Este film de Taika Waititi puede ser polémico por varios aspectos que pueden resultar chocantes para cualquier historiador o interesados de lo sucedido en la guerra mundial. Primero les recomiendo leer la critica de Javier Porta Fouz en La Nación que les dejo aqui. En esta critica, Fouz describe lo que sucede y bastante en nuestra realidad con respecto a tratar ciertos temas con gracia, o si existen temas “Intocables” con los cuales no se puede hacer comedia. Waititi, como nos tiene acostumbrado su cine, la frivolidad o el lugar a la sátira siempre existió. El nazismo es un suceso histórico sensible como cualquier otro. A lo largo de la historia del cine, hubieron una cantidad incontable de películas que se dedicaron a retratar los hechos, contar la historia o la otra cara de esta de manera solemne. Pero existen muy pocas como “Jojo Rabbit” que permiten un espacio de humor en un tema complejo y delicado como este. Igual Waititi realiza esto con cierto respeto, porque no se ríe de la forma de asesinar judíos o del odio de Hitler hacia ellos. La sátira esta en lo absurdo que fue el nazismo y su idea de dominar el mundo. Y lo interesante esta en contar esta idiologia como un pequeño grupo de boyscouts que entrenan para una guerra contra países que no conocen su verdadero poder. También en niños que son tratados como adultos yendo y preparándose para una guerra, Hitler(interpretado por el director) ofreciendo cigarrillos al protagonista interpretado por un simpático Roman Griffin Davis, enfrentarse con temas que son existenciales como la muerte en el caso de la escena final o lo sucedido con Rosie(Scarlett Johansson). Y la paleta de colores vivos y saturados en los escenarios que amplían esta singularidad de Waititi. Es una película entretenida que no busca hablar sobre lo sucedido en segunda guerra, sino mas bien adaptar la historia de forma simple, básica, que la pueda entender hasta un niño de 10 años, como ocurre aquí. Sin embargo en lo personal, estos tipos de films no suelen ser de mi agrado por la falta de importancia al plano, sonido o montajes que “quedan cool”. Aqui hasta hay planos que por momentos te recuerdan a un film de Wes Anderson, conocido mundialmente por la simetría en sus composiciones de imagen. Pero, ¿por que?, ¿para que?. El estilo debería ser algo distintivo de un director pero a la vez tiene que ser utilizado de manera razonable o justificativa. Lo mismo ocurre en el cine de Waititi. Y esta bien, entiendo, ustedes me dirán, pero si su cine son sátiras, comedias o frivolidades por doquier. Es aceptable, pero no por eso deberían usarse objetos, recursos o elementos del cine por que si. Existen sátiras o comedias como “Some Like it hot” de Billy Wilder por nombrar una, donde todo esta justificado y el guion es excelente porque una escena lleva a la otra, entre muchas cosas. Conclusión: ¿se puede hacer comedia sobre hechos históricos?, si pero siendo cuidadoso en los aspectos fuertes del hecho. ¿De la misma forma que Waititi?, si y no, porque ademas de querer transmitir tu idea o personalidad en el film, no hay que olvidarse que el cine es un medio que tiene sus reglas, y estas son estudiadas y mas ricas cuando las usas de manera justifica y significativa. Palabras de Waititi en una entrevista para el diario El Mundo: “No me siento con fuerza para elaborar una teoría general del asunto. Puedo hablar por mí y por mi película, y lo que me interesaba era contar la fantasía de un niño. Mi película trata de ver el horror a través de la mirada de un niño que no sabe de lo que es capaz el mundo adulto. No intenta ser tampoco un relato fiel o aproximado de lo que realmente ocurrió.”
Este film de Paula Hernandez arranca con un primer plano vertical, que nos muestra recta a Luisa (Erica Rivas) dormida, acompañado del sonido del agua de fondo, luego se despierta y camina a buscar a su hija Ana, la cual la encuentra desnuda y sonámbula. Juntas se van a la habitación de ella solas. Y esto va a ser una escena simplificadora del tema mas importante en el film. Personas sonámbulas que no están despiertas, pero tampoco dormidas, no están lo suficientemente conscientes de lo que viven o les pasa a su alrededor. El primer plano funciona como buena síntesis del estado de los personajes. Porque Ana no es la única que esta dormida y esta despertando como mujer. Quiere hacer lo que quiere, tomar alcohol, ir al rió con los primos, etc. Pero ella aun no esta consciente de eso al plantearle dudas a su madre. En cambio, Luisa esta despertando con sus deseos de ser escritora y también se esta revelando ante su marido demostrándole sus diferencias y poco deseo o atracción que tiene hacia el. Las escenas mas simplificadoras son cuando ella le dice que no quiere tener sexo o cuando luego del almuerzo familiar, le dice que no esta de acuerdo en quedarse con la casa. Dos mujeres que están despertando en sus vidas, están cambiando por su bien emocional. El plano que narra esto es cuando se están poniendo el traje de baño juntas, en el mismo plano. Pero este cambio no solo es necesario para sus libertades, también el problema de vender la casa, siendo el tema que los incumbe a todos los personajes. Meme y Emilio los mas arcaicos idiologicamente y de edad, son los que quieren mantener el hogar o metáfora de una estructura familiar que oculta varios secretos o deseos reprimidos. Es interesante que el personaje de Luisa tenga el trabajo de traductora y no sepa traducir a Ana, únicamente entendía a su marido y a su familia, pero claramente al final cuando ella decide ser escritora, tener su propia voz, sus propias decisiones, va a entender a su hija, y se irán lejos de esa familia conflictiva. Otra conflicto no fundamental en la trama, pero notorio, es el control familiar. La lucha por quien toma las decisiones, quien ordena a quien, quien hace el asado o quien saca la foto. Todas peleas de relación en cuanto al poder. Como decía Foucault: “mas que poder, hay relaciones complejas de poder”. Esto se transmite en las escenas entre adultos, mas bien entre Sergio y Emilio, o Meme y Luisa, etc. Este conflicto de controles culmina en el clímax del final donde todos discuten y se golpean entre si. La película tiene claras referencias a “La cienaga” de Martel o a el libro Distancia Rescate de Samanta Schweblin debido a la distancia que esta la madre de su hija y el peligro que eso puede conllevar. En cuanto a disgustos, el film se pierde en generar de nuevo situaciones que ya habían quedado claras, por ende se alarga un poco la llegada del final. Y hay ciertos personajes como la empleada o Ines que no fueron tan necesarios y capaz que si no estaban, la trama o lo que quería contar la directora funcionaba igual.
La vida de Keen Miles finalizo yendo para el horizonte, hacia la luz y en un lugar desértico donde solo los héroes mueren. Todos estos elementos en conjunto (sol, desierto, heroes, horizontes y montañas) parecen ser las claves en el cine de John Ford y Howard Howks. Directores que James Mangold siempre rememoro en otras ocaciones como en “3: 10 to Yuma” uno de los mejores westerns actuales, el cual fue un poco subvalorado y que claramente es un homenaje a todas aquellas películas de la época resignificando la figura de héroe de familia y también la moral y ética del bandido. Luego llegaría “Logan” donde también vemos una nostalgia y mirada al pasado, no solo en el personaje de Wolverine, sino también a las películas de Vaqueros o Cowboys que fueron hechas en el cine clásico de Hollywood, justamente lo viejo, el pasado. Y ahora vuelve con una película como “Ford vs Ferrari” que esta filmada de manera impecable. Las escenas de carreras con subjetivas, contrapicados, primeros planos tan cercas de los autos y de la pista que de verdad se siente de vida o muerte. Una carrera entre Corporaciones, quien va mas rapido, que industria es la mas fuerte, Ford o Ferrari. La dupla de Bale y Damon es muy buena tambien, los actores que no solo estan en las ligas mayores en esta peli, sino en Hollywood. Italia, el cine de Leone o Cabucci compitiendo contra el cine de Hollywood que en su momento tuvo su recaida y volvio a surgir en los 70. Excelente pelicula. Una de Corporaciones, mas bien, de unos hombres que se quieren destacar y hacer historia en estas industrias aun asi estando bajo reglas. Mangold nos enseña que no existen formulas o recetas de marketing para hacer una pelicula o ganar una carrera. Siempre se necesita de un hombre que no quede atrapado en el auto y no se prenda fuego simbolicamente. Los heroes como Miles, Eastwood o Wayne deben ser recordados como los que salvaron una industria, en este caso a la empresa Ford.
UNA PELICULA DE SUPERHEROES DISTINTA Antes de hablar del joker aclaro que dejare de lado las comparaciones obvias con “Taxi Driver” y “The king of comedy” que claramente se reflejan en el film. Y ademas ya fueron analizadas por otros colegas. Para empezar primero tenemos el juego de los dobles. El plano inicial lo vemos a Arthur Fleck, sentado mirándose al espejo, sacándose una sonrisa estando triste. Y a lo largo del film vamos a ver muchos planos de Fleck mirandose al espejo, tratando de encontrar su personalidad y su objetivo en el mundo, que es ser comediante. Por ejemplo: el cambio mas notorio se da luego de que asesina a los tres ricos en el subte(camino al infierno mental), ingresa al baño, y hace su baile filmado de forma fenomenal por el director. Luego otro momento con el juego de los espejos tenemos en el teatro, Thomas Wayne estando en el baño, se mira en el espejo y detrás de el tenemos a, si se quiere, el mal o la otra realidad, estando por delante, el rico o la realidad que se muestra. A Murray también puede ser un posible doble del personaje que interpreta De niro en “The king of Comedy”, solo que aqui pudo haber cambiado su nombre por uno artístico, como lo hace Arthur antes de ingresar al programa al decirle que lo llame Joker. Tambien es interesante el reflejo una ciudad gotica devastada por la mugre y basura que existe en ella. Y esto se refuerza mas una vez que en la televisión se menciona sobre la cantidad de ratas asociando a las personas que habitan en la calle como Fleck. La television sera la otra realidad, lo que obvia lo que pasa en las calles, el lugar donde Arthur querra estar, y mas bien, estar en el lugar de Murray. Este es observado como un padre para Arthur ya que carecia de figura paterna. Y ademas toda su vida fue engañado por su madre la cual siempre fue cuidada por Arthur. Por esto, justamente, Arthur decide asesinar a quien consideraba un padre, ademas de reirse de el por televisión. Las escaleras también, es el ascenso y caída del personaje. Las primeras escenas lo vemos subir escaleras, y luego de los asesinatos, cuando descubre la verdad, lo vemos descender ya vestido de Joker para ir al programa de Murray. El joker es el provocador de la revolucion contra los ricos pero el dice no serlo, que no tiene nada que ver con eso. Son sus seguidores los que arman disturbio y matan al padre de Bruce. El unicamente es el mito que se creo en television luego de ir al programa de Murray. Es la referencia contra el sistema. El final es sublime. El joker siendo levantado por sus seguidores como un líder que se cree ajeno a este movimiento, superando todos los problemas y secretos de su infancia para asi convertirse en un villano o antiheroe contra el sistema. Mientras que Bruce recién empezara a vivir su infancia traumatica para convertirse en héroe. La decadencia para uno, y el inicio para el otro.
Primer film que visiono del director James Gray y aseguro que no sera el ultimo. Ad astra claramente no trata de el espacio(símbolo de la mente humana), sino de encontrar vida inteligente en el, o algo mas allá que el hombre aun no pudo descubrir o saber con exactitud, si hay o no vida inteligente. Esa obsesión del personaje de Lee Jones en ser pionero, descubrir o hacer historia lo aleja cada vez mas de la tierra y de sus afectos. Lo que me conmovió de este film ademas de la relación padre-hijo entre Pitt y Lee Jones, es su temática de ir en busca de nuestro objetivo cueste lo que cueste. O como se lo nombra aquí, la “misión”. El trabajo por sobre todo. Misiones hay dos: la primera, la de Lee jones por encontrar vida inteligente. Y la segunda la de Pitt de tratar de eliminar el proyecto lima de su padre y volver a la normalidad con su mujer. La interpretación detrás de esto, es que Lee Jones es el hombre obsesionado por encontrar lo nuevo, consumido por su frialdad, profundizando su inteligencia y ser pionero en lo que fue y ademas busca ser el primero en descubrir vida, como consecuencia por esto, la soledad. Se podría asociar a este personaje como una especie de Colon tratando de descubrir un América que nunca llega. Pitt hace todo lo contrario a su padre. Cuando lo encuentra decide perdonarlo por todo. Esta acción de Pitt, es encontrar el verdadero valor o la idea fundamental de Gray aquí. El dejar de querer ser inteligentes y superiores a toda costa para convertimos mas en humanos y disfrutar de nuestros alrededores que también son nuestra vida o forman parte de esta. Ademas James Gray construye al espacio como si fuese un barrio donde hay distintos universos como si fuesen casas y todas están habitados por humanos. El hombre logra dominar todos los mundos, y a estos convertirlos en una red de consumo, explotación y violencia. Por ejemplo en la luna donde observamos los ataques a su coche o los locales con logos capitalistas como subway o apple. Esta idea del espacio como un barrio también se dennota cuando Pitt llega casi de una escena para la otra, a nuevos planetas en los cuales ya existen otro tipo de civilización, controles y habitan personas distintas. En cuanto a la estructura del guion, bastante parecida a la de Apocalipse Now de Coppola, aunque aquí a veces la voz en off fue ubicada en momentos donde era mejor mostrar, que contar, pero no la desmerita en lo absoluto. Porque la interpretación de Pitt ayuda a reforzar mucho este recurso.
Voy a ser un análisis de algunas de las escenas de esta gran película de Seba de Caro que me parece la mejor película argentina junto a “El cuento de las comadrejas” de lo que va del año en lo que respecta a elementos cinematográficos como el sonido, la fotografía, arte, guion, entre otras cosas que hacen de la puesta en escena, ideal en este film. Contiene SPOILERS. Arrancamos con un show de Lali Esposito que luego al finalizar, vemos a Claudia a un costado del escenario, cerrando el telón. Luego camina por un pasillo con lineas rojas. Color que tiene dos significados y va a rodear a Claudia en todo el film, representando por un lado el amor, esa pasión por su trabajo, pero también el peligro o la advertencia. Ella estará consumida por el azul que representa la soledad, melancolía y responsabilidad. Todo lo que la protagonista es y quiere ser. Hay un plano muy bonito de Claudia sola en su casa, inundada de este color. Claudia es una mujer segura de si misma y de todas las lineas de guion interesantes en el film, a ella la define el lema de la novia Julieta: “Si dudas, cagaste”. Y Claudia nunca duda, en los momentos cuando le preguntan: “¿Segura?”, ella responde con la misma firmeza que la caracteriza. Esta coincidencia con el lema que la define y comparte con la novia(Jimena), tiene mucho que ver. Porque estos personajes son simétricos, tienen relaciones entre si. La novia va a ser la que le pide a ayuda a Claudia y esta se lo va a otorgar, siendo este el objetivo secundario de la protagonista, el primero siendo que todo salga a la perfección. A las dos se le mueren los padres y están en contra de los casamientos. La mejor linea en el guion personalmente es: “La excelencia es menester”. Frase que va a estar retratada en el vaso de la compañera de convivencia de Claudia. Y luego va ser reiterada por su jefa, la cual nunca vemos, al igual que el jefe del padre de la novia. Siempre se va a comunicar con la protagonista vía teléfono( también de color rojo). La escena donde la prima de la novia se coloca la mascara de toro y se funde en rojo la imagen junto a sus cómplices(el novio, Sanchez el padre de la novia, su primo y David, primer sospechoso de claudia). En una escena Sanchez va a amenazar a Claudia de tener el control comiéndose un tomate(rojo). Esta escena es de las mejores del film, junto a primeros planos desafiantes entre ellos, retándose por quien tiene el control. Retomando el elemento de la cabeza de toro que denota peligro o secreto, también aparece en la escena cuando el novio desciende a los baños a reunirse con los demás cómplices del plan, junto a la puerta del baño(al lado de la luz que relampaguea, genera un clima de misterio). También en la oficina de Claudia bien ubicada detrás de ella, representando ese misterio que ella no puede ver, pero esta cerca. Luego de que su jefa la despida, Claudia va al baño a limpiarse las manos, librándose de toda culpa de no lograr el deseo de la novia. Algo que es relevante es que ella realice interrogantes y actué como detective con todos los invitados. Ella necesita hacerlo para tener todo bajo control y descubrir el porque la novia no desea casarse. Al descubrirlo llama al mago para hacer desaparecer a la novia,pero antes, da un discurso frente a todos y pasa a ser la heroína de la historia. Esto es un cambio si tenemos en cuenta que al inicio la vemos a un costado del show, pero al final decide ella ser el foco de atención. Existen tres tipos: el mago(el mago mismo), el que se asombra por el mago (Sanchez al morir), y el que descubre los trucos del mago(Claudia) o se cree mas que el mago(Sanchez) . Mientras ocurre ese montaje alterno aparecen estas lineas de subtexto interesantes en el film. “El criterio parece un truco, pero no lo es”. Claudia toma la decisión de atrasar el casamiento y lo hace cambiando de lugar, llamando al mago para hacer desaparecer a la novia, entre otras cosas. Al final la vemos en el velorio de Sanchez, en el centro y en un primer plano sonriente, a Claudia, revelándonos que fue ella la causante de todo. Como lectura interpreto que es una critica a las formalidades de las parejas, el absurdo del casamiento, como forma de pensar arcaica y si alguien se casa es porque existen bienes o ventajas para uno mismo. Y por supuesto al control y pasión por el trabajo. La obsesión absurda de querer alcanzar un perfeccionismo que nunca se podrá. El día que se casen, llamen a Claudia. “Naces, creces, te casas y te moris”. “Una obsesion de Jime?. Los magos” Pistas en Claudia.
En el noveno film de Quentin Tarantino encontramos una parafernalia de apreciaciones del director en cuanto al cine y su representación sobre el hollywood, en este caso de 1969 o década del 60. Tenemos dos miradas sobre la ciudad en cuestión: por un lado tenemos lo que se supone que es Hollywood con los famosos actores, estudios de cine, mansiones/ lujos en cielo drive y un famoso pero arcaico actor Rick Dalton estrella de televisión que aspira a ser estrella de cine. De este lado de Hollywood también esta Sharon Tate interpretada por Margot Robbie que puede que se considere que sus escenas no son tan relevantes, pero en realidad es otra estrella al igual que Rick que aspira a convertirse en estrella. El otro Hollywood es la familia manson y los hippies que viven en otra realidad muy distinta a los famosos. Y por otro lado tenemos la unión entre estas dos clases, que es el antiheroe de la pelicula. Cliff Booth (Brad Pitt) que me parecio el mejor personaje del film. Estuvo acertado que Tarantino no nos haya explicado quien es quien, supone que nosotros ya sabemos sobre el caso Manson, quienes son las estrellas que aparecen, entre otras referencias. Porque como toda pelicula del director, se encuentran las apreciaciones del cine que el consume y supone que nosotros conocemos al seguirlo. Considero que también es de los mejores directores actualmente en cuanto a puesta de planos te resuelve una escena de larga duración o con muchos datos en 2 planos. Se nota su visión y ojo para las puestas. Tiene muchas escenas memorables porque si hay algo en que se destaca este director, es en eso, en generar escenas. Exigo nominaciones para Pitt o Di Caprio, los dos excelentes. Con respecto al final queda claro lo que el director quiso decirnos en “Bastardos sin gloria”, si la historia o realidad se cruza con mis personajes, esta sufrirá consecuencias. Ya pago Hitler y la familia Manson, ??¿quien sigue?. También la importancia del cine y la televisión en nuestras vidas, pero fundamentalmente sobre el cine que le gusto desde siempre a Tarantino. La ficción vence a la realidad, la realidad no supera la ficción como siempre, segunda mejor película del año. El cine como un espacio de libertad donde reina la belleza tanto de las imágenes, época y donde el mundo de los directores, actores, actrices, dobles, productores, guionistas, etc. Vivirán por siempre, y Sharon Tate esta entre ellos.
