LA TARA, un filme de Amparo Aguilar. Crítica. Un documental ficcionado sobre la historia de una película, unos increíbles artistas y una familia. Por Nito Marsiglio. Este, al menos, es el segundo film que se hizo sobre Tararira, considerada como la primera película surrealista argentina, luego de “Tararira, la película perdida de Benjamin Fondane” realizada por Olivier Salazar Ferré. Pero este documental, más allá de hablar sobre la historia de una obra desaparecida, va mucho más allá y se centra en la historia de una familia de extraordinarios artistas y las vicisitudes de dos sociedades conflictivas y apasionadas como Argentina y España. Es un bucear por sus orígenes de un grupo de cuatro nietos, los autores, también artistas como sus antecesores. Y en esta búsqueda tratar de desentrañar la relación de estos cuatro genios que fueron El Cuarteto Aguilar. La historia misma de Tararira resulta apasionante. Los avatares por los que pasó esta película que nace como una idea de nada menos que Victoria Ocampo. Impresionada por la comicidad del El Cuarteto Aguilar, luego de presenciar un show realizado por estos magníficos músicos y comediantes con una versión muy particular de El Bolero de Ravel.
La obra de Damián es una ficción basada en un hecho real y nada menos que de sus propias entrañas, ya que se trata de su familia. Desde ese punto de partida y considerando la temática, la violencia de género, nos dice mucho de la valentía del director. Alberto Luis Galateo, el abuelo, no fue una persona cualquiera. Este hijo de inmigrantes italianos, nacido en Santa Fe, logra ingresar a Colón de Santa Fe donde comienza una carrera promisoria llegando a ser un reconocido goleador. Entre los méritos que se le adjudican está, entre otros, el de participar en la selección nacional en uno de los primeros campeonatos de fútbol en el que Argentina fue parte y gracias a él tuvo un papel decente. Ese era el hombre, el crack, el famoso goleador y de quien su imagen aparecía en figuritas. Pero a la vez fue un violento monstruo que golpeaba a su mujer y a sus hijos llegando a destruir un ojo a su compañera de un puñetazo. O por envidia arruinarle la carrera futbolística a su hijo. Ante años de padecer a ese ser inhumano, cuando en una ocasión él llega alcoholizado y amenaza con un cuchillo a su mujer y su hija, uno de sus hijos le da muerte con tres disparos. Esta es la tragedia familiar que se mantenía en silencio dentro del grupo y que Damián enfrenta y saca a luz. Este acto de valentía permite además de enfrentar los demonios ayudar a otros a que los enfrenten. Pero más allá de este valor que posee la obra, y que no es poco, esta la forma original en que la narra asemejando a una película de terror con las características estéticas típicas de ese género tanto en lo visual como en lo sonoro. Esto lleva a contar una historia de violencia de género desde un ángulo no común haciendo de esta manera un aporte estético. Terror Familiar de Damián Galateo es un gran film que muestra una forma diferente de enfrentar los demonios.
“Bigli” de Nicolás Tacconi. La historia de un antihéroe se estrena en el espacio Incaa. Crítica. Luego de realizar documentales que tuvieron importante trayectoria, el director estrena su ópera prima de ficción en el Cine Gaumont este jueves 11 de agosto. Bigli (Luis Luque) es un perfecto antihéroe, un perdedor, de modos rudos algo áspero que generó en su alrededor amores y odios. Muere su esposa y eso desencadena en el personaje el deseo de autodestrucción, que sin duda siempre estuvo latente, abocándose de lleno al consumo de alcohol de forma desmedida. Tiene un trabajo, es un periodista mediocre, pero un día decide abandonarlo porque no quiere ningún tipo de responsabilidades. Su vivienda es una barca que está amarrada en el muelle de un embarcadero al que le debe varios meses de amarre y de luz. No tuvieron hijos y al morir la esposa solo le quedó de familia su cuñada, hermana gemela de su mujer, que lo odia, su concuñado que lo detesta y su sobrina que lo ama con locura y el a ella como a una hija. Es una película con una trama algo compleja ya que larga como un perfecto drama, creando un clima de desazón, luego pasa por la comedia finalizando en una especie de thriller y cine de aventura. La historia toma un giro cuando el antihéroe se hace cargo de tratar de salvar a su amada sobrina, que está embarazada y los padres no lo saben, y a su noviecito, ambos adolescentes, de una vida aburrida y encorsetada. La actuación de Luis Luque le da dinamismo a la obra, en especial en las escenas en la que está conduciendo un viejo automóvil con un estado de ebriedad tal que le hace pensar a cada momento al espectador que tendrá un accidente.
“Los que no quieren ver” de Graciela De Luca. Y los que no pueden ver pero saben mirar. Crítica. Nito Marsiglio Hace 6 días 0 99 La ópera prima como directora en un largometraje documental que se estrenará este viernes 29 de julio a las 14hs en la Sala Cultural San Martín (Sarmiento y Paraná) y tendrá su estreno comercial el jueves 4 de agosto – 20 h . Por Nito Marsiglio. Saramago en su magnífica obra, Ensayo sobre la Ceguera, muestra crudamente ese contraste que hay entre quienes creen que ven y los que realmente no pueden ver. Pero que al final son los más conscientes de todo su entorno y en el fondo son los que viven más intensamente. Daniel y Natalia son una pareja de ciegos. Cuenta cada uno cómo se fueron quedando ciegos y como pudieron sobrellevarlo e irse adaptando a esa nueva realidad. Daniel tiene una madre que lo impulsa siempre, que le dice que todo lo que se proponga él lo podrá hacer. Incluso ella aprende a leer en braille junto con su hijo. Existe un deporte que se llama Goalball, que no deriva de ningún otro deporte, y fué creado exclusivamente para ciegos. Se juega con dos arcos y tres jugadores de cada equipo que se arrojan una pelota. El objetivo es no solo que los no videntes tengan un deporte que practicar y disfrutar sino también les permite agudizar el oído, mejorar los movimientos y las percepciones. Natalia no solo lo practica sino que es miembro de la Selección Nacional de Goalball y viaja por el mundo representando a nuestro país. Daniel jugó en el club de Huracán en el equipo de fútbol para ciegos, fué uno de los impulsores de su equipo y el primero que llegó a participar en 100 encuentros. La obra de Graciela de Luca logra formar una atmósfera, jugando con el ritmo y los desenfoques, donde el espectador se sumerge en el interior de esos dos magníficos seres. Y llega a percibir toda la ternura y amor que se tienen. “Los que no quieren ver” es un documental sobre dos personas no videntes que, a pesar de estar en un mundo pensado todo para videntes, tienen la fuerza y el coraje de enfrentar y lograr lo que se proponen. En síntesis, el film es un verdadero canto al amor y a la vida. Puntaje:85.
Partidos, de Silvia Di Florio, es un documental sobre los desarraigos y la construcción de una patria. Crítica. El jueves 4 de agosto se estrena en el Cine Gaumont el film Partidos, una obra magistral dirigida por Silvia Di Florio y con la participación especial de Héctor Alterio. Patria es un concepto encontrado, porque es una vaga entelequia y a la vez es “eso” que nos desgarra y está entrañado en nuestro ser.. Sócrates prefirió la muerte antes que el destierro. Eran otros tiempos. Ahora cada parte del mundo está más cerca y esto hace que suavice un poco la herida que causa el desarraigo. Aun así sigue doliendo. Hay sociedades que son expulsivas. Miremos sino a nuestra “madre patria” y a nuestra patria misma. El siglo pasado, y aun este siglo, ha sido un ir y venir de despatriados por razones económicas o políticas. Estas expulsiones no son gratis en la vida de una persona, incluso de toda una familia. Dejan huellas muy marcadas de dolor, de anhelos, de recuerdos encontrados, de proyectos truncados de todo lo que se soñó ser pero no fue. Silvina Di Florio retrata magníficamente todo esto en un documental donde exiliados argentinos en España, durante la última dictadura, cuentan sus vivencias. Como se fueron de Argentina, como se tuvieron que adaptar a esa nueva tierra, que recién salía de una dictadura, y cómo fueron construyendo esa “patria dividida”. Es notable uno de ellos, donde el padre se exilió a la Argentina escapando del franquismo y ella, años después, se exilia en España, escapando de la dictadura. Distintos testimonios, todos muy emotivos, entre conocidos por un soberbio Héctor Alterio que va recitando el poema “Qué lástima” de León Felipe. Partidos es una pieza fílmica que no podemos dejar de ver, y que tal vez, debiéramos mirarla tantas veces hasta que se nos haga carne. Puntaje: 90.
“Borom Taxi” es una película de Andrés Guerberoff que nos enfrenta con la tragedia que hoy viven lo que alguna vez fueron nuestros abuelos: Inmigrantes. Crítica. Por Nito Marsiglio. Se estrena este jueves 31 de marzo. Dice Guerberoff: “Algunas calles de Buenos Aires por las que había caminado infinitas veces ahora se reconfiguraban, convirtiéndose en la geografía de un viaje extraño, por lo tan lejano y tan cercano al mismo tiempo. En cierta forma se revelaba ante mí la existencia de una ciudad en el interior de otra, paralela y oculta.” De Senegal a Argentina hay todo un trecho. Pero el más importante no es el de la distancia en miles de kilómetros, que hoy son relativamente posibles de franquear. Sino el tramo que existe entre dos sociedades tan diferentes. Esos son los más difíciles de superar. Lenguas, hábitos, religiones; costumbres que nos marcan y tallan nuestra persona y que hacen que cueste mucho adaptarlas a nuevas formas. Mountakha Samb se lo planteó como objetivo el tratar de superar esa tirada. Vino de Senegal a la Argentina, recalando primero en Córdoba para terminar en la gran ciudad de Buenos Aires. Esa gigantesca mole que pareciera que a todo lo devora. Una ciudad que se pinta de universal pero que posee cierto clasismo en su mirada cosmopolita. Con políticas públicas algo segregacionistas. Ha dejado mucho. Su hermosa mujer que lo extraña horrores y le recrimina su alocada aventura y le implora que regrese. Y nada menos que a sus hijos que sienten la ausencia de su padre. Mountakha en Dakar tenía un oficio, era camionero. Su sueño es recuperar su oficio en Argentina, conseguir un empleo de camionero y traer a su familia. Pero no es nada fácil. Mientras se desenvuelve como comerciante ambulante. Borom Taxi es una obra documental con formato de ensayo donde Guerberoff con una cámara que acompaña al personaje, pero a la vez no es invasiva, y sin utilizar al reportaje va formando el espíritu del film Una película cargada de emociones, algunas de ellas desgarradoras. donde lo imposible es que el espectador no empatice con el personaje. FICHA TÉCNICA Título: Borom Taxi Director: Andrés Guerberoff ELENCO: Mountakha Samb, Mohamed Boye, Candela Benetti, Mouhamet Samb, Mbayang Diene, Massamba Seye. País de Producción: Argentina Año: 2021 Puntaje: 90.
R.J.W.” un documental de Fermín Rivera sobre uno de los grandes de las letras y el periodismo argentino. Crítica. Se estrena en el Complejo Incaa Gaumont el jueves 24 de marzo en la sala Fernando Birri en los horarios de 12:30, 15:00, 17:30 y 20:00 hs. El siguiente extracto sacado de la autobiografía de Walsh y que aparece en el minuto 57 del film retrata perfectamente al personaje: “…Soy lento, he tardado quince años en pasar del mero nacionalismo a la izquierda; lustros en aprender a armar un cuento, a sentir la respiración de un texto; sé que me falta mucho para poder decir instantáneamente lo que quiero, en su forma óptima; pienso que la literatura es, entre otras cosas, un avance laborioso a través de la propia estupidez”. Por Nito Marsiglio. Vivimos en un país donde florecen las antípodas y se propagan como plagas. Donde curiosamente se hace un culto a la amistad y costumbres donde prevalecen el compartir momentos como la mateada o el asado. Y a la vez, es en el mismo país donde existen enfrentamientos cargados de odio entre hermanos, amigos, vecinos o colegas. Rodolfo Jorge Walsh dijo en su autobiografía que su historia era la historia de la Argentina, y tal vez era a todo esto a lo que se refería. Nació en Choele Choel, que él dice que quiere decir “corazón de palo” y que se lo han reprochado muchas mujeres. El film va mostrando el entramado de cómo se fue construyendo el pensamiento de Rodolfo y como lo fue plasmando a través de su obra. De esta manera y utilizando distintos artilugios fílmicos Fermín Rivera va narrando la historia de tan increíble personaje. Un hombre con una niñez difícil y una adultez compleja. Toda la complejidad política de los años del peronismo. Su enfrentamiento, su rechazo y años más tarde como va cambiando su parecer y termina abrazando la idea del peronismo de izquierda. Como se fue gestando “Operación Masacre” como también su obra de ficción policial de la que tan poco se habla. Su amor, admiración y rechazo a ese genio de Borges… La película de Rivera refleja magníficamente las controversias y genialidades de un hombre pasional y complejo comprometido con la vida.
Lo que no le dijiste hoy tal vez no se lo podrás decir nunca. Drive my car, la obra de Ryusuke Hamaguchi con 4 nominaciones a los Oscar. Crítica. Se estrena en la sala Lugones el 17 de marzo y el 1 de abril en Mubi. Drive my car es un film genial del director Ryusuke Hamaguchi. Tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes del 2021 donde compitió por la Palma de Oro y se llevó el premio al mejor guión junto con otros dos. Actualmente se encuentra con cuatro nominaciones en los Oscar y tres nominaciones en los Premios Bafta. Por Nito Marsiglio. Hay circunstancias en que la vida no da segundas opciones y estas son las que suelen quedar enquistadas. Y llevan años desgarrando nuestro ser hasta que se terminan de disolver o tal vez eso no ocurre nunca. Hay palabras, conversaciones, que siempre nos posponemos en encarar con nuestros seres queridos. Con aquellos que nos une un fuerte vínculo. Y llega un fatídico día en que la vida nos quita toda chance de realizarla. Esto es lo que les sucede a Yusuke y a Oto. Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), es un director y actor de teatro muy conocido en Japón. Está en pareja con Oto (Reika Kirishima), una guionista de teatro. Yasuke y Oto llevan una feliz relación en la que se complementan perfectamente. Yasuke encuentra a su esposa teniendo sexo con un joven actor. El se retira sin hacer ruido y nunca se lo recrimina. Días después ella antes de irse le dice que cuando regrese desea tener una charla con él. Él retarda su regreso y cuando lo hace la encuentra muerta debido a un derrame cerebral. La película de Ryusuke Hamaguchi, de la que él participó también en la construcción del guión, posee una estructura más acorde a la narrativa chino japonesa o sea el Kishōtenketsu. Es una obra de 179 minutos donde la narración posee un ritmo o cadencia que puede parecer lenta en un principio, ante la ansiedad que se está acostumbrado en llegar al nudo en la mirada occidental. Sin embargo de a poco va capturando al espectador hasta atraparlo completamente y sumergirlo en una historia tan maravillosa, tierna y humana que lo colma de la sensibilidad que la obra posee.
“El piso del viento” de Gustavo Fontán y Gloria Peirano. Crítica. Estrena en el Complejo Gaumont Sala María Luisa Bamberg el jueves 10 a las 17 hs. Gloria Peirano y Gustavo Fontán, en un diálogo imperdible con Emilio Bernini (Dr. en Letras y director de la revista KM 111). Será en vivo por el canal de Youtube.com/ comunidadcinefila y se podrán realizar preguntas en el chat. Luego de la charla se podrá ver de forma gratuita su último trabajo para todo el país, está magnífica obra que por estar embebida del espíritu literario de sus autores, como no podría ser de otra forma, es pura poesía. Por Nito Marsiglio. Tanto Gustavo como Gloria tienen varias cosas en común, además de la primera letra, y la más notable es su origen en la literatura ya que ambos son escritores. La locación es un apartamento en la ciudad de Buenos Aires y este se encuentra impoluto, no tiene muebles, nunca fue habitado, sus paredes blancas, su piso de un color madera claro y tiene muchas ventanas y entradas de luz, de hecho llama la atención lo luminoso que es. Por ese lugar van circulando distintos personajes como si fueran posibles compradores o futuros arrendadores, ese es la idea primigenia que se crea en la mente del auditorio, pero ya a la segunda o tercera visita, depende de lo espabilado que sea el espectador, ya comienza a darse cuenta de cómo va la cosa. Que son amigos o conocidos a los que se les muestra el habitáculo y se los invita a que se despachen libremente mientras entre personajes y personajes aparecerán tomas del cielo, a veces tormentoso, o de el viento sacudiendo a un árbol que se encuentra cercano y una voz en off de una mujer que dirá párrafos de un poema. Así van desfilando los distintos protagonistas y cada uno mostrará sus particularidades, desde el primero que parece ser un decorador, por las recomendaciones que da sobre la utilización correcta de los distintos ambientes, y que en un momento se larga con una frase como “nada existe menos que el pasado” y a partir de allí filosofan sobre el tema. De esta manera van apareciendo, le sigue una pareja, todos revisan el lugar y hacen sus comentarios como si fueran a llegar adquirirlo o habitarlo y a la vez se despachan con sus particularidades que suelen terminar en interesantes reflexiones, esta pareja sacó el tema de lo nuevo y lo viejo ya que él comenta sobre los japoneses que suelen construir a partir de lo viejo sin desechar, cosa que encuentra genial y ella cuenta la experiencia de su hermana que vendió la casa paterna y al saber que la iban a destruir se trajo todo lo que pudo y lo puso en su propia casa, de esta manera cuando la fue a visitar, años después, encontró que la cocina de la casa de su hermana se parecía mucho a la de su padre. La película construye su narrativa a partir de las vivencias y opiniones de sus personajes lo que la vuelve extremadamente interesante y poética. Por otra parte, cuenta con un ritmo ágil que mantiene atrapada a la audiencia y una fotografía que es necesario resaltar. La obra es muy visual y a la vez tan hermosamente literaria, que si se pudiera escurrirla como a una toalla, gotearían letras. Puntaje:80.
El Nido de Miguel Baratta. Un documental sobre cómo la ambición desmedida de unos pocos destruye el medioambiente y las vidas, sueños de muchos. Crítica. Se estrena en el Complejo Gaumont este jueves 10 de febrero a las 19,30 hs. en la sala Luisa Bemberg. Enmarcado en lo que se considera Cine Político Miguel Baratta, director, docente y guionista trae una nueva realización denunciando los abusos tan frecuentes que existen sobre los más desposeídos y el inocuo papel del estado. Por Nito Marsiglio. Unos de los temas que está muy en boga mundialmente es todo lo referente sobre el medioambiente y la preservación de los espacios naturales. Aparecen en juego términos como sustentabilidad, calentamiento global, cambio climático, contaminación, etc. El tema ha tomado carácter mundial debido a que por fin la humanidad se está dando cuenta que la tierra es nuestra casa y que las soluciones parciales no sirven. Si tenes todas las habitaciones impecables pero en una juntas toda la mugre indefectiblemente en esa casa habrá olor y alimañas circulando, En Argentina uno de los temas que tomó carácter de agenda política es el de los humedales del Delta. En estos lugares viven isleños desde hace muchos años. Estos asentamientos, que llevan varias generaciones, si bien administrativamente no se ha resuelto el papeleo de escrituración y propiedad. La ley argentina les da derecho por posesión y explotación bajo el concepto de usucapión. Sin embargo, una empresa decide explotar el lugar y planea hacer un proyecto de country. De esta manera comienza una guerra entre los habitantes del lugar y personal de la empresa llegando a veces a situaciones muy violentas. Sumándose toda una cuadrilla de abogados, muy prolijamente vestidos, que llegaban para amedrentar a personas iletradas y estos acompañados de los fusiles de los gendarmes. O sea con el aval de un estado que no estaría protegiendo ni al más débil ni al medioambiente. Ya que este emprendimiento traerá, de acuerdo con expertos en el tema, trastornos ecológicos en el medio. “Nido” de Miguel Baratta es un documental que va reflejando la dura lucha de un grupo de personas, duros trabajadores, que solo desean vivir en ese lugar que aman, donde nacieron y donde vivieron sus ancestros. Un film, con una fotografía notable, que visibiliza de forma a veces desgarradora la indolencia de los ambiciosos y el triste papel que juega el estado.