“Objetos” con Álvaro Morte y Eugenia “China” Suárez. Crítica Una compleja historia sobre el oscuro mundo del tráfico de personas Andrea Reyes Hace 1 día 0 119 Objetos un thriller de suspenso con Álvaro Morte, China Suárez y Verónica Echegui, se estrena en Argentina este 18 de mayo. La película de Jorge Dorado propone una trama interesante sobre la red de personas y reúne un elenco de primeras figuras.Crítica de "Objetos", un thriller inquietante que aborda la esclavitud modernaMario (Álvaro Morte) trabaja junto a Andrés (Zorion Eguileor) en la oficina de objetos perdidos, un gran depósito donde se puede encontrar de todo, desde joyas, bicicletas, hasta un viejo velador musical. Como un héroe anónimo él repara las piezas que están rotas y se encarga de que cada objeto extraviado llegue a las manos de sus dueños. Ya desde el inicio se lo presenta como un justiciero introvertido, solitario y misterioso. Sólo mantiene contacto social con una oficial, Helena (Verónica Echegui). La tranquilidad de su vida rutinaria se ve interrumpida cuando a su almacén llega una maleta roja, y en su interior encuentra ropa de bebé con las iniciales de su nombre y restos humanos. Ante la inacción de la policía, Mario se siente movilizado por el misterio y decide investigar por su cuenta, pero esto lo lleva hasta el oscuro mundo de Sara (China Suárez), una joven cautivante atrapada por una red de trata de personas.Crítica de "Objetos", un thriller inquietante que aborda la esclavitud moderna El planteamiento inicial de la película es atrapante y prometedor, pero lo que en un principio parecía ser un thriller de suspenso perturbador, en un segundo acto se enfoca en la repentina relación amorosa entre Mario y Sara. El director Jorge Dorado con guion de Natxo López propone una trama de suspenso abordando en todos sus vértices el oscuro mundo de la trata de personas. Se inmiscuye en la esclavitud humana como objetos sexuales en tiempos modernos y, al mismo tiempo, relata otro tema escalofriante como es la red de venta de bebés. La propuesta cinematográfica es muy interesante con una bella estética, y la narrativa oscila alternativamente entre el conflicto principal y el romance de los personajes. Crítica de "Objetos", un thriller inquietante que aborda la esclavitud moderna Sobresale en la película la lograda actuación de Álvaro Morte (La casa de papel), quien logra comunicar su aflicción y su inquebrantable postura justiciera. También China Suárez tiene una correcta interpretación y logra transmitir la fragilidad, resignación y angustia de su personaje. Asimismo, Daniel Aráoz, Andy Gorostiaga, Verónica Echegui, Maitane San Nicolás, Selva Alemán y Zorion Eguileor dan lo mejor de cada uno en los roles que interpretan. Con lo cual, el elenco es convincente y resalta a un guion con una construcción, por momentos, poco sólida.
“El método Tangalanga” de Mateo Bendesky, con Martín Piroyansky. Crítica La biopic de Tangalanga: una comedia que revela los inicios del genio de las bromas telefónicas con tono de humor, inteligencia y frescura. Tras presentarse en la última edición del Festival de Cine Internacional de Mar del Plata, este jueves, 19 de enero, llega a las salas de cine uno de los estrenos más esperados, “El método Tangalanga”, de Mateo Bendesky, con Martín Piroyansky, Julieta Zylberberg, Alan Sabbagh y Luis Machín. El Doctor Tangalanga fue un humorista argentino, reconocido por sus grabaciones de “joditas telefónicas” las cuales no solo le dieron gran popularidad en nuestro país, sino que también lo llevaron de gira por varios países de América. Julio Victorio de Rissio, su verdadero nombre, falleció en 2013 y diez años después se está estrenando su biopic en salas de cine, narrándose los comienzos del artista allá por los años 50′, ’60. En la película, el protagonista se llama Jorge (Martín Piroyansky), un empleado de una empresa de jabones que es extremadamente tímido cuando tiene que hablar en público. Un día, su amigo y compañero de trabajo Sixto (Alan Sabbagh) cae internado y él tiene que cubrirlo en la venta de unos productos ante la mirada de los compradores y su jefe (Luis Machín). Obviamente, todo sale mal y enojado consigo mismo, termina en un show de hipnotismo conducido por un mentalista español (Silvio Soldán). A partir de ese momento, cada vez que Jorge escucha el tintineo de una copa o el tono de un teléfono, su lado extrovertido, verborrágico y chabacano se apoderan de él. Con la intención de alegrar a su amigo internado y de conquistar a Clara (Julieta Zylberberg), la recepcionista del hospital, empieza a utilizar este recurso a su favor, convirtiéndose en poco tiempo en el Doctor Tangalanga. Mateo Bendesky, guionista y director de “El método Tangalanga” (2023), además de “Acá adentro” (2013), “Nosotros solos” (2017) y “Los miembros de la familia” (2019), hace de esta película un cálido homenaje al ícono humorista argentino, recreando más que la historia la esencia bromista y hasta absurda que tanto hacía reír de Tangalanga. El realizador propone una comedia blanca con el afán de recrear el espíritu de los años ’60, que es la etapa en que surge el famoso humorista. En otras palabras, el director optó por un humor más familiar sin caer en relatos groseros o burdos, por lo que “El método Tangalanga” es una película apta para todo público. La composición que hace Martín Piroyansky sobre Jorge, Tangalanga, es brillante; hay un importante trabajo actoral y de dirección por parte de Mateo Bendesky. Pero también hay que destacar que a Piroyansky lo acompaña Julieta Zylberberg con todo su encanto. Alan Sabbagh, Rafael Ferro, Luis Machín, Luis Rubio, Antonella Saldicco, Silvio Soldán y Lucía Maciel, son los actores secundarios de la película y cada uno se destaca en su interpretación.
La ópera prima de Fernando Sirianni y Federico Breser es un largometraje de animación 3D para adultos, basado en la serie “Tierra de rufianes” y con una estética inspirada en el género film noir. Cuenta con las exquisitas voces de Norma Aleandro, Nicolás Furtado, Maite Lanata y Jorge Marrale regenteando este thriller ambientado en los años ’20 de la ciudad de Rosario.“El paraíso” es una película de animación 3D para adultos, algo poco común en la cinematografía argentina, con rasgos estéticos del cine negro y basada en la espectacular serie animada “Tierra de rufianes” (2015). Creada por Fernando Sirianni y Federico Breser, “El paraíso” comienza con una estructura de documental: un periodista (Ernesto Larresse) va hasta la casa de Magdalena Scilko (la voz de Norma Aleandro) para entrevistarla. Ella es una mujer de unos 90 años que acepta narrar la desgarradora historia de amor trágico, prostitución, poder y muerte que la tuvo como protagonista, con la única intención de develarse a su hijo qué pasó verdaderamente con su padre Ian Abramov con quien tuvo un romance inevitablemente marcado por la tragedia. El relato narrado por la mujer anciana traslada al espectador hacia la ciudad de Rosario en el año 1926, cuando de muy jovencita Magdalena Scilko (Maite Lanata) junto a su hermana Anna llegaron desde Polonia con el sueño de un futuro mejor. Sin embargo, ambas fueron engañadas y capturadas por una una red de trata que manejaban los Abramov y que terminó con el triple crimen de quienes dominaban el negocio del narcotráfico, el contrabando y la prostitución en la región.
“El monte” de Sebastián Caulier con Gustavo Garzón. Con la impecable actuación de Gustavo Garzón, Sebastián Caulier estrena su tercer largometraje, otra película atravesada por el realismo y lo fantástico. “El monte” (2022) es el tercer largometraje del director formoseño Sebastián Caulier, creador de “La inocencia de la araña” y “El corral”, que cuenta con la sorprendente actuación de Gustavo Garzón. Gustavo Garzón interpreta a Rafael, un notorio médico que deja su casa y su trabajo para instalarse en el medio del monte de Formosa, experimentando una vida primitiva lejos de cualquier lujo. Juan Barberini (Nicolás) es su hijo, y por pedido de su madre viaja hasta el monte para reencontrarse con su padre que no ve hace tres años; con la esperanza de rescatarlo y restituirlo al mundo civilizado al cual pertenecía. Sebastián Caulier erige dos relatos a la par combinando el género dramático con el cine fantástico. Por un lado, cuenta el vínculo de un padre y su hijo, en apariencia bastante fragmentado. Por otro lado, la conexión sobrenatural del hombre con el monte: el tercer protagonista de esta historia que cobra gran relevancia encubriendo un enigmático misterio y manteniendo la tensión y el suspenso hasta el final. En “El monte” (2022), el realizador toma sus riesgos y evita caer en lugares comunes del cine nacional, no sólo desde el guion sino también con la construcción de los personajes. Tanto Juan Barberini como Gabriela Pastor muestran soltura y resolución en sus interpretaciones, aunque mención aparte es la actuación de Gustavo Garzón que supera toda expectativa en un papel jugado que, una vez más, pone en valoración su reconocida calidad actoral. El actor se luce en un personaje que denota un gran desafío de sus caracterizaciones habituales y que lo pone en un rol irreconocible. La dirección de fotografía de Nicolás Gorla se puede describir como encantadora y poética. Pone delicadeza a cada escena, cada plano. La edición de Federico Rotstein, la dirección de arte de Andrea Benítez, y el sonido a cargo de Manuel de Andrés, acompañan muy bien esta historia de realismo mágico. En “El monte” (2022) el realismo de la película es calado por lo sobrenatural y el suspenso, congeniando un enigmático film por momentos un tanto lento, pero de gran vuelo cinematográfico por parte de su escritor y realizador Sebastián Caulier. El Monte. Crítica
“Sara Mamani, el nombre resiste” de Susana Moreira. Crítica. Se estrena en el cine Gaumont el documental acerca de la intérprete salteña. Lucia Gianninoto Hace 2 días 0 11 El próximo jueves 14 de abril se estrena en el Cine Gaumont el largometraje documental “Sara Mamani, el nombre resiste”, dirigido por Susana Moreira. El film realiza un recorrido por la carrera de la cantora salteña, desde sus inicios en la música junto a Cuchi Leguizamón en el norte del país, hasta su mudanza a Buenos Aires y los hitos de su extensa trayectoria musical. El documental se divide entre tres lugares: Salta, Buenos Aires, y Jujuy. Sara regresa al hogar de su infancia en Salta, a la casa de su madre, junto a quien rememora los inicios de su carrera, impulsada por el compositor Cuchi Leguizamón. Se reúne también allí con sus amigos, nuevos y antiguos, a quienes les hace saber que quiere que formen parte del documental sobre su vida. Así, la cámara permite espiar la intimidad de esa reunión, las risas, el brindis, los recuerdos, la emoción por todo lo compartido. De allí, el relato se traslada a Buenos Aires, al hogar actual de la cantora. Ya sola, Sara se enfrenta a la cámara íntima y sinceramente, rememorando sus mejores y peores momentos, sus triunfos musicales y personales. Por último, y en el momento más conmovedor del largometraje, Sara regresa a Jujuy, a Tilcara, a celebrar y cantar en el carnaval. Como no podría ser de otra forma, la música y las canciones de Sara no sólo acompañan, sino que son la pieza central de este emocionante relato. El largometraje cuenta además con los testimonios de Adolfo Pérez Esquivel y Norita Cortiñas, quienes han trabajado y militado junto a la artista. En “Sara Mamani, el nombre resiste”, Susana Moreira retrata, junto al guionista Miguel Mirra y la complicidad de la propia Sara, la historia de la artista, su rol como cantora, pero también como militante, como luchadora, como testimonio de sus orígenes, como defensora de los derechos humanos, de los pueblos originarios y de las mujeres.
Mercedes Morán. Crítica Al estilo de las películas del Oeste, dos mujeres defienden la riqueza natural. Andrea Reyes Hace 1 día 0 131 Natalia Oreiro y Mercedes Morán nunca habían trabajado juntas, pero la oportunidad de compartir protagónico (junto a Diego Velázquez Dumbone) les llegó con la última perlita del director, Matías Lucchesi: “Las rojas”, que se estrena este jueves 14 de abril sólo en salas de cine, y que viene a consolidar la carrera del realizador argentino. “Las rojas” es un film que se mete de lleno en el género del western (versión femenino), combinando mitología con paleontología. Es así que la película viene con una propuesta diferente y poco explorada en el cine argentino: se aboca al formato de las películas del Oeste –una de las más resonantes que viene a la memoria es “Aballay, el hombre sin miedo” (2010)-; y, además, pone en el rol protagónico a dos figuras femeninas, representando –de alguna forma- un poco lo que está pasando hoy en día con las mujeres y su valioso reconocimiento. “Las rojas” trata sobre dos paleontólogas, Carlota (Mercedes Morán) y Constanza (Natalia Oreiro). Carlota es una experimentada y notoria profesional que por su labor se mantiene refugiada, junto a su gente, en un campamento entre las montañas. Allí descubrió restos fósiles de un hipogrifo, un animal mitológico mitad ave y mitad león; sin embargo, la paleontóloga guarda con recelo el santuario donde se halla su descubrimiento: cuestión que despierta la desconfianza de la fundación que financia su proyecto, y decide enviar a Constanza para que la supervise, ya que tiene dudas del hallazgo y la transparencia en el manejo de los fondos enviados. La relación entre ambas mujeres, una ducha en el tema y la otra inexperta, es tirante y de total desconfianza desde el momento cero, a pesar de que –sin saberlo- comparten el mismo espíritu humanista y a favor de la preservación. La presencia de Freddy (Diego Velázquez), colega y rival de Carlota, rondando la zona las obliga a dejar de lado las tensiones y acordar en una misma causa, defender la riqueza natural, teniendo que guerrear contra sí mismas y un entorno materialista que hará lo que sea para apropiarse del secreto mejor guardado de la paleontóloga.
Treplev: el documental de Delgado Tymruk y Perroud se estrena el 14 de Octubre en El Cultural San Martín Treplev se define por lo que no es: cuando el teatro y el cine se vuelven uno Jules Tosello Hace 2 días 0 17 El próximo jueves 14 de octubre en la Sala 2 de El Cultural San Martín (Sarmiento 1551) se estrena Treplev, el documental de Lautaro Delgado Tymruk y Esteban Perroud que nos presenta una gira teatral en Francia realizada por el elenco de “Los hijos se han dormido”. En la gira, el grupo lleva a cabo una versión de “La gaviota” de Anton Chejov, escrita y dirigida por Daniel Veronese. El documental comienza con uno de los miembros del elenco mostrándonos un teatro a lo lejos en un pueblito de Francia. Nuestro personaje señala al teatro, pero no como un simple espacio físico, sino como un lugar complejo que contiene historias de diversas personas y momentos únicos, fabulosos e irrepetibles. De eso se trata Treplev, de “lo que es y lo que no es”, porque no lo podemos definir ni como un simple documental ni como una ficción, como tampoco como una obra de teatro o una gira artística. Treplev se despliega como un todo y como una metáfora al amor que nos hace preguntarnos por el significado de la vida y del arte de la ilusión y de la interpretación. Pronto nos presentan a Treplev -el actor y escritor enamorado de Nina-, el personaje que da vida y comienzo a esta historia y, seguidamente, a Perroud, un joven director de cine, quien junto a Treplev registran este viaje. Lo que comienza como una bitácora de viaje se convierte en una batalla de perspectivas: la de la cámara de Perroud contra la del actor que interpreta a Treplev. En esta disputa, la actriz principal del elenco será el detonante del conflicto entre ambos hombres. Rompiendo con las narrativas tradicionales a través de la cámara en mano y proponiendo tomas desde perspectivas de diferentes testigos y cámaras subjetivas, vamos conociendo a la compañia de teatro argentina que, por diversos pueblos de Francia, va representando La Gaviota de Anton Chejov, dirigida por Daniel Veronese. Entre ese ir y venir de cámaras, el film va jugando con diferentes paletas de colores y con la oscuridad y la luz, así como con paisajes fríos y con paisajes más cálidos. En función de la propuesta estética, textos y frases con diferentes tipografías terminan de darle forma al relato adquiriendo el mismo protagonismo que las tomas y las imágenes presagiando por momentos aquello que acontece y apoyando, por otros, el drama y las tensiones entre los miembros del elenco. En momentos clave, el texto se vuelve el protagonista de la obra y del film, favoreciendo el acceso a las percepciones y a las emociones de nuestro verdadero protagonista. Sin dudas el film genera un entorno íntimo que permite empatizar tanto con Treplev en particular, como con el resto de los personajes en general.
“Flipper” de Matías Szulanski. Crítica Tres historias de humor absurdo que se valen del amor y la incoherencia Andrea Reyes Hace 1 semana 0 235 La última producción de Matías Szulanski “Flipper”, es una comedia absurda con un guiño a la estética del cine de los años ’70. Tres historias inconexas que llevan al espectador a disfrutar de situaciones disparatadas en todos los sentidos. Fabián Arenillas, el hombre que vende el anillo de su esposa para comprarse un flipper.Este jueves 7 de octubre se estrena “Flipper”; escrita y dirigida por Matías Szulanski. Protagonizada por Piru Lasta, Fabián Arenillas, María Villar, María Jantus, Julieta Tramanzoli, Nacho Pérez Cortés, Sonia Zavaleta y Julia Zanettini. Matías Szulanski apuesta a un humor absurdo mediante una película que aúna tres historias completamente independientes entre sí, pero que se valen de los vínculos amorosos para crear mundos incoherentes y bizarros de principio a fin. En la primera de las historias, Marcos es un hombre apasionado por jugar al flipper, hasta el punto de vender el anillo de su esposa para comprarse uno. Sin embargo, todo se complica y termina enredado en problemas financieros y con su mujer embarazada. El segundo corto cuenta la historia de una joven abatida por la ruptura con su novio. Decide viajar junto a dos amigas para comprar un flipper, y lejos de relajarse y de disfrutar del viaje, deberá enfrentar una situación inesperada. Sin duda, la tercera historia es la más llamativa porque tiene la particularidad de tratarse de un musical. En el día de su cumpleaños una joven ingresa a su casa y mata a su novio que la estaba esperando para darle una sorpresa. Decide acudir a la ayuda de una amiga para deshacerse del joven, pero más tarde descubre que su “amado” trasladaba unos diamantes en su cuerpo y los querrá recuperar.
“Pinocho”, de Matteo Garrone, con el regreso de Roberto Benigni. Crítica Realismo y fantasía en la nueva versión italiana de este clásico Andrea Reyes Hace 18 horas 0 6 De vuelta al ruedo con una obra que conoce al dedillo, Roberto Benigni bajo la dirección de Matteo Garrone, interpelan al espectador con una versión cinematográfica con actores reales, que busca combinar realismo y fantasía y es una adaptación de la obra original de Carlo Collodi. Pinocho se ve increíble en su nueva versión: Clip Exclusivo | GQ México y Latinoamérica“Las aventuras de Pinocho” (Le avventure di Pinocchio) del autor italiano Carlo Collodi, se publicó en el periódico Giornale per i bambini desde 1882 hasta 1883, bajo el título Storia di un Burattino (Historia de un títere). Es una de las obras literarias más leídas en el mundo, y es por eso que cuenta con más de 250 traducciones. Desde su publicación original hasta nuestros días, distintas versiones que incluyen obras de teatro, películas, ballets, etcétera, han traspasado fronteras y generaciones a lo largo del tiempo. En otras palabras, seguramente “Pinocho” es uno de los cuentos que más ha ganado el corazón de los niños. Se trata de la historia de Geppetto, un carpintero muy humilde, que con su arte y su inmenso deseo, logra convertir un tronco en un “niño” de madera. El cineasta italiano Matteo Garrone, realizador de “Gomorra” (2008), fue quien dirigió y co-escribió junto a Massimo Ceccherini, la nueva versión cinematográfica de “Pinocho” (lanzada en 2019 en Italia): una adaptación de la novela “Las aventuras de Pinocho. La historia de un títere” (1883), de Carlo Collodi. La cinta es fiel a varios elementos de la obra literaria, entre ellos, recrea la forma de vida de las clases sociales bajas y obreras de la Italia del siglo XIX. De esta forma, resulta evidente la intención de Garrone de “regresar” el cuento a su origen italiano. La película dirigida por Matteo Garrone y protagonizada por Roberto Benigni, aborda el cuento con gran cuota de realismo sin omitir elementos fantásticos a lo largo de sus 125 minutos. No obstante, a pesar de ser un film un tanto naif aunque no infantil, trata tibiamente -posiblemente de manera intencional- ciertas cuestiones vinculadas con la crueldad y que son narradas con mayor vigorosidad en la obra original. La película combina realidad con fantasía: niños que se crían en la calle y adultos que castigan sin piedad, vagabundos ladrones (el Gato y el Zorro) que se aprovechan de la incredulidad de una marioneta parlante, y la pobreza representada en un hombre que entrega su prenda a cambio de un libro de letras; hasta un Hada Azul que protege y alecciona a la vez, animales que hablan… El actor italiano Roberto Benigni, en el rol de Geppetto, vuelve a interpretar una historia que, sin duda, conoce al dedillo siendo que en 2002 dirigió y actuó su propia adaptación de Pinocho; con una inversión de 45 millones de euros y varias críticas negativas en su haber. En esta oportunidad, su tono humorístico y pasional, tal como lo hemos apreciado en “A Roma con Amor”, despierta ternura hacia ese padre, humilde y simple, que intenta ser para Pinocho. Con buenas actuaciones, el elenco se compone junto a Federico Ielapi, Marine Vacht, Massimo Ceccherini, Rocco Papaleo, Gigi Proietti, Davide Marotta y Paolo Graziosi. Pinocchio - Pinocchio Geppeto 2021 - YouTubeCon una dirección de arte brillante que capta hermosas postales y extraordinaria musicalización, la nueva versión de “Pinocho” es una “live action” del relato clásico de Carlo Collodi. Escasos elementos en la película son realizados por CGI, habiéndose recurrido a prótesis que parecen darle alguna dificultad al joven Federico Ielapi, pero que logra la estética y el look con que se concibió la idea del personaje: un pinocho interpretado por un actor real, no animado. “Pinocho” de Matteo Garrone y con el protagónico de Roberto Benigni, se estrena únicamente en salas este 8 de abril. Esta nueva versión italiana destaca porque combina realismo con fantasía, se filmó con actores reales y logra captar el espíritu con que Carlo Collodi pensó allá por 1883 a Pinocho, un niño de madera. Pinocho Dirección Guion Arte y Fotografía Música Actuación Esta nueva versión italiana destaca porque combina realismo con fantasía, se filmó con actores reales y logra captar el espíritu con que Carlo Collodi pensó allá por 1883 a Pinocho, un niño de madera. User Rating: No Ratings Yet ! EtiquetasCarlo CollodiCineDavide MarottaestrenoFederico IelapiGeppettoGigi ProiettiHistoria de un títereLas aventuras de PinochoMarine VachtMassimo CeccheriniMatteo GarronePaolo GraziosiPinochoRoberto BenigniRocco Papaleo Editar FacebookTwitterGoogle+LinkedInCompartir por correo electrónico Andrea Reyes "El refugio" de Sean Durkin. Crítica. Secuelas de la indecencia. Crítica de "Pequeños secretos" Publicaciones relacionadas Reestreno de “El amor es un bien” 7 enero, 2021 INÉS PALOMBO “Veo que la sociedad no se banca el amor, no se anima a estar en algo formal”. 8 noviembre, 2019 Burundanga. Crítica. “Nunca es triste la verdad lo que no tiene es remedio” y vídeo entrevista 17 agosto, 2019 Deja una respuesta Conectado como Javier Erlij. ¿Quieres salir? Mira también Cerrar Cine Nominados a los Premios Cóndor de Plata 2019 12 abril, 2019
“Un crimen común” de Francisco Márquez. Crítica Andrea Reyes 24 noviembre, 2020 0 47 La película “Un crimen común” de Francisco Márquez es parte de la sección Competencia Argentina del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Está disponible desde el 24 al 26 de noviembre inclusive. A través de este thriller político, su realizador narra una historia impredecible en el que el “no te metas” deja una gran lección. Todo empieza con el nostálgico terror de un parque de diversiones que nos introduce en el relato de lo que será una noche de pesadilla en tiempo real. Cecilia (Elisa Carricajo) es madre de Juan y trabaja como profesora en la Universidad de Filosofía. Toda su vida, aparentemente controlada y sin sobresaltos, se debate entre la crianza de su hijo, ya que está separada, y su crecimiento profesional en la facultad. En apariencias, se la puede describir como una mujer correcta y poco empática. Entrada una noche lluviosa, el hijo de su empleada doméstica (Kevin), golpea en su puerta pidiéndole ayuda. Cecilia se asusta y no le abre. Al día siguiente, a través de los medios se entera que el joven fue hallado muerto en un baldío cercano a su casa y que la policía está incriminada en el hecho. A partir de este momento, ella siente la presencia persecutoria del fantasma del Kevin. En verdad, es su propia consciencia la que la persigue. Aunque no queda explícito, el film genera los interrogantes de ¿por qué no abrió la puerta? ¿A qué temía? O más bien, ¿qué prejuicios en la postura de una mujer correcta y poco empática, jugaron en su contra? Este thriller político retrata la relación entre la protagonista y su cargo de consciencia, lo cual se evidencia mediante cambios aparentes en su personalidad y forma de pensar. Sin embargo, a pesar de que Francisco Márquez en “Un crimen común” presenta una historia impredecible con signos de una atmósfera trepidante, por momentos el guion resulta poco verosímil. En cuanto a la actuación de Elisa Carricajo, su personaje envuelve al espectador en sus propios fantasmas y logra traspasar su estado irascible y confuso que la atormenta en todo momento. Desde la parte técnica, podría marcarse la característica de algunos planos muy largos y que la música tiene muy poca presencia en la hora y media que dura el film. No obstante, la trama que propone “Un crimen común” es lo que más se rescata de la película porque presenta mediante un thriller política una de las tantas historias que a diario vemos, el “no te metas”, y deja a merced del espectador interpretar si la acción del personaje fue la correcto. ¿Qué hubieras hecho en su lugar? Es la pregunta que en el final del film encuentra respuesta a través del atormentado grito, metáfora de un cúmulo de sentimientos de la protagonista. Calificación Dirección Guion Arte y Fotografía Actuación La trama que propone “Un crimen común” es lo que más se rescata de la película porque presenta mediante un thriller política una de las tantas historias que a diario vemos, el “no te metas”, y deja a merced del espectador interpretar si la acción del personaje fue la correcto. User Rating: No Ratings Yet ! EtiquetasCompetencia ArgentinaElisa CarricajoFestival Internacional de Cine de Mar del PlataFrancisco MárquezUn crimen común Editar FacebookTwitterGoogle+LinkedInCompartir por correo electrónico Andrea Reyes