Sinceramente me he sorprendido bastante al ver el film Estafadoras de Wall Street, película que tiene como una de las protagonistas a Jennifer López y que cuenta la historia de unas bailarinas que hacen de las suyas en un club recibiendo el dinero de los monstruos de las finanzas, pero que terminan cayendo en lo ilegal luego de la crisis financiera en el año 2008. Se trata de una mirada muy interesante sobre un grupo de chicas que superan sus límites, llegando a la estafa, con una dirección bien lograda y un trabajo actoral que reluce, destacando la interpretación de Constace Wu. Destiny es una bailarina que recién empieza a trabajar en un club de strippers cercano al distrito financiero de Wall Street, el tema es que al ser La Nueva, le tocaba pagar lo que comúnmente llamamos “Derecho de piso”, y que los mejores clientes quedaban a manos de las bailarinas mas competitivas. Como ella debía cuidar de su abuela, y encontró refugio en una mujer que lograba atraer los billetes de todos los hombres presentes, decide unirse a ella para que le enseñe sus trucos. Todo va espectacularmente bien, hasta que llega la crisis del 2008, momento en que los clientes dejaron de dilapidar el dinero, y que la otra alternativa para seguir ganándolo era la prostitución. Cómo esa no era la opción, el personaje de Wu y López se unen junto a otras chicas para robar el dinero de los clientes, drogandolos y haciendo que gasten una suma importante de dinero y que ellos no les puedan reclamar por el contexto donde sucedió el gasto. La historia está basada en un hecho rea, por lo que su realizadora tomo la opción de contar el relato a través de un testimonio periodístico protagonizado por el personaje de Wu. Lo demás va sucediendo en orden cronológico, haciendo uso de la comedia para mostrar una visión distendida de la historia, dónde también tiene implicancia la amistad de las protagonistas y la relevancia de la familia en sus vidas. Por más que contenga un particular sentido del humor, y hacer gala del show que hacen desde el striptease y el negocio de la sexualidad, el film se torna serio para contar la gravedad de las estafas, aunque no quita que hayan situaciones hilarantes. Te guste o no JLo, la mayoría de sus películas siempre han sido bastante simplonas, por lo que no ha tenido un papel que la destaque realmente en el terreno de la actuación, y este puede que sea el caso. Si bien no es la que mejor parada está con el resto del reparto , cabe destacar el desarrollo de su personaje casi antagonista, además de mencionar la belleza que denota a sus 50 años de edad. El elenco está muy bien en su conjunto , destacando el protagonismo de la mencionada Constance Wu, y los secundarios de Cardi B, Lili Reinhart y Madeline Wreber , entre otros. Para ir resumiendo, Estafadoras de Wall Street es una grata sorpresa que nos cuenta la historia real de unas bailarinas que tomaron el camino de lo ilegal para sacarle el dinero a sus antiguos clientes. Puede que a algunos no les llame mucho ir a ver una peli de JLo al cine, así que a sacar un poco los prejuicios, porque está si está buena
A veces las buenas intenciones no conduce precisamente a cosas buenas, este es el punto de partida que tiene La Viuda, que nos cuenta la pesadilla que vive una joven luego de devolver un bolso olvidado a una solitaria señora. Con las actuaciones de Chloe Grace Moretz e Isabelle Huppert, estamos ante una película que resulta muy entretenida por el suspenso que se genera a raíz de la tensión de ambos personajes, y luego de esto, ya no querrás ser un buen samaritano. Lo que tiene de interesante es que la película va de lleno con el detonante de conflicto, un bolso es olvidado en el subte y una chica decide ir a devolverlo a la dirección donde figura los documentos para quedar con su conciencia tranquila. Si bien contamos con una breve introducción sobre el personajes de Moretz y el motivo por el cual se hace amiga rápidamente de esta señora, no tardamos mucho en darnos cuenta que había gato encerrado y dentro de bolso. Resulta que esa pérdida era intencional, que la mujer lo utilizaba como estrategia para atraer chicas con buenas intenciones y luego acosarlas con su intrincado cariño maternal. La historia es llevada a cabo con buena dinámica y que va aumentando el pico de tensión a medida que los minutos transcurren, aún así algunas explicaciones quedan perdidas en el metraje, por lo que no llegamos a entender completamente las motivaciones de la psicópata. Lo mejor que tiene la cinta, radica en el carisma de las actrices. Contamos con una Chloe Grace Moretz, que se encuentra sumergida en la historia y denota el terror en su personaje a medida que el acoso avanza. Mas cosas podemos decir de Isabelle Huppert, quien resulta ser el alma de la fiesta (o pesadilla) con un personaje que a primera vista resulta empático y querible, y que si bien en algún momento se quería dar la impresión de que su locura de alguna manera estaba justificada, te deja bien en claro que simplemente es una persona siniestra. Una pequeña participación de Maika Monroe funciona como apoyo y nos deja alguna pequeña sorpresa dentro de la trama. La Viuda es una película que sabe mantener la tensión entre sus personajes, cuya villana pasa de ser un señora aparentemente adorable a una persona com maldad pura . No es perfecta, ya que algunos desarrollos de la trama quedan ahí sueltos, pero aún así el film es sumamente entretenido, y nos hará pensar dos veces antes de querer tener buenas intenciones con un desconocido. Calificación 7.5/10
Una película con dirección y guión de François Ozon, (Francia), una ficción basada en hechos reales. Fue premiada en el 2019, en el Gran Premio Jurado de Berlín. Con esta tarjeta de presentación, ya estamos en condiciones de compartir con ustedes, una película a la que asistí a la función de prensa, que me impactó por su calidad fílmica, argumental y un despliegue del elenco, con lo cual le recomendamos que la tenga en cuenta porque entra en cartelera de los cines comerciales: el próximo jueves 29 de agosto. Desde el punto de vista argumental, lo que tiene de interesante el film, es como va desmenuzando el tema, en las diferentes instancias a medida que la historia avanza. Basado en hechos reales y ubicándonos en el año 2016, se inicia contando como Alexandre , quien vive en Lyon, padre de cinco hijos, de unos treinta y cinco años y de profundas creencias católicas, es el primero en denunciar al sacerdote, que había abusado de él, siendo un niño, en los campamentos cuando era boy scout. La decisión de denunciarlo, surge porque se entera que habiendo pasado veinte años de ese hecho, el sacerdote, seguía tratando con niños. El film es incisivo, es muy valioso el análisis de esta primer parte, como juega el conflicto de denunciarlo o no y como este padre de familia, decidido a que sea apartado, comienza a escalar el reclamo dentro del ámbito religioso y fuera de él. A eso le sigue, la búsqueda de otras víctimas, las cuales se van uniendo en la misma causa de hacer justicia, formando un círculo de testigos que se animan a dar testimonios, de un pasado doloroso que les ha dejado de alguna manera traumas que no se pueden borrar. No vamos a contar más, lo que sí es de rescatar, que así como tiene una visión áspera, cruda y agria de lo vivido por las víctimas siendo niños, hay que resaltar que la película en ningún momento niega la visión humana, donde el tema excede a esos hombres, porque ya adultos se extiende a sus parejas, hijos, a sus amigos, hermanos y a los padres. También es interesante cómo este grupo de denunciantes va sufriendo escisiones, en cuanto a la estrategia a utilizar. Se pone en el tapete, a la prensa, que es la ayuda con que cuentan para poder dar a luz esos testimonios. Están quienes piensan que la justicia se imparte en los estrados judiciales y mientras otros sostienen a través de las redes sociales, que la justicia se basa en el escándalo. La calidad actoral es necesario resaltar, todos tienen un desempeño magnífico. El film cuenta en su reparto con actores muy importantes del cine francés actual, como Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud y Éric Caravaca. Esta película es ideal para aquellos que les gusta un cine controvertido, con planteos adultos, donde no hay tapujos, donde hablar de estos temas, hacer denuncias y que no quede como un secreto de pocos, demuestra una sociedad que ha evolucionado para bien, en su manera de pensar. Opiniones de publicaciones especializadas: “Una historia ambiciosa y de actualidad. Emocionante y comprometida con los sentimientos de sus personajes”. Variety “Una película solemne digna de admiración”. Screendaily “Ozon ofrece una película que es a la vez sólida y modesta, implacable y sensible, incisiva y respetuosa”. Cineuropa “Un film estremecedor”. Cine Premiere “Implacable. Respetuosa. Magistral”. Le Point
Para hablar sobre Angry Birds nos tenemos que remontar varios años atrás, cuando recién comenzaba la revolución de los teléfonos móviles con pantalla táctil y los sistemas android e iOS. Es en ese momento que nació un juego que resultó ser un boom a lo que juegos móviles se refiere, Angry Birds tenía una premisa muy sencilla, lanzar pájaros con una resortera para acabar con los cerditos que se han robado sus huevos. La popularidad de este videojuego, que llegó a tener varias versiones , como las de Star Wars, Río , además de las adaptaciones para consolas de videojuegos. El cine también debía aprovechar esta oportunidad para usar la popularidad de estos animales para lanzar su adaptación al cine. La primera película ha logrado adaptar correctamente la corta premisa que nos dejaba el juego, teníamos pájaros de distintos colores y con diferentes habilidades, y a los cerdos, que eran nuestros máximos enemigos. El primer Film ha funcionado, gracias a una historia sencilla, y con personajes que contaban con un carisma que lo hacía divertido para los más chicos. Ahora el problema, es que para su secuela se nota que se han encontrado faltos de ideas, queriendo dejar un mensaje sobre la amistad y el bullyng que nunca se desarrolla, igual nos otorga algunos momentos divertidos. Resulta que en esta secuela, aparece una tercera isla, y que supone un peligro que obliga a los pájaros y cerdos (antes enemigos) a unir fuerzas en contra de la nueva amenaza. La nueva amenaza es una águila un tanto despechada, que quiere vengarse de un viejo amor del pasado, además de tomar las islas para vivir en un sitio caluroso, ya que su isla se encuentra congelada. Los pájaros y los cerdos viajan para infiltrarse en la isla, regalando situaciones divertida, y algún que otro chiste que parece más dirigido hacia el público adulto. Pese a los esfuerzos por otorgar una historia cómica, la trama no termina de cerrar, dejándonos un conjunto de momentos absurdos y poco carisma. En cuanto al apartado técnico, la cinta cuenta con un trabajo de animación a la par de la primera entrega, representando correctamente el colorido de los personajes en relación al juego. Esta secuela llega solo con doblaje en castellano, que justamente uno de los personajes cuenta con la voz de Dario Barassi, interpretando a un personaje secundario pero un tanto carismático. No hay mucho más que decir sobre esta película, su historia no es más que un relleno para exprimir un producto reconocido. Puede ser una buena opción para los más chicos, para mantener una cinta familiar luego de las vacaciones de invierno. Aún así no tiene la fuerza suficiente y el carisma que nos dejó el juego y su primera entrega. Calificación 4.5/10
Un documental que acompaña a Marta Buneta, una mujer de más de setenta años, en situación de calle, que, lejos de estar triste por su realidad, todos los días disfruta de realizar un show en la vereda, al cual denomina: “Marta show”. Marta, en el pasado, ha sido una de las principales bailarinas de cabaret de Buenos Aires. Los directores, Malena Mofatt (una de las mujeres que acompaña y ayuda a Marta), y Bruno López, logran transmitir la pasión que Marta siente por el espectáculo. Además, a lo largo del documental, conocemos otros aspectos de su vida: Su particular manera de cuidar a los árboles y a las palomas y algún que otro dato de su pasado. A Marta en ningún momento se la ve intimidada por las cámaras, sino que podemos sentir que la acompañamos en su día a día. El show que brinda a diario, generalmente, consta de algún número de baile o de la interpretación de canciones reconocidas. Con el correr de los días, va adquiriendo una función social importante y cada vez se vuelve más concurrido por otras personas, también en situación de calle, quienes son invitados a participar y lo hacen con muchísima alegría. Un documental que nos invita a reflexionar y a reformularnos varias preguntas. La sociedad señala a Marta como una “loca”, pero para ella, en cambio, es la sociedad quien ha enfermado hace mucho tiempo. A Marta no le importa que la señalen, ni quedar mal con la gente. Tampoco busca dinero, ni que alguien la saque de la calle. Ella solo quiere hacer su show, y cuando lo hace, se siente absolutamente plena y deja de importarle todo lo demás.
Delfín es el nombre de esta película argentina dirigida por Gaspar Scheuer que se encuentra en la selección Cannes Écrans Juniors 2019. También es el inusual nombre del protagonista: un chico de 11 años que vive con su padre en una casa precaria de un pueblo aislado en la provincia de Buenos Aires. Allí, el tiempo se detuvo para su padre, que desolado en un contexto de pobreza y sin contención se encuentra solo frente al cuidado de su hijo. En la cotidianidad que va construyendo la película se presenta la posibilidad de una audición para una orquesta juvenil en la ciudad de Junín. Delfín tiene en claro que quiere ir allí a hacer la prueba. LLega tarde a su casa, aún solo, saca de una caja una manguera y un embudo con los cuales improvisa el instrumento: el corno francés. El cual aprendió a tocar en la escuela, donde tienen uno, pero no se lo prestan por fuera de la institución porque es considerado una reliquia. La relación padre-hijo se ve afectada por la falta de recursos. El padre trabaja muchas horas en una construcción y el hijo en una panadería realizando entregas antes del horario escolar. El hogar se transforma en un reflejo de la supervivencia, allí duermen y se alimentan con lo que consiguen. Las pocas horas que pasan allí están impregnadas de cansancio y la necesidad de distenderse de esta situación agotadora. Causa por la cual, el padre de Delfìn no podrá cumplir con una promesa que le ha hecho. Sin embargo, la fuerte convicción que vive en Delfín será el motor para continuar un camino abandonado por su padre. Más allá de que el film está bien logrado en cuanto a guión, puesta en escena, imagen y sonido, me deja la sensación de que hay un distanciamiento frente a la situación de pobreza que ilustra. La historia muestra un panorama desolador pero no se cuestiona las circunstancias. El film termina con un aire de esperanza sin dar ninguna solución a sus vidas, se queda en el hecho de resolver un conflicto interno estancado. Calificación 6/10
Luego de que James Wan dirigió las dos cintas de El conjuro, se ha creado una franquicia que ha resultado de lo más rentable en el género de terror, si nos ponemos a hablar de dinero. La cruda realidad es que más allá de las cintas realizadas por el director malayo, la calidad de los siguientes films a modo de spin off ha sido bastante cuestionable, destacando una decente Anabelle 2 luego de una mediocre primera parte. Está entrega nos trae devuelta a Ed y Lorraine Warren, que lejos de ser los protagonistas de la historia, están para abrirnos las puertas de su casa, con todos los chiches incluídos. Es increíble que una muñeca que no hace nada por si sola ya tenga una tercera entrega, esto igual le vale gracias a un segundo filme que nos trajo una historia interesante con una puesta en escena que fue efectiva con la creación de dicha muñeca. Es así que ahora damos un salto en el tiempo y nos cruzamos con el matrimonio Warren, que luego de resolver un caso donde el tormento ha sido la misma Anabelle, se quedan con ella para contener el mal que ella posee. Si bien al principio podemos llegar a pensar que podía tratarse de un filme protagonizado por los personajes de Patrick Wilson y Vera Farmiga, estos dejan su casa para ir a trabajar y nos dejan con su hija y su niñera, las protagonistas de la historia. Debido a la inconsciencia de una chica que se ha introducido en la casa de los Warren, liberan a la muñeca Anabelle y junto a ella, a todos los demonios y males que residen en esa casa , para obviamente atormentar a nuestros protagonistas. Salvo por el desarrollo de personajes, donde nos muestran un poco más sobre la niña Warren, y como ella también posee las habilidades perceptivas de su madre, y la chica que perdió a su padre y entra en la casa para poder hacer contacto con el, hay muy poca historia en el filme. Si bien la película se llama Anabelle 3, y que su propósito es quedarse con un alma (apenas mencionado) no es recurso suficientes para justificar el protagonismo de la muñeca. Es por ese motivo que el filme ha hecho uso de todos los objetos que se encuentran en el cuarto y mostrar la maldición de cada uno de ellos (y ver si alguno cala para otro spin off). En conjunto, los juguetes de los Warren funcionan, aunque muchas escenas de terror parecen recicladas de las entregas de el conjuro. Si hay algo que funciona bien en Anabelle 3, es el desarrollo de los personajes. Si bien no nos cuentan relatos con gran profundidad, los personajes son carismáticos , sobre todo la pequeña Judy Warren (McKenna Grace) y su niñera (Madison Iseman). Si bien la presencia de Farmiga y Wilson es un tanto testimonial, les llegamos a agradecer que nos abran las puertas de su casa. Anabelle 3 es una película que resulta entretenida en su ejecución, gracias al escenario que nos brinda Ed y Lorraine Warren, la presencia de su carismática hija. Eso no quita que se trate de una historia no muy necesaria, y que el protagonismo de Anabelle no está muy justificado. Aún así tenemos entretenimiento con todos los juguetes del Warrenverse. Calificación 6/10
No vas a ver algo similar… Es la historia de Emilio (interpretado por Ezequiel Tronconi), un físico que durante la Guerra Fría desarrolla un programa espacial para que Argentina llegue a la luna, ganándole así la carrera espacial a Estados Unidos y Rusia. Esta cautivadora trama cuenta con recursos geniales, como por ejemplo la forma en la que muestran el paso del tiempo, la repetición de ciertas acciones para acentuarlas y los novedosos encuadres, que parecen estar al revés. Se puede definir este film como “absurdo” y algo que posee el género absurdo es la frustración. Esto se produce en el publico al notar que la única persona que dice algo con sentido es Emilio, quien se frustra constantemente con nada racional comportamiento del mundo que lo rodea. La gran actuación de Ezequiel Tronconi es acentuada por soberbias actuaciones de los demás personajes, quienes marcan un tono de actuación totalmente diferente al del protagonista. Esto hace que todos los personajes brillen con mayor fuerza y se agrande el absurdo. A demás de ser una película atractiva es culturalmente relevante. Se cuenta una historia donde un hombre posee todas las cualidades para triunfar y hacer crecer a su país pero es el mismo país, el mismo gobierno quien pone un sin sentido de trabas para evitarlo. Se ilustra perfectamente aquella Argentina de 1966, donde el progreso parece haber quedado atrás y cuyas marcas todavía viven entre nosotros. Gran película. Verdadero cine de culto. Calificación: 9/10
Se sabe que uno tiende a identificarse con el punto de vista del protagonista de una película. Su enfoque suele ser en la mayoría de los casos (pero, ojo, no siempre) el que nos permite la entrada al universo del filme. La identificación con el protagonista, algo un poco más profundo, se asocia a la empatía. Ésta a su vez viene dada por los rasgos de carácter humanos que hacen que el personaje nos importe, y de allí que habilitan nuestra comprensión. El cine de terror opera muchas veces como una forma de subversión respecto de los parámetros tradicionales de identificación. ¿A qué apunta esto? A que los personajes icónicos del género no son tanto los protagonistas que se ven amenazados por una figura que encarna el mal, como sí lo son los verdaderos malos de la película. Si los psicópatas reconocidos de este cine ocupan un lugar dentro de la cultura popular, si su éxito ha sido tal que engendraron secuelas, precuelas, remakes y demás, tiene que ser porque el público ha sabido estrechar lazos con ellos. Es evidente, claro está, que nuestra empatía no puede situarse del lado de ellos por su naturaleza asesina. Y sin embargo, la fascinación incómoda que producen se mantiene intacta. Brightburnes una película que trabaja con enorme inteligencia la cuestión de la identificación y la fascinación con el horror. Una pareja intenta tener hijos, y al no poder hacerlo termina adoptando a un bebé proveniente de un meteorito que cayó del cielo. El niño crece y se da cuenta de que tiene poderes. Hasta acá, la misma premisa de base que la historia de Superman, salvo que el pibe empieza a usarlos para el mal. El sólo trocamiento del devenir del famoso superhéroe constituye de por sí un comentario acerca de la gran cantidad de películas basadas en personajes de cómic, invitando a una relectura mucho más tenebrosa. La película comienza con los padres intentando concebir y escuchando de pronto la caída del meteorito. De ahí salta inmediatamente a unas imágenes filmadas a modo de videos caseros, mostrando la infancia de Brandon y situándonos dentro del entorno familiar. Lo vemos luego en el presente, a sus doce años. Es interesante cómo el filme nos sitúa primero en el lugar del niño, como un personaje ordinario, y nos vemos fascinados con el progresivo descubrimiento de sus poderes. Durante esta primera parte, Brandon se muestra todavía sorprendido ante sus nuevas capacidades, y el modo en que la cámara lo capta nos pone en su misma situación, logrando que nos identifiquemos con él. Pero de a poco, el comportamiento de Brandon va tornándose cada vez más extraño, y el uso de sus poderes como fuente del mal de a poco nos aleja de él. En esta distancia que se de un momento a otro se impone sobre el personaje reside otro de los grandes aciertos del director David Yarovesky y del guionista James Gunn, puesto que pasamos de empatizar con él a verlo como la mayor amenaza posible. Y ahí donde un atajo posible era asociar la maldad del personaje a una cuestión psicológica aparte de sus poderes, Brightburn opta por apenas amagar con ello. Por eso, cuando en una escena terrible Brandon destroce la mano de la compañerita de colegio que intentaba simpatizar con él, entendemos que su figura no puede encarnar otra cosa que no sea el mal en estado puro. De allí que los poderes que llaman a Brandon a “tomar el mundo” no sean otra cosa que una fuerza sobrenatural sin explicación racional posible.
Badur Hogar, film ambicioso, porque no se conforma con solo pertenecer al género de la comedia romántica, de enredos, sino por el contrario, va por más, apostando a ser un melodrama, en el buen sentido, un film con una carga emotiva fuerte. Ambos desarrollos están excelentemente logrados, gracias a la dirección de Rodrigo Moscoso.  La película se desarrolla teniendo como fondo a los hermosos paisajes de la provincia de Salta. Cuenta la historia de Juan Badur, nieto de inmigrantes árabes, que vinieron a la Argentina, con una mano atrás y otra adelante. El protagonista, un joven que no sobrepasa los 35 años, junto a un amigo, “sobreviven” de limpiar piletas de natación. Al iniciar el film, anda solito por el mundo, hasta que en una fiesta de casamiento conoce a su media naranja. La dama, se va enamorando, y acá nos detendremos, porque nos estaría faltando contar la trama deotras historias secundarias, pero que hacen al film que se van dando en paralelo y que están excelentemente manejados desde el guion, pasando por la dirección y las actuaciones. No es un tema menor que ella sea una turista mientras Juan y el mejor amigo de Juan, sean oriundos de la provincia de Salta, le da un cierto encanto, invita a conocer la provincia. El trabajo del elenco es excelente. El más difícil, tal vez, sea el papel de Juan, que está impecable, porque le da vida a un personaje con sus contrasentidos, que logra emerger y poner riendas a su vida a partir de encontrar el amor. La protagonista femenina, en ese proceso de enamoramiento gradual, con cierto grado de desconfianza, es un logro la composición actoral. Y el resto de los actores, el amigo “culiao” con el que comparte sus desventuras amorosas y la limpieza de piletas y las frustraciones económicas de que le deban plata por el trabajo que hacen, son tintes que la identifican con un sello personal. Una película para enamorarse, un protagonista al cual trataremos de ponernos en su zapato, una pareja romántica, la cual nos dará placer verla crecer a lo largo del film, todo ello logrará que Badur Hogar tenga todo y al mejor precio. Calificacion 8/10
