Receta para la mejor película de acción del 2012: Agarrar Batman, Robocop, The Raid, Expendables, algo de Tron y una pizca de Matrix. Basarse en uno de los mejores personajes de la historia del Cómic. Olvidar el desastre protagonizado por Sly Stallone. Mezclar. ¡Servir caliente, bien caliente! Sin dudas, Dredd no solo es una gran película de acción, si no que (personalmente) le pelea el título cara a cara a “The Expendables 2”. Le gana por un pelito en profundidad. Expendables tiene la profundidad de un charco de agua, Dredd llega a una pileta de chicos. Que buena sorpresa sentarse en la sala y disfrutar de un 3D excelentemente implementado, una gran fotografía, por momentos sorprendente, un gore sencillamente delicioso, un escenario justo y elegido a la perfección. ¡QUE MENTÓN! Karl Urban, (al menos creemos que es el), interpreta al Juez Dredd en esta segunda adaptación a la pantalla del genial cómic de John Wagner. Y lo hace sencillamente de diez. Su personaje, bien caracterizado, con tintes de Robocop y Batman y aun así, con cierta originalidad, representa a la perfección el espíritu del personaje icónico. Grandote, fuerte, despiadado, incorruptible y tenaz. Todo eso es el Dredd de Urban. Les contaría algo más que suma a su caracterización pero lo considero un semi-spoiler, así que no se los voy a contar. Seguramente, lo van a leer en otro lugar, pero no saldrá de mi boca, ya que es algo que uno como espectador espera toda la película. Genial detalle. La pista esta en el subtítulo de este párrafo. Es todo un guiño al cómic británico, el cual tenía que seguir estas reglas a rajatabla para la caracterización. Otro guiño es la inclusión de la Jueza Andersson, con la cual en la tira original tiene una relación amistosa durante muchos años, y la cual no siempre es tranquila. Tal cual podemos ver en la peli. MONOBLOCK El futuro en Dredd es bien ominoso. Estados Unidos ha sido devastado por la radiación, solo queda UNA sola ciudad “Mega-City One” con 800 millones de habitantes, que en realidad son 5 estados del noreste de Estados Unidos, de Boston a Washington, una sola ciudad sin ningún pedazo de campo. Eso es todo lo que queda. En ella han surgido unos megaedificios que pueden albergar hasta 100.000 personas, llamados City Blocks. Dredd dice que la tasa de crímenes es realmente alta y que solo se puede dar respuesta a un 6% de los llamados al 911. La película, con mucho acierto, no se gasta en explicar quien es Dredd, simplemente lo va dando a entender con la trama de manera fluida. Pero por las dudas les cuento, que en ese futuro no hay sistema judicial ni policiaco, sino que ambos están juntos. Los Jueces, que son como policías implacables, atrapan, juzgan y sentencian en el acto a los “sospechosos”. Listo! Pum! Sin juicios largos, sin abogados, sin fianzas. Si te mandaste una, al Iso cubo! (como en “El Demoledor”). Si te mandaste una grave, el Juez te ejecuta en el momento. La historia arranca cuando al juez Dredd le ponen a una novata tiernita y sin experiencia ayudante, pero con notables habilidades psíquicas. Ok, suena cursi, pero funciona, ya van a ver. Ambos acuden a un llamado de emergencia en un monoblock, en el cual, al querer sacar un sospechoso para interrogatorio, son atrapados por “Ma-Ma”, un capo de la mafia de la droga. Y ahí transcurre la historia, dentro de ese monoblock, dentro de ese mundo. Lo cual es un acierto. Dredd es chica, pequeña, y por momentos asfixiante. Y es un acierto. Ni naves que vuelan, ni explosiones gigantes, nada grandilocuente. Y repito, no puedo enfatizar lo suficiente, cuán acertada fue esta decisión. Le da un approach muy creíble a la historia, en la línea del Batman creíble de Nolan, obviamente salvando las distancias y diferencias (no me linchen por la comparación, che!). Obviamente el objetivo es salir con vida del monoblocky y a pesar de ser sencilla, le cae justa al guión y sobretodo al personaje. SLO-MO La droga distribuida en este mundo es el “Slo-Mo”, acronismo por “Slow Motion”, mejor conocido por nosotros como “cámara lenta”. Esta droga hace que el cerebro crea que todo trascurre al 1% de la velocidad normal. Excusa perfecta para unos cuantos momentos cinemáticos excelentes, donde la fotografía se luce. Una persecución, una caída y un tiroteo bajo ese efecto suman muchísimo a pesar de casi abusar del efecto. Esta tan bien hecho y realizado que no solo no molesta si no que se disfrutan. Una de estas escenas se puede ver en parte en el tráiler de la película. Lo mismo para el 3D, bien aplicado y casi siempre suma, lo cual no es poco en un mundo donde las películas 3D son un desastre. Lamentable punto en contra para la distribuidora, que solo trajo copias en 3D, y ninguna en 2D, olvidándose que hay un 25% de personas a las cuales el 3D las marea o simplemente no les gusta o no les interesa. Una pena. CONCLUSIÓN Dredd 3D es una película de acción autoconsciente de las mejores cosas del género. Cruda, dura, con buena dosis de gore y extrañamente con un approach realista. Sólida desde un guión con poco vuelo pero cerradito. Con actuaciones mas que aceptables, destacándose Urban como Dredd mismo. Un festival visual de violencia y sangre con una excelente fotografía y un gran acercamiento a un personaje de cómic. Dredd aporta novedades a un género dominado por el tedio y los lugares comunes. Y teniendo en cuenta que es una película de acción, es genial y redonda por donde se la mire. Una excelente adaptación de la historieta original, y una gran elección la de contar tan solo un momento en la vida de Dredd. Recordemos que desde que Dredd fue creado en 1977 nunca dejo de ser publicado y su creador lo hizo envejecer en tiempo real, es decir año a año, no como el resto de los personajes convencionales, por lo que hoy tiene mas de 70 años. Un personaje así, es imposible de abarcar en una película, por eso es que elogio tanto la elección de contar tan sólo una anécdota en sus 35 años de existencia. Cuando la vean, van a salir hechos un trapito, van a descargar mucha adrenalina!
Rian Johnson nos trae su tercer película, la cual personalmente venía esperando mucho. Quizás demasiado, lo cual le jugó en contra a una película que si bien es buena, tiene falencias importantes. Del Ladrillo al Bucle Brick, genial ópera prima de Rian Johnson, es un policial negro inserto en el mundo de una secundaria yanqui. La premisa, a priori irrisoria, es realmente brillante y termina siendo una película que no puede dejar de verse. Luego vendrían Los Hermanos Bloom, que si bien es una película disfrutable, no es algo que te quite el sueño. Finalmente Rian, nos trae Looper, la cual venía con el agregado de contar con la ayuda de Shane Carruth, el enfermito detrás de la genial “Primer”, acaso la película más completa y compleja sobre viajes en el tiempo. Teniendo en cuenta que ésta temática, cada vez que es abordada en cine, hace agua por todos lados, era una garantía tener a un tipo al lado como Carruth para que no haya problemas y no haya inconsistencias. Pero evidentemente, se ve que mucho no lo escucharon al buen Shane. Asesino Así es, el personaje principal de la película, es Joe. Joe es un Looper, un tipo que mata gente en lugares específicos, a horas especificas.Sus víctimas son enviadas desde el futuro, donde es “casi imposible” deshacerse de un cadáver. Entonces, las mafias y bandas los mandan al pasado, donde son eliminados por los Loopers. Todo comienza (o termina) cuando Joe recibe a su propio antiguo yo para asesinar y éste se escapa. Y aquí comienzan los errores, así es, hasta acá la película es impecable. Pero jugar con la consistencia espacio temporal en un guión, es cosa MUY complicada. Tomemos Volver al Futuro,como ejemplo. Funcionaba porque la trama pasaba por otro lado, y los cambios o efectos temporales no eran demasiado tirados de los pelos. Bien. Si vamos a “La Máquina del Tiempo”, ni siquiera de eso se trata la película, si no de una crítica a la sociedad en la que H.G. Welles estaba inserto. Pero como este tipo no era un gil, hizo que su viajero transcurriera su historia en el año 800.000! Genialidad, porque si se fijan, Volver al futuro 2 transcurre en el año 2015, y yo no veo que los autos vuelen en 2 años y medio. En cambio, al setear una historia más de 800 mil años en el futuro, sacó el factor causa efecto del medio. Y sobre todo, el de un juicio de valor de la sociedad contemporánea. No creo que andemos por acá dentro de casi un millón de años. A que voy con estas aclaraciones, a que en Looper TODO tiene que ver con las causas y los efectos. TODO. Saben que mi estilo es nunca contar spoilers, pero en este caso, les contare una frase muy importante. Bruce Willis, el “viejo Joe” tiene una conversación con Gordon-Levitt “joven Joe”, en la cual literalmente le dice, “no hablemos de viajes en el tiempo, porque no entenderíamos nada”. ¿Qué? ¿Cómo? ¿Me planteas una historia con un nivel de complejidad temporal tremendo y sin embargo me decís (mediante uno de tus personajes) que no hablemos de viajes en el tiempo? Rian, ahí pifiaste feo. Y claro que sí, porque a nivel “espacio temporal” la peli hace agua, por varios lados. Joe & Joe Por otro lado, la película es buena. Tiene buenos efectos, acción y una buena historia. Joseph Gordon-Levitt hace un trabajo de caracterización de Willis BRILLANTE, realmente te crees que son la misma persona joven y vieja. Excelente. Sin embargo hay un problema grave, los personajes están construidos de tal manera que es muy difícil hacer empatía con ellos. Lo cual nos limita a ver cómo se desarrolla la historia en vez de vivirla en la piel de alguno de los personajes. Error garrafal. La trama y lo que pasa en la historia no llegan a traspasar al espectador, limitándolo a ver “una peli mas de acción”. Esto no seria malo, si estuviéramos hablando de “Expendables 2”, pero el tema es que Rian Johnsosn, es un tipo que en sus otras dos películas, doto a sus personajes de gran profundidad y multidimensionalidad. Podían ser enigmáticos o transparentes, peros sus personajes en “Brick” y “Brothers Bloom” tenían sustancia. En Looper, ambos “Joes” no tienen sustancia, y eso en un director que ha demostrado que sabe escribir, se nota y mucho. CONCLUSIÓN Si bien Looper no es una mala película de acción, sí falla en conceptos temporales, los cuales son eje central de la historia. O sea… No podes como director, escribir, dirigir y estrenar una película que se llama “Looper”, lo cual en ingles significa “Bucle” y después defenderla diciendo que lo que pasa es lineal. No se llama “Lineal” se llama “Looper”. El final de la película específicamente es lo que más falencias tiene, el cual podría (y debería) haber terminado de al menos cinco maneras diferentes, cualquiera de ellas menos la que vemos. Como dije, es una buena película, sobrevaluadísima cosa que no llego a entender bien por qué La experiencia es la de comer un queso gruyere, es rico, nos gusta, y lo disfrutamos. Pero está lleno de agujeros…
Que quede claro, a no confundir con la de Liam Neeson! Esa es “Taken” o “Búsqueda Implacable”. Esta se llama “Cacería Implacable” o (atención) “Hodejegerne” que vendría a ser algo así como Cazadores de cabezas… Si, por su nombre se dieron cuenta, esta peli es nórdica… más precisamente de Noruega. NORSK WAY! Sí, esta peli es noruega e impacta al ver ciertos detalles. No hay un solo morocho, pero no por un tema étnico, para nada, es que en Noruega no creo que haya morochos! Chistes a parte, esta peli sorprende porque a pesar de no estar inserta en el plástico mundo de Holywood, funciona muy bien. Si bien ciertas cosas “raras” se ven cada tanto, zooms que se sienten extraños, o encuadres no convencionales, estas cosas siempre se las atribuyo a la idiosincrasia del país donde esta inserta la película. Si no, vayan y lean mi review de la croata “Todo Queda En Familia”. La historia transcurre en Oslo, lugar que para nosotros argentinos debe ser tan ajeno y lleno de vikingos en nuestro imaginario, como lleno de indios tehuelches debemos estar nosotros para estos simpáticos noruegos. Dedico un párrafo a este tema, porque ES importante, tiene que ver con la historia. La historia relatada esta basada en un best seller de autor noruego Jo Nesbø, segundo autor extranjero en encabezar el puesto numero 1 de autores en Inglaterra en toda la historia. Eso no es poco. ¿Que tendrá ese petizo? Así se define el protagonista de la historia. 1.68 metros, y una mujer tamaño “familiar” noruega que lo aventaja en pinta y en varios centímetros. El se sabe inferior, por lo que para mantener un costosísimo nivel de vida, y a su mujer fascinada, se dedica a robar obras de arte. Durante el DIA es un cazatalentos (¿Posible juego de palabras con el nombre original? No lo sabremos… No sé noruego), que se dedica a entrevistar a candidatos de altos cargos en empresas de Oslo. De este modo, se entera si tienen obras de arte, si tienen familia, cuando no están en su casa, y sobre todo, si tienen perro y alarma. Negocio cerradito! Cuenta como cómplice con la ayuda de un empleado de la central de alarmas de (aparentemente) todas las casas de Oslo. El le apaga la alarma, y el buen petizo Roger Brown en menos de 10 minutos, se hace con la obra de arte en cuestión, pone un reemplazo falso y listo el pollo! Luego, vende la obra previamente colocada y con lo que le queda, paga cuentas, y compra cosas para la costosa forma de vida que lleva adelante. 100 millones de NOK (Coronas) Tras investigar un poquito, les comento que la moneda Noruega es la Corona (NOK), ¿por que les cuento esto?, porque se habla de dinero TODA la película en cifras inentendibles, así que antes que la veas, ya vas a saber que 1 euro son 7,50 Coronas, casi como el peso argentino. Así que cuando veas hablar de dinero en la película pensalo en Pesitos! El tema es que al simpático Roger le llegan noticias de que hay un cuadro que puede vender en 100 millones. Suficiente como para retirarse. ¿Quién tiene el cuadro? Un ex director de una multinacional holandesa retirado. Roger, al conocerlo, lo va a convencer de que debería tomar un puesto vacante en la ex competidora de su antigua empresa, y de paso, hacerle las averiguaciones pertinentes anteriores a cada robo. El tema es que no todo es como parece. Este muchacho holandés, es una especie de ex-soldado tipo Black Ops. Tras planear meticulosamente el robo, todo el mundo de Roger se va al cuerno. Descubre que su mujer lo engaña con el holandés, y de pronto, se vera perseguido por dicho personaje de manera… Implacable. La Otra y El Otro En el único punto flaco de la historia, Roger tiene una amante. Cosa que no es consistente con el personaje que ama, idolatra y se desvive por su esposa. No tiene sentido esta amante, más que darle un punto de inflexión interesante a la historia, el cual por razones obvias no voy a contar. Por el contrario, sí tiene sentido que la esposa de Roger lo engañe, por otro tipo de razones, las cuales tampoco voy a contar. Lo que comienza como una especie de “Caso Thomas Crown” deviene en una especie de “Bourne Identity”. Y ojo, que funciona bastante bien. Buenas escenas de acción, actores muy creíbles en lo que hacen, y un conocido; en el rol de Clas Greve (cuyo apellido, parece significar “grave”), Nikolaj Coster-Waldau conocido por su rol de Jaime Lannister en la serie “Game of Thrones” CONCLUSIÓN Cacería Implacable es un excelente thriller, con acercamientos frescos en el género, y sobre todo con actuaciones y guión sólidos. Un gran “aquí también podemos hacerlo” de parte de un país desconocido filmicamente, aunque no tanto literariamente. Buenas vueltas de tuerca, y trama cerradita para una historia impecable. Vayan a verla, lleven abrigo y dejen el perro cuidando en su casa.
¿Te gustan las películas románticas? ¿Odias las películas románticas? ¿Te gustan las comedias? ¿Te gustan los dramas? Bueno, sin importar la respuesta, yo te digo que “Buscando un Amigo para el Fin del Mundo” (de ahora en mas “Buscando…”) es TODO eso. Una película que coquetea con todas las convenciones holywodenses y con todos los lugares comunes para luego darles una vueltita de tuerca más. ENTRE LINEAS La historia está plagada de lecturas entre líneas, que no hacen más que enriquecer un muy buen guión. Vamos a ver la historia de Dodge (Steve Carrel) en el medio de un escenario poco común: El fin del mundo. Así es, un meteorito esta en trayectoria de colisión directa con la tierra y no hay nada que hacer. En 30 días se acaba el mundo. De movida, les cuento el primer juego de palabras, “Dodge” no solo es el nombre del protagonista, sino también el verbo en inglés “esquivar”. Es que asi es la vida de Dodge, se la paso esquivando y evitando cosas. Hasta que le llega una, que NO puede esquivar. Dodge se entera de la terrible noticia en el auto con su mujer, quien al escucharla, mira durante unos segundos a su marido y huye corriendo tan fuerte como le dan las piernas. Tras algunos días de hacer como si nada hubiera pasado y nada fuera a pasar, el destino se encarga de despertar a Dodge -como si un meteorito destruyendo la tierra no fuera suficiente-. Otra de las cositas para añadir en el “entre líneas” es que en una escena, Dodge se queda dormido en un parque y al despertar, tiene en el pecho una notita que dice “Perdón”, y un perrito atado en su pie. Dodge decide bautizarlo “Perdón”. Y nunca mejor puesto el nombre, el perro estará siempre presente, pero será silencioso. Porque el Perdón en esta película también está presente en todo momento, de manera silenciosa. POR LA VENTANA Así entra la vecina de Dodge a su vida. Penny (Keira Knightley) que tras una breve introducción mutua, la situación en el mundo comienza a irse a pique. Pero no todo es como muestran las películas tremendistas. Creo que esta película tiene la mejor representación de lo que sería el fin del mundo jamás llevada al cine. Es cierto, hay saqueos, pánico y demás. Pero porque esta situación solo exacerba lo que todos llevamos dentro. Los violentos, serán más violentos, los amorosos mas amorosos, los que viven de juerga, llevaran la juerga al máximo. Y así, Penny tiene un raro problema de hipersomnia, o sea se queda dormida en cualquier lado y Dodge huye de los problemas. ¡La pareja perfecta para el fin del mundo! Luego de una huida de la ciudad por una “turba iracunda” Dodge decide ir a buscar a su novia de la secundaria, después de que Penny le diera una carta que estaba guardando por error. Y le dirá a Penny que conoce a alguien con un avión, para que ella pueda ver a su familia y pasar sus últimos momentos con ellos. Así comienza esta Road Movie, llena de personajes raros, y situaciones realmente curiosas pero todas reales y plausibles dado el contexto. Pero lo más interesante de la película es la pareja que hacen Dodge y Penny. El romanticismo de lo imposible, por sus personalidades, por sus edades, y sobre todo por el momento. ¡Qué mal Timing! GUIÓN LÚCIDO El guión, es el fuerte de esta película, y hace que Carell y Knightley se luzcan de manera impecable. Siempre insertos en el casillero que les toque ocupar según su viaje hacia sus destinos. Primer película de Lorene Scafaria, tanto en guión como en dirección. Se nota el toque femenino en el timón. Pero no en un sentido lacrimógeno romanticón, sino en la sensibilidad con la que las situaciones son contadas y sobre todo con que las emociones y relaciones humanas son retratadas. Familia, amigos, amor, sexo, muerte, mascotas, música, baile, alcohol, comida, perdón, agradecimiento, aceptación, soledad y felicidad. Todos los temas son tocados, sin exagerarlos, todos con sutileza, todos con la cantidad justa. Todo luce verdadero. Todo está bien. A Steve Carell parecen sentarle bien estos papeles serios, mechados con comicidad, como en “Dan in Real Life” o “Little Miss Sunshine”, aplicando a la regla que dice que los actores cómicos son excelentes actores dramáticos. CONCLUSIÓN “Buscando un Amigo para el Fin del Mundo” fue una sorpresa muy linda. Excelente película, y el justo medio para las parejas en las que ella quiere ver una romántica y el no. Muy recomendable por los temas que aborda y sobre todo por la calidad y calidez con la que los toma. No les voy a comentar como salí de la sala, en qué estado emocional, porque sería adelantarles un final realmente redondo y genial. Esta es realmente una película para disfrutar en pareja, pero para disfrutar en serio. Y como siempre, las películas que se quedan con uno después de que terminan, tienen un plus. Esta es una de ellas. De esas que hacen reflexionar qué haría uno en esa situación. Lo único que sé, es que al salir, me dieron muchas ganas de abrazar a la gente que quiero, y sobre todo… de que me abracen…
¿Cuántas películas sobre los horribles sucesos de la dictadura tenemos los argentinos? Muchas, y seguramente, no las suficientes, pero ninguna como “Infancia Clandestina”. La cual viene como una grata sorpresa, seguramente a hacer historia en el cine nacional. Así de simple, así de categórico. “Jugando” a las escondidas “Infancia Clandestina” nos cuenta la vida y la cotidianeidad de un niño de 11 años que vive en la clandestinidad de un nombre falso, junto a sus padres militantes montoneros de alto rango durante la última dictadura militar. Contrariamente a lo que uno supone, la infancia de este chico, si bien esta llena de violencia y momentos límite, por otro lado esta llena de amor, llena de familia, llena de sonrisas, llena de lazos fraternos, de lealtad, de ideales, y de despertares típicos de la edad. De hecho seremos testigos del paso de la niñez a la pre adolescncia de Juan. Juan, elige su propio nombre clandestino para pasar a llamarse Ernesto, de este modo tras un exilio obligado en el comienzo de la historia, y un periplo que se antoja interminable entre Brasil y Cuba, en el año 1979, la familia separada y exiliada, decide volver a reunirse en la Argentina. En realidad es El padre de Juan quien lo decide, ya que cree que el momento de intensificar la lucha ha llegado. Es aquí como Ernesto entra en acción, un alter ego “social” de Juan, que será su cara visible cuando traspase las puertas de su casa. Lo ira a buscar el hermano de su padre, el Tío Beto, acaso el mejor personaje de la historia, quien lo acompañara a lo largo de la travesía que es esta historia. La Ideología del amor Si bien esta puesta en marcha que les acabo de contar, puede parecer a priori un ensalzamiento del movimiento montonero, y de sus guerrilleros y de todas las acciones que llevaron a cabo, no lo es. De hecho es algo totalmente diferente. Ahí es donde “Infancia Clandestina” gana por goleada. La visión de este niño, esta exenta del bagaje y carga política que tiene todo su alrededor. Pero no se confundan, Juan/Ernesto es completamente consciente de lo que ocurre, de la lucha que llevan sus padres, de los miedos que atraviesan, de las mecánicas del escondite, y disimulo que tiene que llevar a cabo. De hecho es este disimulo, el que lo llevará inevitablemente a ser Ernesto, un niño normal que va al colegio, que disfruta de sus amistades, que se enamora por primera vez, que comparte un beso, un abrazo femenino, una travesura infantil (o no tanto…) Ernesto/Juan vive rodeado de amor, del amor de sus padres del amor de su hermana de apenas un año, del amor interminable y entrañable de su Tío Beto, de los compañeros de armas de sus padres, de su abuela, aunque a cuenta gotas. Entiendan por favor que Juan y Ernesto son la misma persona, pero que vivirán cosas diferentes, Juan quedara latente en su hogar, mientras que Ernesto será el que desarrollara el amor preadolescente, las amistades inocentes, los bailes juveniles. En tanto que Juan será el que enfrente a los padres, el que tome determinaciones, el que sufra y este mas al tanto de lo que pasa, y en definitiva el que prevalezca. En los papeles La película tiene una factura técnica IMPECABLE, destacándose en todos los aspectos importantes. La fotografía es realmente increíble, y aunque en un principio, me pareció excesiva la utilización de primerísimos primeros planos y planos detalle, después me di cuenta, que son las cosas en las que pone atención un chico de esa edad, bien, otro poroto anotado. Otro fuerte es la actuación, destacándose en primera instancia Ernesto Alterio. Natalia Oreiro sorprende en su composición dramática, y complementa perfectamente con Cesar Troncoso. Teo Gutiérrez Moreno, quien encarna a Juan, lleva la película delante de manera perfecta, y se advierte detrás un cuidadísimo trabajo de dirección. Por último, es necesario mencionar a Cristina Banegas, quien encarna a la abuela de Juan, quien tiene una gran participación en una escena clave de la película. Otra cosa para remarcar es la utilización de animación en la película. En tres momentos específicos del filme, los cuales por ser troncales no les voy a especificar cuales son, se utiliza una técnica de animación, pero ojo, no es animación o “dibujo animado” estándar, es una sobreposición y montaje de ilustraciones, llevadas a gran ritmo y vertiginosidad, las cuales cuentan la historia de lo que esta pasando. GRAN acierto del director. Tanto estéticamente como a nivel guión funcionan a la perfección, después de todo, esos momentos a los ojos de un niño de 11 años, pueden parecer irreales, como oníricos, por eso me parece una buena elección este método de narración. ¿Suma, resta o divide? Hay que tener en cuenta algo MUY importante, este filme no ahonda en la crítica (buena o mala) de lo que fue la lucha armada de los 70s, si no que es una historia de ficción, aunque basada en hechos reales, muchos de los cuales fueron vividos por el mismo director de película, Benjamín Ávila. El mismo vivió en una casa de militantes y en la clandestinidad. Por lo que hay que ser muy cautelosos al momento de mirarla, juzgarla y asimilarla. Esta es la historia de Juan, mas allá de que su entorno sea el que ya sabemos. Si bien es nodal e intrínseco a la trama, la situación del país, y de la familia de Juan, son donde se inserta esta historia, y no al revés. Es la historia de Juan, de su primer amor, de su despertar a la adolescencia, de sus amores, de su infancia entre risas asados y tardes de sol, pero insertada donde ya les conté. “Infancia Clandestina” aporta una mirada nueva, sobre un tema ampliamente tratado por el cine argentino. Tan tratado es que las dos películas ganadoras del Oscar por la argentina, tienen esta temática, una como temática principal, y otra como temática accesoria pero omnipresente. Conclusión “Infancia Clandestina”, logra lo que se propone donde se lo propone, cuenta una historia, que no todos conocemos, cuanta que pasaba en el patio familiar de una familia militante, cuenta que se hablaba en esa mesa familiar, cuenta la historia de un niño, que es solo eso, un niño en medio de la coyuntura que supone vivir en una familia militante. Habrá perdidas, no es nada descabellado decirlo, pero son las mismas que todos como sociedad hemos tenido en aquel capítulo espantoso de nuestra historia. Descontracturemos la visión “tradicional” de la temática, miremos un poco al sesgo y podremos disfrutar, compartir y enriquecernos con la historia de Juan y su familia. Si lo hacen, les prometo que se van a ir de la sala, angustiados, es cierto, pero también llenos de amor…
Un producto televisivo en pantalla grande. Chato, sin vuelo, sin pretensiones, sin segundas lecturas y sobre todo predecible y obvio. (Nota del autor: En honor a Mariano Martínez y su personaje, esta nota no contara con “s” finales.) Esto ya lo vi La pelea de mi vida relata la historia de un boxeador, Alex (Mariano Martínez), que tras meter la pata en su carrera recién iniciada, se autoexilia en Colombia donde tra’ die’ año’ de estadía y otras macanas’ ma’, volverá a la Argentina. Una vez aquí, descubrirá no sólo que su antigua novia murió hace 5 año’, si no que adema’ tuvo un hijo con ella. Ella se casó con su archienemigo, boxeador también, quien crió a su hijo biológico como si fuera propio.Cualquier similitud con otra’ mil historia’, es completamente a propósito. Al enterarse de todo, Alex buscara por todo’ los medio’ darse a conocer a su hijo para ganarse su corazón. No sin ante’ volver al Boxeo, enamorar a la niñera de su hijo y ganarle el título mundial a su archienemigo, en una escena semi-climatica. Podría terminar aquí la review tranquilamente, pero no. Voy a ahondar un poco en esta película. Por ahí los convenzo de que no la vayan a ver. 3D unidimensional Jorge Nisco dirige esta película filmada en 3D completamente sin razón aparente. Ninguna escena justifica su 3D, NINGUNA. No tiene sentido que sea 3D. No hay cosa’ volando a cámara, no hay elemento’ acercándose a la cámara, y el único momento que se podría haber explotado para tal “maravilla técnica”, no se aprovecha. Si bien lo’ boxeadore’ tiran vario’ puñetazo’ a la cámara, cosa que podría haberle venido bien al 3D, dicho’ puñetazo’ salen de foco. Si, así de amateur como lo leen. ¿Cómo hacer sobresaltar en 3D algo fuera de foco? ¡IMPOSIBLE! Por otro lado la historia en sí carece de vuelo. La obviedad y el lugar común están a la orden del día. Les comento la siguiente escena: Alex (Martínez) vuelve al gimnasio, Emilio Disi, su coach de toda la vida lo espera, y tras decirle alguna’ cosa’, le devuelve la llave del locker. Adivinamos por la escena una relación paternal. Pero no! No alcanza! Entonce’ Martínez le dice a Disi “Usted siempre fue como un padre para mí”. Perfecto, si teniamo’ duda’, ya esta! Ya entendimo’. Pero no! Hay ma’! Disi le responde a Martínez “Y vos sos como un hijo para mí”. En ese nivel de obviedad y repetición nos vamo’ a manejar TODA LA PELICULA. La’ accione’ son mostrada’ en primer plano y luego son explicada’ al meno’ 3 vece’. Claro, ese es el lenguaje televisivo novelero. Chispa’ Sin embargo, hay que decir que al menos la película se ve bien y la sobre exposición de Osvaldo Principi (invitado obligado en una peli de boxeo de factura argenta) está bien. Federico Amador compone al villano o a veces no tan villano, dependiendo de cada escena, del ánimo del director o no sé de qué. La trama cae en lo’ lugare’ comune’ de el pobre vs el rico. Pero a la vez se cuida de no dejar tan mal parado al rico y reivindicarlo. Se explora un poco el tema de la’ segunda’ oportunidade’, pero también se elogia a lo’ que hicieron bien la’ cosa’ la primera vez. También se aborda la temática de la responsabilidad en ambos padre’. Lo’ cuale’ resultan ser excelente’ ambo’. En una palabra, si me apuran un poco, casi le’ diría que NO HAY CONFLICTO. El padre adoptivo del muchacho es un copado y le da todo. Y el biológico, también. Listo se acabo! Definamo’ que finde’ lo ve cada uno, y listo! No hay conflicto! Mariano Martínez compone a Alex y a esta altura no sé si su falta de “s” finale’ se debe a dicha construcción o no. Será que nunca lo vi hacer de Lord Ingle’, o de no se… profesor, ehm… maestro, padre de familia, no se cualquier personaje con un poco mas de lectura que el suple deportivo. Entonce’ por eso no sé hasta que punto construye bien, o no. CONCLUSION La Pelea De Mi Vida falla en mucho’ punto’, orientada a un público netamente infantil y masculino, (aunque no tanto, es Apta para mayore’ de 13) y cae en todo’ lo’ lugare’ comune’ que ya les conté. Le explica todo al espectador, y lo deja catatónico mirando lo que transcurre en la pantalla, aunque mucho no pasa. Película olvidable y ma’ que anecdótica se la mire por donde se la mire. Y ya que venimo’ obvio’ y predecible’, vamo’ a decir, que esta película pierde por Knock Out pero casi sin dar pelea, e’ ma’, esta’ cosa’ pasan por pelear fuera de la categoría. Esto es Cine, no es TV.
Qué lindo! De nuevo una peli de acción! Y cuánta acción! “Safe” (nombre original e infinitamente más corto que “El código del miedo”), hace muy bien lo que se propone. Te vas del cine con olor a pólvora y hecho un trapito, porque lo que descargás al ver tanto tiro y muertes, no tiene nombre! TRAMA NUMÉRICA La trama se centra en el personaje de Jason Statham, Luke, un luchador clandestino, el cual por no perder cuando debía, la mafia mata su mujer y lo condenan a no tener ningún tipo de relación con nadie, ya que si habla con alguien acaso para pedirle la hora, la mafia rusa, matará a esa persona. Sí, malos, muy malos! Luke deambula por el mundo, como un zombie, durmiendo con vagabundos, hasta que en el momento en el que se va a quitar la vida, en el subte, algo cambia. Ve como persiguen a una pendex asiática de 10 añitos llamada Mei. Reconoce a los perseguidores, los rusos malos! Decide defenderla, y ahí se mete de cabeza, en una lucha entre mafia china, mafia rusa, policías corruptos y las altas esferas políticas, que llegan hasta el alcalde mismo y su ayudante personal, este último, personaje clave en la trama. ¿Por qué quieren a la niña oriental? Porque es una especie de calculadora humana (suena no solo cliché, que hagan a una asiática superdotada con los números, sino también un poco ofensivo a nivel étnico, racista, bah!), pero es un dato menor, y de última, el cliché es algo bueno. Digamos no es el actor negro que sí o sí, o es chorro, o muere en los primeros 15 minutos de película. Bueno el tema es que Mei, tiene en su cabecita el número de una caja fuerte (Safe, en inglés, ahí está el juego de palabras), que tiene 30 millones de dólares. Eso es todo. Luke va a defender a esta niña con uñas y dientes. Pero cómo hace este luchador para matar tan fácil y tan certeramente! Fácil, resulta que es un ex-policía. Pero eso no es todo, resulta que es un ex-asesino secreto del gobierno, el cual fue llevado a la policía para limpiar ciertos elementos. O sea. Una maquina de matar. PISTOLAS, ESCOPETAS, PUÑOS Y PATADAS Las escenas de acción son lo mejor de la peli. Statham se luce en estos papeles, que le quedan muy bien. Lamentablemente no lo hacen legendario, pero todos los que encara, los hace bien. Este no es excepción. Lo lindo es cómo esta representada la violencia en este film. Las peleas se ven reales, los tiros crudos, directos e inapelables. Caen mafiosos chinos, mafiosos rusos, canas buenos, canas malos, y transeúntes. Todos mueren por intoxicación de plomo en altas dosis y a gran velocidad! Y suma mucho mucho, porque eso es lo que uno quiere ver cuando va a ver estas pelis. No queremos ver las meditaciones metafísicas del personaje, no. Queremos verlo partir melones y patear traseros. Statham lo hace y muy bien. Repito, la peli no pasa a la historia, pero se disfruta mucho. De la trama no les cuento más nada, pero se la imaginan. Lo que sí les dejo como perlita es la resolución de la pelea final con el más malo de todos! Es IMPERDIBLE! Dirige esta peli Boaz Yakin, director de la genial “Titanes” (Remember de Titans), y la olvidable comedia con Dakota Fanning y Brittany Murphy, de la cual no recuerdo el nombre, ni tampoco me esfuerzo en recordar. Le queda bien esta peli que además escribe. Definitivamente veré otra de acción de este buen caballero. CONCLUSIÓN No hay mucho más que decir, pero no por decir poco, eso quiere decir que este mal. Esta peli logra todo lo que se propone, como ya dije más arriba, entretiene, te llena de olor a pólvora, te hace disfrutar de muertes a tiros y golpes, tiene una trama correcta, no tiene golpes bajos ni escenas de más. Sus puntos altos son Statham repartiendo a cuanto tipo se le cruce, protegiendo a la niñita. No pasará a la historia, pero definitivamente si quieren divertirse y ver una de tiros, El código del miedo, es más que recomendable, y de lo mejor que se ha estrenado en cine últimamente. No se olviden llevar cargadores extras!
El Legado Bourne, es todo lo que nos queda de él. Esta peli es el ejemplo exacto de que algunos guionistas no pueden ser directores, o que directamente no pueden estar a la altura de la bestia que han creado. Extrañando las Verdes Hierbas El Legado Bourne es una buena película. Punto. El “de acción”, lo saque de la frase ya que es su mayor dolencia. Ya superar el hecho de que el nombre de Jason Bourne este en el título, y ni siquiera aparezca como cameo es bastante difícil de tragar. Tony Gilroy se hace cargo por primera vez de su bebe “Jason Bourne”, en esta especie de Spin Off, ya que no es ni remake ni secuela. Bueno, en cierto modo lo es, ya que los acontecimientos de El Legado Bourne transcurren entre los acontecimientos que vemos en “La Supremacía Bourne” y “Bourne: El Ultimátum”. Tony Gilroy siempre estuvo a cargo de los guiones, y Paul Greengrass en dos oportunidades y Doug Liman no solo dirigieron con maestría las tres primeras entregas, si no que con la primera parte “La Identidad Bourne”, se redefinió el género de acción. Así de simple. Todas las películas de acción “realistas” de este siglo de algún modo, copian o sacan cosas de la Saga Bourne. Realmente en esta entrega de Gilroy se extraña sobre todo el pulso de Greengrass. No quiero decir que Gilroy sea un mal guionista o mal director, de hecho “Michael Clayton” una de mis películas preferidas esta escrita y dirigida por Tony Gilroy, (si no la vieron, corran a verla.) No obstante, el genero de la acción, le resulto un poco esquivo a nuestro amigo Gilroy. Ausencia presente El Legado Bourne nos cuenta la historia de Aaron Cross, quien esta terminando su entrenamiento como agente justo en el momento en el que Jason Bourne arma toletole. Los popes del proyecto al ver que se va todo al tacho, deciden no dejar cabos sueltos, y por ende, matar a TODOS los agentes y personas involucradas con los proyectos. Obviamente Aaron se salva, e intentara salvar también a la única sobreviviente del laboratorio que le administra unas drogas que lo vuelven un súper soldado, la Dra. Martha Shearing. La pareja de Jeremy Renner y Rachel Weisz anda MUY bien. Realmente reman toda la película ellos solos. Ya que hay muchas palabras y poca acción, esta todo por demás explicado, casi digerido para que el espectador entienda todo. Casi, casi, tratando al espectador de estúpido. Jason Bourne es nombrado TODA la película, pero jamás aparece, es un protagonista omnipresente y a la vez ausente. Salvo por alguna que otra foto de archivo. El resto de los personajes de la mitología aparecen todos, de hecho, la mitología de la serie esta muy bien cuidada y se intenta por todos los medios no caer en inconsistencias. Párrafo a parte para Edward Norton, quien esta bastante desperdiciado, hace bien lo suyo, lastima que lo que le toca hacer, no esta bueno. A punto de despegar Toda la película parece una preparación para la GRAN escena de acción, es como un increyendo hacia alguna escena, enfrentamiento, o lo que sea que nos brinde una escena climática que nos deje con los ojos llenos de acción. Pero no… El Legado Bourne termina como “The Grey”, solo que la escena anticlimática de “The Grey” le sienta perfecta y esta pensada de manera magistral, y en El Legado Bourne nos vamos a quedar con las manos abiertas diciendo “no podes dejarme así”. Así es, es casi una película histérica, que insinúa todo el tiempo y falla en traernos lo que promete. Es mas, la escena climática, es como cualquier escena “común”, cuando la vean se van a preguntar que paso. Que se perdieron. La película esta siempre “A punto de arrancar” y de pronto termina. Claro, arrancara en la próxima. Pero no me mal entiendan, no es una MALA película, tan solo se queda corta de acción, y eso en una película de acción, es un pecado imperdonable! O sea una película con la palabra Bourne en el titulo, pero sin Jason Bourne es como Total Recall sin marte, Ah! Cierto! Eso también ya lo hicieron. Conclusión Si bien no es un desastre, tampoco es genial. Renner y Weizs hacen lo que pueden, se rompen el lomo para llevar la peli adelante y se nota, la reman y se ponen la peli al hombro. Pero no les alcanza. Sin embargo, si son fanas de la Saga Bourne, tendrán que verla, ya que seguramente la próxima contara tanto con Renner como con Damon interpretando nuevamente a Jason Bourne. Peli de acción, con poca acción. Mucha charla, mucha explicación y pocas explosiones. No pretendo “The Expendables 2? pero si hubiera venido mejor, al menos una mejor escena climática. Es como si hubieran partido una película a la mitad, pero no te hubieran avisado.
¡No puedo enfatizar lo suficiente, cuanto QUIEREN ver esta película! Si vas a ver la secuela de Los Indestructibles (The Expendables) es porque querés ver acción, te gustan las películas de acción, y admiras a todos los próceres del cine de acción que actúan en esta peli. Rezas porque no te decepcione, anhelas irte con la panza llena de tiros y acción y rogas que todos los cameos y participaciones de los Grosos valgan la pena. Y, ¿Sabes que? ¡LO VALE! GOLPE A GOLPE, TIRO A TIRO. ¿Como hacer en frío la review de una película tan caliente en todo sentido? Quizás lo mejor sea comenzar por el principio. Los Indestructibles 2 es la secuela de aquella peli de acción escrita, producida y dirigida por Sylvester Stallone allá por el 2010. Esta secuela intenta llevar la acción mas allá, intenta traer mas Grosos, y a los cameos anteriores darles mas relevancia. Intenta ser más grande, más explosiva, más llena de acción, más satisfactoria a nivel fan/geek, intenta llenar de guiños la historia y logra TODO lo que se propone. LA TRAMA A BALAZOS. La historia es realmente una excusa para llevar adelante toda la parafernalia de tiros, mutilaciones, desmembramientos, frases hechas, cameos y demás adelante. Por lo cual es simple, chata pero súper efectiva para este tipo de películas. Formula de libro, grupo de mercenarios va a un trabajo, algo sale mal, y la cosa se hace personal, en el camino liberan a un pueblo y salvan el día. Cualquier coincidencia con previas películas esta completamente hecho a propósito. Hay plutonio y amenazas de bomba de por medio, inocentes amenazados y asesinados, y demás de fondo, pero no es lo realmente importante. Lo que importa es la acción. Una vez que la historia esta seteada, todos tendrán su momento de gloria, chiste, frase cliché y desmembramiento/acribillamiento. Y funciona MUCHO mejor que en su antecesora, en este caso, que Sylvester no dirija beneficia claramente a la película. Que de hecho es muy superior a la primera parte. HOMENAJE Y AUTOHOMENAJE. Los Indestructibles 2 es un regalo, es un regalo que estos monstruos bañados en dinero, que no necesitan hacer más películas en su vida, te hacen a vos. Si a vos que creciste con ellos. A vos que viste El Gran Dragón Blanco, o Rambo, o Rocky 4, o El Transportador, o Lone Wolf, o Terminator, o Duro de Matar, o Romeo debe morir. ¿Acaso te pensas que las participaciones de los Grosos es al azar? Cada uno de ellos cubre un rango etario de la sala del cine. Chuck Norris entretuvo a la generación que lo supo observar en los fines de los 70 y comienzo de los 80, Sly desde un poquito antes en la década de los 70, Arnold desde comienzo de los 80, lo mismo que Bruce Willis, Dolph Lundgren y Jean Claude Van Damme que nos acompañan desde mediados de los 80, Jet Li esta con nosotros desde la década de los 90 y por ultimo el genial Statham desde finales de siglo pasado y toda la primera década de este. ¡Todas las juventudes cubiertas! ¡Casi cuarenta años de películas de acción condensadas en una sola! ¿Como no disfrutar de esta película? Si tenes hasta 50 años y te gustan las películas de acción, no podes no sentirte reflejado en al menos uno de estos personajes. Y todos están acá para vos, para revivir todas esas viejas glorias en casi dos horas de película. Los guiños y homenajes vienen en cataratas, casi todas las frases que los Grosos hablan entre ellos son alusiones a sus viejas glorias. Son tantas y tan efectivas que no las quiero echar a perder aquí. Sin embargo si les voy a hacer una breve reseña de que películas se nombra u homenajea a lo largo de esta película. La de planos y momentos “épicos” de la película no tiene nombre, todo es correcto, todo funciona bien, y sobre todo, la química que se ve entre los actores es GENIAL, es como esos partidos de fútbol a beneficio, donde viejos contrincantes por fin juegan juntos y dan un espectáculo increíble, eso es “Los Indestructibles 2”, El Enzo jugando junto a El Diego, con el Bati y el Cani, junto al Cabezón, con el Pato al arco, etc, etc, etc… Realmente muero de ganas de contarles escenas especificas, guiños específicos, pero no lo voy a hacer, prefiero que lo disfruten ustedes. A lo largo de la película se referencian y mencionan de una u otra manera las siguientes películas; La saga Rambo, la saga Terminator, la saga Duro de Matar, Good Guys Wear Black, Lone Wolf McQuade, Delta Force, Walker Texas Ranger, Snatch, Mean Machine, la saga El Transportador, la saga Crank, Pulp Fiction, Halcon, Romeo debe Morir, Retroceder Nunca, Rendirse Jamás, Cyborg, Kickboxer, Soldado Universal, He-Man, Red Scorpion y seguramente me debo haber comido alguna. Todas estas pelis están referenciadas, ya sea en frases directas, poses de los actores, vestimentas, situaciones, y un sinfín de etcéteras. Como les dije, esta película esta hecha 100% para la gente. Stallone y su dupla con Statham funcionan de maravillas, al mismo tiempo que Arnold y Bruce Willis arman un buen tandem. Hay poquito de Jet Li en la película, pero lo poquito que hay lo vale. Lundgren y sus gruñidos suecos son realmente geniales. Chuck Norris y sus frases casi sin poder ocultar la sonrisa por lo que esta haciendo, les van a arrancar mas de una sonrisa a ustedes también. Y parrafo aparte para Van Damme, quien vuelve a encarar a un “chico malo”, por primera vez en 26 años. Completan Couture, Crews y Hemswoth con aceptables momentos de acribillamiento. Y esta vez hay una chica que también tira y trompea, Nan Yu. Quizás por este abanico, una de las escenas mas divertidas de a película es cuando Stallone ante la pregunta de rigor “¿De donde son?” y tras responder “Americanos”, todos atras se le rien en la espalda, y claro que si! Si tenes varios yankis, un belga, dos chinos, un sueco, un austriaco, un australiano, un británico, y un alemán (si, Willis nacio en Alemania), todo un dream team! GORE. Hubo un momento en la preproducción de esta película que se especulo con que sea apta para mayores de 13 años, lo cual le bajaba los decibeles en un 90% a su antecesora. Los fans se pusieron literalmente como locos, hasta que el propio Sly tuvo que salir a desmentirlo. ¡Y gracias a dios! La película no escatima al momento de mostrar sangre, desmembramientos, decapitaciones y demás. Pero si hay que tener en cuenta que si bien todo esto se “muestra”, no hay primero planos generosos de tripas en el piso, no se confundan. Es solo lo justo y necesario. (Y un poquito más.) CONCLUSIÓN. Los Indestructibles 2, si sos fanático de las películas de acción, no solo no te la tenes que perder, si no que va a pasar a ser un “instant Classic”. No hay manera de que no te guste o no disfrutes de esta película. Tiene todo lo que querés, pedís y necesitas de una película de acción. Tiros, patadas, trompadas, mas tiros, Grosos, gente buena salvando a la inocente, clichés, homenajes. No podes pedir más. Si lo tuyo es la acción, ESTA es tu película del año, así de simple.
El Vengador del Futuro, se presenta como una remake fresca, llena de tecnología y nuevas ideas para mostrar. ¿Pero le alcanza con eso? En deuda No, no le alcanza. La nueva versión de El Vengador del Futuro, queda a mitad de camino entre adaptación de la JOYA de Paul Verhoeven y del genial cuento de P. K. Dick. Tiene parte de ambos y no termina siendo nada. En un momento donde (y lo he dicho varias veces), tener efectos especiales y visuales realmente increíbles NO ES MÉRITO, ya que se han convertido en un ESTANDAR en el cine de hoy. O sea, hoy en día, cualquier película tiene buenos efectos visuales. ¿Entonces qué nos queda? Volcarnos a una buena historia, bien contada, bien llevada adelante y bien actuada. Nada de esto pasa en El Vengador del Futuro. Y Dick llora… A una historia como esta, es injusto compararla con sus hermanas mayores, y a la vez imposible no hacerlo. Uno entiende que todas estas revisiones son “adaptaciones” y “basado en”, no obstante un Vengador del Futuro (o Total Recall), sin Marte es como E.T. sin E.T. o un asado sin carne. Si bien Marte funciona como una catapulta en el cuento original y como escenario para la película de Verhoeven, que no figure en esta última “adaptación” es un crimen. Es más, Len Wiseman toma más elementos de la versión de Verhoeven que de la original de Dick, en la cual por ejemplo no existe Hauser, o mejor dicho, nunca es nombrado. Cuando miraba la película y con todas mis fuerzas intentaba dejarme llevar por las buenas escenas de acción y excelentes efectos visuales, había algo que me desmotivaba. Finalmente al terminar la película descubrí qué era. A esta versión le falta el alma. Le falta magia. Esas que tienen tanto su hermana mayor fílmica como su hermana mayor en tinta. Es una entrega pulida superficialmente, pero no la raspen mucho, ya que es solo el enchapado, abajo no hay mucha sustancia. Modelo 2012 El Vengador del Futuro, nos trae nuevamente a Douglas Quaid, (nombre sacado de la peli anterior, ya que en la novela su nombre es Quail), quien muere por tener sal en su vida. Por eso va a Rekall a buscar una aventura, al momento de implantársela descubren que ya hay una igual allí, y ahí nomas se desata el infierno, nuestro pobre mecánico se transforma en una máquina de matar y despacha como 10 polis, en quizás la mejor escena de la película, la cual YA ESTÁ en el trailer. A partir de allí es todo tirado de los pelos, chato y no demasiado original. Si bien la premisa planetaria es interesante, un planeta tierra que no puede sostener la vida excepto en Gran Bretaña y Australia, donde la gente que vive en La Colonia (Australia), va a trabajar diariamente a Bretaña. Van por un tubo que atraviesa literalmente la tierra, y lo hacen en 17 minutos. Todo lo demás es tirado de los pelos, tanto si se quiere comparar con sus antecesoras, como si se quiere tomar como idea “original”. Donde lo basal de esta historia está en una pelea entre proletariado y “patronal”, cuando la original giraba en torno a que era real y que no. Y no se confundan, el afiche de la peli nombra esta frase, pero es el único lugar donde es planteado. Dick fluctúa en esta pregunta y aunque finalmente no deje dudas, te lleva de un lado al otro, y por otro lado Verhoeven, te lo deja bien abierto, sin entender del todo si lo que viste es real o no. Bueno en esta versión, eso no importa. Y es un error garrafal, es todo a media tinta, tibio, y gris. Y como antes dije sin sustancia. Len Wiseman usa y abusa de su esposa, dándole un protagonismo desmedido, y absurdo, y sin embargo del mismo modo desaprovecha al genial Bryan Cranston. Por otro lado Colin Farrell parece distraído, o haciendo todo por el puchero nomas, sin ponerle demasiada onda. En cambio Jessica Biel, está bien, es como Mascherano, quizás no luce, pero te cumple siempre. Por otro lado Len Wiseman abusa de los homenajes a la original de Paul Verhoeven, y tanto lo hace que por momentos parecen cargadas, logrando que no se sepa si en realidad le hace guiños a la versión anterior o le levanta el dedo del medio. Conclusión Esta versión sin alma de “El Vengador del Futuro”, lamentablemente no puede parase junto a sus hermanas, ni en la comparación odiosa, ni en el análisis mas minucioso de ella misma como idea original. Es decir, falla como historia, falla como homenaje, falla como remake, falla, falla, falla… No obstante, si querés ver tiros, distraerte un rato, ver una chica con tres pechos y a la Becksindale en ropa interior, podes ir a verla. Pero ya estás avisado. No tiene magia ni intriga, solo acción desmedida, y en ciertas ocasiones, si no nos ponemos muy exquisitos, es todo lo que buscamos y esperamos de una película de acción.
