error que ella.
Hay un dicho que dice “segundas partes nunca fueron buenas”. Esta frase se la puede escuchar mucho en el cine, sobre todo cuando una película fue un éxito total en su primera parte y al hacerle la secuela, el fracaso fue algo esperado. Claro, me van a decir que hay excepciones, pero Ocho apellidos catalanes, muy a mi pesar, no fue una de ellas. Tratando de repetir la historia y el éxito de Ocho apellidos vascos, su segunda parte se queda muy atrás. Es verdad que el argumento es excelente, esa pelea entre españoles, vascos y catalanes por ver quien es español o quien es más independiente, es algo maravilloso. Pero cuando los chistes se vuelven algo obvios y los estereotipos se repiten, ya dejan de causar tanta gracia. Su director, Emilio Martinez-Lázaro, contó en una entrevista qué fue lo que hizo para no caer en la repetición de lo que fue Ocho apellidos vascos: “Bueno, pues sencillamente seguir un poco el guion estupendo de Borja Cobeaga y Dego San José. Leyéndole ya se veía que Karra era de otra manera, que había cambiado de carácter y eso ya me daba un pie… Que Dani estaba enfadado con su mujer y por tanto tenía que hacer un esfuerzo, tenía que poner una situación de paroxismo nada más empezar la película para luego ir allí y volver a ser el mismo Dani de antes… Han sido cambios que venían dados por el guion y luego algunos personajes que yo me he centrado un poco más en ellos, el de Berto y el de Belén Cuesta”. También habló de cómo hizo para que las parejas dentro del film no diluyeran la química entre ellas: “Yo creo que tenía una ventaja a mi favor y es la gran calidad de los actores, ya que basta con que se vean un poquito Karra Elejalde y Carmen Machi para que luego la cosa funcione cuando hago una escena más larga con ellos. Funciona gracias a que tienen un carisma brutal para el público. Empiezan a hablar y no hace falta explicar mucho. El que ha visto la película anterior ya sabe de dónde vienen, pero incluso el que no la haya visto y solo sepa que al principio se enfadan, se separan y que luego va a haber pequeñas puyas de ella hacia él cuando luego los ve en el banco en la escena de la gran discusión ya lo va a aceptar”. Actores: Dani Rovira: este actor español es, y vamos a decirlo en criollo, un cago de risa: ya en la primera parte te divierte durante todo el film. En esta segunda parte, a pesar de que los chistes son repetitivos, Rovira mantiene esa gracia que lo caracteriza y que lo puso como conductor de las dos ultimas entregas de los Premios Goya. Clara Lago: a esta actriz española tal vez la hayamos visto hace poco por nuestras carteleras, ya que participó junto a Pablo Echarri y Leonardo Sbaraglia en Al final del túnel. Esta joven actriz mantiene una performance digna y sutilmente graciosa, nada del otro mundo. Berto Romero: este actor español me sorprendió, a pesar de estar estereotipado como un catalán. Se lo ve gracioso y actual, pero algo sobreactuado en su personaje de tipo cool y moderno. Karra Elejalde: este actor vuelve con el mismo personaje de típico vasco cojonudo y malhumorado, pero ahora con un toque sentimental. Elejalde habló con la prensa española y contó cual fue la intención de la película con respecto a los chistes sobre vascos y catalanes: “La gente tiene que saber ver con qué intención está hecha una cosa, y ya en la primera parte se vio claramente que no se trataba de hacer escarnio público de la autonomía vasca ni de la andaluza, y tampoco en este caso. Seguimos en el mismo raccord de intentar hacer películas que tiendan puentes, que sea más bien cauterizadoras y hermanadoras, no se trata de ir a escocerle los huevos a nadie. Yo creo que los catalanes se van a descojonar un montón, y los vascos y andaluces también”.
Contra el terrorismo desde adentro Luchar contra el terrorismo no es tarea fácil, nunca. Ya sea ISIS, Al Qaeda u otro grupo de esa índole. Cuando se lucha contra esta gente hay que ponerse los pantalones largos, la mente fría y tomar las decisiones que se tengan que tomar, siempre poniendo la seguridad de la humanidad por delante de todas las cosas. Con un elencazo y una historia interesante, Gavin Hood (El juego de Ender) logra con Enemigo invisible (Eye in the Sky) un film que se compromete con los personajes y las consecuencias de sus acciones. Tal vez, el punto más débil puede ser el guion, el cual nunca es una maravilla, pero tampoco es un desastre. Algo muy interesante que muestra este largometraje e la burocracia que hay detrás de estos planes de ataque que se forman contra los terroristas, donde se tiene que pedir permiso y consultar por cada decisión y movimiento que se haga. Durante la película hay un ataque con drenes. Hood quiso usar las escenas del dron para meter al público en discusión sobre la ética de la guerra y cómo la tecnología afecta ese campo. Habló con el sitio Polygon sobre esto: "Hay un enorme valor de entretenimiento para que tu corazón se acelere durante dos horas, para estar al borde de tu asiento todo el tiempo. Siempre estoy preguntando: ¿puedo aumentar la frecuencia del pulso de mi audiencia? ¿Puedo hacer algo más que eso? Al final de la experiencia, puedo salir con una gran cantidad de hablar?". ACTORES: Helen Mirren: la actriz británica de vasta trayectoria tiene una performance correcta en un papel en donde no se la ve nunca (no recuerdo una película donde ella ejerciese el rol de un militar). Alan Rickman: el difunto actor también tiene una performance correcta, y lo raro de esta actuación es lo bien que le queda un personaje militar y burocrático al mismo tiempo, esa voz tan especial que tenia Rickman le daba un tono de poca paciencia que se ajustaba muy bien al personaje. Aaron Paul: el ex Breaking Bad tiene como personaje a un piloto de drone encargado de lanzar el misil que termine con éxito la misión. A Paul se lo ve bien en el film, su tensión, angustia y duda están bien representadas.
Una novela de educación sentimental ¿Qué es la adolescencia para una mujer de apenas 15 años? La respuesta es fácil: una etapa de liberación y auto descubrimiento. Pero nunca hay que dejarse engañar por las apariencias de esta etapa de la vida, sobre todo las mujeres las cuales suelen ser las más perjudicadas por aquellos que piensan que por no tener todas las “ventajas” que tiene el otro sexo, les da el derecho a hacer lo que quieran con ellas. La niña de los tacones amarillos de la directora argentina María Luján Loico, muestra en una sola película esa distancia que hay entre el norte de nuestro país y la Capital Federal, también muestra, a través de algunos estereotipos que se podrían haber evitado, la vida de quienes sufren por tener bajos recursos económicos. Y algo que me pareció poco original pero efectivo por las épocas que vivimos es la problemática de como la mujer no es respetada por su género y por eso pasa a ser un simple juguete sexual del hombre. Algo que no se puede dejar de destacar es la fotografía del film, mostrando una provincia de Jujuy, hermosa como siempre. Mercedes Burgos: La protagonista de este film está muy bien en lo actoral, se la ve muy cómoda frente a la cámara, y sobre todo, se la ve natural, como si tuviese la edad que interpreta. Pero hay una sola falla, la cual no es culpa suya, sino de quien hizo el casting: no tiene acento jujeño, solo lo mantiene por momentos y en contraste con los demás personajes eso se nota mucho.
Cuando la justicia no es justicia La justicia es uno de los pilares de toda sociedad y todos sabemos que cuando un pilar se cae, toda la estructura se derrumba en ese instante. Cuando la justicia falla, los que pagan nunca son los de arriba, el pisotón se lo llevan los de abajo. En La acusación, película de Chaitanya Tamhane, se cuenta la historia de Narayan Kamble, un poeta y activista político que es acusado de algo que no hizo. Durante el film se puede ver como el juicio se lleva a cabo a través de la vista de los tres protagonistas del film: Narayan, el acusado, Vivek Gomber, su abogado y Pradeep Joshi, el juez. Esta forma de contar la historia es de gran atractivo, porque podemos ver las diferentes perspectivas de los personajes desde sus posturas sociales. Con un guion tan inteligente como reivindicativo y humano, La acusación muestra un detallado fresco de la sociedad de la India, al tiempo que cuestiona un sistema legal tan obsoleto como irracional. Y se distingue por su brillante elenco de actores profesionales y no profesionales; su combinación entre drama y comedia; y su mirada realista a los personajes y a la sociedad india en su conjunto, compleja y rica en contradicciones. Hay dos cosas que pueden ser tediosas durante el film: la primera es que termina siendo lenta, entretenida y bien armada, pero lenta (hay planos que duran más de los necesario en mi opinión); y lo segundo es el constante cambio de idioma, se sabe que India fue en su momento parte de la corona británica, pero el cambiar del indú al inglés durante las conversaciones les saca realidad, hubiera sido preferible mantener el idioma durante toda la película.
La partida del siglo Estados Unidos, Rusia ,capitalismo ,comunismo ,una guerra , ningún arma, muchas amenazas, una competencia deportiva interminable, un peón, una reina, un rey, un yankee, un rojo, Bobby, Boris, un juego y la locura. Una guerra de percepciones. Edward Zwick, el director de El último Samurái (The Last Samurai, 2003) y Diamante de sangre (Blood Diamond, 2006) dirige esta película que relata la historia de Bobby Fischer, el mejor jugador de ajedrez de todos los tiempos, el cual vivió su vida sintiéndose paranoico y perseguido por la URSS, por su fuerte actividad deportiva durante la Guerra Fría. El film cumple con creces lo que propone y logra una gran atención de parte del público. Con pequeños toques de comedia, un soundtrack muy sesentoso y una gran actuación de todo su elenco logra contar una historia que refleja el clima sociopolítico y deportivo del mundo que vivió Fischer durante esos años. Tobey Maguire Se ve que cuando Tobey no hace de Spider-Man, le sale el buen actor de adentro y nos da una performance de alta calidad. Interpreta un Bobby Fischer paranoico y sumamente engreído, el cual se le podría haber ido de las manos y terminar siendo exagerado, pero no, maneja bien el personaje y sorprende gratamente. Liev Schreiber Este gran actor de origen alemán da vida a Boris Spassky, el gran contrincante contemporáneo de Fischer. De su actuación se puede elogiar la gran fluidez del idioma ruso de parte de Schreiber y esa paranoia que de apoco empezaba a parecer en Spassky.