Basada en un corto español, al cual le bastaron unos escasos 2 minutos y medio para asustar a quien les escribe, con un agregado de 98 minutos sobre su antecesor Mamá promete ser, al menos una buena historia de terror. ¿Lo es? EL CORTO El corto espeluznante en el cual esta basada esta película, muestra dos nenas hablando de “mamá”, quien llegó. Mamá es una especie de cosa siniestra y realmente perversa que las persigue. Asusta y mucho. En serio. Pero de ahí a extenderlo a una película de 100 minutos hay mucha distancia. LA PELI El primer acto de la película es sencillamente brillante. Así de simple. Un padre escapa con dos hijas, ambas pequeñas, una de unos 5 años aproximadamente y la otra de un año a lo sumo. Tras escapar de algo que no les voy a decir que es, termina en una casa en el medio de un bosque y tras un desarrollo de eventos, las niñas quedan solas. En el medio de ese bosque en esa casa. Bueno no tanto. Ya que alguien se quedara con ellas y las cuidara, Mamá. Puesto rápido y fácil, a las niñas las cría una mezcla de la bruja de Blair y Samara de “La Llamada”. Tranquilos que no les espoilee nada, esto sucede en los primeros 5 minutos de la película. Y es realmente el gancho de la misma. Pasan 5 años, y el hermano mellizo del padre, sigue buscando a las niñas y a su hermano. Con el convive su pareja, Jessica Chastain, morocha, pelo corto, tatuada y rockera! (Jamon del medio para los ojos masculinos). Eventualmente el milagro ocurre y las niñas son encontradas, en una de las escenas mas perturbadoras de la película. El tio se hace cargo de ellas, y se las lleva a vivir a una casa gigante (convenientemente dada a ellos via giro de guion). En sucesivas entrevistas con el psicólogo de las niñas, eventualmente comienza a surgir la imagen de alguien que las cuidó y las crió. Mamá. El tipo empieza a intuir que algo pasa y atando cabos se pone a recavar información. No les voy a contar mucho mas ya que estaría contando puntos nodales de la historia. BASTA DE CGI La peli es buena, bastante de hecho. El tema es que el tercer acto peca de mostrar demasiado (pecado mortal en películas de terror) y además de mostrar demasiado, lo hace utilizando CGI. A ver… Samara asustaba porque era una piba caminando raro, Alien asustaba porque era un bicho, estaba ahí, lo podías ver. En cambio un ente compuesto por computadora, pierde impacto, no importa cuan bien hecho este, todos sabemos que no esta ahí con los personajes. Pierde impacto, por eso siempre es mejor utilizar efectos prácticos (tangibles) para darle veracidad a lo que estamos viendo. Esta es una muestra cabal de ello, una gran historia, original en muchos aspectos, se ve manchada por la sobreutilización del CGI (Imágenes Generadas por Computadora). ¿CUENTO DE HADAS? Otra cosa que le pega un mazazo a esta buena película de terror es que el tercer acto roza el realismo mágico y el cuento de hadas, haciéndome acordar por momentos al final de Paranorman. (Nada que ver a nivel guion, quédense tranquilos, que les cuido la historia!). Pero en su defensa, creo que toma el camino menos transitado en las películas de terror, y eso es cuanto menos, respetable. Toma decisiones y las lleva hasta el final, y si bien alguien lo puede encontrar irrisorio (algo nada bueno en una película de terror), son decisiones respetables, y además a esta altura de la película, cuando la olla ya esta destapada, si bien, como dije “se muestra mucho”, los sustos de los primeros dos actos, no te los saca nadie. Son sustos bien ganados por el director. LA FAMILIA Las actuaciones por otro lado están muy bien, el doble danés de Josh Holloway esta muy bien, Jessica Chastain esta algo lejos de su zona de confort lo cual es bueno de vez en cuando para los actores, pero también esta bien. Las niñas por otro lado merecen párrafo aparte. Si bien la mas pequeña por momentos peca justamente de eso, de ser pequeña, la otra niña, quien encarna a Victoria realmente se luce en su papel. Yo no se de donde sacan estos niños, pero parece que hubieran nacido sabiendo actuar. Punto arriba en dos lugares claves en una película llamada justamente “Mamá”. CONCLUSION Si bien la película no descolla, sí es original. El concepto de dos niñas criadas por un ente sobrenatural y malévolo, no se ve todos los días. Y cuanto menos es interesante de explorar. Con un inicio que realmente vale la pena, y un nudo que realmente saca varios sobresaltos, el promedio es bueno para esta película con un desenlace, algo flojo, naif y descuidado. Película recomendable. Los amantes del genero la van a disfrutar, no pasará a la historia, pero definitivamente la van a disfrutar. Sobre todo si la ven después de Silent Hill Revelations, tal cual me paso a mi.
Caetano nos trae esta nueva propuesta, diferente y un tanto, digamos, fuera de lo común ¿Está a la altura de Un Oso Rojo, o tenemos que caer en el chiste fácil de calificarla como su nombre? Lyncheada Criolla Lo primero que vemos al iniciar la película es una introducción a “otro mundo”, el de Mala. “Había una vez en un mundo sin amor”, nos introduce en un mundo paralelo que no es el nuestro, ya que algo de amor le queda. En este mundo sin amor, vive Rosario, quien se dedica a matar hombres maltratadores (bien! una heroína en contra de el abuso y la violencia de genero) por dinero, por mucho dinero (Ok, retiro lo dicho). Cualquier base de heroísmo se ve deshecho por la aceptación y búsqueda del vil metal, pero esta bien, ya que Rosario es mala. Así de simple. Su técnica es un tanto “lyncheana”, Rosario de pronto ES alguna persona cercana a sus victimas, lo que le permite acercaseles con sigilo y ultimarlos. Cabe resaltar que dije “es” y no dije, se disfraza o se pone una mascara como en Misión Imposible, no. Rosario ES estos otros alter egos, y lo es a tal punto que en los créditos, aparece como Rosario 1, Rosario 2 Rosario 3, etc, etc, etc… Hasta acá el concepto es muy interesante (sobre todo para los hombres, ya que las muchachas todas son un festejo a la vista). Lomo Con Papas Todas las “Rosarios”, manejan la sexualidad desde la atracción sutil por momentos y brutal y exuberante en otros, algo necesario para una asesina de esta calaña, para poder acecarsele a los “clientes”. Caetano, conocido por manejar la sexualidad en pantalla con bastante pericia y destreza, demuestra que puede hacerlo con un poker de muchachas mas que atractivas como lo son Florencia Raggi, Brenda Gandini, Liz Solari y Maria Duplaa. Siendo Raggi y Duplaa las mas atractivas a nivel actuación y sex appeal. Es mas es la “Rosario” de Duplaa quien insinúa una estrategia interesante, llena de tensión sexual, que lamentablemente no llega a llevarse a cabo por un giro argumental algo inentendible. Si bien para una peli que a priori se presentaba aburrida, se disfruta (siendo hombre) las varias escenas de duchas, masturbaciones, gemidos con un sonido demasiado arriba de lo esperado, caricias lesbicas y demás yerbas, pero al carecer de sustancia, en realidad terminan por no sumar demasiado mas que a la anécdota de “haber visto desnuda a…” La Trama Florencia Raggi tras ser atrapada en su ultimo trabajo, sera puesta en libertad por una oscura mujer que sera su nueva empleadora, quien le pide no solo que mate a Rodrigo, el ex marido de esta ultima, si no que ademas lo haga sufrir. Rodrigo, a punto de ser padre con Juanita Viale, en un deslucido y lánguido papel mas por guion que por actuación aparenta ser un hombre sin amor, y ser merecedor de la ira de la nueva jefa de Raggi. El tema es que Rodrigo tiene un pasado mas que interesante a la trama. Hasta aquí cuento de la historia, para evitar spoilers. Y hasta acá es mas o menos interesante la película ya que a partir de aquí los personajes empiezan a caer en espiral hacia lugares no planteados en su constitución y presentación inicial. Todo lo que insinuaba esta Rosario compuesta por Raggi comienza a irse al tacho. Esta asesina implacable y justiciera de las mujeres desvalidas, terminara siendo a la postre una herramienta mas a la orden del día del sistema machista de nuestra sociedad. Así es, Rosario defrauda. Y mucho. Hay un elemento que esconde cierta explicación pero no llega ni busca explicar demasiado, un caleidoscopio que es tan misterioso, pero tan misterioso, que termina por ser intrascendente, casi como un secreto que no nos interesa descubrir. Una pena. No solo desde la trama viene la incomodidad de Mala, hubieron cosas que me llamaron poderosamente la atención para un director excelente y experimentado como Caetano; desde equipos técnicos en plano, pasando por sombras de gente de detrás de cámara hasta pies y manos de asistentes en campo. Errores que se antojan de principiante lo sacan a uno de la diegesis. Quizas tambien es un poco la historia que al no ser atrapante lo hace a uno desviar la mirada. Por otro lado si bien la fotografía esta bien, hay una exageración en la utilización de cámara en mano, casi hasta llegar al grado de la desprolijidad. Si bien en un momento parece una elección y como tal es respetable, tiene pasajes que son 100% desprolijos sin ningún tipo de duda. Pero ojo, Mala propone cosas MUY interesantes. La onda Lyncheana de este mundo cuasi normal, pero no tanto, es realmente atractiva. Raggi compone muy bien su personaje, y hace un excelente contrapunto con Calentano, con quien incluso sostiene un interesante duelo en un momento de la película. (Interesante para esta película, no esperen a Beatrix Kiddo en Kill Bill, eh.) CONCLUSIÓN A ver, Mala no es mala, pero tampoco es buena. Realmente quizás la expectativa de ver una nueva película de Caetano me jugo en contra, o quizás el mismo Caetano me jugo en contra a mi. Quizás Mala este adelantada a su época o diga algo de manera critica y difícil de comprender, a tal punto que se le trabe la lengua tratando de decirlo. Con puntos bajos y no tan altos, esta nueva película de un genio indiscutido como Caetano creo que pasará sin pena ni gloria, aunque se podrá jactar por siempre de haber explorado un terreno virgen en el cine argentino, lo cual no es poco. Definitivamente no es lo mejor de Caetano, pero tampoco es algo sin nada que rescatar. Las mujeres que vayan al cine, quizás disfruten su (primera) parte vengativa hacia los hombres y su violencia de genero, los hombres definitivamente disfrutaremos de una Raggi devenida en una Lara Croft/Ethan Hunt sexy, con varios desnudos interesantes, golpes y algo de sangre. Quizás sea todo lo que podemos esperar de ese mundo sin amor.
Los hermanos Wachowski vuelven a dirigir luego de cierto letargo y lo hacen en colaboración con Tom Tykwer. Y ya está, eso es todo lo que hay que decir, ya que la mayoría de la gente o los odia o los ama sin siquiera ver el producto. Tampoco le importa a la gente que hayan filmado la película bisagra del siglo, (no del año, no de la década, DEL SIGLO.) No, Los Wachowski son prejuzgados siempre, para bien o para mal. Por eso, vamos a hablar un poco de Cloud Atlas, casi olvidándonos quien la dirigió. Casi. LA SUTILEZA DE LO OBVIO Como la mayoría de la gente sabe, Cloud Atlas es una película “coral”. (Cada vez que digo esto recuerdo cuando nuestras maestras decían allá lejos y hace mas de 25 años, que la argentina era un “crisol de razas”, que frase de cuarta!). Bueno la película “Coral”, por lo general, si no es llevada adelante con pericia, también suele ser de cuarta. Se me viene a la cabeza 360 por reciente nomas, la cual si bien no es mala, tampoco brilla con luz propia. Las historias en Cloud Atlas están contadas a través de varios años, arrancando en el 1849 y terminando más adelante en el 2321. Todos los personajes estarán unidos por la “red invisible” que la horrible traducción propone, a veces sutilmente, a veces de manera más obvia y hasta cursi. Sin embargo, hay un acierto sobre esto, y es el de no incluir ningún tipo de flashback con todas las escenitas juntas para que a uno le caigan todas las fichas (o sea, a lo Shyalaman), sino que es uno el que va hilando como todos los personajes están conectados. No es malo del todo, pero a veces se siente como dije antes, hasta un poco cursi o tirado de los pelos, casi como: “Oh, dios mío, Anakin Skywalker construyó a C3po, es decir, Darth Vader construyo a C3po!”. Están avisados. EJERCICIO ACTORAL Así creo que se debe haber sentido actuar en esta película, ya que es el punto más alto e interesante de la película, cada actor representa en cada línea temporal, diferentes personajes. No solo en nombre, si no en etnia y edad. Por ejemplo Halle Berry compone una rubia de ojos verdes y el gran Hugo Weaving una especia de enfermera Ratchet imperdible. Realmente este es un punto alto e interesante, ya que se ve que si bien algunos actores fueron exigidos más que otros, al menos fueron sacados de sus zonas de confort. Ver a Tom Hanks componer un personaje malvado o bestia y medio alcornoque, no es algo que se vea todos los días. Es vedad, a veces el maquillaje tira para atrás, pero es porque sabemos quiénes son, me sigue pareciendo una excelente idea, y que añade muchísimo al concepto del Atlas de las Nubes. TRAMAS Las historias son completamente diferentes, con diferentes tipos de tensiones, procesos y resoluciones. Si bien son todas medianamente buenas, para mí la que resalta es “The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish”, que es la que transcurre en el 2012. Como era de esperarse todas las historias van concluyendo hacia el final de la película, es decir, no están en orden, si no que están mezcladas, algo que puede confundir y mucho a alguien medio distraído, ya que ciertos nombres claves se repiten en todas las historias, pero significan cosas diferentes. A no pestañar. CON LO VISUAL NO ALCANZA Al hablar de los Wachowskis sabemos que el apartado visual va a tener una parte predominante, y es cierto, todos los mundos de todas las historias son visiblemente diferentes y disimiles, a pesar de conservar ciertas cosas en común. Y eso es todo un desafío, son mundos con personalidad y son representados de manera magistral, otro punto alto de la peli. Sin embargo, a la peli le falta algo. Se queda corta. Y es difícil de explicar donde, veamos: Guiones, bien. Actuaciones, muy bien. Foto, excelente. Ejecución, bien. Entonces, ¿donde falla? Y la respuesta como siempre es bastante sencilla. En el alma. Le falta alma. Le falta ese no es que, que se yo, que hace que una película buena sea excelente. Las historias terminan bien, pero les falta cierto nivel de “epicidad” que una historia de este tamaño requiere. Le falta un plus. LE falta, le falta, le falta. Se queda corta a metros de la línea de llegada, y llega con el envión. La película termina porque empezó, nada más. Realmente una pena que no tenga ese chispazo que es tan importante para que sea recordada y enteramente disfrutada. TAMPOCO PARA TANTO Pero, como dije en el primer párrafo, como los Wachowskis levantan siempre discordia, a la peli la andan matando por ahí, y no es para tanto. Como dije es una buena película, y por momentos muy buena, pero no llega a ser excelente. Igualmente les recuerdo, que una buena película es SIEMPRE mejor que una regular o mala. No se olviden de esa cuentita matemática tan simple, ya que muchas veces nos comemos bodriazos espantosos, y por ver que tal “Tanque” no es un 10 no la vemos. Pero si el tanque es un 7, seguramente va a ser mejor que el bodriazo que vimos. Tengan eso siempre en cuenta. CONCLUSIÓN Cloud Atlas no propone nada nuevo, ni marca una época. Sin embargo a fuerza de buenas historias, un buen trio director, y un conjunto actoral que rema la película como medallistas olímpicos, hacen que Cloud Atlas sea una buena película. Y hasta ahí. El conjunto no es malo, es completamente disfrutable, pero como les dije, le falta ese chispazo extra, ese “algo”. Y se nota, mucho. Mi recomendación es que se olviden de quien la dirigió, y la vean sin prejuicios ni expectativas, quizás de esa manera puedan sorprenderse. No se engañen, Cloud Atlas es una buena película y queda allí. Pero después de todo, ¿no es por eso que vamos al cine? ¿A ver buenas películas? Cloud Atlas lo es.
¡Que buen momento atraviesa el cine de género Argentino! Malditos Sean es otra prueba de ello. Las películas de terror argentinas siempre caen en lo estúpido, cursi o berreta. A tal punto que las únicas películas Argentinas de terror que existieron por un tiempo fueron las de Farsa haciendo un culto de lo bizarro. Malditos Sean viene a decir con cara de piedra, que acá las cosas se pueden hacer de otra manera, sin perder de vista lo bizarro lo cómico y lo berreta. Pero bien hecho. Después de la excelente sorpresa que me dio “Diablo”, otra gran sorpresa me lleve con Malditos Sean. Si señor! BUENA FACTURA Así es, lo que se destaca en Malditos Sean es la factura técnica, la foto y sobre todo maquillaje y la ambientación son geniales. Locaciones bien elegidas, y sets realmente geniales, hacen que esta película se vea BIEN. Y eso en una película de terror gore argentina es ÚNICO. La peli se siente casi “joligudense”, y eso esta genial. Por ejemplo en un momento aparece un demonio, y acá viene la clave de la película: No sentí vergüenza ajena. Así es, esa es la vara para medir películas Argentinas de terror, esa sensación de vergüenza ajena que sentimos cuando algo esta mal hecho o se nota que es berreta. Nada de eso pasa en Malditos Sean, y la clave me la dio el primer plano en el que aparece este demonio, no por bien hecho o por original. Nada que ver, si no porque se ve bien. Simplemente por eso. Al verse bien, sobrevive a la experiencia, y la historia puede seguir siendo vista sin que uno piense “por dios, que bicho berreta acabo de ver”. CORAL DE SANGRE Malditos Sean cuenta tres historias separadas cada una por 10 años, con un personaje en común que las une, que parece no envejecer y es visiblemente siniestro y ominoso. Bien. Cada historia es completamente diferente a la otra, y si bien no son originales a mas no poder, si aportan cosas interesantes, y sobre todo pintorescas. Muy bien. Es mas una de las historias transcurre en un pueblito, de esos olvidados en el campo argentino, con un personaje tan naif y tierno como vivo y oportunista, todo un argentino! Bien! Videntes, brujos, enanos de jardín, maldiciones, gore, cajas misteriosas, fantasmas, etc, Todo bien hecho, todo con buena factura. Las historias son bien contadas y bien llevadas, con un personaje común a todas construido de manera excelente por Carlos Larrañaga, el temible “Ulises”. 1979, 1989, 1999. Cada historia transcurre cada diez años, como si este personaje apareciera cada 10 años, en la víspera del cambio de década. Cada una completamente diferente a otra hacen realmente de Malditos Sean una buena película coral, de terror. Casi como un Creep Show Argento, y realmente, se siente bien. ESCRITA Y DIRIGIDA Fabian Forte y Demian Rugna escriben y dirigen Malditos Sean y se nota la pericia y experiencia sobre todo de Demian Rugna quien ya había escrito y dirigido “The Last Gateway” en el 2007. Bastante similar en alma y cuerpo a “Malditos Sean”. Reiterándome un poco, es muy importante decir que la fotografía de Malditos Sean es clave. Una película de terror necesita de un ambiente adecuado para vivir, y ambos directores dotaron a Malditos Sean del ambiente necesario. Mas allá de actuaciones convincentes y buenas en su mayoría de guiones bien llevados y sobre todo bien resueltos, es la fotografía la que se lleva los laureles, ya que le da a todo una verosimilitud nunca vista en cine de género de terror argentino. Es cierto, una de las historias tiene un final que descoloca durante algunos segundos, pero que a la postre solo termina acrecentando lo brillante del guion. El toque bizarro justo, el toque de terror justo, el toque gore necesario, el toque cursi que no puede faltar. Todos los ingredientes están bien, en su justa medida y bien mezclados. CONCLUSIÓN Gente, no mucho mas para agregar, Malditos Sean es una excelente película de terror, y ademas es Argentina. No hay excusas para no ir a verla. Mas allá de que por ejemplo el apartado sonoro te recuerde que fue hecha acá (que cosa de locos, no la pegamos con la música sigue pareciendo casera.) la película es excelente y sobre todo un paso hacia adelante en el cine de genero Argentino. Un paso a seguir, y sobre todo a imitar en el buen sentido. Terror, sangre, cafe, demonios y enanos de jardín No se puede pedir mas! Imperdible si sos amante del terror, del cine o del gore. Hacete un favor, y no dejes de ver Malditos Sean, si no vas, te puede llegar a ir muy mal, o lo que es peor, podes llegar a cruzarte con Ulises, y creéme, no querés eso.
En esta creciente moda de “malos buenos”, como Megamente o Gru de “Despicable Me”, llega Wreck It Ralph, quien tras 30 años de ser el malo del video juego, y no tener reconocimiento, se cansa y quiere por primera vez dejar de ser el malo. Simple, y al pie, pero no por eso menos efectivo. Señoras y señores, bienvenidos a la mejor película de Video Juegos de la historia. Punto. FICHINERA Así es, creo ser el indicado para hacer la review de esta película, por mi fanatismo por los video games, quizás Lukini también la podría haber hecho, ya que es un gusto que compartimos, pero la vi antes yo! Je! Wreck It Ralph es una “típica” película de Disney, pero por ser dirigida por Rich Moore, se advierte un tono mas picante que de costumbre, por lo cual me sorprendió ver que ciertos chistes llegaron a la pantalla. Como por ejemplo el juego de palabras con “Hero’s Duty”, en el cual uno de los personajes emparentan la palabra Duty (deber) con ir al baño a hacer lo segundo (El deber). No solo lo dicen al pasar, si no que mantienen una conversación en doble sentido al respecto. En una película de Disney! Increíble. La película nos muestra 3 video juegos inventados, Fix It Felix Jr (una especie de Donkey Kong), Sugar Rush (clon del Mario Kart) y Hero´s Duty (híbrido entre el Call of Duty y el Medal Of Honor). Pero fuera de eso, todos los juegos que aparecen son muchísimos. Y estos, al mejor estilo Toy Story, al cerrar el establecimiento donde están, cobraran vida y dejaran sus trabajos frente a la pantalla para vivir sus vidas. Fue increíble ver a Ken invitarle una bebida a Ryu mientras estaban peleando en la pantalla de attraction mode del Street Fighter II. De hecho la película arranca con una especie de reunión de terapia grupal entre “malos”, quienes no son malos, tan solo es su trabajo. “Es bueno ser malo, y no hay nada de malo en no ser bueno” dice Zangief, con la voz del mismísimo Rich Moore. ”Que seas malo no significa que seas MALO”, ¿se entiende? Claro que se entiende, pero no le alcanza a Ralph que en un ataque de angustia decide abandonar su juego para buscar una medalla que le gane la aceptación de sus compañeros de trabajo, quienes no entienden que Ralph solo hace su trabajo de malo, pero no es malo. GAME STATION Al dejar su juego, Ralph empezará a vagar por otros juegos, buscando su destino, así es que llegará a Hero’s Duty, un First Person Shooter donde el ganador es justamente condecorado con una medalla. Ralph entrara y contra todos los códigos, (de vida y de programación) hará trampa para conseguir esa medalla. Dicha locura lo hará entrar en otro juego llamado Sugar Rush, donde se hará amigo de Vanelope, un glitch de dicho juego. Sin contarles mas de la trama les digo que tanto gamers como no gamers disfrutaran muchísimo de esta película. Pero ser gamer, y entender todos los guiños y alusiones a juegos mejorará infinitamente la experiencia del espectador. Rich Moore tuvo especial cuidado en elegir juegos masivos para representar, como el Pac-man o el Pong o muchos más juegos de los arcades de los 80s. Como dije las alusiones a los juegos no paran. LA VOZ EN EL CÓDIGO Las voces de los personajes están llevadas adelante de manera magistral, John C. Reilly y Jane Lynch en el personaje de Cahoun realmente la rompen. Lo mismo va para el genial Alan Tudyk, (Steve The Pirate en “Dodgeball”) en su papel de King Candy. Sabias elecciones. Por otro lado Rich Moore nos comentÓ que John C. Reilly no quiso trabajar de manera convencional a lo que es un doblaje de película de animación, donde los actores están solos. El quiso compartir la grabación con sus interlocutores, gran decisión que se nota mas que nada en una escena con Vanelope la cual es muy dramática, y el peso de las voces le añade color y realidad a las interpretaciones de sus avatares electrónicos. SOBRE VIDEO JUEGOS, NO BASADA Si bien dije que es la mejor película de video juegos, la industria aún esta en deuda, ya que Wreck It Ralph no está basada en ningún Video Game existente, lo cual suma tremendamente ya que no hay nadie que pueda sentirse defraudado. Es por eso, que aún los gamer esperamos alguna película que le haga absoluta justicia a este gran y vasto reino. Wreck It Ralph es una de ellas, ya que la periferia de los personajes es toda real y sacada de juegos reales, representados a la perfección, de manera cómica y sobre todo de manera respetuosa a los personajes. Ver a Qbert pidiendo limosna por no tener mas trabajo, o a las dos barras del pong charlando sentadas en un banco, o a Sonic en los anuncios de seguridad para personajes, realmente añade al mundo increíble que Rich Moore creo. Muestra cabal es la reunión del principio de la película, la cual se lleva a cabo en la casa de los fantasmas del Pac-Man, donde todos van a reunirse. CONCLUSIÓN Una review casi sin mencionar al festival donde vi esta película, no es casualidad. Esta película pude verla en el festival de Mar del Plata, pero va a dar vueltas por cines todo el verano, por lo cual va a volver a ser retomada en algunos meses. Gran película, con una mas que correcta historia, que es orgánica, funciona, entretiene y sobre todo fascinará a los gamers. Disney lo hizo de nuevo, y logró lo imposible: TRATAR CON RESPETO al mundo de los video juegos, tratándolo como tendencia, producciones serias y finalmente arte. Porque por más que mucha gente corcovee y se queje, eso son, los video juegos son arte, muchas veces con mejores guiones que la gran mayoría de las películas que vemos. Film altamente recomendable y para ver varias veces y así descubrir más y más juegos. Espero ansiosamente una segunda parte, feliz por la cantidad de juegos que quedaron fuera de esta película, que seguramente estarán presentes en la secuela. Bien por Disney, y gracias a Rich Moore y su pasión por los fichines. Presiento que gracias a él, los gamers seremos reivindicados, y eso, al menos para mí, no es ningún juego.
Año complicado para el cine infantil argentino. Como escuche por allí “Al cine Argentino infantil le falta sopa”. Y me parece que así es, Piñon Fijo y la magia de la música es otra propuesta mas para los mas chicos. A priori cualquiera puede suponer con que encontrarse, pero ¿es tan así? ¿La bici anda? o ¿la bici no responde? LA INFALIBILIDAD DE LO SIMPLE Así es, la premisa en la película de Piñon Fijo es simple. Muy simple. Pero no por eso menos acertada, una trama sencilla es fácil de seguir por los mas chiquitos. Recordemos que el target de esta película es para peques muy chiquitos. Por eso la simpleza de la historia. Piñon Fijo esta actuando en su Córdoba natal, de pronto un grillo le pide ayuda para librarlo de un Cuis que no sabe cantar y prohibió la música. Piñon Fijo va, ayuda y listo. Simple, ya esta. Corto y al pie. Y funciona, porque al no ser complicado, las situaciones se van dando naturalmente para que el buen Piñon meche todas sus canciones. Obviamente tendremos a un Piñon chiquito, al estilo Chapulin Colorado y sus pastillas de chiquitolina. Los mejores gags que un adulto puede llegar a disfrutar son los de Cabrito, quien es bastante ácido, una pena que aparezca poco en la peli. Así que, tenemos una historia sencilla pero justa, tenemos canciones, tenemos a Piñon, ¿esta todo bien? Definitivamente, no. DOS PASOS PARA ATRÁS. Es verdad, todo este párrafo va a abordar el apartado técnico en el cual los niños no rayan, ya que no lo van a notar. Pero hay muchas cosas que no puedo dejar pasar. Por ejemplo, los bichitos, están animados por computadora, y realmente hay que decir que están apenas arriba del promedio, viendo adelantos como los de “Metegol”, me cuesta creer que no hayan podido hacer algo mas brillante, pero no obstante, están bien. Ahí. Por otro lado hay discrepancias tremendas entre toma y toma, por ejemplo la escala de los bichitos cambia de toma a toma, llegándole a la cintura a piñon, para luego doblarlo en altura, mal. Por otro lado, no entiendo que paso con el Cuis, su pelaje cambia de marrón a gris, a marrón a pardo, de toma a toma. Incluso es confuso hasta para un adulto, que si esta distraído se puede llegar a preguntar, “quien es este personaje?”. AGUANTE LA TONADA CORDOBESA! Pero lo que mas me llamó la atención y no PUEDO ni QUIERO perdonar es el doblaje. Piñon y Cabrito, hablan en su orgulloso y maravilloso cordobés natal, el cual como todos sabemos, es quizás la tonada mas agradable y atractiva que tiene nuestro país. Ahora bien, uno supone lo mismo de los bichitos del bosque de Córdoba ¿no? Pues, ¡NO! Los bichitos todos hablan en un espantoso español latino neutro. Por Dios! Estamos en el medio de un estanque en Córdoba y los bichos hablan como Puerto Riqueños? No señor, imperdonable. Hay que tomar decisiones absolutas, O me pones a Piñon y al Cabrito a hablar neutro (puaj), o TODOS los bichos que habitan la campiña cordobesa que hablen con tonada cordobesa, que es lo mas coherente. Decisiones como esta no las entiendo. Alguno dirá que es para vender la película afuera, pero si ya tenes dos personajes con una tonada fortísima y uno de ellos es el que le da el nombre a la película pone a los otros a hablar igual. Espantoso! Y hay que agradecer que la historia transcurre en el campo, si hubiera sido en la ciudad, hubiéramos tenido palabras del calibre de “Autobús”, “Gasolina”, “Carro” y demás. Punto MUY en contra. CONCLUSIÓN Si bien, las falencias de esta película son meramente técnicas y pueden llegar solo a molestar a los espectadores mas grandes, la historia contada es lo suficientemente tierna y entretenida como para gustarle a los mas chicos. Piñon Fijo ya en si mismo en una isntitución, y podría haber estado solo en la pantalla, mirando hacia el publico, que los mas chiquitos, fascinados por el habrían estado encantados. Pero no, por suerte hay una pequeña historia que se cuenta y se lleva adelante, muchas canciones y un payaso copado. No mucho mas, pero teniendo en cuenta que el verano es muy largo, y se hace complicado entretener a los bajitos, la verdad que una hora y media de Piñon, no viene nada mal.
¡Una película BIEN JEVI METAL! A ver, tiene un boxeador Peruano-Judío-Peronista, sangre, armas, piñas, a Kato de “Lucha Fuerte”, un excelente guión, y metallllll! No puede fallar… ¿o sí? EL INCA EL SINAI Antes que nada, va mi agradecimiento ETERNO a Nicanor Loreti, director de “Diablo”, por traer este cine a la Argentina y, aunque no voy a caer en el espantoso “aquí también podemos hacerlo”, sí quiero hacer hincapié en que nadie se anima a hacer este cine con la calidad, la altura y la factura con la que Loretti encaró “Diablo”. Justa ganadora del Festival de Cine de Mar del Plata del 2011. Cine de género del mejor, que indefectiblemente nos recuerda al glorioso Machete o a los festines sangrientos que el gran Quentin nos tiene acostumbrados. Pero solo eso, nos recuerda, nada más: “Diablo” es 100% original, 100% Argentina, 100% genial! Marcos Waisber es un boxeador retirado, una vieja gloria que, tras matar a otro boxeador, debió retirarse del boxeo. Compuesto genial y sorprendentemente bien por Juan Palomino. Quien va a tener un día un tanto bizarro. Su primo llegará con un negocio entre manos a su casa, con el que intentará “salvarse”. Obviamente todo irá mal, y ante la primera confusión del día, el baño de la casa acabará con dos cadáveres deformados, bañados en sangre y con un boxeador super BADASS saliendo victorioso de tal festín. Esa escena es la que marcará la clave de la película. Donde el “Inca del Sinai”, dirá una y otra vez que no mató a aquel boxeador, que no podía pelear y que bla bla bla, intentando esconder o negar su naturaleza “ultraviolenta”. Pero no se confundan, Marquitos es un tipo tranquilo. Lo que pasa es que tiene un día pésimo, y la casa se le llena de estúpidos, cagadores y asesinos. Y esas cosas, ponen nervioso a cualquiera, ¿no es así? LA CAMARA, PROTAGONISTA Loreti se encarga en todo momento de tener una cámara bien viva, pero viva en el sentido argento, una cámara que acompaña cada golpe, que congela gestos, golpes y trompadas. Una cámara que tira picados o contrapicados, en lugares y momentos (aparentemente) no ortodoxos. Pero todo esto tiene una explicación: el espectador no solo en un principio se puede sentir algo confundido, pero termina disfrutando de todo esto como un nuevo sabor. Todos los personajes, escenas violentas, y música al palo van a hacer que más de uno muerda la lengua y disfrute con lo que pasa en la pantalla. Y eso es genial. La diferencia de los personajes es sencillamente deliciosa: un Marcos pensante y centrado por momentos, que piensa meticulosamente tanto respuestas inteligentes, como escabeches y faenas sangrientas. Un primo piola, eje y clave en la historia, que hasta último momento oculta y sabe más de lo que dice. Un socio turbio construido de manera soberbia entre lo bizarro, lo escatológico y lo border. Así desfilan los personajes, todos diferentes, extremos y deliciosos para los paladares retorcidos que los cinéfilos tenemos. Todas estas personalidades, están retratados por una cámara que tiene su propia personalidad, su propia vida, que nos va a mostrar lo que quiere, y sobre todo, cómo quiere. TRAMA Y AUTOCONCIENCIA Perón y Evita saludan gloriosos desde los pectorales del “Inca del Sinai”, como el primero, pero no el último guiño. Desde una conversación de adolescentes en la que los personajes utilizan la palabra “puto” y sus mil derivados para intentar denigrarse mutuamente, hasta guiños en cataratas a mil películas, todo lo que pasa en “Diablo” es autoconsciente. Y a pesar de eso, esta gran película de género, cuenta con un excelente guión, con desarrollo perfecto de los personajes, una genial e hilarante vuelta de tuerca, y la esperadísima y aplaudidísima aceptación de Marcos de su asesinato boxístico al grito de “Si, lo maté, ¿y qué?”, desatando la bestia que todos queremos ver en esa casa rompiendo cabezas y pateando trastes. A todo esto hay que añadir un ridículo y, justamente por eso, efectivísimo escuadrón de la muerte liderado por Kato Quiril, quien está cada vez más parecido a “Sly”. Lleno de personajes forzados y estereotipados hasta el extremo, lo que los hace geniales. CONCLUSIÓN Sangre, golpes, tiros, trompadas, Perón, Evita, escatología, filosofía. Todo está exacerbado en “Diablo”, para deleite y disfrute del espectador. Una película que los amantes del género van a disfrutar 100%, y es por eso que está certificada. La disfruté como un niño de 12 años, y recordé las palabras de Tarantino, con las cuales ridiculizó a una periodista que decía que lo que él hacía era horrible. ¿Por qué nos gusta la violencia? “Because it’s too much fun!” Así es, nos divierte sobremanera ver estos festines sangrientos. Y más aún si detrás hay actuaciones sólidas y memorables, un guión genial y cerradito, una dirección impecable y una cámara viva que está al servicio del ojo morbo del espectador. Genial y sublime por donde se la mire. Termina el año y llegamos con mucha carga de stress, así que háganse un favor, vean “Diablo” y descarguen. ¡Van a salir pipones del cine!
Will Ferrel, y Zack Galifañss… Galoefen… Garfiline… ¡Will Ferrel y el gordito de Hangover juntos! ¿Qué puede salir mal? Con ustedes, la mejor comedia del año. CON LA RISA EN EL CUERPO ¿Cómo medir la efectividad y excelencia de una comedia? ¿Por sus actuaciones? ¿Por el nivel de chistes o gags que podemos ver? ¿Por cómo se ríe la gente en la sala? No, el nivel de efectividad de una comedia se mide en el cuerpo. Así es. Y en mi caso, salí del cine después de ver Locos por los Votos con dolor en mis abdominales y con una tos bastante molesta, consecuencia DIRECTA de lo mucho que me reí con esta película. Lejos, la mejor comedia del año. Y DIOS SIN CRACIA Es cierto, la carrera electoral norteamericana NADA tiene que ver con la argentina. Y es algo que la mayoría de la gente se encarga de recalcar y comentar casi hasta el hartazgo. Es entendible, estamos en una Argentina un tanto sensible con temas políticos, por lo cual, la gente todo lo siente autorreferencialmente. No se dejen engañar por ahí, Locos por los votos es una comedia sólida y excelente. A ver, cuando se estrenó Apollo 13 -y fue tan bien recibida por la crítica- nadie se detuvo a pensar en NUESTRA carrera espacial argenta. Bueno, acá debería pasar lo mismo. Les recomiendo sentarse y reírse un buen rato de lo que ven en la pantalla. CÓMO SORPRENDER Es el tema más complicado en una comedia, en un mundo donde todo está inventado, todo está filmado, donde la realidad supera a la ficción, The Campaign (más corto que el nombre en español) hace lo que tiene que hacer: muestra lo «inmostrable». No les quiero adelantar gags, ya que les sacaría efectividad y gracia, pero en una senda similar a los hermanos Farrely, The Campaign dice y muestra cosas políticamente incorrectas (nunca mejor utilizada la frase). Es verdad, seguramente si han leído por ahí sabrán la mayoría de los gags y chistes (una pena), porque les quita el efecto deseado. Y hasta he escuchado por ahí que Zach Galifianakis hace su personaje de siempre -cosa completamente alejada de la realidad- ya que el personaje que compone NADA tiene que ver con sus personajes deHangover o Due Date. Will Ferrel por otro lado, sí hace acordar al genial y único Ron Burgundy, pero eso no tiene nada de malo. Digamos que si vamos a ver una peli con Will Ferrel, sabemos qué vamos a ver y con qué encontrarnos, porque es en definitiva lo que QUEREMOS ver. No obstante, les puedo asegurar que, si bien algunos chistes son esperables, todo termina siendo efectivo y funcional. ¿LA TRAMA COMO EXCUSA? Los yanquis tienen entre miles de cosas reprochables una virtud, y es la de ser los primeros, y los más despiadados críticos de su propia sociedad. Esta película no es la excepción, y si bien creo que podría haber ido un poquito más al fondo con la crítica, lo que hacen los dos candidatos por el poder no es nada que no se haga realmente. Si bien no literalmente como lo vemos en pantalla, las campañas son así de desleales y traicioneras. Los dos maestros titiriteros entre bambalinas, compuestos por los completamente desaprovechados John Lightgow y Dan Aykroyd, quieren imponer chanchullos turbios con sus manejos multimillonarios, para lo cual necesitan poder manejar a los candidatos, uno por vez, llegado el momento. Todos sabemos de qué se está hablando en la película, pero con unos gags tan efectivos y con dos actores tan excelentes, pero esta comedia, en vez de hablar de política, podría habérselo gritado al público en la cara, y es precisamente allí donde esta «autocritica» se queda algo corta. De todos modos, el objetivo principal de una comedia es hacer reír. Como para quedarse pensando y estrujarse el mentón con los ojos entrecerrados, vayan a ver Michael Clayton y no The Campaign. CONCLUSIÓN En un año bastante flojo de comedias, Locos por los Votos sale victoriosa, cabeza a cabeza con Ted, porque ambas hacen esos chistes que solo decimos entre amigos y en confidencia. De eso se trata la risa, de soltar y dejar salir al demonio pícaro interior por un rato, ya que luego de la película, volveremos a guardar las formas. Locos Por Los Votos es sólida, efectiva e hilarante, quizás no acorde para la mayoría del público argentino, es verdad. Como alguien me comentó por allí: es solo apta para fanáticos de Saturday Night Live, y es un comentario bastante acertado, ya que en EE.UU este «late show» está en televisión desde el año 1975 ininterrumpidamente, y seguramente aquí en Argentina habría durado lo que una campaña política…
Volver a las bases, uno siempre lo hace cuando aparentemente ha perdido el camino, cuando cegado por el presente uno no puede ver de dónde viene. Tim Burton hace exactamente eso, se reversiona a sí mismo, haciendo una remake de uno de sus primeros cortos. Frankenweeniee es una visita a la infancia de Burton, tanto cinematográficamente como personalmente. DE LA PIEL A LA PLASTILINA Por supuesto que los personajes de Frankenweenie no están hechos de plastilina, pero así denominamos ese material, para nombrarlo rápido y de manera amena. Frankenweeniee comenzó siendo un corto con actores reales allá por 1984, con grosos en el reparto como Daniel Stern, Shelley Duvall y Barret Oliver (Bastian de La Historia Sin Fin) y una por entonces ignota Sofía Coppola. Y Si no vieron el corto en estos 28 años, ahora no lo hagan, pues la película animada estrenada por Burton esta semana, sigue aquella historia al pie de la letra. Si bien añade situaciones para darle “Densidad cronométrica” a la obra, diría un amigo mío, el esqueleto narrativo se mantiene con los tres actos intactos. Vean el corto DESPUÉS de la película, pero no dejen de verlo, porque es igual de maravilloso, con un Burton casi en estado puro y salvaje. INCOMPRENDIDO Tim Burton ha dotado a sus personajes de inmensas y diversas cualidades, pero si hay una que todos comparten por igual es la de ser incomprendidos sociales, marginados y personajes tristes con efímeros momentos de alegría. Victor Frankenstein no será la excepción. Nuestro joven héroe, es un experto mecánico y un eximio cineasta a pesar de su corta edad. Sus actores preferidos son muñecos y sets de su autoría, y por supuesto, Sparky su fiel y más grande amigo. Un Bull Terrier fiel y compañero. Quizás único amigo de Victor. Obviamente con un personaje con ese nombre podemos saber el destino que tendrá su amigo canino. O mejor dicho “los” destinos, ya que al sobrevenir uno, inmediatamente, vendrá el otro. ¿PERO ES, O NO ES PARA CHICOS? ¡Qué pregunta! Completamente en blanco y negro, cubriendo temáticas como la muerte, la resucitación, monstruos y demás, Frankenweenie es todo un desafío a las explicaciones parentales de los más pequeños. No obstante la historia en sí misma merece ser vista sí o sí, porque este es el Burton que más nos gusta y nos hace bien. Melodramático, oscuro, con una agudeza visual cinemática afiladísima y con una historia fuerte y conmovedora que contar. ¡Esto hace Frankenweenie apta para todos! Les puedo asegurar que cualquier chico con corazón va a sufrir más con Dumbo y la madre acunándolo en la trompa, con Simba cubriéndose con la pata de su padre recién muerto o con Bambi llamando desesperadamente a su madre recién asesinada por un cazador. Todas estas películas de Disney “para chicos” representan momentos de los más complicados en la infancia de cualquier niño, y grande también. ¿A qué voy con este comentario? A que allá por 1984, Disney echó a Tim Burton por “malgastar cinta filmando películas como Frankenweenie”, porque supuestamente les hacían mal a los chicos. ¡Justo Disney, que es un canto al “no pasa nada, está todo bien”! La vida no es Hakuna Matata y eso Tim Burton lo sabe muy bien. Por otro lado, la técnica de Stop-motion siempre es un atractivo para chicos y grandes y a pesar de la movida valiente y casi “descarada” (en el buen sentido) de filmar la película en blanco y negro, la historia sólo se beneficia de estos dos métodos de relato. VIDA (Y MUERTE) DE PERROS Si bien la historia a priori es un bajón, tranquilos al llevar a sus nietos y/o hijos y/o sobrinos, que todo termina de la manera más esperada. La película es un homenaje tras otro a los clásicos de terror, y mas allá de estar obviamente homenajeando a la Joya de Mary Shelley, son muchas más las obras mencionadas directa o indirectamente. El 3D se ve genial, realmente muy bien aplicado, y bajo ningún punto de vista exagerado, está implementado de manera aceitada en el raconto de la historia. Las actuaciones de quienes prestan sus voces son realmente muy buenas y dotan de vida a los personajes de manera más que convincente. Y como nota personal, estoy agradecido del respiro que nos dio Burton del tándem Depp-Bonham Carter, a mí personalmente me tenía un poco desgastado. Martin Short, Winona Ryder, Martin Landau y Catherine O’Hara se lucen en sus papeles y realmente hasta opacan un poco al joven Charlie Tahan en su papel de Victor, pero tampoco demasiado. El humor oscuro y acido de Burton se destila por casi todas las escenas y más aun en los detalles a los cuales el espectador debe estar muy atento. Frankenweenie es imperdible tanto para fans de Burton como para espectadores no fanáticos. Punto a favor para la distribuidora que ha traído copias en inglés. Desde aquí renuevo mi grito de guerra, “Cine en su idioma original”. CONCLUSIÓN Frankenweenie es el mejor Burton, aquel con el que crecimos algunos, y con el que otros se horrorizaron u odiaron. El Original, volviendo a sus bases como cineasta y contador de historias. Con una historia tan original y llena de ternura que, a pesar del humor negro, es imposible no emocionarse. En especial si son como yo, un fanático confeso y perdido de los canes cuadrúpedos. Los perros nos alegran la vida y cuando no están dejan un vacío tremendamente grande y hondo. Victor Frankenstein lo sabe muy bien cuando dice “No lo quiero en mi corazón, lo quiero conmigo”, algo que a priori puede sonar egoísta. Y en la realidad lo sería, pero esto es cine, y les puedo asegurar que tanto Victor como Sparky son muy felices de tenerse el uno al otro. Sin importar su status vital. YAPA Corto Original de 1984: (Sepan que es un Spoiler para la versión de 2012! Vean primero la película nueva si no quieren saber el final!)
El Estudio Laika se despachó con otra historia digna de verse, llena de zombies y autoconsciente. Los creadores de Coraline están de vuelta y eso solo puede ser bueno. NORMAN Norman es un chico normal, con un sólo inconveniente. Ve y habla con gente muerta. En TODOS lados los ve y conversa con ellos, lo cual le gana el mote de Freak del colegio. Así es, como era de esperarse Norman es un marginado social, víctima del Bullying. Algo que él mismo considera normal, o al menos esperable. Sus padres y hermana mayor, desde luego, no lo comprenden, lo cual lo lleva a refugiarse en películas de zombies clase B de las cuales es fanático acérrimo. Sabe que los fantasmas son buenos, y que no le pueden hacer daño, pero le teme a los zombies, pues esos son harina de otro costal. ¡BRUJA! Hay una antigua bruja que fue colgada en el pueblito de Norman, la cual cada año debe ser puesta a dormir para que no cause estragos. Todo se desata cuando el tío de Norman se muere de un infarto, y le delega a Norman la misión de contener la Bruja, quien obviamente falla, haciendo no sólo que la bruja quede suelta, sino que además los cadáveres de los 7 ciudadanos que condenaron a la bruja vuelvan como zombies caminantes. Aunque como podemos imaginar, no todo es como parece, especialmente en este tipo de historias donde el prejuzgar las apariencias suele ser un error. PARA-FRANKEN-NORMAN-WEENIE Es imposible no comparar esta película con Frankenwenie, no sólo porque las vi con un día de diferencias, si no porque además de estrenarse casi simultáneamente, sus temáticas son extremadamente similares. Niños incomprendidos, relegados socialmente, con padres que no los entienden y tampoco se esfuerzan por hacerlo, y con una relación con la muerte más que curiosa; además ambas realizadas con técnica de stop-motion. Los paralelismos son imposibles de obviar. Es más, este párrafo está incluido en ambas reviews. Quizás la temática del freak y relegado social como héroe, este más vigente que nunca. Lo curioso es que estas historias siempre tienen éxito, pero en la vida real, nada cambia. Una pena. ARTESANÍA Paranorman está hecha artesanalmente, y allí también esta su fuerte. La confección de Paranorman es IMPECABLE, visualmente es increíble, la fotografía, puesta, y personajes están confeccionados con una fineza y factura realmente sorprendentes. Quien haya visto Coraline, ya sabe qué esperar en el apartado visual. Si bien el estudio Laika no cuenta mas con el gran Henry Selick entre sus filas, Director de “El Extraño Mundo de Jack”, “Jim y el Durazno Gigante” y “Coraline”, en este caso, los que dirigen son Chris Butler y Sam Fell. Y si bien hacen un excelente trabajo, se nota una falta de chispazo de genialidad que Selick posee de manera innata. Imperdible la escena entre Norman y la Bruja, donde todo confluye de manera genial, apartado visual, guión, actuación y clímax. ¡Excelente! A nivel guión, cabe destacar no sólo la originalidad del mismo, con varios giros sorpresivos, sino también su valentía a la hora de abordar ciertos temas como la utilización de drogas, la homsexualidad y demás temas, que a pesar de ser tratados con mucha sutileza y habilidad, están presentes, lo que hace al relato más fresco y más cercano al mundo real. Incluso, estos zombies que despiertan después de 300 años, miran la televisión y se horrorizan por lo que ven en ella, y esto es una muestra cabal. De más esta decir que si bien es una historia orientada a toda la familia, hay que tener en cuenta, que cuanto más pequeño el espectador, más explicaciones deberán dar los padres cuando la película haya terminado. ¡A tener eso en cuenta! CONCLUSIÓN Paranorman es una película que es genial por momentos y creativa casi siempre. No tiene realmente puntos bajos, y la implementación del 3d es realmente muy buena. Le viene de manera perfecta a un tipo de animación como el Stop Motion. Algo lamentable es que no haya ni UNA SOLA COPIA en inglés. Lamentable. El Cine (con mayúscula) debe ser disfrutado siempre en su idioma original, sobre todo en una película de animación, donde la impronta vocal de los actores es demasiado importante como para que se deje de lado. Deberíamos poder elegir verla en inglés o español. Igualmente no llega a empañar el producto en general, mas allá de un par de chistes con juegos de palabras que se pierden con la traducción. No hay que dejar pasar a Paranorman, para aprender un poquito sobre cómo no dejarse llevar por las apariencias, e intentar ir un poquito más allá.
