Mercedes se despierta casi a la hora de la siesta, enciende un cigarrillo, va al baño, luego se dirige a la cocina, se sirve café y enciende otro cigarrillo. Empieza a preparar un tuco para comer pasta con su hijo, mientras corta los vegetales conversa por teléfono con una amiga… Es en ese momento en el cual comienza un diálogo que parece interminable hasta el clímax de la película. Pero volvamos al inicio. Mientras se cocina el tuco, Mercedes (interpretada por Mónica Raiola) va realizando distintas tareas hogareñas como doblar ropa y lavar. En montaje paralelo vemos como el personaje de Mirna (interpretado por Maruja Bustamante) recorre en bicicleta las calles de tierra de un pueblo o pequeña ciudad ubicada en las afueras de Buenos Aires. La película inicia con un ritmo lento para el ojo acostumbrado al cine comercial, porque muestra casi como en un tiempo real lo que cada una va haciendo hasta el momento del encuentro. Con un dejo del cine oriental, la directora decide mostrar los detalles de cada acción para que acompañemos a estas mujeres en sus recorridos por la vida diaria. Como bien dijo la directora, y logra verse reflejado en esta obra, hay un interés por indagar en la palabra y su uso desmedido para ilustrar un universo femenino específico en una película que tiene como base la cotidianidad y la conversación, con una simpleza en cuanto a lo técnico, logra construir una historia firme que deja abiertas las puertas para la reflexión.
Tráigame más libros, por favor. Cuando leo es el único momento en que nadie me persigue. yo persigo cosas en la historia”, le dice el asesino a la esposa de su víctima. Ella lo visita en el psiquiátrico para llevarle libros y que le enseñe a leer. La mujer enviudó con cinco hijos a los que tiene que alimentar. El loco mató a su marido delante de su familia, pero aún así ella se sigue ocupando de contener al asesino. La razón es que está enamorada de él. IMG_20190423_073458 ENTRE LA RAZÓN Y LA LOCURA es la última película de Mel Gibson. El film, basado en la novela The Surgeon of Crowthorne de Simon Wichester, cuenta como un asesino internado en un psiquiátrico colabora con la confección del diccionario de Oxford. James Murray, un profesor de un colegio inglés, se embarca en la tarea de crear el diccionario más completo de la lengua inglesa. Para ello, junto com un equipo de trabajo empieza a recopilar términos y definiciones. Reciben la ayuda del público, que les envían por correo listas de palabras junto com sus significados. Minor, un asesino que se encuentra encerrado en un manicomio por el homicidio de un hombre, se entera del proyecto y colabora enviando más de 10.000 palabras al equipo de Murray. El investigador descubre la situación en la que se encuentra el mayor cooperante de su proyecto y empieza a pelear para que reciba el reconocimiento que no le quieren brindar por su locura. Mientras tanto, Minor recibe visitas de Eliza, la esposa del hombre al que mató. La viuda se acerca al psiquiátrico para llevarle libros y le enseñe a leer. La mujer y asesino empiezan a enredarse en una relación amorosa. La película es excesivamente larga y la trama tiene múltiples aristas. El film deja de lado el proceso mediante el cual se realizó el diccionario de Oxford y hace hincapié en otras temáticas que no forman parte de su carta de presentación. Le da mayor importancia a retratar las penas de guerra y la vida en los psiquiátricos. La guerra civil ha dejado graves secuelas en la cabeza de Minor. El padecimiento que vivió al servicio del ejército es la causa de su locura. Día a día, debe combatir en su mente alucinaciones y juegos persecutorios. El tratamiento que recibe en el hospital, lejos de contribuir a su mejoría, lo conducen a su destrucción. Los aberrantes métodos terapéuticos utilizados en ese momento en los psiquiátricos se hacen visibles en la película. Por otro lado, la conexión de Minor y los familiares de la víctima es poco creíble no solo su relación con Eliza. Luego del asesinato de su esposo, la viuda de mantener a su familia. Eliza tuvo que prostituirse para poder darle de comer a sus hijos. Aún así, la mujer lo visita en el hospital y contribuye a su contención. Después de iniciar su romance com Minor, los hijos de Eliza empiezan un proceso de reconciliación con el hombre que asesinó a su padre delante de ellos.
Lamentablemente esta no debería ser una crítica, porque no me gustaría hablar sobre el desarrollo de la película aunque no contenga spoilers. Voy a hablar sobre el film Avengers Endgame como el suceso que es, más bien retratando mis impresiones sobre el mismo, que puede servir para aumentar o no el hype que este genera. Es así como llega a culminar una fase, que a lo largo de los últimos años nos han brindado con la presentación y unión de muchos de sus personajes. Thanos ha logrado ser el villano definitivo, quien nos dejó una bomba en Infinity War, y que en esta fase final, el objetivo era reparar todo el daño ocasionado, que obviamente tendrá consecuencias. Si hay algo que caracteriza a Avengers Endgame es la imprevisibilidad, porque a lo largo del año hemos tenido cientos de teorías sobre lo que podía llegar a suceder, y más allá de que nuestros pronósticos pudieron ser acertados o no, este film tiene la capacidad de sorprender en numerosas ocasiones. Otro aspecto más que caracteriza a Endgame es la emotividad, si , es el capítulo más emotivo de la saga. Todos sabemos que algo está terminando, es la finalización de toda una construcción, aunque los films de Marvel todavía sigan produciéndose, seguramente por un nuevo rumbo. Los personajes parecen que están al tanto de que algo está por terminarse, ese sentimiento de que “ya nada será igual” , así que para los más sensibles, a no olvidarse los pañuelos. Que el equipo de los vengadores haya sido reducido ante el inminente chasquido de Thanos, le ha sentado muy bien a esta historia. Es así como la historia nos permite hacer un repaso sobre lo que sucedió en el MCU en sus capítulos anteriores, estableciendo una conexión de todas sus historias de una forma más simplificada y que ha efectuado muy bien. Sus tres horas de duración no se hacen para nada largas, puede que sea debido a su imprevisibilidad antes mencionada , ya que deja a uno expectante sobre lo que llegara a suceder. Quizá el único adelanto que puedo llegar a dar , es que el film tiene un ritmo pausado en relación a la acción, lejos de ser un aspecto negativo , esto sirve para preparar la batalla final sin que nada resulte apresurado. El humor característico de Marvel obviamente está presente, sobre todo en su primer tramo, que por cierto no viene nada mal su alivio cómico para anticipar la montaña de emociones que el film genera. Obviamente que no es una película perfecta, en su historia existen algunas lagunas, que más bien serán para un análisis posterior y lleno de spoilers. Pero aún así eso no importa. Endgame sigue siendo la perfecta culminación que nos dejó Infinity War, gracias Thanos. El trabajo realizado por Anthony y Joe Russo es soberbio por la capacidad que han tenido para unir todas las piezas y construir un arco narrativo propio y que funciones para cerrar un fase, casi de una forma definitiva. Del apartado técnico no hay mucho que decir, tanto su música como sus efectos visuales están mejor que nunca, dejándonos su último y épico momento de acción. Sepan disculparme si no he hablado sobre los personajes o el desarrollo de la historia, creo que lo fundamental es ir a verla sabiendo poco de ello. Solo aquí vengo a dar mi opinión para aquellos ansiosos que andas buscando repuestas sobre si la película está a la altura de las expectativas, y claro que lo está. Puede parecer una frase cliché, pero Avengers Endgame es una montaña de emociones, que logra despedir una etapa de una manera gloriosa. Simplemente vayan a emocionarse y cuidado con los spoilers… Calificación 9/10
La película está estructurada en tres actos: En el primero Celeste está en el colegio, donde ocurre el hecho que le marcará la vida; en el segundo ya tiene 30 años y es una super estrella completamente perdida y necesitada de ayuda, madre de una hija adolescente con la que no logra entenderse. El tercero es dedicado al impactante show que brinda hacia el final de la película. Un narrador omnisciente se encarga de unir estos tres actos y aportarnos información sobre la historia de los personajes. Hay un gran trabajo del equipo de arte, fotografía y montaje, así como de la dirección actoral y del elenco, principalmente de su protagonista. Portman compone a una cantante desganada y antipática, agresiva con aquellos que no respetan su intimidad y hasta con sus afectos, como con su hermana,que ha dedicado su vida a cuidarla; que ha perdido el rumbo y nunca ha logrado superar lo vivido en la infancia. Si bien la historia es muy interesante, tiene ritmo y más de un tema para destacar, la resolución deja más de un aspecto por resolver y genera la sensación de que la película se corta abruptamente. Ese es el único aspecto que le resta puntaje a este film. Calificación 8/10
La nueva película de Mariano Cohn, responsable junto a Gastón Duprat (aquí productor y guionista) de “El ciudadano ilustre” y “Mi obra maestra”, entre otras, cuenta como un ladrón se mete en una camioneta para robarla, para terminar quedando atrapado en ella. El chorro en cuestión (interpretado por Peter Lanzani) se halla no sólo incomunicado con el exterior, sino a merced de la voluntad del dueño (gigante Dady Brieva), capaz de controlarla desde afuera. FB_IMG_1553564647259 La sinopsis de 4×4 remite de forma muy clara a un subgénero recurrente dentro del thriller : el film que transcurre en un espacio cerrado. Pero al mismo tiempo, encuentra en esta propuesta a priori atractiva, un problema usual: el de la idea que resulta mejor que su ejecución. Veamos por qué. Los primeros minutos son de una fuerza que apabulla. El montaje dispone con un sonido estridente y gran rapidez imágenes de carteles que indican zonas vigiladas por cámaras y control policial. Este comienzo pone de manifiesto uno de los temas centrales del filme: la seguridad, y la falta de ella. El ladrón, de nombre Ciro, hurta el vehículo y comienza a desesperarse una vez que se sabe atrapado. El director demuestra un enorme virtuosismo al mostrar esta situación sin una sola palabra, y transmitiendo al espectador la misma angustia que siente el personaje. La primera voz que escuchamos será la del dueño del auto, un obstetra, que le hará pasar las mil y una al personaje de Lanzani. Con todo ello, 4×4 comienza como un thriller claustrofóbico, que saca provecho de lo reducido del espacio donde transcurre. Pero los problemas comienzan cuando el punto de vista se traslada al exterior. En este punto, la película da un vuelco y se sale del planteamiento inicial para tratar, de manera no muy sutil, la problemática de la delincuencia, la pobreza, y las diferencias de clase. Como si esto fuera poco, el guión le hace decir al protagonista que nos encontramos en una sociedad injusta, como si las imágenes no nos lo hubieran dejado en claro desde el principio. Y lo mismo pasa con la conversación entre el médico y el ladrón, que de a poco deja de lado la tensión entre ambos para remarcar que ambos pertenecen a mundos distintos. Cuando es un thriller, 4×4 logra un clima inquietante. En cambio, cuando se pasa al bando de la denuncia social, termina por desviarse. Ahí la película termina por perder el terreno.
Después de enviudar a los 18 años, Mary Stuart (interpretada por Saoirse Ronan) Reina de Francia y heredera del trono de Escocia, regresa a su tierra natal para reclamar su trono. En el otro lado de la isla británica se encuentra la poderosa Reina Elizabeth (interpretada por Margot Robbie), prima de Mary. La sola existencia de Mary pone en riesgo la soberanía de Elizabeth. Traiciones, rebeliones y conspiraciones forman parte de la turbulenta relación de estas dos regentes que cambió la historia.– Las Dos Reinas se convierte en espectacular repaso de historia europea, con algunas libertades por parte de Josie Rourke, donde (una vez más) Saoirse Ronan destaca en un drama de época y Margot Robbie sorprende en el papel de Isabel I, el guion de Beau Willimon ( House of Cards) encaja perfecto en este presente femenino que estamos viviendo y vemos a María Estuardo por primera vez como una joven Reina rozando el papel de heroína pero logra que también entendamos a Isabel desde su posición en Inglaterra. Ambas mujeres se ven rodeadas de los clásicos clichés de la época que van desde traiciones, fanáticos religiosos, confabulaciones políticas, etc, pero nunca se torna aburrido el relato gracias a debido a la gran actuación que proponen tanto Ronan como Robbie. Lamentablemente pasó casi sin pena ni gloria en USA al estrenarse el mismo día que La Favorita, con la cual perdió la pulseada ante la inevitable comparación pero logró dos nominaciones a los premios de la Academia en los rubros donde más destaca Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería. Si bien no quedará en la memoria de muchos, es una obra sobresaliente que no le queda nada grande la potente historia que carga, punto para la Rourke y una prueba más de que Saoirse Ronan sigue trepando alto en la industria.
La primera entrega de Happy Death Day, resultó ser una película entretenida que nos regalaba una versión slasher de El día de la marmota. Para esta segunda parte decidieron no ir por lo convencional, abandonando un poco el terror para centrarse en la comedia y la ciencia ficción. El resultado es un producto entretenido, aunque tal vez demasiado alocado y que se olvida del toque de terror que antes lo caracterizaba. La historia de esta entrega se sitúa momentos después de lo que sucedió en el primer film, lo que comienza como un cambio de perspectiva, donde el protagonista que vuelve a vivir el mismo día es otro, todo termina recayendo en Tree, quien debe volver a morir en repetidas ocasiones. Los motivos de este suceso se debe a razones científicas, debido a los experimentos que han estado realizando los nerds de la universidad. Es así como la protagonista, que anteriormente debía evitar su muerte, ahora debe morir para hallar las respuestas y volver a la normalidad. La historia juega con el humor absurdo, e intenta mantener el espíritu slasher de la primera, aunque lamentablemente no lo logra. De todos modos la historia se hace muy entretenida por el carisma de su protagonista y el tipo de humor absurdo que maneja, si logras no tomarla en serio, seguramente se pasará un buen rato con esta cinta. Jésica Rothe es el alma de la fiesta, lo que parecía ser un cambio de protagonismo, todo vuelve a recaer en el personaje que interpreta Rothe. Está vez logra jugar mucho más con la comedia, y a su vez tener un apartado emotivo y de aprendizaje. El film juega con la aparición de una realidad paralela, donde volvemos a la misma historia pero con algunos cambios en la trama. Ese costado no logra exprimirse con eficacia, sobre todo en la historia del asesino con máscara de bebé, que termina sabiendo a poco y se mantiene como una excusa para mantener ícono de terror que caracterizó al primer film. La dirección de Christopher Landon es correcta, sabe manejar el humor y los giros en la trama, aunque algunas cosas que suceden al principio quedan sueltas y ni siquiera intenta buscar respuestas ¿Necesidad de secuela? Felíz día de tu muerte 2 es un película bastante entretenida, que sabe jugar con el humor, introduciéndose también en el terreno de la ciencia ficción. Aunque también toca admitir que este film reniega del espíritu slasher que caracterizó a la primer entrega, dejando mal posicionado el relato del asesino.
Battle Angel: La última guerrera es una película cyberpunk basada en el icónico manga japonés creado por Yukito Hishiro en los años 90′. Esta versión nos trae a Alita y a todo su distópico mundo, en un film de acción real dirigida por Robert Rodríguez. A pesar de tener algunos baches en su arco narrativo, la película resulta entretenida gracias al trabajo de su director, el carisma de la protagonista y su imponente apartado visual. El film nos trae como protagonista a Alita, una Cyborg encontrada en la basura por un doctor que decide reconstruirla y darle un refugio. Está ambientada en un mundo futurista donde sabemos que se ha dado lugar a una guerra, y que la ciudad flotante de Zalem toma el control de las marginales ciudades que sirven como colonias proveedoras de recursos. Alita comienza a recordar cosas sobre su pasado y la importancia que ella tiene sobre esa guerra, donde también se incluye un violento deporte que es la llave para viajar a Zalem, más una trama amorosa que poco tiene para aportar. En líneas generales, la trama es interesante, aunque no dejamos de pensar de que se trata un conjunto de historias que ya hemos visto en varias películas. De todos modos el personaje de Alita se encuentra muy bien construido y diseñado a partir de efectos digitales y captura de movimiento, es el viaje de ella lo que resulta atrapante y entretenido en el film. El resto de los personajes están muy desdibujados, con una Jenifer Conelly que solo sirve para ser útil en un momento determinado, y un Mahershala Ali, que aún no sabemos porque fue a parar ahí. Otra cuestión que resta puntos, es aquella trama amorosa que fué incluída seguramente para atraer al público juvenil, pero que resulta cliché empalagoso que poco tiene para aportar a la historia. Para compensar tenemos un ritmo de acción mantenido, acompañado de un fuerte apartado visual que nos regala un deleite de escenas. La película da aquella sensación de que algo grande está por venir y que está aventura, a pesar de sus fallos, es un efectivo prólogo para introducirse en el mundo de Alita. Robert Rodríguez se hace cargo del trabajo de dirección en un film en que se nota su mano como realizador, pero que aún así parece que ha sufrido de muchas limitaciones. En varios cortes podemos notar que la cinta pretende ser un tanto más oscura y violenta, y que seguramente por decisiones del estudio, esto ha quedado a medio camino. Aún así podemos visualizar un excelente trabajo en los efectos especiales y el diseño artístico de aquel distópico mundo, siendo la escenas donde predomina la acción, el gran deleite de la película. En cuanto a las actuaciones, principalmente es destacable el trabajo de Rosa Salazar en el papel de Alita. A pesar de que la actriz fue sometida a un trabajo de digitalización para su personaje, denota también un esfuerzo a nivel interpretativo que traspasa el CGI implementado. En cuanto al resto de los actores, solo podría destacar a Christoph Waltz, que mantiene efectivamente un rol casi paterno con la protagonista. El resto del elenco está entre la falta de desarrollo de sus personajes y el patetismo por las situaciones absurdas que padecen. Battle Angel: La última guerrera es una película entretenida, aunque en sus más de dos horas de duración, bien podrían haberse ahorrado las subtramas más empalagosas y centrarse en el conflicto principal. En un film que cuenta con una efectiva ambientación cyberpunk, y un notable apartado visual, sobre todo en las escenas de acción. Esta cinta, a pesar de sus fallos, denota la mano de su director Robert Rodríguez, en una historia que con algunos cambios puede apuntar a más en el futuro. Calificación 7/10
Desde hace un tiempo, LEGO ha sabido explotar muy bien sus franquicias que iban desde los vídeojuegos, las películas animadas en dvd, y obviamente sus famosas piezas de juguetes. Recién en el año 2014, la empresa ha dado el salto a la pantalla grande con La gran aventura de LEGO, y que además de resultar una película muy entretenida, encontró una nueva forma de contar sus historias y explotar todas las licencias que tiene en su haber. La gran aventura de LEGO 2 llega para demostrar que las segundas partes pueden ser muy entretenidas, y también para devolvernos otra vez al carismático de Emmet como protagonista. Para apreciar esta secuela hay que tener muy bien en cuenta los hechos que sucedieron en el primer film, sobre todo su desenlace. Ya que sorpresivamente vimos que toda la historia de la película estaba conectada con lo que sucedía en la realidad con el señor de arriba (Personaje de Will Ferrell que aparece al final de la cinta) y la relación con su hijo y sus apreciadas figuras de LEGO. Está segunda entrega sucede tiempo después de los hechos de la primera, y ya desde el principio sabemos que existe una conexión directa con el afuera, pero que sus intenciones se van descubriendo poco a poco. Es así como vemos a Emmet, Wyldstyle y todo el pueblo viviendo en un mundo distópico con claras referencias a Mad Max, todo esto se debe a que los hijos del personaje de Will Ferrell ahora tienen el control de los LEGO, y las acciones de cada uno va repercutiendo en la vida de estos personajes. La historia va mucho más allá de la pequeña aventura de sus protagonistas, ya que la relación con el afuera construye una historia mucho más profunda que logra desatarse en el momento justo. Ya no puedo decir más sobre la trama sin caer en el spoiler, pero si puedo comentar que la película es una aventura llena de color , entretenida para los chicos, y cargada de referencias que harán reír a los más grandes también. Su último acto puede resultar algo extenso, pero cierra a la perfección la conexión que han logrado contruir desde el primer film. En el terreno de la animación, el trabajo es mucho más colorido que en la primera entrega, denotando también los contrastes que hay en los mundos creados por los de afuera , siendo el motivo de la guerra que se inicia en el mundo de los LEGO. Si bien no son tantos los personajes de licencias que aparecen en el film, si tenemos una mayor presencia de los personajes de DC, sobre todo Batman, que ha sabido cautivar al público con su película en solitario. El guión de Phil Lord y Chris Miller demuestra las intenciones que los directores del primer film tenían para con la historia, en profundizar la conexión con el afuera pero sin descuidar el mundo de los personajes de LEGO. El director Mark Miller (Kung fu panda 3, Trolls) ha sabido aprovechar la intenciones de la historia para expandirse en el humor de los personajes, centrándose en el público infantil pero sin olvidarse del público adulto, brindando algo más que simples referencias. La gran aventura de LEGO 2 demuestra que todo sigue siendo increíble, en una película llena de color para entretener a los más chicos y sin olvidarse del público adulto. La película logra expandirse a nivel narrativo, dejando un gran cierre sobre lo que se construyó en su primera entrega. PD: Emmet es un personaje fabuloso… Calificación 8,5/10
Luego de las primeras dos entregas de Como entrenar a tu dragón, esta saga se ha convertido en una de las franquicias más importantes para el estudio Dreamworks Animation. La realidad es que estos films estaban pensado tanto para el público adulto, gracias a la profundidad y emotividad que denotaba su argumento, y a su vez era muy entretenida para toda la familia. Esta última entrega es el cierre que la historia necesitaba, aunque lamentablemente su argumento es tratado de una forma muy superficial, descuidando tramas y personajes. Pero tampoco se asusten, sigue siendo un film bastante entretenido para todos. Esta historia ocurre tiempo después de los hechos del segundo film, donde Hipo ha tomado el mando de aquella civilización de Vikingos, y su dragón chimuelo, se ha convertido en el alfa, logrando mantener el orden entre todos los dragones rescatados. La ambición humana sigue siendo un peligro para estos seres voladores, y el pueblo de Berk cuenta con demasiados de ellos para poder protegerlos a todos, todo esto se dificulta ante la aparición de un cazador indomable que complicará las cosas. A su vez también tenemos la aparición de un dragón hembra de la misma especie que chimuelo, donde obviamente este simpático ser volador se enamora. La trama en general está bastante bien , el tema central de buscar una solución para encontrar la paz entre los dragones y los humanos es lo que justifica este cierre de la historia, aunque lamentablemente no se encuentra muy bien desarrollado. La película le da demasiado protagonismo a la trama amorosa de chimuelo, que obviamente es muy tierna y dará muchas risas en el camino, pero no llega a complementarse con la trama principal. A su vez también tenemos personajes que quedaron muy descuidados, y van por el lado femenino, tanto por el papel que cumplía la madre de Hipo al ser una protectora de dragones, como Astrid, cuyo mayor conflicto, es ver si se quiere casar o no con el líder de los Vikingos. A pesar de todo , el film logra cerrar de una manera digna y con la dosis de emotividad que ha caracterizado a cada una de las entregas. El trabajo de animación es cada vez más detallado y fino, con un diseño artístico que sorprende a través de sus coloridos paisajes y la conjunción con la variedad de las especies de dragones. El apartado técnico es lo que mejor se ha trabajado, y que junto a una hipnótica banda sonora, permite al público alucinar con cada detalle, colores y personajes que aparecen en la película. En cuanto a las voces, hemos tenido la oportunidad de ver el film en su versión original con subtítulos, y podemos destacar el trabajo actoral en cuanto al doblaje de los personajes. Entre los actores principales que forman parte del reparto, tenemos a Jay Baruchel como Hipo, América Ferrera como Astrid, Cate Blanchett como Valka. También están las participaciones de Kit Harrington, Jonah Hill, entre otros. Como entrenar a tu dragón 3 es una película que si bien no le da un cierre por todo lo alto a esta conmovedora saga, logra otorgarle un final digno con la emotividad y el entretenimiento necesario. A pesar de ser algo predecible , y descuidada en el desarrollo de algunos personajes, el film es entretenido tanto para grandes y chicos, cerrando está historia con puro amor y amistad. Calificación 6.5/10
