WIFI RALPH pone en línea a los videojuegos y replica amistad sin límites La película "Wifi Ralph" muestra lo intransferible del juego manual frente al virtual. Un Salón de Juegos es el recuerdo de irrecuperables máquinas a fichas, manubrios y pedales con tu grupo de amigos; en equiparación a una sesión vía online con desconocidos. Por. Florencia Fico RALPH deja de ser demoledor a un restaurador en las red sociales un personaje que reivindica la amistad como premio mayor en su vida como dibujo animado. Su mejor amiga Vanellope está en etapa de crecimiento y responde con una actitud desafiante y madura sobre sus sueños ante la pérdida de su juego a manos de RALPH que cometió un error. Será la prueba de una aventura dispuesta a evaluar su lealtad. Luego de desconfigurar accidentalmente carretera del juego Sugar Rush Speefway se hace imposible jugar y entra en crisis el futuro de su primera compañera Vanellope. Las luchas de una era manual a una digital para conseguir repuestos de un manubrio en eBay; elemento que impide jugar al Sugar Rush Speedway donde su mejor amiga Vanellope es la protagonista de carreras autos. La inesperada estrategia de jugar con la sorpresa y los fantásticos desafíos. El guión interpela a los padres y sus hijos en convivencia con tecnologías que aún no pueden ser guiadas ni controladas por ellos o sus chicos. La manipulación y competición por dinero para recuperar lo que hoy ha de ser desechable lo lúdico y compartir una jugada más sin tensión ni violencia que en la actualidad abunda. El cyberbullyng a RALPH por sus vídeos en BuzzTube con sus likes o dislikes; comentarios a veces humillantes y dañinos. Su mejor amiga Vanellope está en etapa de crecimiento y responde con una actitud desafiante y madura sobre sus sueños. Halla en su forma de ser una niña con un fuerte mensaje, a las convenciones establecidas para lo que le interesa hacer a un género ya sea dentro o fuera de un videojuego. La dirección de Rich Moore provee de la creación de los mundos de Vannellope y Ralph. Ella proviene del videojuego de pilotos de carreras donde el fin es obtener el primer lugar. Es una pista llena de de golosinas, confituras y espacios azucarados. Vannellope Von Sheweets y unos cuantos niños de la competencia son partes fundamentales de la partida. Sugar Rush evoca los videojuegos de las sagas de Mario Kart y el campo de disputa de ChocoGordo en Choco Racing. Ralph viene de "Fix - It Felix, Jr" aquí el entretenimiento tiene como personajes principales a Ralph y Felix. Y su actividad era demoler el edificio y dar temor a los residentes. Uno de ellos es Félix, un muchacho que recompone todo lo que Ralph estropea. Las personas capturan a Ralph y lo expulsan a un charco de barro desde el techo. Puntapié para el comienzo de gran parte del relato. Se basa en el clásico arcade de Nintendo, Donkey Kong. Y su segundo director Phill Johnston hizo un guiño sobre el largometraje Zootopia donde él participó a partir de una cartelera que mostraba al Sr.Big. Éste personaje es un hábil ártico con mala reputación por ser el jefe del crimen en Tundratown. Es importante para recrear la esencia del vídeojuego online Slauther Race. En cuanto a la fotografía cuando se ingresa al ciberespacio y mas puntualmente a los gráficos de Slauther Race resultan tomas mas vertiginosas, donde los personajes controlan sus corredores. Se sitúa en un ambiente apocalíptico, un lugar destruido donde prima la colorimetría naranja y amarillo de su aire arenoso y un cielo en tono sepia que sería la escapatoria. En este espacio cohabitan riesgosas dificultades como: perros violentos, tiburones, otros autos u explosiones. Se da un aspecto de intranquilidad y sin lugares de descanso. Uno de los personajes más preponderantes fue Shank; una piloto con magistrales dotes de piloto y su voz es la de la actriz Gal Gadot. Quien pone en tensión la amistad entre Vanellope y Ralph cuando se encuentran en un combate por conseguir un automovil perteneciente del juego de Shank para acumular dinero. Aunque Shank les sugiere que no es la manera más adecuada para conseguir fondos y toma su celular y le hace un video gracioso a Ralph para publicarlo en BuzzTube que financia a los videos con más tendencia y "me gusta". Shank admira como manejó Vanellope en la persecución de gran aceleración y esto siembra la incertidumbre de su amistad con Ralph. La repercusión y el furor de los vídeos de Ralph hacen que él se reúna con el principal algoritmo de la plataforma Yesss que conforman un equipo para hacer virales sus producciones y así obtener el repuesto del juego de Vanellope. Pero ella es enviada por consejo de Ralph al sitio de fans de las princesas de Disney. Quienes se ponen a descubrir el origen de Vanellope y la tratan de etiquetar en base a sus historias de cuentos de hadas pero la verdad es que es una niña que siempre ha ganado en su juego y su sueño está en tomar un volante y conducir a toda velocidad. La estimulan para que se una al equipo de Shank donde ella siente que puede desplegar todo su potencial y encontrar su destino. El publicista Spamley emergente, es decir información basura; que les da la idea de robar el vehículo vuelve a encontrarse con Ralph para hacer un plan en pos de recuperar su amistad con Vanellope. La ve emocionada con Shank en su videojuego y le asusta quedarse solo lo que lo conectará a la red oscura donde un creador de virus con forma de babosa les da una serpiente de color roja que les permitirá bloquear el juego de Shank aunque al reiniciar los efectos serán casi mortales para ambos amigos. Posteriormente la confianza de Vanellope se ve defraudada por ocultarte tal acción que bien hará desmanes y los obligará distanciarse; y a la vez unirse para que vuelva a prenderse el servidor. El virus se sale de control y hace clones de las inseguridades de Ralph mina el universo de Internet ellos preguntan "¿Dónde está mi amiga Vanellope?", esa pregunta unirá a todo su ejército de imitaciones y surgirá un gigante de Ralph. En sus manos tienen a Ralph verdadero y Vanellope que buscan reconciliarse lo que hace recobrar la seguridad de Ralph y su fraternidad con Vanellope. Desarticulan el virus y Ralph asume su egocentrismo y asume el deseo de Vanellope de quedarse en Slaughter Race. Moore y Johnston hicieron posible la aparición de las inconfundibles princesas de Disney: Blanca Nieves y Gruñón, Cenicienta, La Bella durmiente, La sirenita, Bella, Alladin, Pocahontas, Mulan, La princesa y el sapo, Rapunsel, Valiente, Elsa y Anna de Frozen, Moana. La virtud de la película romper con los cánones y estereotipos de princesas de Disney en tono humorístico y musical. Por otro lado Igor de Winnie the Pooh, Sonic de Sonic the Hedgehog, Buzz Lightyear de Toy Story(Pixar), Stromtrooper de Star Wars y Baby Groot de Guardianes de la Galaxia (Marvel) . Y la estelar presencia de Stan Lee. La musicalización se destaca con la banda francesa de música electrónica Daft Punk con Harder, Better, Faster, Stronger. Cuando Vanellope y Ralph deciden pasar por la fibra óptica de la conexión a internet dando un efecto de electricidad al público y los transporta a un universo que al fin conecta por medio de cables un efecto de alto voltaje en los espectadores. PUNTAJE: 90.
Una observación experimental de personajes marginados en la superficie cultural Una mujer grande mayor ingresa a una habitación y se ve al espejo delinea sus ojos. De fondo una musicalización a base de piano , una guitarra desgarradora y diferentes enfoques intimistas. Así comienza el nuevo filme “One Shot” del director Sergio Mazza que remarca su estilo en tratamiento de personajes por separado con huellas en común. Por Florencia Fico El director Sergio Mazza lanza una nueva película que transita por el personaje de Marita que es una mujer transexual de una acotada localidad de Entre Ríos. Ella tiene una vida solitaria y ve que en su pueblo la transexualidad se la aborda como una figura sin comprensión y no como una elección de identidad. El filme de 84 minutos es apto para mayores de 16 años y es interpretado por los actores: María Laura Aleman, Chang Hung Cheng, Esther Goris y Belén Blanco. La actriz María Laura Alemán compone a Marita es una mujer transexual de 60 años que para poder adquirir su real identidad de género y pasar su desarrollo como Marita expuso a transformaciones duras para consigo misma, familiares y a su ex esposa Mercedes a quién todavía ama y toma la decisión de tomar distancia. En territorio entrerriano Sergio Mazza ya se siente cómodo fue el caso de la película El Gurí en 2015. Narra las dificultosas condiciones en un lugar aislado de pescadores, en constante inundación con mala situación económica; y sitúa a Gonzalo un niño de 10 años en ese contexto de vida y sus aspiraciones erróneas de una generación mayor a través de un viaje a otra localidad. Mazza a su vez como guionista aporta al género del drama en éste caso la separación de Marita y sus parientes por sus deseos de escoger su identidad de género. Esto se repite en la película El Gurí (2015) donde su mamá se va debido a un padecimiento de salud. Mazza captura esos estados de “transición” en Marita y la “peregrinación” de Gonzalo quíen se hace cargo de su hermana de 8 meses. Son personajes centrales y en soledad o crecimiento. Asimismo suma personajes atravesados por la pérdida o su lucha sin compañía. Tal cual como sucede en el argumento de la película “Graba” en 2010 en la cual Sergio expone a una pareja a la pérdida de sus hijos. Esta fórmula que aplica Mazza de: conflictos familiiares, descubrimientos y sueños personales, aislamiento y soledad tiñe la marca que funciona como disparador de su sello distintivo. Un ejemplo su anterior filme “Vergara”(2018) en el personaje Marcelo Vergara como un hombre distante, seco y egocéntrico que aún piensa entre su adolescencia y su actualidad. Pero hoy, con 40 años, Marcelo tiene una propuesta, un deseo que no puede sacárselo de su desordenada mente: ser papá. Su idealización en apariencia está cada vez más alejada: Natalia, su novia actual decide separarse de él. Y los análisis de fertilidad señalan que las posibilidades de engendrar son aminoran con el tiempo. En “One Shot”, la especial y característica utilización de los planos cerrados, zoom in, primer plano y detalle hacen que del filme una escena fría sin dialogo la marca de la película. A veces la cámara juega a moverse como manipulada a mano, y movimientos naturales surgen. El empleo de subtitulado explicativo de cartas enviadas a Marita y la gestualidad a la deriva de María Laura Aleman se hacen frecuentes. No son buenas noticias le informan que han alquilado su oficina lo que la obliga a mudarse. Aleman deslumbra con su lento modo de hablar, su dentadura impostada y una equilibrada trans sin cliché. “Nadie se quiere atender con vos”, le dice un escribano que se preocupa por su salud. Alemán habla entredientes y su maquillaje en tonos pastel la hace ver como una señora tranquila. Ella le responde: “¿Cómo me decis eso, a mí nadie me dijo nada?”. Hay un remarcado sobre un subtitulo ” en mi familia somos Open mind” en su conversación con el especialista, que la ubica de manera peyorativa en su puesto de trabajo y concluye” pero no lo podemos sostener empresarialmente”. “No es una decisión, yo a lo sumo decidí hacerme cargo de mí vida”, recalca Marita a su escribano. Se agregan personajes, el de una mujer(Eugenia Schilling), que describen los subtítulos como: “la rara del pueblo, fuma porro, hace circo, es DJ y es amiga del chino del super”. El es Chan interpretado por Chan Hung Cheng, la acompaña haciendo yoga y meditación. Chan provinene de Fu-Kien localidad japonesa pero se traslado a Argentina con su familia y salirse de su responsabilidad de Sensei aunque sean originarios de China. Entre sus otros trabajos hace masajes y digitopuntura. Se muestra su grupo de WhatsApp en el cual les comenta sus aptitudes y el costo de las sesiones pero todos tres abandonan su grupo. Sus familiares se enojan porque no está trabajando en el mercado. Marita tiene vestuarios de color rojo, coral, blanco, a veces usa pañuelos y en su cómoda exhibe sus maquillajes, hace caminatas y sale a hacer las compras al supermercado chino de Chan. Dos personajes unidos por su sentimiento de incomprensión social. Su tristeza, malestares y maltratos. El arte de ésta película es poner en escenas con música y sin charla el desasosiego y la tranquilidad al mismo tiempo. El ruido y el silencio. Las convenciones y las alternativas a su vez mezclarlas, hacerlas luz y sombra de éstos protagonistas”La trans y el chino”. Sus distintas formas de búsqueda de placer desde una fotografía viaja a una sacada de forma digital. La erotización es un género que puede encamarse en este filme. El placer personal y la estimulación visual sin pareja es una aventura enlazada para los dos. Esther Goris protagoniza a “Mercedes” la ex esposa de Marita quien le envía una carta que porta un mensaje contundente que deja sin palabras a todo espectador. El escrito deja en claro que quieren comprarle la parte que le corresponde a Marita en la escribanía que construyeron ambos. De pronto va a la country de Mercedes su ex mujer comentan sobre sus actividades Marita le dice que sigue componiendo música. Son con iluminación natural por lo general claros. Manifiestan sus miradas filosóficas de la existencia humana: “La vida es cambio, cambio y de eso no se puede volver” (Eráclito), dice Mercedes. Y Marita contesta: Borges ” Si la flecha del tiempo se invirtiera vos tendrías premoniciones del futuro pero es lo mismo que recordar el pasado”. Empiezan a discutir las actuaciones de Maria Laura Aleman y Esther Goris son genuinas cuando se ponen en la mesa temas como la plenitud propia y ajena. A éste capítulo Mazza lo llama “Ex marida, mujer y socias”. Sobre el egocentrismo Marita opina: “Por qué pensas que fui egoísta, si lo que yo hice fue seguir mis impulsos…Y si no encaraba esto sentia que me moría y ese no es tu cuerpo es mi cuerpo”. Asimismo recuerda los lugares de los que fue expulsada aunque Mercedes le remarca que ella le quitó a su hombre que fue. “Vos no te animas a conservar tu género, y el estar casada con otra mujer”, apunta Marita. Se descubren las negociaciones que implicaban la convergencia solapada de la transexualidad en una pareja heterosexual como el uso de camisón, maquillaje, pollera. Esta relación con una trans estaba ya prefigurada; ya se sabía de entrada a su vínculo. “Vos sos muy corajudo o corajuda no quiero ser hiriente”, señala Mercedes pero ella no quiere seguir librando estas batallas. Lo identifica como a una persona con: “aguante”, “persistencia”. Ella quiere vender la escribanía pero sin Marita con el justificativo: “Te acompañé hasta el quirófano” y contesta Marita: “Creo que esa fue tu lucha”. Otro capítulo es “La familia” y “El padre” que conjuga la aceptación de sus hijos como trans y su crianza a su vez con los nietos. La actriz Belén Blanco personifica a una artista y la hija de Mercedes y Marita. Ella tiene más confianza con Marita y le confiesa que se separó de su esposo porque se puso tenso el papá de sus nietos al verlo entrar a la escuela de los niños. En planos más oscuros en penumbras su hija le advierte a su padre como ella lo sigue llamando a pesar de su transexualidad. y le pide dinero 100.000 pesos para viajes. “Me estas pidiendo plata cada dos meses”, le recuerda Marita. Ella constribuyó para que se abra su galería. Suenan campanadas de sepulcro, algo quemándose y un toque lúgubre. Por otro lado Chan no quiere vivir más en Argentina porque se ve obligado a hacer lo que su familia dictamina y lo charla con una compañera quien lo entiende. A ella sus padres la enviaron a Argentina a trabajar en el supermercado también, ella hubiera preferido ser bailarina o pintora. El siguiente capítulo de ésta película se titula:”La trans, el patriarcado y de cómo evolucionó la charla”, el escribano roza una escopeta que nunca se había descolgado y se la pasa por encima y le indica: “Yo te digo que firmes y que dejes de romper las pelotas, escuchame la vida sigue igual con tus pelotudeces, y la escribania es un hazmereír y vos no me vas a hacer quedar como un pelotudo. Encima andas pavoneandote, Juan Carlos” . E inicia un rosario de burlas: gordo, trolo, ridículo y monstruosidad. Hay un evidente manifiesto de parte del director en contra de la violencia transfóbica y explica: “es un castigo a desafiar la norma de género, teniendo 1 asesinato por cada dos días y una expectativa de vida de 35”.
Aquaman una rebelión acuática Es una película de la editorial del comics estadounidense DC, en ésta ocasión los personajes femeninos comandan el guión del filme y aportan coraje al protagonista desorientado entre dos mundos el marítimo y terrenal. Por. Florencia Fico El argumento de la película pone en foco a el amor que surge entre Atlanna y el padre de Arthur Curry intrerpretado por Jason Momoa que evidencia que es mitad humano y mitad atlante. Comenzará una expedición que lo remontará a hallar su identidad como “mestizo” y más adelante en un ser de grandes valores sentimentales. Además conocer sí es apto para su futuro como rey y transformarse en “Aquaman”. El genero de “Superhéroes” y DC Comics empieza en 1941 con la aparición de “Aquaman” de la mano de sus creadores: Paul Norris y Mort Weisinger. Su génesis databan que era un hijo de un consagrado explorador submarino que lo expuso a distintos experimentos que le posibilitaron sobrevivir en las profundidades del mar. Asimismo poseía branquias, dentro de sus dotes estaban su fuerza y su don para expresarse con todos los animales acuáticos. Posteriormente en la época de los 50 el protagonista renovó sus inicios en el cual Aquaman era Arthur Curry hijo de Tom Curry un farero y su madre la reina Atlanna aislada de su localidad desubicada de Atlantis. También tuvo un romance con la princesa Mera, con quien contrajo matrimonio y fruto de su apasionado amor nació su hijo Arthur Curry Jr. Ya en los 60 fue participante fundador de la “Liga de la Justicia“, un conjunto súper poderoso del mundo DC con las figuras como: Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, el Detective Marciano y Linterna Verde. El universo de Ciencia Ficción estuvo presente por el departamento de animación con su gran industria de iluminación y magia. En los aspectos técnicos de cámara distintas locaciones como: un desierto, fotografía aérea, operaciones con hologramas e islas como Sicilia donde Arthur Curry encontró dónde se hallaba el tridente que contenía el control completo de Atlantis. “En este tridente reside el poder de Atlantis. Si buscas mi poder, viaja más allá del borde del mundo hacia el mar oculto. En las manos equivocadas, traería destrucción. ¡Pero en manos de un verdadero heredero, uniría todos nuestros reinos arriba y abajo!“, dijo Graham McTavish en el papel de Rey Atlan (prócer de la antigüedad oceánica). Su actuación fue destacada como un ser mitológico, con enfoques en contrapicado y alusiones a Poseidon divinidad romana o Rómulo (primer Rey de Roma). Mantis es hijo de Manta un pirata que emplea la violencia como signo de poderío frente a las personas a cambio de dinero para valerse de lo ajeno. Jason Momoa en el rol de Aquaman encuentra un espacio balanceado con una anatomía de impronta avasallante y combativa asimismo un temperamento orgulloso, virtuoso como un gigante luchador cuasi vikingo. Aunque tuvo dobles de riesgo en algunas escenas como la princesa Mera. Pero con una calidez que deja entrever sus temores, angustias, vulnerabilidades y lo inesperado de un protagonista que tiene que superar todas las batallas dentro y fuera de sus límites. El actor tomó mucho carácter debido a sus personajes en series como sheriff en “The Red Road”, las peleas con hachas en “Frontier” y por último en “Braven” cuando debe asistir a su familia tras un asalto de distribuidores de drogas. La actriz Nicole Kidman interpreta a la reina Atlanna y le comunica a Arthur:”Podrías unir nuestros mundos algún día. La leyenda dice que un día vendrá un nuevo rey. Quién usará el poder del tridente para volver a juntar a Atlantis.” En el principio de la película se la retrata como una mujer joven que luego ser herida y recogida por el farero empieza a darse un enamoramiento que finaliza abruptamente cuando los soldados altanteanos la detienen por su infidelidad. Aunque confronta a la mayoría se va y deja a su amante y su hijo Arthur. En otro momento confirma su defensa personal como característica principal para mantener a su familia a salvo. En éste estadio Nuidis Vulko un alanteano le enseña saberes para potenciar sus dotes funciona en la película como un entrenador y desarrollar los instintos de la nación de Altantis. Este personaje humaniza el universo marino e ilumina el camino que le tocará para resguardarse del príncipe Orm que quiere asesinarlo para obtener el trono. Las particularidades de un atlanteano son: visión nocturna, soportar temperaturas diferentes, respirar bajo el agua, hablar con animales y las tácticas con el tridente de su madre Atlanna. Willem Dafoe personifica a Vulko como un guardián, su ductilidad gestual puede variar a un cómplice de Orm a un aliado de Arthur. La productora: DC Comics, DC Entertainment y Warner Bros. utilizaron fabricadores de escaneo tridimencional, efectos visuales en recrear obras esculturales en grandes y pequeñas magnitudes, gráficos de videojuegos como en batallas entre Aquaman y su hermano de sangre pura real Patrick Wilson como el príncipe Orm en el círculo rojo. Escena que se predispone a disputarse la monarquía de Atlantis. Asimismo, ver especies como: ballenas, orcas y tortugas marinas gigantes.Los diferentes tiburones: martillo, blanco y azul. También: peces, rayas, anguilas eléctricas monumentales, pulpos, medusa, caballos de mar, pez espada, estrellas de mar. La vegetación coral, algas y rocas. Accidentes geográficos como: penínsulas, golfos, estrechos, cataratas y cascadas. El director James Wan puso todas sus fichas en el compendio de una historia fantástica que desenvuelve la lucha de dos hermanos por el poder absoluto del mar. Un mensaje subliminal a la humanidad que contamina ya sea con vertidos, industrias, extinción de especies o pesca abusiva y los submarinos piratas que desmantelan el continente hídrico. Esto se sostiene en el príncipe Orm que contrata a uno de ellos para deshacerse de Arthur; y la figura del actor Yahya Abdul Mateen II como Manta cobra sentido al querer vengarse de la muerte de su padre. Seguro que su madre había muerto en la “Fosa” y ese fue su móvil. Manta es hijo de un pirata que emplea la violencia como signo de poderío frente a las personas a cambio de dinero para valerse de lo ajeno. En el guión en primer lugar se ancla en la matanza de Aquaman. En segundo la batalla entre los hijos de Atlanna por el liderazgo en el espacio acuático y en tercer lugar la convivencia de ambos mundos el humano y atlanteano. Por otro lado el personaje de Amber Heard como princesa Mera interpela constantemente a Arthur mediante preguntas tales como: ¿ Crees que no eres digno de liderar porque eres de dos mundos diferentes?. A lo que el contesta que él no se ve representado de esa forma ni como un rey. Es una mujer y actriz que empondera a “Aquaman”, en tono humorístico, inocente y suspicaz. Su cualidad actoral la ubica como una gran estratega para las batallas e inteligente. Le confiesa que en Alantis siempre ha tenido un rey pero ahora necesita algo más. Y denota la ingenuidad del personaje masculino no se da cuenta que la respuesta consta de dos palabras: “un héroe”. El rey Orm es su prometido pero ella no está de acuerdo con declararle la guerra al mundo de la superficie. Amber comprometida con su papel que insinúa confianza, confianza, vigor, disciplina, valentía y personalidad brava. El amor brota desafiante entre Arthur y Mera, ambos se cuidan sin fronteras. En un esfuerzo por encontrar el tridente con mayor poder Mera y Arthur se lanzan a una batalla contra las criaturas bestiales de la nación de la “Fosa” y se produce un evento impredecible que es la existencia de Atlanna viva. Le dice que ha soportado 20 años en aquel lugar para poder obtenerlo pero entre lágrimas afirma: “Un rey solo lucha por su nación. Tú luchas por todos”. Lo que funciona como motor para afrontar su destino ser: “Aquaman”. By : Florencia Fico Puntaje: 90.
Un carruaje negro transporta a cuatro tripulantes con caballos alados “Thestrals” los llevan a un viaje donde la malicia, el miedo y el suspenso marcan el filme. La película “Animales Fantásticos, los crímenes de Grindelwald” en su trama sostiene la tensión en clave detectivesca y la incertidumbre sujeta a los fanáticos de por vida de Harry Potter. Por. Florencia Fico La sinopsis de ésta secuela comienza con el incumplimiento de su encarcelamiento Gallert Grindelwald(Johnny Deep) sale de la prisión, con el objetivo de dominar la magia y conseguir adeptos ocultando sus reales metas, que son, realzar a los magos pura sangre para liderar ante las criaturas y personas no mágicas. Sus crímenes en Europa y Estados Unidos ya presuponen una guerra en el mundo mágico. Un rejuvenecido Albus Dumbledore encarnado por Jude Law encomienda a un viejo alumno Newton “Newt” Scamander interpretado por Eddie Redmayne. El actor se hace protagonista por socorrer a los Animales Fantásticos sin tener en cuenta los riesgos que lo van a amenazar. Es un magizoologista, es decir, estudia las criaturas mágicas. El actor es versátil, la marcada gestualidad sensible, totalmente camaleónica y arriesgada. Scamander en 1926 culminaba su travesía por todo el planeta para hallar y registrar un compendio de criaturas mágicas. Entrando en Nueva York para realizar una pequeña pausa en su trayecto, lugar que posibilitaba su ingreso y salida sin altercados. Sin embargo, no para un Muggle(cero mago) de nombre Jacob Kowalski representado por Dan Fogler quien se convierte en fiel amigo de Newt. Una ocasión fallada y la huida de algunos animales de Newt, acontecieron percances en el universo mágico y el mundo real. Newt tiene una maleta llena de especies fabulosas mágicas que presienten peligro y son capaces de luchar a su lado por las más nobles causas. Pero algunos las consideran bestias que ponen el peligro a la vida humana y fue motivo de expulsión de la casa de hechicería en Howgwarts. Scamander comenta que son: “Sólo prejuiciosos ,no son raras criaturas” y propone tener mente abierta al descubrimiento de otras formas de existencia. El guión de Joanne Rowling o como la conocemos todos J. K. Rowling pone en palabras de Newt: “Tengo miedo profesor Dombledore” las sensaciones de pánico y calma cuando su profesor de Transformaciones lo ponía frente al armario de los horrores para practicar el hechizo ” Riddikulus”. “Esto es insólito, el mayor de los miedos del señor Scamander es …”, decía Albus a lo que respondió” Trabajar en una oficina”, una pizca de humor en la trama. La escritora se remonta a épocas de entreguerras ya sea la Primera Guerra Mundial y Guerra europea. Y la Gran depresión en Estados Unidos, años de crisis económica e ideológica. Escenarios violentos, mortales, criminales, donde los bandos eran aliados o potencias del eje o centrales. La derrota y los conflictos se mezclaban en la historia bélica y de agonía neoyorquina. Los argumentos del villano, eufórico Johnny Deep como Grindewald son: “La magia solo aflora en seres excepcionales”, “Aún así debemos ocultarnos en las sombras”, ” Pero lo que antes nos servía ahora a dejarlo de hacerlo”. La configuración de este mago inglés – búlgaro de sangre pura se relaciona directamente con las mismas tácticas de Lord Voldemort. Éste personaje lo revalidó su trayectoria actoral tan menoscabada últimamente. Un tirano que retumba en la conciencia de todos y congela la piel. Su oscuridad y destructividad lo ubican en el bando maligno. Solitarios, con secuaces, insignias como cuervos negros o serpientes, aspectos peculiares. Voldemort con ausencia de nariz y Grindewald con sus ojos uno gris y otro negro. Lo que busca son las Reliquias de la Muerte en formas como: la Varita de Saúco, la Piedra de la Resurrección y la Capa de Invisibilidad. Todas acentúan la memoria emotiva de los fanáticos de Harry Potter y las series de películas que se volvieron en éste filme, en nostalgia. El personaje de Nagini interpretado por Claudia Kim es una humana con una maldición sanguínea que concluye transformándola en una serpiente inmensa que luego se volvería el talismán y don sanguinario de Lord Voldemort. Kim se demuestra como una gran contorsionista convirtiéndose en una cobra. La fotografía de James Newton Howard conecta con la fibra sensible de los espectadores cuando los trasporta a revivir y rememorar espacios como el Castillo de Hogwarts. El Espejo de Oesed que muestra los más profundos, desesperados anhelos del corazón, donde Grindewald y Dumbledore hicieron un pacto de sangre y hermandad cuando eran jóvenes y aún estudiaban en la casa de magia. Ese juramento implicaba no pelearse entre ellos y se resumía en un collar que siempre conservaba Grindewald para extorsionarlo. Por eso Albus se reúne con Newt ya que asume que le han llegado los rumores de Grindewald con su misión de acaparar el mundo mágico y le pide atraparle debido a su acuerdo. Dumbledore le explica: “Yo no puedo actuar frente a Grinderwald, tienes que hacerlo tú”. Y le da una tarjeta con destino “París”. La ciudad parisina que lo refugiará cuando las cosas se pongan turbulentas y siguiendo el guiño cómico de Rowling, bromea Dumbledore ” ya sabes a tomar un té”. Las aulas también hacen rodar los recuerdos amorosos de algunos personajes como el de Newt con Leta Lestrange protagonizada por Zoë Kravitz; hija del cantante Lenny Kravitz. Él la lleva en su maletín, en una foto donde ella sonríe provocativamente. Leta es una bruja de sangre pura, su tía bisabuela política es Bellatrix. En una escena se encuentra un libro que porta en sus páginas un árbol familiar. Se vincula con el tapiz de la Casa de los Black. “Los mundos mágicos y no mágicos han estado en paz durante más de un siglo. Grindewald quiere destruir la paz”, le comentan en un encuentro a Newt un comité del Ministerio de Magia Neoyorquino, Británico y Europeo para que atrape a Grindewald. Aunque se niega por los evidentes asesinatos en ambos continentes se ve obligado a hacerlo por sus amistades Muggles. Y aplica todo su talento y estrategia en las artes de la curiosidad y el ingenio con el que investiga a sus “Animales Fantásticos”. Lo tradicional de la pericia policial y detectivesca está en un polvo de huellas que despliega Newt para encontrar a Propentina “Tina” Scamander el papel desvalorizado de Katherine Waterston, una bruja de Estados Unidos de sangre mestiza (mitad mago y humano). Ella es auror son hechiceros de altísima calificación para el Ministerio de Magia. Los objetivos de estos magos es capturar a los brujos tenebrosos como lo es Grindewald y en un futuro Voldemort que convertirá a Harry Potter en un auror más por su victoria contra el maléfico ser “Voldemort“, se asocian para matar a los Muggle(Mortífagos). La toma de evidencia como una pluma negra que los orienta en la aparición del hermano de Leta. “Corvus” fruto del segundo matrimonio de su padre, su madrastra fallece y su medio hermano fue apartado de su genealogía . El muchacho interpretado por Ezra Miller e identificado falsamente como Credence Baredone, era maltratado y reprimido por su madre adoptiva Mary Lou Barebone asociada a un grupo anti brujería “No-Maj”. Era torturado y abusado por su familia y construyó una personalidad introvertida y poco valiente. Al quitarle sus aptitudes mágicas lo hizo un Obscurial. Miller en pose tiene descontroladas formas de reacción. Es una lectura psicológica que hace Rowling quien le aporta a este personaje una forma de expresarse en forma explosiva, drástica y demoledora. El amor platónico entre la hermana de Tina Queenie Goldstein (Alison Loren Sudol) y Jacob Kowalski hacen una mixtura entre la comedia romántica y la tragicomedia. Ella bruja está locamente enamorada de Jacob y él cero mago pero muy simpático y leal hacen una dupla divertida que pende de un hilo muy delgado. Ella quiere casarse y el está indeciso lo que provoca una separación con fines poco agradables e inciertos. Una aliada a Grindewald le da un mapa y la seduce con la idea de poder contraer matrimonio de forma legal con Jacob. No muy diferente al Mapa Merodeador de los gemelos Fred y George Weasley. Jacob no quiere que Queenie caiga en la trampa de Grindewald y encuentra la dirección y en conjunto con Newt, van a la caza de Grindewald y su ejército perverso. Los siguen los empleados de los ministerios de magia tanto europeos como neoyorquinos. “Hermanos, hermanas el tiempo se acelera, mi sueño aquello que enarbolamos, la verdad, el amor. El momento ha llegado de asumir el lugar que por derecho tenemos en el mundo en donde nosotros los magos seamos libres. Únanse a mí o mueran “, dice en un auditorio Grindewald. Hechiceros y Muggles como: Jacob y Queenie. Algunos quedarán hipnotizados por la oratoria de Gallert y se unirán a sus filas y otros escaparán para encontrar un mejor destino. La duración de 133 minutos ya no es novedad en las películas producidas y guionadas por la británica J. K. Rowling. Son larguísimas y hay ganas de comer baldes repletos de pochoclos para seguir recargando pilas e intriga. La dirección de David Yates hace que cada instante siembre dudas, misterios, sin respiro y redobla la adrenalina de los espectadores hasta la última frase de Johnny Deep. El género policial acaparó al fantástico/mágico donde las preguntas eran las varitas iluminadas para seguir los caminos de la aventura cinematográfica anclada en un mundo más realista e intimista. PUNTAJE: 85
Corazones en tinta oscura Campesinos cantan a una cámara inadvertida en un ambiente blanco y negro. La película bicolor “Cold War” es escenario de amor poético con música como núcleo pasional a contramano de la Guerra Fría. Por Florencia Fico El filme resume el romance entre dos sujetos de distinto origen uno burgués y otro rural. Además personalidades sin punto de conexión, sin embargo el paso del tiempo los junta indefinidamente. En épocas de entreguerras como la Guerra Fría y la Segunda Guerra Mundial. Los compositores polacos interpretaron bajo fuerte presión política como la del dictador soviético Iósif Stalin; Secretario General del Partido Comunista de la Unión Soviética. En este filme se evidencia cuando las letras lo realzan. Por ejemplo: “De los sabios, amados por todos, Maravilloso Stalin, las canciones más bellas de nuestra edad son cantadas”, dice un fragmento de una obra para celebrar diferentes encuentros en teatro. Pero para no desobedecer al sistema se enfocaron en el mundo del folclore o en los idearios de la música de Polonia. La producción sacó a relucir el” Ligawka” que es una trompeta autóctona de madera y cuernos de sauce; signo de antigüedad; que avisaba sobre peligro o pastoreo. Asimismo otros más clásicos como el: violín y piano. El sector regional canta sobre: violencia, prohibiciones, angustias, temores, llantos, separaciones. “Golpeé, lloré, ella no sabía. Así que apoyé mi cabeza sobre la piedra . Los pies en el umbral . Abre amor mío . Por temor de Dios”, expresan dos hombres mientras un niño mira; en una zona sumida por el hielo y abrigos de piel para detener el congelamiento. La película polaca es dirigida por Pawel Pawlikowski y su título original es: ” Kimna wojna”. Los protagonistas son: Joanna Kulig y Tomasz Kot, que por 88 minutos personifican a Zula y Wiktor. Tomasz Kot and Joanna Kulig in Zimna wojna (2018) Ella es viene de una localidad marginal y simula ser del país para ingresar a una compañía folclórica. El jurado la investigó por asesinato a su padre. Se justifica:“Me confundió con mi madre, así que usé un cuchillo para enseñarle la diferencia”. Wiktor es parte del jurado y director de orquestas, un claro contraste con Zula, posee conocimientos en música y es un pianista impecable. Pawlikowski es guionista con Janusz Glowacki y despliegan una trama romántica que une a Wiktor y Zula. En un campo soplando los pastizales ella le susurra: “Estaré contigo hasta el fin de mis días”. El director utiliza elipsis se trata de saltos en el tiempo y espacio; el publico no deja de seguir la secuencia de esos intervalos. Las pausas y silencios de una era más lenta. Tomasz Kot and Joanna Kulig in Zimna wojna (2018) En una canción explaya “Corazón , no te importa la paz, corazón es genial estar vivo, corazón es tan bueno que eres así, gracias corazón por saber amar así”. Su talento la lleva a irse de gira a Moscú, Berlín y Varsovia, pero en París graba su simple y ocurre un distanciamiento. Pero ambos confían en el ingenio del otro. Wiktor trabaja en parís como instrumentista en películas y en el bar L’Eclipse donde el jazz lo abraza como lenguaje en la soledad. Wiktor en pleno aislamiento con Zula tiene una relación con Juliette una poetiza. Le compone temas a Zula que la ponen en jaque sentimental. Los celos empiezan a brotar. “Muy lejos de ti. Lentamente me desvanezco. Como una sombra en la noche”, describe Zula sobre su estado desilusionado. Aunque decide casarse con Zaczmarek(Borys Szyc) su manager y compañero de Wiktor. La fotografía de Lukasz Zal en Black and White demostró una sensación de película de época. Primero, mediante tomas a ferrocarriles en movimiento y su interior que mostraba humo como máquinas a vapor de un tiempo inmemorial. Segundo, por las escenas opacas de la pareja protagonista en capturas largas y cortes con fundidos negros separadores del tiempo. Tercero cuando se contempla un templo en ruinas y se enfoca en el fondo del recinto una figura divina, en una pared, un rostro desfigurado por el derrumbe y una cúpula rota que sólo hace de agujero al cielo. También desenvuelven bailes típicos de la población polaca. Con saltos y piernas elevadas. “Uno, dos, tres, uno, dos, tres, ¡Enganche y vuelta!”, dice otra jurado llamada Irena interpretada por Agata Kuleszca. El repertorio es su arte popular.
Su alteza Queen: el éxito sonríe a los valientes de una banda insaciable Taconeo en forma de canción, amplificadores voladores y una voz que se instala en el alma en remolinos. Vibran las alfombras de la sala y los espectadores siguen en coro. Es un juego ensamblado que propone el filme biográfico “Bohemian Rhapsody: la historia de Freddie Mercury“, con el conjunto musical conformado por: Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon. por Florencia Fico La película es una conmemoración a la banda británica Queen, de su música y del supremo vocalista Freddie Mercury que rompió estereotipos y quebró las convenciones para transformarse en uno de los “Showmans” más adorables del planeta. La proyección muestra el desenfrenado ascenso a la cima de la industria musical por medio de sus inmortales temas y su sonido en constante metamorfosis e innovación. Asimismo insinúa su género dramático los periodos de depresión y enfermedad del cantante que se movía por fiestas que sólo hacen ver su soledad. Las peleas con los miembros de la banda que terminan por diluir momentáneamente al conjunto. Tras años de separación Mercury se desespera por volver y rencontrarse con su conjunto musical previo al Live Aid. Se trata de dos conciertos elaborados el 13 de Julio en 1985 de forma simultánea en el Estadio Wembley (Inglaterra) y en el John F. Kennedy(EE.UU) con el fin de acumular fondos en beneficio de las naciones de África Oriental en especial Etiopía y Somalía. Por un lado se hace referencia al SIDA; enfermedad que peligraba la vida de Freddie. Poniendo en riesgo a la figura central de la banda en uno de los recitales de rock más multitudinarios de la historia. Por otro lado, destacó la influencia universal atemporal que causaría un conjunto musical que se asemejó a una familia y sostenes de toda su trayectoria. La duración de la película es de dos horas y 15 minutos con la dirección de Bryan Singer, Dexter Fletcher y Roger Taylor. El guión le pertenece a Anthony McCartern y Peter Morgan. La musicalización por John Ottman y fotografía Newton Thomas Sigel. Cámara y estudios se mezclaron para recrear escenas de una banda llena de emociones: notas musicales, gestos enérgicos, poses, giros, coreografías, roles, fuerza, lucha, victorias, amistad, lealtad, conversaciones profundas, intimidades pero también, soberbia, egocentrismo, individualidad, enojos, egos, luchas por los privilegios de enfoque de los miembros de la banda. A veces las sesiones eran bastante largas y se veían el esfuerzo y sacrificio por la prolijidad de sus piezas musicales. Las sesiones de estudio de grabación componían un: ecualizador; con el objetivo de acrecentar o bajar ciertas frecuencias, compresor o sintetizador; y un sector de monitoreo conectado a los altavoces o parlantes pertinente para escuchar lo que esta registrando y escuchando. El reparto de los protagonistas fue: Rami Malek como Freddie, Josseph Mazzello como John Deacon (bajista), Ben Hardy como Roger Taylor(baterista),Gwilym Lee como Brian May (guitarrista), Lucy Boynton como Mary Austin(única novia de Mercury), Aida Gillen como John Reid(primer manager de la banda), Mike Mayers como Ray Foster( ejecutivo de EMI), Allen Leecch como Paul Prenter( segundo manager de Freddie), Aaron McCusker como Jim Hutton( último novio de Freddie). Imagen relacionada Y los papeles secundarios los cumplieron: Michelle Duncan como Shelley Stern, Ace Bhatti como Bomi Bulsara el papá de Freddie, Ian Jareth Willamson como NY Clubber / Former Lover de Freddie, Dickie Beau como Kenny Everett (amigo de Freddie en momentos de adicción a drogas), Tom Hollander como Jim Beach; él más prolongado manager de la banda y sus miembros individuales. En principio Farrokh Blusara más conocido como Freddie Mercury provenía de una familia de origen indio y parsi. Era balijero aeroportuario. Residía en Reino Unido y su padre tenía un lema para su vida: “Buenos pensamientos, buenas palabras, buenas acciones”, esto refiere a la filosofía religiosa de la familia Blusara. El Zoroastrismo se propicia por los aprendizajes del profeta y reformador iraní Zarathustra. Resultado de imagen para freddie mercury fAMILIA Freddie Mercury se sube a la montaña rusa de las bandas británicas cuando la banda “Smile” se diluye y él se propone como vocalista suplente pero a su estilo “espero ofertas” y con su nombre original Farrokh Bulsara. El conjunto estaba formado por: Roger Taylor en batería y Brian May en gritarra. En el primer recital de Freddie causó problemas técnicos con su micrófono porque no le dejaba moverse. Lo que lo destacó en la pisada escénica y lo quebró a la mitad; y desde ahí marcó diferencia entre otros artistas. El recorría, bailaba, saltaba y se arrastraba por el escenario de punta a punta era su ring de boxeo. Posteriormente, de conformar Queen Freddie conoce a su primera novia y mejor compañía para toda su vida Mary Austin. Quien por su porte y mirada seduce a Mercury y él le coquetea con un “Que lindo abrigo”; y de ahí nace el romance que lo hace florecer como artista y persona. Ella lo llama “su majestad Queen”. Se destaca una escena que el toca una canción en el piano en el piano que vendría a ser el principio de Bohemian Rhapsody, después de hacer el amor con Mary. El montaje de su departamento era un hervidero de gatos; al menos tenía 7; por todas partes. Sus mascotas lo definían un ser independiente, limpio y que podía renacer de su dolor. Asimismo, se podía ver que el diseño de la tipografía de “Queen”, la diseñó él. Con un estilo de realeza o título nobiliario de algún escudo monárquico(varios discos poseen esa esencia). Se pudo ver el contexto monárquico y demócrata que duró en los años. La familia de Freddie tenía en su casa un retrato de: Isabel II del Reino Unido y vídeos de Lady Di ’70 a ’80. Rami Malek fue el superhéroe de los vestuarios que van desde que empezó la película con: un mameluco de jean, musculosa blanca y jeans con brazalete brillante por las tachas. Entre otros atuendos y accesorios tales como: sacos de piel, camisas coloridas, (acebradas, hindú, pantalones y camperas de cuero negro, zapatillas, túnicas floridas, anteojos al estilo aviador (Rayban Aviador), sweters de lana, siluetas ajustadas, monos (elastizados, llenos de lentejuelas y mangas de amplias, a rombos blancos y negros), disfraz de rey y sado. Los géneros textiles predominantes fueron: terciopelo, seda, algodón. Los cortes de sus vestuarios para los shows fueron confeccionados a medida y ajustados a su piel o sueltos como alas de un pájaro blanco. Se hace un paneo con pantalla partida entre el público y la banda cantando “Love of my life”, compuesta por Freddie Mercury para su novia Mary Austin a quién le pidió matrimonio y creyó el amor de su vida. Los espectadores levantaban sus manos, seguían el truco mágico que les ponía Freddie, aplausos, onomatopeyas, gritos, pogo y baile y sentimentalismo. “Tu le diste hogar a ésta casa”, le manifestaba Mercury, en su departamento que se hallaba en frente de el de ella. Siempre jugaban con sus veladores, efecto de iluminación calidad, y aunque no pudo concretarse la relación fue un apoyo incondicional Mary para Freddie. A ella le confesó su bisexualidad tras largas giras en América del Norte. Se llamaban telefónicamente, sin embargo, las distancias, el alejamiento paulatino de Freddie y sus palabras empequeñecieron su amor. De un saludo tierno como: “Hasta luego, te quiero” a un “Adiós” sobrio. En uno de sus cumpleaños hicieron presentación de sus familiares y se sacó un álbum que contenía una fotografía documental de Freddie y su imagen era de un niño boxeador. Experimentaba con su futuro segundo manager, Paul Prenter sentimientos encontrados; es decir su decisión sexual homosexual; y a veces tríos con otros hombres. En la creación del tema musical “Bohemian Rhapsody”, se hace eje en la repetición del estribillo “Galileo”; en referencia a un astrónomo florentino condenado por herejía por la Inquisición asimismo. En Herefordshire una casa de retiro de Mercury; donde Roger Taylor, tuvo que repetir muchas de veces su falsete de “Galileo” hasta lograr la nota que dirigía Mercury. Era un lugar apartado de Londres, al que fueron los músicos, aire fresco, pasto, estancia de granja donde el gallinero se acoplaba a los agudos de Taylor. “A donde sea que me lleve el viento”, componía una parte de la canción que sumaba Resultado de imagen para Herefordshireuna duración de 6 minutos. La canción fue una mezcla de óperas cómicas shakespearianas, musical y drama griego. “Las formulas son una pérdida de tiempo”, dice Freddie. El DJ y comendiante Kenny Everett, fue el único que pasó su canción por partes en su radio y sus oyentes la pidieron todo un fin de semana. En este parte se hace un fundido entre el piso radial y la pecera de ejecución de los programas con las sombras de los miembros de la banda parte del vídeo oficial del tema. El número 6 era predestinado al éxito. El tema fue grabado en 6 estudios de grabación, duró 6 semanas de elaboración. Además 6.5 fueron las copias vendidas en Reino Unido. En esa era sólo poseían cintas analógicas como las de casete y fueron 24. Las radios eran reticentes a la duración del tema no entraba dentro de sus cánones de tiempo de canciones tradicionales. Ray Foster,ejecutivo de EMI, no quiso arriesgar su inversión en esta obra maestra. “Nunca lo haré”, comentó. Llegan a la televisión por medio de la cadena Dutch Tv Top of the Pops 1974 donde se los trasmite como videoclips con el tema: I killer Queen. Despues en BBC y sus sesiones en estudio. Entre otras fronteras, Freddie saltó fue la censura de su videoclip por MTV “I Want to break Free” por restricciones de la época. Al portar hombres vestidos como mujeres o travestidos: “Dicen que soy un prostituto sexual”. En otras noticias se pasan titulares por ejemplo: “Los hombres detrás de Freddie, que se creen, qué esconde”. Lo lleva a un lugar solitario y rechazado, con un carácter soberbio, en fiestas gays donde lo alababan. Un Freddie impotente, violento y fuera de control; no advierte sus adicciones al alcohol, drogas y sin el cuidado de enfermedades de transmisión sexual. Paul Prenter tiene especial papel en éste caos. Lo definen sus acciones como: gestor, manipulador y lo lleva a absorberse en él mismo. La banda Queen no estaba aislada de estos comportamientos lo veían: individualista, llegaba a destiempo, drogado y con pocas ganas de seguir luchando por su música. Tal fue el punto que, Brian May se impuso como compositor y tomó las riendas con el resto de la banda y marcó un nuevo rumbo. Siempre disputando el poder del grupo, discutiendo, llegó el día que se dispusieron a estar a las trompadas, pero no, con un zapateo despertó a un Mercury que estaba confuso de su liderazgo y fue al ring nuevamente con “We will Rock You”. Asimismo, ocurrió con John Deacon que de nuevo mirando una riña entre Freddie y Roger. Puso calma con unos acordes en su bajo y surgió “Another one bites the dust”, autoría de John. Resultado de imagen para Paul Prenter queen Debido a estas pujas, Paul Prenter llevó a Freddie a cancelar shows, despojarlo de su vida social, su simpatía, empatía, amistades y familiares como lo era su banda Queen y Mary. La separación se hizo efectiva y se concretó el plan de Prenter. Le ocultaba contratos para cantar, le mentía y traicionaba con chantajes para no decir su “homosexualidad” en los medios de comunicación. Pero duró poco para que Prenter por una suma valiosa de dinero expresara los detalles íntimos de Mercury y apareciera una enfermedad como el SIDA. Un tema difícil de tratar en la prensa y personalmente; ya que no se tenían los recursos medicinales o avances científicos; para combatir el contagio del virus de la inmunodeficiencia humana. Mary fue a verlo a Freddie y le abrió los ojos a Mercury. Le evidenció sus incomunicaciones, las deficiencias de su actitud frente a su banda que fueron más que un conjunto musical eran parientes, los desaires a su familia y con ella. Le confesó su embarazo y él no fue cortés; y ella concluyó en que cómo no estaba enterado de los conciertos de Live Aid. Esto fue la gota que rebalsó el vaso de problemas que tenía con Prenter y se separó de él. Paul opinó en un programa de televisión: “en los nueve años que he trabajado para el grupo jamás he visto a Mercury con una mujer”, “durante las giras solía pasar la noche con un hombre diferente”,”Freddie nunca dormía en los mismos lugares que el resto de la banda” o “…frecuentaba clubs gays y nunca se acostaba antes de las 6 o las 7 de la madrugada” y manifestó el descubrimiento de la infección. En esos momentos Freddie ya cantaba limitadamente, hacía trabajos con bajo entusiasmo y sin pasión el tiempo le era arena en los dedos que frecuentemente eran enfocados. Freddie vuelve a contactarse con su manager de toda la vida con Queen y solitario Jim Beach para volver a conectar a la banda y realizar el concierto. Freddie ya era distinto otro temple, un rostro más altivo, proactivo, animado y ansioso por disolver los problemas con la banda Queen y sus miembros. Mercury llegó primero a la reunión y lo hicieron esperar media hora. Como él hacía con ellos, lo hicieron salir de la oficina para reírse de él un poco. Pero ya eran hombres maduros, con hijos y esposas, no había tiempo para perder y lo solucionaron. Pero con una condición que; a partir de ahora los temas de cada uno tengan reconocimiento individual y no como posesión de Freddie. Mercury tosía con gotas de sangre, era crónica y al ponerse a ensayar con la banda su voz era áspera y le costaba llegar a las notas. Sufría agotamiento, transpiración lo que lo llevó a declararle a la banda que que era portador de SIDA y que eran necesarios descansos. Al hospital que concurria Freddie un niño canta “Eh Oh” parte de una composición de: “I Want It All”. Éste punto de relación era el que albergaba entre sus fans de seguir la letra. Era su diálogo personal con ellos donde él se sentía un hombre real. Con una voz que perforó el cielo, épocas y es icono de una renovación musical, sexual, identitaria y pudo lograr que el Live Aid recaudara con su actuación 1 millón de libras; ardían las llamadas con las donaciones. El guión fue la música, sus protagonistas y los espectadores que rebotaban los pies con las canciones, era una misa donde cada uno elegía el tema que le gustaba para seguirlo con un repertorio dificultoso de organizar. Las idas y vueltas de los directores que se iban por diferentes motivos, Singer por acusaciones de acoso, Fletcher por enfrentamientos con el elenco y Roger Taylor tomó la conducción de la pieza cinematográfica. Quien más que un amigo, miembro y baterista que pudo observar todo desde atrás y adelante. Taylor ha escrito canciones conmovedoras de Queen como: “Sheer Heart Attack”, “I’m Love With My Car”, “Radio Ga Ga”; con Mercury “A Kind Of Magic” “Breakthru” e “Innuendo”. Roger Taylor Vienna 1.11.2008.jpg Para destacar hubieron efectos tridimensionales de sus giras mediante poses típicas de Freddie contorneadas en neón. Desde las que se proyectan a los espectadores los países que visitaron en : Magic Tour, The Works Tour, Hot Space Tour, The Game Tour, Crazy Tour,Jazz Tour, News of the World tour, A Day at the Races Tour, Gira Verano Tour, A night at the Opera Tour, Sheer Heart Attack Tour, Queen I y Queen II. La producción estuvo a cargo de: Coproducción Estados Unidos – Reino Unido; GK Films, New Regency Pictures, Queen Films Ldt, Tribeca Productions, Regency Enterprises y distribuida por 20th Century Fox.