“Realidad virtual” de Hernán Findling. Crítica Luz, cámara y tu película en acción ¿lo creerías? Andrea Reyes Hace 18 horas 0 56 Con un claro guiño a las películas de terror y ciencia ficción de los años ’70 y ’80, Hernán Findling estrena “Realidad Virtual”, un film que a través del cine de género reflexiona sobre el poder de la inteligencia artificial en nuestras vidas. Protagonizada por Vanesa González, Federico Bal y Christian Sancho, el film se presenta este 18 de marzo mediante la pantalla de Cine.ar TV y en el Cine Gaumont. Se estrena Realidad virtual, nuevo film de terror de Hernán Findling – Funcinema “Realidad virtual” es la última película del director y reconocido productor de films de género, Hernán Findling; protagonizada por Vanesa González, Federico Bal y Christian Sancho. Guada es una actriz que junto a Julián acaba de finalizar las grabaciones de una película de terror. El director, Matías, y el productor buscan el éxito del film a toda costa. Los protagonistas y parte del equipo de la cinta se reúnen en la casa del realizador para ver juntos el primer corte de la película. A partir de ese momento comienzan a sucederse hechos extraños: lo que ocurre en la pantalla se replica en la vida real. Todo se convierte en una realidad virtual controlada por un programa diabólico de inteligencia artificial que hace efectivas las muertes: los actores son parte de un film y no lo saben. Si alguien te lo dice, ¿creerías que sos parte de una película sin saberlo? ¿Qué harías para ganarle a tu destino virtual desde la vida real? Hernán Findling dirigió y co-escribió el guion junto a Lourdes Prado Méndez. Si bien hay una larga lista de películas sobre realidad virtual, comenzando por un clásico de la ciencia ficción como es “Matrix”, el film escrito por Findling y Prado toca un punto de vista interesante: el lado de los actores y equipo técnico que están desarrollando una película de terror, pero a la vez son parte de ella. La trama juega con pasajes de una realidad a otra, aunque en ambas la muerte está al acecho todo el tiempo.
Crítica de “Sentadas en el umbral”. Un divorcio millonario, mentiras… y dos abogadas no tan ingenuas. Andrea Reyes Hace 3 horas 0 33 Crítica de “Sentadas en el umbral. Dirección - 75% Montaje - 75% Arte y Fotografía - 80% Música - 80% Actuaciones - 70% 76% Con un claro guiño estético al cine de los años '70, "Sentadas en el umbral" narra la historia de dos abogadas que son usadas para resolver el caso de un divorcio millonario, el cual esconde muchas mentiras por develarse. La trama está bien contada y tiene un cierre sorpresivo. User Rating: 3.03 ( 2 votes) Este jueves 20 de agosto CINE.AR estrena la comedia dramática, dirigida por Daniel Alvaredo y Móniza Roza. Dos abogadas especializadas en familia, Valeria y Teresa (Victoria Cesperes y Soledad García), son amigas desde la infancia y comparten un pequeño estudio. Un día reciben la posibilidad de resolver un divorcio complicado y millonario. Hay mucho dinero en juego y el éxito de este caso las pondrá en una mejor posición. Sin embargo, estas jóvenes profesionales no saben que son parte de una trama de plata “sucia”, grandes negociados y hasta el encubrimiento de un asesinato. Averiguar qué hay detrás del litigio y por qué las eligieron a ellas, será el acertijo que tienen que descifrar estas dos amigas. “Sentadas en el umbral” es una comedia dramática protagonizada por Victoria Cesperes, Soledad García Fabián Arenillas, Lily Popovich, Fabio Aste y Gerardo Otero. La película está dirigida por Daniel Alvaredo y Móniza Roza. En “Sentadas en el umbral” sobresale la reminiscencia a la estética de los años ’70. La música original de Pablo Sala tiene un claro guiño al cine picaresco de esa época, cuyo mayor representante fuera Hugo Sofovich. El decorado, el vestuario (Carolina Cichetto) y el maquillaje (Celeste Dunan) de las protagonistas también invocan ese imaginario. El guión de Javier Martínez Foffani está bien elaborado y se aleja de la estética que plantea la película: se identifica el conflicto en la trama y tiene un final sorpresivo. Por su parte, la dirección de fotografía y cámara a cargo de Jorge Piwowarski Roza (también director de producción) acompaña la estética visual y la narrativa de la historia. En cuanto al trabajo de los realizadores, Daniel Alvaredo y Móniza Roza, se destaca el logro de los directores para contar una historia no tan liviana en su argumento, en tono de comedia y con el plus de remitirse a una época de nuestro cine nacional. A raíz de la pandemia, el film “Sentadas en el umbral” tiene su estreno online este jueves 20 de agosto por CINE.AR a las 20.00 horas. La película se repetirá el sábado 22, también a las 20.00 horas; y a partir del viernes 21 de agosto estará disponible en CINE.AR PLAY.
Crítica de “Silvia”. Impecable reconstrucción de una vida familiar agonizante Entre registros de videos amateurs y el recuerdo de tres hermanas, la directora María Silvia Esteve busca rearmar la historia de su mamá. Por: Andrea Reyes Con la muerte repentina de su madre, la realizadora María Silvia Esteve realizó su ópera prima, que lleva el nombre de su progenitora: “Silvia”. Ganadora como mejor proyecto en diferentes Labs y acreedora del Premio Coral de Post-producción de La Habana, desde este jueves 23 de julio el largometraje estará disponible en la Sala de Cine Virtual del programa Puentes de Cine de la Asociación de Directorxs de Cine PCI. El documental combina material de VHS casero con el relato de tres hermanas que dialogan entre sí intentando reconstruir la vida de su madre; y en este devenir de recuerdos a veces confusos, es que las jóvenes van de-construyendo la historia familiar, tratando de comprender, e incluso justificar, maltratos, violencia y relaciones enfermizas. Silvia y Carlos se casaron allá por 1983 y tuvieron tres hijas. Ella era una mujer que cumplía con los parámetros de belleza para esos años; él sentía que había tocado el cielo con las manos; ambos creían que iban a vivir su cuento de hadas. Sin embargo, en esta historia faltaron el carruaje, la corona y el príncipe azul. Poco a poco aquello que Silvia imaginó se convirtió en una relación enfermiza que derivó en constantes hechos de violencia, consumo de sustancias tóxicas, y un vínculo roto que busca sanar a la distancia. En un trabajo impecable de montaje y dirección, la realizadora ha logrado reconstruir todo un pasado de mucho dolor y miedo. Intencionalmente, se produce una constante contradicción entre las imágenes y la voz en off de las tres hermanas: mientras que el material de archivo doméstico recopila distintos momentos de celebraciones e instantes de aparente felicidad; la conversación de las jóvenes toma fuerza en un relato crudo, honesto, que deja al espectador la clara sensación de la fragilidad de Silvia: la vida de una mujer acorralada y atormentada por los mandatos sociales, familiares y las presiones económicas. Asimismo, como un recurso técnico interesante, Esteve utiliza la cámara lenta y el efecto de congelar imágenes en movimiento; posiblemente, con la finalidad de contraponer aquellas imágenes idílicas con una narración sin medias tintas. “Silvia” un documental muy bien logrado en todo sentido. Crítica de Silvia. Impecable reconstrucción de una vida familiar agonizante Guión - 75%
“Murciélagos” Vínculos en tiempos de cuarentena Andrea Reyes Hace 3 horas 0 6 Con el objetivo solidario de ayudar a más de 1190 organizaciones sociales que entregan alimentos, se estrenó la primera película dirigida y producida en medio del Aislamiento Social Obligatorio. Son ocho relatos sobre las relaciones humanas durante la pandemia Covid’19. Por: Andrea Reyes En medio de la cuarentena se desarrolló “Murciélagos“, primer film producido y dirigido íntegramente respetando el Aislamiento Social Obligatorio. La finalidad de este largometraje colectivo surge de la necesidad de contribuir con los que más lo necesitan en este contexto de crisis económica. Oscar Martínez, Luis Ziembrowsky y su hija Clara Dziembrowsky, Maida Andrenacci, Héctor Díaz, Peto Menahem, Sergio Pángaro, Juan Pablo Geretto, Moro Anghileri, Carlos Belloso, Julieta Vallina, Marcelo D’Andrea y Azul Lombardía; protagonizaron los distintos relatos de “Murciélagos”. Tanto los actores y actrices como directores y directoras, productores y el personal involucrado en esta realización donaron su trabajo para colaborar en este difícil momento. El valor de la entrada virtual es a voluntad, y el total de lo recaudado se dona al Banco de Alimentos a través de Amnistía Internacional: Un movimiento global presente en más de 150 países, que trabaja en el reconocimiento y respeto de los derechos humanos. De esta manera, con el aporte solidario se está colaborando en la alimentación de niños y niñas de nuestro país. El proyecto de la productora Masses Content y la agencia Alegría, en asociación con Amnistía Internacional, bajo la dirección general de Baltazar Tokman e ideal original de Luigi Ghidotti, propone al espectador una experiencia distinta en donde lo cotidiano y lo rutinario en tiempos de aislamiento son llevados a la pantalla, generando una suerte de complicidad entre lo que cuentan los personajes y el público. Cada una de las ocho historias son diferentes entre sí, pero todas tienen un mismo hilo conductor: Las relaciones humanas durante la cuarentena, planteando no sólo desde cuestiones vinculadas con lo económico, sino también con problemáticas de violencia de género, intolerancia, separación. Ingresando al link de “Murciélagos”, todo un combo para disfrutar en 60 minutos. Por lo tanto, en medio de esta crisis que afecta de sobremanera a la industria audiovisual, surge esta propuesta original con un valor social que invita a la participación. Murciélagos Actuación - 80% Guión - 78% Música - 78% 79% Con un objetivo totalmente solidario, "Murciélagos" relata ocho historias distintas sobre las relaciones humanas en medio de la cuarentena. User Rating: Be the first one !
Crítica de “El acoso” El universo femenino ante una sociedad machista En su segundo trabajo, el cineasta israelí Michal Aviad refleja el lugar de la mujer en una sociedad digitada por hombres, a través de una realidad laboral que afecta a un gran universo femenino. Por: Andrea Reyes Bajo la dirección de Michal Aviad, “El acoso” (con título original “Working Woman”) es un drama que representa el fiel reflejo de lo que muchas mujeres atraviesan en sus lugares de trabajo y que, por distintas razones, eligen mantener en silencio, a costa de la mirada acusadora de los demás. Orna Havih es una mujer casada con tres hijos que ingresa a trabajar en una empresa de construcción muy reconocida. Su jefe, Benny, es un agradable y generoso hombre de unos cincuenta y tantos años que poco a poco, va develando sus verdaderas intenciones con la joven, quien intentará sortear las presiones de su jefe creyendo tener todo bajo control. Interpretada por Liron Ben-Shlush, Menashe Noy, Oshri Cohen, Corinne Hayat y Dorit Lev-Ari, “El acoso” (2018) muestra el interés de su director en reflejar el rol de la mujer israelí dentro de una sociedad machista, no sólo en el ámbito laboral, sino también familiar y social. Al respecto, la película evidencia aspectos de la vida cotidiana, ya que en Israel es elevado el número de mujeres que forman parte de la fuerza laboral, normalmente con sueldos inferiores en relación al de los hombres, y que en un alto porcentaje sufren de acoso sexual. Escrita por Sharon Azulay Eyal, Michal Vinak y Michal Aviad, “El acoso” mantiene una estructura lineal, bajo la premisa de reflejar la evolución de los vínculos entre los protagonistas; narrada desde la perspectiva de quien padece el acoso, con un claro guiño hacia el movimiento femenino. Por lo tanto, en 90’ “El acoso” es una película bien resuelta que logra mantener la atención del espectador, y que habilita tanto la mirada acusadora como empática sobre cuál es la postura correcta ante una situación de abuso laboral. Puntaje: 70/100
“A TODO O NADA”. CRÍTICA DE “EL GRAN COMBO” Con mezcla de humor y violencia en un tono irónico, esta película se distingue dentro de su propio género. Por: Andrea Reyes Con una apuesta retro y tono de comedia, su director, Matías Szulanski, combina una estética que lo consolida y lo diferencia. Luego de “Recetas para microondas” (2018), “En peligro” (2018), “Astro-gauchos” (2019), entre otros largometrajes; el realizador y productor de “El gran combo” (2019), pone de manifiesto a través de esta película, un homenaje a los videoclubs, más específicamente, a las comedias policiales que reinaban en estos comercios. En nuestro país, los videoclubs tuvieron su boom allá por la década de los ’90 hasta 2007 aproximadamente. Escrita por Juan Manuel Eyheragaray y protagonizada por Nicole Luis, Maida Andrenacci, Clara Kovacic, Laura Laprida, Carolina Kopelioff, Ezequiel Tronconi y Verónica Intile; “El gran combo” relata un mundo irreal del narcotráfico. Con una narrativa no lineal, su guionista (Eyheragaray) entrelaza más de una historia cuyos protagonistas son miembros de bandas delictivas que se dedican a la venta de drogas. Por un lado, La Princesita (Maida Adrenacci) comercializa sustancias ilegales con la inconfundible distinción del color rosa como sello de su propia marca: tiene que hacerle llegar un cargamento a Yolanda (Verónica Intile), una de sus clientes más importantes, y decide contratar al Bastardo para ello, a pesar que el sentido común indicaría que no puede confiar en él. Por otro lado, Yolanda contrata a Nicki Nicole para un robo aparentemente sencillo y con buena ganancia, a lo que ésta decide sumar a su vieja amiga Rocío Ro-Ro que está pasando por una mala situación económica desde hace ya un tiempo. Pero todo se complica para Nicki y Rocío cuando por casualidad se apoderan del cargamento de drogas de La Princesita, quien lejos de quedarse con los brazos cruzados, saldrá a la caza para recuperar lo suyo. “El gran combo” conserva una estructura y estilo poco convencional, apostando su director a planos cerrados y una estética de vestuario y música que remite a décadas pasadas. En este sentido, su realizador parece sentirse cómodo con este tipo de arte ya visto en su anterior película, “Astro-gauchos”. Sin embargo, si bien la estética desarrollada es atractiva, no posee un concepto fuerte detrás de estas imágenes que se muestran. Por lo tanto, a pesar de que es una película con una trama que pretende parecer más profunda de lo que es y se envuelve en situaciones que rondan lo absurdo bajo la mera intención de su director; es imperdible para aquellos que gustan de films al estilo de Pulp Fiction (en Hispanoamérica Tiempos violentos) de Quentin Tarantino. Puntaje: 60/100.
Lucha de mujeres contra la trampa de violentas costumbres. Una película que muestra un trasfondo en contra del machismo y la discriminación. (Por Andrea Reyes) Con elementos de suspenso y terror, “La Sabiduría” es una película dirigida por Eduardo Pinto en la cual su realizador expresa su crítica contra el machismo y el racismo en nuestro país. Escrita por Diego Fleischer, María Eugenia Marazzi y Eduardo Pinto, el film cuenta la historia de Mara, Luz y Tini (Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro y Paloma Contreras), tres amigas de 30 y pico de años, que después de una fiesta electrónica deciden aventurarse a vivir un fin de semana lejos de Buenos Aires y de sus problemas, buscando un poco de paz en la supuesta tranquilidad que el campo y sus destellos de luz natural intensa podrían ofrecerle. Ya instaladas en una vieja estancia se encuentran con unos peones que las invitan a una fiesta. Participan de un ritual nocturno con estos hombres y los indios: todo parecía ser una gran aventura hasta que, sin saber exactamente qué pasó, Mara y Luz despiertan en la casa alquilada y se dan cuenta que Tini desapareció. Nadie sabe qué ocurrió con la joven, sin embargo, sus amigas emprenderán una búsqueda incansable que las llevará a descubrir una trama de complicidad vinculada a una violenta costumbre generada por los hombres del pueblo. Con un gran elenco integrado por Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro, Paloma Contreras, Daniel Fanego, Juan Palomino, Diego Cremonesi y la participación especial de Leonor Manso, entro otros; esta película se destaca más por las interpretaciones y sus fotografías que por su narrativa. La primera parte del film se torna un poco lento, aunque en su desarrollo logra atrapar al espectador con un conflicto que encuadra en hechos de sangre, violencia y machismo. Por lo tanto, en tiempos de empoderamiento femenino, Pinto realiza una parábola histórica sobre las aberraciones que sufrieron los indios en plena Campaña del Desierto en el siglo XIX, pero en este caso, son las mujeres quienes se convirtieron en el blanco de estas agresiones y horrores. Para dar cuenta de esta conexión, el film propone una serie de indicios como, por ejemplo, vestidos y pinturas de la época, a fin de establecer una asociación entre los episodios pasados y actuales. La película está filmada casi en su totalidad en los hermosos escenarios naturales de Loma Verde, partido de Escobar: un lugar que invita a disfrutar del sosiego que tiene para ofrecer la llanura pampeana desde cualquier punto en el que te pares. “La Sabiduría” es una película para mayores de 16 años que muestra un oscuro escenario de nuestra historia, a través de un paralelismo con el género femenino. Puntaje: 70/100.
“LA MIRADA DEL OTRO”. CRÍTICA DE “CIEGOS”.I Una película de Fernando Zuber, que narra de forma íntima y sensible la aventura de un viaje de padre e hijo que cambiará para siempre su relación. “Ciegos” es la ópera prima de Fernando Zuber y primer protagónico de Benito Mutti Spinetta (17 años), nieto de Luis Alberto “El Flaco” Spinetta, heredero de un extirpe artístico. Esta ficción, a veces áspera y por momentos conmovedora, narra el viaje de Marco (Marcelo Subiotto), un hombre no vidente, que acompañado por su hijo Juan (Benito Mutti), su lazarillo, regresa luego de muchos años a su pueblo natal para visitar a su madre que está agonizando. Al llegar los espera su hermano Pedro (Luis Ziembrowski), quien les da la triste noticia que su madre ha fallecido. A partir de allí, instalados en la vieja casa familiar, Marco se va reencontrando con todo su pasado, y a través de los ojos de su hijo va rearmando su rompecabezas, pero queriendo dejar algunas piezas sueltas para no enfrentarse a circunstancias que lo angustian y le cambiaron la vida para siempre a él y su entorno. Pero a pesar de sus intentos, todo terminará develándose. El reencuentro con el pasado trastoca la mente de Marco y hace que Juan, su hijo adolescente, se muestre desafiante y rebelde al entablar vínculo con su primo y sus amigos: un entorno que le muestra una realidad distinta y lo aleja de la severa relación con su padre. “Ciegos”, film apto para mayores de 13 años, escrito por Leonel D’Agostino, Diego Fleischer y Fernando Zuber, sobre una idea de Fernando Zuber; relata historias nunca contadas. Con austeridad y simpleza, Fernando Zuber apuesta a un film sin pretensiones que rescata de forma conmovedora el vínculo de un padre con su hijo, y que de manera verosímil han sabido construir Benito Mutti y Marcelo Subiotto. Puntaje: 70/100 puntos.
SITUACIONES LÍMITES. CRÍTICA DE “¿DÓNDE ESTÁ ELLA? Película francesa que pone en evidencia las circunstancias durísimas que debe afrontar un hombre desde lo individual, familiar y laboral “¿Dónde está ella?” título original “Nuestras batallas” (2018), es la segunda película que dirige el belga, Guillaume Senez; luego de su auspicioso film, Keeper (2015). Con un notable trabajo de Romain Duris, Lucie Debay, Laetitia Dosch, Laure Calamy, Dominique Valadié, Basile Grunberger y Lena Girard Voss; este film se estrenó en la Semana de la Crítica de Cannes (2018) y fue nominada en los Premios César (2018) a mejor película y mejor actor (Romain Duris). Duris se pone en la piel de Olivier. Un hombre de 39 años que trabaja como jefe de área en una distribuidora de ventas online a-la-Amazon. El protagonista dedica gran parte de su tiempo a su trabajo y esfuerzo sindical en reclamo de la precariedad laboral de él y todo el equipo que tiene a cargo, descuidando el vínculo con su esposa, Laura Vallet, y sus hijos, Elliot y Rose. Un día, misteriosamente desaparece Laura. Todas sus cosas también. Decide no dejar rastro, aunque, de alguna manera, la trama muestra cómo ella venía anticipándoles de su ausencia a sus hijos. Su desaparición hace que queden en evidencia las limitaciones de Olivier con respecto a lo afectivo y muestra las contradicciones de este personaje. Las mujeres que lo rodean (su madre y hermana) dan contención a las desavenencias de Olivier y sus hijos. El sólido guión de Raphaëlle Desplechin y el realizador, muestra con una mirada humana y compasiva el drama de un hombre que luego de que su mujer abandona el hogar, debe hacerse cargo de las rutinas hogareñas, los niños y el trabajo, al tiempo que emprende la búsqueda de su esposa. Este excelente drama social refleja lo visceral del ámbito laboral precarizado como así también del orden interno que se ve representado en el personaje de Duris. Por lo tanto, el título original, Nuestras batallas, define el espíritu de la película porque apela al conflicto individual, familiar y social. Puntaje: 80/100
“Amor en tiempos de descarte”. Crítica de “Te pido un taxi”I Con un elenco mayoritariamente sub-treinta surgido de las huestes de Cris Morena, esta comedia romántica plantea la temática de las relaciones amorosas en tiempos modernos. (Por Andrea Reyes) Martín Armoya es el director de esta comedia romántica que tiene como protagonistas a Inés Palombo y Nicolás Riera, y está integrada por Bárbara Vélez, Agustín Sierra, Julián Larquier Tellarini, Candelaria Molfese, Julieta Cayetina, Ana Celentano y Marcelo Sein, entre otros. Con buena música original a cargo de Pablo Sala y con un título que expresa más de lo que dice, “Te pido un taxi” se refiere al amor en tiempos de descarte. La historia narra las nuevas formas de vivir las relaciones amorosas, pudiéndose sintetizar en corazones solitarios que buscan “sumar” vínculos esporádicos y sin ataduras. Nico Riera interpreta a Rodrigo Muñoz, un joven editor de videos de una agencia de publicidad. En voz en off el personaje se presenta saliendo de su casa para ir a bailar. Como si estuviera en automático, todo se repite una y otra vez: conquista a una chica, pasa la noche con ella pero, al final del cuento, la magia se acaba cuando al día siguiente, en modo “descarte” le pregunta: ¿”Te pido un taxi?”. Para sus amigos (los “perdedores”) Rodrigo es un “ídolo”, un ganador. Pero todo cambia, o más bien se emparda, cuando conoce a Sol Barrios (Inés Palombo), una nueva compañera de oficina, y claro, ella debería ser su próxima “presa”. Sin embargo, Rodrigo encuentra en Sol algo especial, diferente; pero para sorpresa del joven ella le hace probar de su propio veneno. Ambos creen que el amor no existe y en esta lógica tratan de vivir lo que les pasa aunque, paradójicamente, será él quien no pueda aceptar las reglas del juego. Tanto los nombres de los protagonistas como de algunos de sus personajes secundarios tienen el común denominador de ser una generación sub-treinta y que ha sido parte de grandes éxitos de Cris Morena. Ésta no es una cuestión casual, sino que puede verse como un acierto de su director si tenemos en cuenta que la película apunta a un público mayormente teen. Otro aspecto que da cuenta del target al que va dirigido el film, es el uso de las plataformas digitales, como así también los diálogos entre Rodrigo (Riera) y sus amigos, por ejemplo. Por un lado, cabe señalar que “Te pido un taxi” es una historia que presenta un planteo clásico, donde la sorpresa aparece durante su desarrollo, porque si bien desde su arranque podría identificarse como una típica película sexista, que pone al personaje de Riera en una pose de macho alfa; con buen tino su realizador hace un giro en el film empoderando la imagen de la mujer y buscando la equidad entre los sexos a través de situaciones y diálogos que ubican al personaje de Palombo en una misma postura frente a la del “cazador de presas”. Por otro lado, hay situaciones y relaciones poco resueltas en la historia. Con algunos pases de humor negro y escenas subidas de tono, la ópera prima de Martín Armoya tiene una calificación apta para mayores de 13 años y en los 80 minutos de duración es posible que particularmente la generación de los millennials se sienta identificada con la película y su planteo sobre las relaciones afectivas. Puntaje: 65/100.